Анализ книги Г. Вёльфлина «Основные понятия истории искусств: проблема эволюции стиля в новом искусстве»

Реферат

Генрих Вельфлин с восемнадцатилетнего возраста знал, что будет заниматься изучением культуры. Уже в двадцать четыре года он пишет книгу «Ренессанс и Барокко» (1888 г.) — спорный, неровный, но, безусловно, талантливый труд, который положил начало новому взгляду на произведения эпохи – стиля, который был раскритикован или даже осмеян его современниками. «В книге “Ренессанс и барокко” классика превращается в своего рода инструмент исследования барокко, которое Вельфлин открывает для себя, покоряясь этому стилю, одновременно будучи несколько шокирован им»[1].

Однако, подход Вельфлина – взгляд на обе эти эпохи через призму своего времени — дал толчок к изучению произведений искусства как таковых, без учета персоналий.

И через двадцать пять лет, в 1915 году Вельфлин издает фундаментальный труд «Основные понятия истории искусства». Эта книга заложила основы формального метода в искусствознании, что означало переворот в анализе и изучении произведений искусства как произведений безымянных, произведений вне персоналий. Вельфлин предложил анализ произведений по формальным признакам.

Его идея — «искусство без имени», вызвала сильное неодобрение со стороны консерваторов. В основном упреки касались того обстоятельства, что Вельфлин рассматривал произведение, игнорируя личность автора, что на тот момент было неприемлемо, и положительной оценки эпохи барокко, к которой в то время было принято относиться скептически. «Наименьший успех идеи Вельфлина встретили в Италии. Иначе и быть не могло. Идея «истории искусства без имен» должна была вызвать отвращение в стране, где издавна царил культ индивидуальности, в стране, где и была канонизирована биография как жанр истории искусства»[2].

Однако именно труд «Основные понятия истории искусств» лег в основу формирования иного, более масштабного взгляда, ставшего столь важным для последующих поколений искусствоведов.

I. Цель и задачи автора исследования

Цель книги Вельфлина – на основании сравнения различных произведений выработать универсальный язык описания этих произведений. Язык, не зависящий от конкретного стиля, а подходящий для любого периода развития искусства. Также этот язык должен быть универсальным для любого жанра искусства (архитектуры, живописи, скульптуры).

7 стр., 3424 слов

Дота, история мира, языки рас, связи героев, судьба героев. тактика Dota

... в ущерб себе и своему здоровью. Готовясь к сочинению, я прочитала слова чешского писателя Габриэля Лауба: « Герои нужны в минуту опасности, а в ... зрителю ответ известен, так же как и ход решения, и в жизни тоже такое нередко бывает со слишком типичными людьми. Некто ... Цыденжапов – единственный, кто в надводных силах флота нашей страны удостоен высокого звания Герой России в мирное время. А еще, надо ...

Здесь необходимо сделать оговорку, для разъяснения некоторой путаницы с терминами. Вельфлин на протяжении всей книги употребляет слово «классицизм». В современном понимании «классицизм» — это универсальный (т. е. охвативший все художественные жанры) стиль, сложившийся в эпоху Просвещения (конец XVII и большая часть XVIII вв.).

У Вельфлина же термин «Классицизм» – достаточно формальное понятие, относимое им преимущественно к произведениям эпохи Ренессанса.

В словаре «Стили в искусстве» есть два термина, описывающие «классицизм». Первое определение, которое дает Власов «классицизму» — стиль в искусстве XVII – XIX вв. Второе же — «классика», про него он пишет «Классицизм – художественное направление, ориентированное на искусство античности»[3].

Уже в эллинистическую эпоху и времена Октавиана Августа, искусство Древней Греции V-IV вв. до н. э. было принято в качестве эталона. Следующим классическим этапом можно считать Ренессанс: «Подобное содержание в понятие классика вкладывал первый историк искусства 18 века И. Винкельман…»[4].

Таким образом, термины «классицизм», «классика» и «классическое искусство», Г. Вельфлин трактует, как «образцовый», «первоклассный» (от лат. classicus), по отношению к Ренессансу. Такое долгое объяснение терминологии обусловлено тем, что слова «классицизм» и «классическое искусство» в данной работе будут иметь значение, которое придавал им Г. Вельфлин.

Вельфлин ставил перед собой несколько задач. Первой и основной его задачей было выработать универсальный язык анализа произведений, используя метод противопоставления (и в качестве основных понятий использовать термины «барочное» и «классическое»).

Следующей его задачей стала попытка доказать, что данный язык универсален для всех видов искусства (архитектура, скульптура, живопись).

Но, наряду с основными задачами, стояло еще несколько дополнительных. Вельфлин хотел показать, что этот метод применим для любого исторического периода развития искусства, а так же хотел сознательно отказаться от персонифицированного подхода к анализу произведений (безличностный анализ дает возможность возникновения «чистой» теории искусства), установить закономерность общих изменений человеческого восприятия искусства, в историческом контексте. «В каждую данную эпоху осуществимы лишь определенные возможности, и определенные мысли могут родиться лишь на определенных ступенях развития»[5].

Кроме того, он хотел выявить тот факт, что «развитие не всегда совершается одновременно в различных искусствах»[6].

Структура книги

Книга Вельфлина «Основные понятия истории искусств» состоит из трех частей: Введения, Заключения и основного корпуса книги, состоящего, в свою очередь, из пяти разделов. Разделы делится на главы, включающие в себя несколько подглав.

Первый раздел «Линейность и живописность» включает в себя пять глав: «Общие замечания», «Рисунок», «Живопись», «Пластика» и «Архитектура».

В главе «Общие замечания» автор формулирует одно весьма емкое понятие, которое, по сути, можно применить ко всем описываемым им видам искусства (живописи, пластике, архитектуре): «линейное представляет вещи, как они есть, живописное — как они кажутся»[7].

5 стр., 2074 слов

Искусство классицизма

... позиции в литературе. В период Французской революции 18 века просветительский классицизм лег в основу революционного классицизма, который главенствовал во всех сферах искусства. Практически выродился классицизм в 19 веке. Как художественный метод классицизм представляет ...

Таким образом, одной из особенностей классики является статичность вещи, вне зависимости от того, движется она или нет. Противоположностью этому стилю является барокко, которое во всем стремится показывать иллюзорность и движение мира.

Для иллюстрации этой идеи в первых трех главах Вельфлин использует произведения Дюрера и Рембрандта. Яркость примеров как нельзя лучше показывает то, что хотел выразить автор в данном разделе, а именно различия между линейностью (графичностью) и живописностью. В первую очередь, линейность достигается за счет ярко выраженного контура, позволяющего глазу «как бы ощупывать края предметов»[8], в то время как живописность существует только в виде ярких, неточных, световых или красочных пятен.

Глава «Пластика» мне показалась довольно сложной для восприятия. И то, что пытался объяснить автор, я смогла понять только благодаря примерам. Скульптуры Бернини и Пюже обязаны своей живописностью обилием ломаных линий, драпировок и сложных ракурсов. А пластика Майано и Сансовино линейна за счет изолированности каждого отдельного элемента и отчетливого силуэта. Классическая скульптура как бы стоит в веках, барочная – стремится оторваться от пьедестала.

В Архитектуре классицизма «тектоническая форма будет выступать как нечто доминирующее»[9], телесное и явное. Живописность барокко же в этом плане достигается за счет некоторой незаконченности, театральности и декоративности; за счет изобилия форм, создания иллюзии постоянного изменения.

Для более полного и логичного восприятия следующего раздела книги – «Плоскость и глубина» — стоит разделить включенные в него главы по принципу объемности форм и осязаемости. Таким образом, с одной стороны будет находиться «Живопись», а с другой – «Пластика» и «Архитектура».

Говоря о глубине, автор замечает, что данное понятие присутствует везде в контексте изобразительного искусства, правда, где-то в меньшей степени, а где-то — в большей. Классический стиль изображения основан на расслоении плоскостей в произведении. Здесь все пространство картины равномерно динамично. Барокко же использует «…живое движение в глубину, которое еще более подчеркивается освещением и перспективой»[10], динамика раскрывается через сложные схемы.

Именно в этой главе Вельфлин отводит отдельное место анализу портретной живописи. Это связано с тем, что в произведениях данного жанра довольно сложно выявить глубину. Однако автор настаивает на этом, говоря, что в портрете глубина может быть достигнута за счет расположения фигуры, освещения и ракурсов.

Что касается «Пластики» и «Архитектуры», то тут стоит отметить обилие ракурсов и выступающих из общей композиции деталей, а также наличие специального пространства, такого, как ниши, эркеры, внутренние дворики и пр. Все вышеперечисленное по большей части свойственно барокко.

В разделе «Замкнутая и открытая форма» Вельфлин уже в названии вводит два новых термина — тектоничность и атектоничность. Под тектоничностью автор подразумевает четкий порядок, в котором господствуют по большей части симметрия, ярко выраженные горизонтали и вертикали, с помощью которых создается ощущение законченности произведения и его равновесия. Кроме того, пространство картины строго ограничивается, по выражению Вельфлина, «заполнение картины определяется ее площадью»[11].

13 стр., 6170 слов

Эстетические принципы барокко

... жизни. Эстетические принципы барочного мировоззрения разработаны также в трудах испанских философов и теоретиков искусства барокко: Бальтасара ... своеобразия барокко имела работа Г. Вельфлина "Ренессанс и барокко" (конец XIX в.). Специфической чертой барокко автор считает ... Художественное барокко ярко выявило стилевые черты в поэзии, архитектуре, живописи, музыке. На развитие эстетики барокко ...

Атектоничность не несет в себе никакой строгости, старается завуалировать ритм (как вертикальный, так и горизонтальный).

Она склонна к асимметрии и создает ощущение свободы, выводя действие за пределы основных композиционных границ.

Свойства тектоничности и атектоничности скульптура приобретает при взаимодействии с архитектурой. В данном случае ограничивающим началом будут служить подиум, постамент, место (ниша, стена) и ракурс. Пластика может стать частью архитектуры, а может «отстраниться» от нее, выйти за рамки, предписанные архитектурой. И тогда, повинуясь логике свободного размещения фигур в интерьере, только барочная архитектура способна будет интегрировать атектоничную скульптуру.

Говоря о тектоничности и атектоничности в отношении архитектуры, Вельфлин оговаривает один очень важный момент: «Живопись может, архитектура должна быть тектоничной»[12].

И это ее непреложное свойство. Но понятия «закрытая форма» и «открытая форма» к ней применимы.

Классическая архитектура тектонична по своей природе и не пытается завуалировать это. Наоборот, строгие ритмы архитектурных деталей только подчеркивают закрытость, ограниченность формы. Барочная архитектура, хоть и не может быть атектоничной, но всеми средствами старается создать такую иллюзию. Она создает диссонанс, ломает четкий ритм вертикальных и горизонтальных членений, вуалирует несущие конструкции изобилием пластики, нарушает пропорции, играет с фактурами и декоративностью. И все это ради того, чтобы создать «феномен страстного напряжения»[13].

В разделе «Множественность и единство» Вельфлин выделяет только две главы – «Живопись» и «Архитектура». Также с самого начала он оговаривает, что «перед нами не восхождение от более бедной к более богатой форме, а два различных типа, являющиеся, каждый в своем роде, предельными достижениями»[14].

Речь идет об отношении целого и его частей. Классицизм достигает единства образа за счет самостоятельности каждого отдельного элемента картины. У барокко другая цель. Художник не стремится к статичной, упорядоченной красоте разъединенных элементов. Для него главное – зрелищность, движение.

В барокко все части как бы связаны и взаимоподчинены друг другу. Части целого невозможно вычленить, они, по выражению Вельфлина, «спаяны». Парадокс, но именно эта несвобода и рождает ощущение свободы и динамичности.

Данный принцип применим не только к многофигурным произведениям, но и к портрету. Так, даже может указывать на принадлежность к определенному стилю. В классицизме он подчеркивает вертикальную форму лица, а в барокко подчиняется объединяющему движению фигуры.

Классицизм по природе своей нарративен, созерцателен, он «охватывает … длительный отрезок времени»[15].

Барокко же нацелено на изображение мгновения. Фактически это кульминация, «самый острый момент действия»[16].

Так, пейзаж, в классицизме спокойный и уравновешенный, в барокко предстает как необузданная стихия. Именно поэтому «возможность изображать величие моря»[17] появилась только в эту эпоху.

Глава «Архитектура» Вельфлин начинает с того, что при возникновении новой системы форм отдельные элементы «несколько назойливо выпячиваются»[18].

Однако с течением времени такая тенденция проходит. И «множественность» архитектуры классицизма уже складывается из самодостаточных деталей и элементов, не обособленных от общей композиции. Это совершенно не соответствует композиции архитектуры барокко, где детали работают как неразделимое целое на общую идею автора, «они подчинились господствующему мотиву, и лишь взаимодействие их с целым сообщает им смысл и красоту»[19].

7 стр., 3108 слов

Просвещение и наука, литература и изобразительное искусство, ...

... архитектуры. Другое направление в архитектуре приняло стилизацию деревенского декора изб, орнаментов народного прикладного искусства, вышивок. Третье направление было основано на ... За успехи в рисовании» должен был представить картину на тему «Мир в Валгалле», однако, молодые бунтари во главе ... барокко. Это привело к господству стиля эклектика. В середине XIX – начале XX веков в дворцовой архитектуре ...

В завершение основной части своего труда Вельфлин ставит раздел «Ясность и неясность», который, так же как и предыдущий, включает в себя главы «Живопись» и «Архитектура». Сначала автор объясняет смысл данного раздела на примере импрессионизма, говоря, что «Он утверждается не в результате натуралистического подхода — не потому, что зрительное восприятие дает нам не вполне ясные картины, — но вследствие наличия вкуса к “трепетной” ясности»[20].

У каждой эпохи своя ясность. Для барокко ясность заключается в движении, но назвать ее неясностью было бы неверно. Недаром для барокко Вельфлин вводит дополнительный термин — «условная неясность». Ибо она отражает короткий отрезок времени, как остановленный кадр, т. е. она только визуально не отчетлива.

Но и ясность классицизма не всегда предельно ясна. Вельфлин говорит о том, что для классицизма полное изображение деталей хоть и не было правилом, но было весьма типичным, что четко показано на картине Леонардо да Винчи «Тайная », где видны обе руки у каждого персонажа, тогда как на картине Рембрандта «Синдики суконщиков» видно всего лишь пять рук у шести человек.

В главе «Архитектура» Вельфлин указывает на то, что классической архитектуре свойственны обозримость и полная видимость ее форм. По его выражению, это – «исчерпывающая ясность»[21].

Барочная архитектура, напротив, не любит показываться вся. Для нее необходим определенный ракурс, который не давал бы зрителю полного обзора, который оставлял бы, так сказать, некоторую загадку.

III. Основные идеи и выводы

В книге «Основные понятия истории искусства» Вельфлин делает попытку разобраться в «хаосе» искусства. Только наблюдая за процессом смены стилей, можно найти логику. Но наблюдать необходимо не с субъективных позиций, а при помощи научного метода. Метод должен быть нагляден, прост и доступен.

Его основная идея – найти механизм упорядочения визуальных искусств, структурировать его и понять закономерность, управляющую развитием искусства. Это возможно, только если анализировать этот «хаос» какими-то понятными, рассудочными категориями. Сам Вельфлин говорит о том, что его пары категорий созерцания по внутренней логике очень близки категориям Канта[22].

Правильность выбранных категорий он исследует, анализируя искусство XVI – XVII веков, и приходит к выводу, что изменения в искусстве протекают от линейности к живописности, от плоскостного к глубинному, от замкнутости к открытости, от множественности к единству и от абсолютной ясности к относительной. Эта закономерность не зависит от воли художника, это — процесс исторический. И хотя индивидуальность важна, но она все равно подчиняется «грамматике и синтаксису»[23] эпохи. Наряду с этим существуют национальные особенности и особенности школ. Но и они вливаются в систему большого стиля, стиля эпохи.

5 стр., 2251 слов

«Основные художественные стили Нового времени»

... от предрассудков и безотчетных действий, стремился управлять собой. Основные стили эпохи Нового времени и их характеристика. Искусство отразило многие проблемы и ценности бурной эпохи. Переплетение ... медленно угасающие утонченные рафинированные чувства. Протореализм. Это особое явление в художественной культуре Нового времени, впитавшее как элементы барокко (Веласкес, Рембрандт), так и дух раннего ...

Бинарные оппозиции, которые автор применяет для сравнения классицизма и барокко, оказываются применимыми и для других стилей. Вельфлин находит закономерности в периодичности повторения одних и тех же тенденций в искусстве. Это не точное копирование. Вельфлин видит это развитие как «картину спирального движения»[24].

Детально проследив процесс рождения барокко из классицизма, Вельфлин задается вопросом: каким образом барочная форма превращается обратно в классическую. «Почему эволюция всегда отскакивает к исходному пункту?»[25] И приходит к выводу, что причиной тому внешние обстоятельства. Человек устает от однообразия, им движет постоянное желание новизны.

Заключение

Основные понятия, введенные Вельфлином в его книге – это практически первая и притом удачная попытка выработки универсального языка описания и анализа произведений искусства. Он создал эффективный инструментарий теории искусства и дал возможность использовать сравнительный анализ, когда в сравнении двух произведений наиболее отчетливо выглядят отличительные черты каждого из них. Через полвека эти принципы получили название «бинарные оппозиции»[26] и стали основой структурализма[27].

Основные понятия, введенные Вельфлином, универсальны для любых произведений искусства: живописи, графики, архитектуры, скульптуры. Кроме того, на основании сравнительного анализа отдельно взятых работ, принадлежащих разным эпохам, вырабатываются общие закономерности стиля этих эпох. Вельфлин выделил их риторические особенности и закономерности. Так, классицизму свойственны пропорциональность и линейность. Барокко же стремится уйти от плоскостного воспроизведения мира, делая упор на незаконченность произведения, его глубину.

Основные понятия теории искусства, будучи вписаны в исторический контекст, показывают внутренний вектор развития стилей (что и подтверждается историей искусства): от линейного к живописному, от замкнутости к открытости, от ясности к неясности и т. п.) и это можно проследить не только на примере больших стилей. Вельфлин доказывает, что и географические, исторические и национальные особенности также поддаются анализу при помощи рассматриваемых пар. И он выводит ряд закономерностей, свойственных южным и северным художественным школам.

Однако, при сопоставлении автор зачастую руководствуется своим субъективным выбором произведений. Его метод достаточно формален и не особенно учитывает индивидуальные условия создания того или иного произведения (например, у того же А. Иванова эскизы – живописны и динамичны, а картина (например, Явление Христа народу) — замкнута и линейна. Также мне показалось, что в сопоставлении основных понятий невольно прочитывается некоторая субъективная оценка автором того или иного стиля (линейное — хуже, живописное – лучше, замкнутость – хуже, открытость – лучше и т. д.).

Кроме того сам текст довольно сложен для понимания. В нем видны все стилистические особенности, свойственные барокко.

Однако, несмотря на вышеперечисленные «субъективные» детали, все же с уверенностью можно утверждать, что Генрихом Вельфлином была создан объективный и всеобъемлющий способ анализа и описания произведений искусства.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ, Литература:

[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/osnovnyie-ponyatiya-istorii-iskusstv/

17 стр., 8050 слов

Методические указания по выполнению курсовых работ по истории ...

... типа курсовых работ: историко-искусствоведческое исследование; работа по теории искусства; работа по критике. Историко-искусствоведческое исследование Историко-искусствоведческое исследование предполагает по возможности более полный сбор материала по теме, который позволит решить задачи, поставленные в курсовой работе. Например, по истории создания произведения искусства. ...

1. История истории искусства: От Вазари до наших дней. М.: Прогресс – Культура, 19с.

2. Основные понятия истории искусства. Проблема эволюции стиля в новом искусстве. М.: В. Шевчук, 20с.

3. О Лотмане // Лотман по семиотике культуры и искусства. СПб.: Академический проект, 20с.

Справочно-информационная литература:

[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/osnovnyie-ponyatiya-istorii-iskusstv/

4. Власов в искусстве. Словарь. СПб.: 1995. – 672 с.

5. Руднев культуры ХХ века. М.: Аграф, 1997. – 384 с.

[1] История истории искусства: от Вазари до наших дней. М.: Прогресс – Культура, 1994. С. 134.

[2] Там же. С. 136.

[3] Власов в искусстве. Словарь. СПб.: 1995. С. 280.

[4] Там же. С. 280.

[5] Основные понятия истории искусства. Проблема эволюции стиля в новом искусстве. М: В. Шевчук, 2009. С. XXXV.

[6] Там же. С. XXXIX.

[7] Указ. соч. С. 24.

[8] Там же. С. 22.

[9] Там же. С. 75.

[10] Указ. соч. С. 94.

[11] Указ. соч. С.153.

[12] Там же. С.174

[13] Там же. С. 179.

[14] Указ. соч. С. 183.

[15] Там же. С. 206.

[16] Там же. С. 206.

[17] Там же. С. 208.

[18] Там же. С. 218.

[19] Указ. соч. С. 218.

[20] Там же. С. 232.

[21] Там же. С. 259.

[22] Указ. соч. С. 267.

[23] Там же. С. 266.

[24] Там же. С. 277.

[25] Указ. соч. С. 276.

[26] Руднев культуры ХХ века. М.: Аграф, 1997. С. 38 – 39.

[27] О Лотмане //Лотман по семиотике культуры и искусства. СПб.: Академический проект, 2002. С. 10 – 11.