Музыка ХХ века
Реферат А. Ракитина
Развитие мировой музыки в ХХ столетии шло столь быстрыми темпами, описать все направления, течения и ответвления в одном реферате не представляется возможным. В астоящем реферате я решил осветить развитие и течение тех жанров, которые я считаю наиболее характерными для этого временного периода либо наиболее близкими для меня лично. К последним относится в первую очередь советская музыка, потому как она является в большой степени отражением истории моего народа.
Мне кажется будет объективным показать историю развития советской музыки на примере творчества нескольких ярчайших композиторов. Для себя я выбрал лишь троих: С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович и Арам Хачатурян. Разумеется, ими не исчерпывается список выдающихся композиторов советской эпохи. Но, мне кажется, работы трёх очень разных, самобытных творцов достаточно полно характеризуют музыкальную картину того времени.
С. С. Прокофьев
Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля 1891 года в Сонцовке Екатеринославской губернии. Музыку он слышал в доме с самого рождения. Мать Мария Григорьевна играла сонаты Бетховена, мазурки и ноктюрны Шопена, пьесы Чайковского. В пять с лишним лет Серёжа уже сочинил фортепианную пьеску под названием «Индийский галоп». Вскоре появились и другие сочинения. Мария Григорьевна была и его первой учительницей музыки.
Окончив в 1904 году консерваторию, Прокофьев много лет выступал как пианист во Франции, Испании, Англии, Америке, Японии, на Кубе и во многих европейских странах. Повсюду композитор играл свои сочинения, а его новые оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так, в 1921 году в Чикаго состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева «Любовь к трём апельсинам» (по сказке итальянского писателя Карло Гоцци).
В том же году композитор закончил третий концерт для фортепиано. Самые лучшие сочинения Прокофьева тех лет были посвящены Родине.
С. С. Прокофьев
«Стальной скок», оказался наивным, «индустриальным». «Прокофьев путешествует по нашим странам, но отказывается мыслить по-нашему», писали зарубежные газеты о премьере балета, поставленного в Париже и Лондоне в 1927 году. За границей Прокофьев встречался со многими выдающимися деятелями искусства (композиторами Равелем, Стравинским, Рахманиновым, дирижёрами Стоковским и Тосканини, киноартистом Чарли Чаплином и многими другими).
Но атмосфера лихорадочной художественной жизни Парижа 20-х годов не удовлетворяла его.
Каким был омск 100 лет назад сочинение на английском
... В Центре города, на пересечении Водоканала и парка им. 30-ти летия ВЛКСМ находится древнейшее растение города — белая ива, посаженная более ста тридцати лет назад. Это дерево ... нравится его уникальная природа и я горжусь достижениями промышленности нашей малой родины. Омск стремится быть экологически чистым и устойчивым городом, где жители могут наслаждаться красотой окружающей ...
«Ромео и Джульетта» (по трагедии Шекспира).
Нужно отметить, что до Прокофьева крупные музыканты, писавшие балетную музыку, не решались обращаться к шекспировским трагедиям, считая, что они слишком сложны для балета. Прокофьев пишет музыку не только для театра, но и для кино. Например, «Александр Невский»(1938г), «Иван Грозный»(1945г).
В произведениях советского периода композитор особенно стремился к ясности, доступности, простоте. В эти годы написана опера «Семён Котко» (по повести В. Катаева «Я сын трудового народа»), а также симфоническая сказка «Петя и Волк».
Главной работой композитора в годы Великой Отечественной войны была грандиозная патриотическая опера «Война и мир». Прокофьев и раньше задумывался над тем, чтобы воплотить в музыке образы великого произведения Льва Толстого. Интересно, что опера «Война и мир» написана не на условный стихотворный текст либретто, а подлинный текст романа. Прокофьеву важна была сама интонация толстовской речи, которую он сумел передать в музыке.
«Величию человеческого духа»; первая серия кинофильма «Иван Грозный» — новая совместная работа с Сергеем Эйзенштейном; светлый сказочный балет «Золушка»; опера «Повесть о настоящем человеке»; балет «Сказ о каменном цветке»; сюита для детей «Зимний костёр».
Последнее законченное произведение Прокофьева — Седьмая симфония — было задумано вначале как симфония специально для детей, но в процессе работы приобрело более широкое значение — мудрой симфонической сказки, утверждающей красоту и радость жизни.
Умер С. С. Прокофьев в Москве 5 марта 1953 года.
Арам Хачатурян
«Вальса» по «Маскараду» Лермонтова, или танца с саблями из балета «Гаяна» сразу чувствуется — это музыка Хачатуряна. Чувствуется особый колорит восточных мелодий, стремительность танцевальных ритмов и особая красочность оркестра.
Арам Хачатурян
Арам Хачатурян был выдающимся армянским композитором, чья музыка близка к народным традициям и отличается национальным характером. Он родился 6 июня 1903 года в городе Тбилиси в семье торговца. С детства Хачатурян проявлял замечательные музыкальные способности. Его увлечение музыкой и фантазия подталкивали его к импровизации. Однако он всегда помнил, что фантазию нужно обуздывать строгой формой.
Чтобы развить свой талант, Хачатурян поступил в Московскую консерваторию, где продолжил обучение. В течение проведения учебы он создал несколько симфонических и камерных произведений, проявляя свой индивидуальный стиль. В своей первой симфонии, которая стала его дипломной работой после окончания консерватории, Хачатурян продемонстрировал выдающийся талант и замысел. Его первая симфония состоит из трех частей, в которых сочетаются легкие литургические темы с энергичными танцевальными мотивами.
В дальнейшем Хачатурян создал блестящий фортепианный концерт с оркестром, который отличается ярким национальным характером и при этом остается классическим по своему стилю, в духе концертов Чайковского. Помимо симфонических и камерных произведений, Хачатурян также писал музыку для кинофильмов. В его оркестровках слышны национальные элементы и стремительность танцевальных ритмов, которые придают его музыке особую напряженность и выразительность.
Симфония № 5 (Шостакович)
... часть), фортепиано, челесты и струнных. Приём Пятая симфония Шостаковича стала беспрецедентным триумфом. Музыка встретила положительный отклик как ... содержательность и создав многомерность. Он нашел язык, при помощи которого мог говорить с властью все последующие годы. Музыка ... яркой, энергичной темой у медных духовых на фоне литавр[5] . Побочная партия, благородная и призывная, сначала звучит у ...
Одним из его значимых работ является концерт для скрипки с оркестром, который по стилю и характеру музыки близок к его фортепианному концерту. Композитор посвятил этот концерт одному из выдающихся скрипачей своего времени, Давиду Ойстраху. Позднее Хачатурян также создал балеты «Гаянэ» и «Спартак», а также другие произведения, такие как «Ода памяти Ленина». Арам Хачатурян скончался в 1978 году, оставив после себя огромное наследие в музыкальном искусстве.
Дмитрий Шостакович
Первым опубликованным произведением Шостаковича стали «Три фантастических танца», которые он написал в 1922 году, когда ему было всего 16 лет. В то время Шостакович, несмотря на получаемую стипендию в консерватории, вынужден был подрабатывать, играя на сеансах немого кино. Его дебютная симфония, Первая симфония, с первых нот привлекла внимание зрителей своей оригинальностью. С этого момента начинается широкая известность Шостаковича.
В последующие годы Шостакович создал ряд симфоний, опер «Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда», а также балеты «Золотой век» и «Болт». Он также написал музыку к спектаклям и кинофильмам, расширив свою область творчества. В 1937 году Шостакович завершил работу над своей Пятой симфонией, в которой ему удалось найти свой уникальный выразительный язык и тему. Это произведение стало символом зрелости композитора и его великолепного мастерства.
Творчество Дмитрия Шостаковича в послевоенный период
Послевоенный период стал особенно творчески плодотворным для выдающегося композитора, пианиста, общественного деятеля и педагога — Дмитрия Шостаковича. В этот период он создал множество произведений, оставив незабываемый след в истории музыки ХХ столетия.
Одним из самых значимых произведений, написанных в послевоенные годы Шостаковичем, является его Седьмая симфония. Симфония была написана композитором в блокадном Ленинграде и впервые исполнена в марте 1942 года. Седьмая симфония наполнена глубокими эмоциями и посвящена героическим людям, борющимся за победу над врагом, а также отражает красоту и гуманизм русского народа.
В течение послевоенного периода в творчестве Шостаковича можно встретить тему суровых военных испытаний. Он воплотил её в трио и Восьмой симфонии, усвоивши весь ужас и масштаб войны. Однако, с каждым новым произведением, он все больше стремится к преображению, борьбе за мир и гармонию. Прекрасным примером этого является его Десятая симфония, посвященная борьбе за мир и устремления к гармонии. За эту работу композитора в 1954 году ему была присуждена Международная премия Мира.
Шостакович продолжает свою творческую жизнь после Второй мировой войны, создавая разнообразные произведения. Он активно работает над написанием Второго фортепьянного, скрипичного и виолончельного концертов, а также оратории «Песнь о лесах». В его репертуаре также присутствуют хоровые поэмы, 24 прелюдии и фуги для фортепьяно, романсы и музыка к кинофильмам.
Одной из значимых симфоний Шостаковича стала его Оденнадцатая симфония. Прозвучавшая в 1957 году, она названа «1905-й год» и стала первой программной симфонией композитора.
Полифонический роман: лирика, гротеск и макабр в музыке и жизни Шостаковича
... Можно попытаться назвать его самые выдающиеся сочинения, созданные в различные творческие периоды. Опера “Нос” (1928) “Нос”, созданный Шостаковичем в конце 1920-х годов, – одна из важнейших опер ХХ ... Сам композитор говорил: “В “Носе” элементы действия и музыки уравнены. Я пытался создать синтез музыки и театрального представления”. Для своей оперы автор выбрал инструментальный состав, не превышающий ...
Всего же Шостакович создал 15 симфоний, каждая из которых вносит свой вклад в мир музыки и открывает новые грани его творчества.
Дмитрий Шостакович останется в истории не только как талантливый музыкант, но и как выдающийся творец своего времени. Его творчество в послевоенный период олимпийских беспокойных лет остается всемирно известным и оценивается высоко как в России, так и за её пределами.
Становление классического джаза
В наше время, когда человек, вооруженный достижениями науки и техники, научился распространять информацию по всему земному шару с легкостью ветра, гоняющего листья по лужайке, трудно кого-либо удивить тем, что идеи той или иной культуры неожиданно обнаруживаются в другом, далеком от нее районе мира. И повсеместное распространение за какие-нибудь шестьдесят — семьдесят лет такого уникального явления, как джаз, едва ли не самый поразительный факт нового времени. В период первой мировой войны, когда джаз Нового Орлеана и прилегающего к нему районов еще был народной музыкой, количество джазовых музыкантов не превышало несколько сотен, а число слушателей, в основном представителей негритянской бедноты из дельты Миссисипи, не достигало и пятидесяти тысяч. К 1920 году джаз стал известен, иногда в виде довольно неумелых имитаций, всюду в Соединенных Штатах Америки. Через десять лет его стали исполнять и слушать в большинстве крупных городов Европы. К 1940 году его уже знали во всем мире, а к 1960 году он был повсеместно признан как самостоятельный музыкальный жанр, даже как особый вид искусства.
Джаз никогда не был популярной музыкой. Несомненно, время от времени отдельные формы джаза становились популярными: так было с «джазовой» музыкой 20-х, со «свингом» 1935 — 1945 гг., так обстоит дело со стилем «ритм-энт-блюз» сегодня (конечно, популярность в бывшем СССР эти стили не имели).
В данном случае будет уместно говорить о так называемом «псевдоджазе» — все вышеперечисленные направления имели какие-то небольшие элементы джаза и «выдавались» за настоящий джаз, и слушатели, покупавшие такие пластинки, как правило не разбирались в джазе. Но подлинный джаз — тот, который сами джазмены считают своей музыкой, — редко приобретает сколько-нибудь широкую популярность.
Джаз оказывал и продолжает оказывать влияние на всю современную музыку. «Рок», «фанк» и «соул», эстрадная музыка, музыка кино и телевидения, значительная часть симфонической и камерной музыки заимствовали многие элементы джаза. Без преувеличения можно сказать, что именно на фундаменте джаза выросло здание современной поп-музыки.
Развитие джаза
Понять сущность джаза было всегда нелегко. Когда Луи Армстронга спросили, что такое джаз, он ответил так: “Если вы спрашиваете, то вам этого никогда не понять”. Утверждают, что Фэтс Уоллер в подобной же ситуации сказал: “Раз вы сами не знаете, то лучше не путайтесь под ногами”. Раз уж такие великие музыканты не смогли объяснить, что такое джаз, то и простому смертному это не под силу, и именно поэтому я не пытаюсь в этой работе раскрыть сущность джаза, а ставлю целью раскрыть истоки этого феномена в музыке и его развитие.
Cтановление классического джаза
... всем мире, а к 1960 году получил всеобщее признание как самостоятельный музыкальный жанр, даже как особое искусство. Джаз никогда не был популярной музыкой. Несомненно, время от времени отдельные формы ... джаза становились популярными: так было с "джазовой" музыкой 20-х, со "свингом" 1935 - 1945 гг., так обстоит дело со ...
В становлении джаза выделяют три периода:
1) зарождение классического джаза;
2) зрелый период (эра свинга);
3) современная эпоха.
Зарождение классического джаза
Джаз имеет глубокие корни в африканской музыке. Африканские племена использовали музыку для самовыражения, общения, связи с природой и сопереживания этнической общности. Важными аспектами африканской музыки были вокальное исполнение, ритмический акцент и полифония. Также особое внимание уделялось использованию перекрестных ритмов и многоголосию.
Африканская музыка широко использовала инструменты, такие как барабаны, маракасы, ксилофоны и другие. Однако, важное значение имели вокал и пение. Часто африканцы исполняли музыку как соло, так и в группе, особенно при коллективном труде или ритуалах. Унисонное пение было распространено и в частном исполнении, и в коллективной форме.
Африканская музыка очень тесно связана с движениями тела. Это включает ритмические хлопки, притопывание и пение. Именно в этом самовыражении через движения и звуки тела кроется сущность и истоки джаза.
Эра свинга
Следующий важный этап в развитии джаза — это эра свинга. Она пришла в 1930-х годах и продолжалась до конца 1940-х годов. Именно в этот период отразился существенный рост popular music industry. Многочисленные оркестры и биг-бенды получили широкое признание и популярность в таких городах, как Чикаго и Нью-Йорк.
Важной чертой свинговой эры является открытость и различные эксперименты в музыкальном исполнении. Музыканты связывали различные жанры и стили, включая элементы блюза, госпел, кантри и других стилей около джазовой музыки, создавая уникальный звук свинга.
Современная эпоха
Современное развитие джаза продолжается и включает в себя экспериментальную музыку, фьюжн, латин-джаз, фри-джаз и другие жанры. Современные музыканты исследуют новые звуковые возможности и комбинации стилей, сохраняя союз с историческими корнями и традициями джаза.
В целом, развитие джаза охватывает широкий спектр временных периодов и стилевых направлений. Это неотъемлемая часть музыкального наследия и один из самых важных феноменов в истории музыки.
Музыкальные течения и стили, которые повлияли на становление джаза, были разнообразны. Кроме африканской культовой музыки, которую негры привезли с собой на американскую землю, влияние оказали блюз и рэг-тайм.
Блюз – это стиль, возникший в начале 20-х годов. Он отражал тяжелые жизненные условия и эмоциональный опыт афроамериканцев. Блюз был грустным и меланхоличным, сосредоточенным на голосе и инструментальных импровизациях.
Рэг-тайм – это еще один стиль, возникший в начале 20-х годов. Он был связан с популярной музыкой того времени и имел яркий ритм и мелодичность. Рэг-тайм был популярен среди широкой аудитории и внес значительный вклад в развитие джаза.
Первые звуки джаза были записаны «Original Dixieland Jazz Band». Это широкоизвестная легенда, что джаз родился в Новом Орлеане и распространился по всей Америке. Новый Орлеан был особенным городом, пронизанным музыкой и танцами. Здесь существовала уникальная субкультура темнокожих креолов, которая влияла на развитие джаза.
Джаз возник в негритянской субкультуре одновременно в разных местах Америки, в первую очередь в Нью-Йорке, Канзас-Сити, Чикаго и Сент-Луисе. Однако, родина джаза все же считается Новым Орлеаном, где этот стиль имел особую музыкальность и где существовала богатая музыкальная традиция.
Джаз. Великие джазмены
... музыкантов, которые подтверждают особенность новоорлеанской музыки и ее влияние на других исполнителей. Таким образом, можно сделать вывод, что джаз ... небольшие элементы джаза и "выдавались" за настоящий джаз, и слушатели, покупавшие ... джаза становились популярными: так было с "джазовой" музыкой 20-х, со "свингом" 1935 - 1945 гг., ... джаза было всегда нелегко. Когда Луи Армстронга спросили, что такое джаз, ...
Музыкальные течения и стили, такие как африканская культовая музыка, блюз и рэг-тайм, сыграли важную роль в становлении джаза. Они объединились в одном котле, создавая уникальную музыку, которая со временем завоевала весь мир.
26 февраля 1917 года в Нью-Йоркской студии фирмы “Victor” записали первую джазовую грампластинку. Значение этого события в истории джаза переоценить невозможно. До выхода в свет этой пластинки джаз был скромным ответвлением музыкального фольклора, круг его исполнителей ограничивался несколькими сотнями негров и горсткой белых новоорлеанцев, за пределами этого города его слышали крайне редко. После выхода пластинки “джаз” в течение нескольких недель ошеломил Америку, а пятеро белых музыкантов стали знаменитостями. Они назвали свой оркестр “Original Dixieland Jazz Band”.
Многие десятилетия исследователи джаза не могут скрыть недовольства и раздражения по поводу того, что запись первой джазовой пластинки принадлежит группе белых музыкантов, а не негритянскому оркестру.
“Original Dixieland Jazz Band” считался ансамблем без руководителя, но на самом деле центральной фигурой в нем был корнетист Ник де Ла Рокка, который не только задавал тон как исполнитель, но и руководитель всеми делами группы. В последующие годы ансамбль записал около дюжины пластинок и совершил гастрольную поездку по Англии. Со временем он приобретал все более коммерческий характер и в середине 20-х годов распался. В 1936 году ансамбль вновь попытались возродить, но, поскольку он не имел успеха у публики, из этой затеи ничего не вышло.
Появление фонографа и механического пианино вызвало повальное увлечение музыкой, которую широкая публика называла джазом. В действительности большая часть того, что она слушала, была или обычной танцевальной музыкой, или обработками популярных мелодий с минимальными элементами джаза. Такую коммерческую музыку играли как негры, так и белые музыканты. Самым известным из них был Пол Уайтмен.
сделал его самым популярным коллективом в США. Когда джазовый бум достиг апогея, он присвоил себе титул “короля джаза”. Сам Уайтмен был джазменом, но хорошо разбирался в этой музыке, и в разное время в его оркестре играли все лучшие белые музыканты джаза тех лет. Исполняемая оркестром музыка была импозантной и полнозвучной” сверхдетализированная в нотной записи, она претендовала на “серьезность” и при этом была почти полностью лишена духа джаза. Правда, некоторым музыкантам оркестра, особенно Бейдербеку, иногда дозволялось играть короткие джазовые соло.
Сидней Беше и Джозеф “Кинг” Оливер
Первые джазмены стали уезжать из Нового Орлеана еще в начале 10-х годов, но массовый их отъезд начался в 1917 году, после закрытия Сторивилля (район в Новом Орлеане, где были сосредоточены проституция, торговля алкоголем и наркотиками и т.д).
Занятость музыкантов в связи с закрытием Сторивилля (музыка в котором являлась неотъемлемой частью) отнюдь не уменьшилась, так как большинство оркестров работали вне Сторивилля. Таким образом, этот факт был чисто символический. Музыкантов влекли на Север прежде всего экономические соображения, связанные с ростом негритянских гетто в крупных городах северных штатов. Так или иначе, большинство ведущих новоорлеанских джазменов покинуло свой родной город. Двое из них позднее оставили заметный след в истории джаза. Речь идет о Джозефе “Кинге” Оливере и Сиднее Беше.
Методическая разработка открытого музыки «Писатели и поэты о ...
... нашего урока: Учитель: Попробуйте вспомнить сказки, в которых бы рассказывалось о музыке или музыкантах? Где музыка играла бы главную роль в сюжете сказки. («Бременские музыканты» Гримм, сказка – былина «Садко», древнегреческий ... шести песнях Баяна – сказителя (поэма Пушкина «Руслан и Людмила») V Сочинение ритмического рисунка, мелодии к фрагменту поэмы А.Пушкина «Руслан и Людмила» (презентация, ...
Сидней Беше был для джаза фигурой нетипичной. Как правило, настоящий джазовый музыкант — это “коллективист”, такова специфика джазового искусства. А Беше был одиноким странником. Он с легкостью переезжал из Нового Орлеана в Чикаго, из Чикаго в Нью-Йорк, из Нью-Йорка в Лондон, из Лондона в Париж, а потом вновь возвращался в Новый Орлеан. Ему было все равно, где играть.
Придирчивый и требовательный, неистовый и жизни, и в исскустве, он был одним из самых ярких исполнителей в истории джаза. Дюк Эллингтон, горячо любивший Беше, считал его “самым уникальным человеком в джазе”. В своей оценке Эллингтон не одинок: влияние Беше на музыкантов раннего джаза было огромным.
освоив его, Беше стал первым известным саксофонистом джаза. Он играл на саксофоне все чаще и чаще (периодически возвращаясь к игре на кларнете), а затем полностью перешел на этот полюбившийся ему инструмент.
поездки. В 1949 году он окончательно поселился в Париже. Французы, хорошо знавшие музыканта, приняли его с распростертыми объятиями — ведь в жилах Беше текла французская кровь. Умер Беше во Франции в 1959 году, окруженный почетом и славой.
Трудно переоценить влияние Беше на джаз. Никто не мог сравниться с ним в игре на сопрано-саксофоне, да и редко кто пытался копировать его стиль. В течение 20-х, 30-х и даже в начале 40-х многие джазмены испытывали на себе его влияние. Джонни Ходжес — великий альт-саксофонист оркестра Дюка Эллингтона и один из ведущих саксофонистов мира — сформировался как музыкант, изучая Беше; судя по тому, как быстро росло мастерство Армстронга (1923-1926), он, видимо, тоже перенял некоторые приемы джазовой фразировки у своего новоорлеанского коллеги. Будучи одним из родоначальников джаза, Беше оставил замечательные образцы этой музыки.
Примерно в то же время, что и Беше, покинул Новый Орлеан другой музыкант, который по силе влияния на джаз мог сравниться только с Беше. Это был один из плеяды новоорлеанских королей корнета, звали его Джозеф Оливер. Он был прирожденным лидером, полной противоположностью Беше.
Оливер был из тех, кто быстро входил в контакт со своим профессиональным окружением. Он хорошо знал, что и как должен играть оркестр, умел найти подход к каждому музыканту и заставить его выполнить намеченное.
В 1922 году Оливер собрал группу под названием “King Oliver’s Creole Jazz Band”. Кроме Оливера, в состав группы входили кларнетист Джонни Доддс, его брат, барабанщик Уоррен “Беби” Додс, тромбонист Оноре Дютре, пианистка Лил Хардин и контрабасист Билл Джонсон. По неясным причинам Оливер решил ввести в оркестр второй корнет. То ли ему не хотелось играть самому, то ли он уставал к концу вечера, а может быть, ему просто нравилось сочетание двух корнетов — как бы то ни было, но он пригласил в свою группу двадцатидвухлетнего Луи Армстронга. Сначала группа выступала в кабаре “Линкольн Гарденс”, а в 1923 году оркестр приступил к записи серии грампластинок, которым суждено было оставить значительный след в истории джаза.
Джозеф “Кинг” Оливер умер в нищете 8 апреля 1938 года.
МУЗЫКИ КАК ФАКТОР РАЗВИТИЯ МУЗЫКАЛЬНЫХ СПОСОБНОСТЕЙ СТУДЕНТОВ ...
... сочинения музыки, при этом лишь 8 % респондентов занимаются композицией постоянно. У 81 % студентов опыт занятий сочинением либо осуществлялся эпизодически в их практической деятельности, ... звукоизвлечения, динамики, ритмики, расшифровки мелизмов, развития техники, методов обучения. Лишь в ... принципов, аксиологических приоритетов, профессиональных подходов к учебно-воспитательному процессу. В истории ...
Развитие джаза в Новом Орлеане: Оливер и Мортон
В начале XX века Новый Орлеан стал родиной нового музыкального жанра — джаза. Двое выдающихся музыкантов, Джо Кинг Оливер и Джелли Ролл Мортон, сыграли важную роль в его развитии и популяризации.
Оливер: король новоорлеанского джаза
Джо Кинг Оливер был одним из ведущих представителей новоорлеанского стиля джаза. Его группа «King Oliver’s Creole Jazz Band» была первой, кто систематически записывался на пластинки. Сегодня его пластинки известны во всем мире, особенно в Европе, где его творчество помнят лучше, чем в США.
Новоорлеанский стиль, разработанный Оливером, стал основой для так называемого традиционного джаза, который стал одним из самых популярных джазовых течений. Оливер и его группа внесли значительный вклад в развитие и популяризацию джаза.
Мортон: самозванец и талант
Джелли Ролл Мортон был знаменит не только своими музыкальными достижениями, но и своим характером. Он был самолюбив, тщеславен, заносчив, хвастлив, подозрителен и суеверен, но прежде всего, он был талантлив.
Мортон утверждал, что именно он придумал «настоящий джаз» и часто критиковал других музыкантов и подражателей. Он начал свою карьеру в Новом Орлеане, но в 1923 году переехал в Чикаго, где сильно возрос спрос на исполнителей горячей музыки.
В Чикаго Мортон стал профессиональным музыкантом высокого класса. Он записывался на пластинки как соло, так и с различными ансамблями, возглавляемыми им. За свою карьеру, с 1923 по 1939 год, Мортон записал около 175 пластинок и массу роликов для механического фортепиано.
Особенно популярными стали его записи 1926-1930 годов, сделанные с группой «Jelly Roll Morton and His Red Hot Peppers». Благодаря этим записям Мортон стал одним из самых известных джазовых музыкантов своего времени.
Вклад Оливера и Мортона в развитие джаза
Итак, Оливер и Мортон играли важную роль в развитии и популяризации джаза. Оливер с его группой был первым, кто систематически записывался на пластинки, а Мортон сделал значительный вклад в развитие джазовой музыки своими записями и талантом.
Их музыка стала основой для традиционного джаза и оказала влияние на многих последующих музыкантов. Они оставили неизгладимый след в истории джаза и продолжают быть уважаемыми и известными музыкантами во всем мире.
Исследование периода депрессии в грамофонной индустрии
Джелли отличало на редкость серьезное отношение к тому, что он записывал со своими оркестрами. Аранжировки тщательно продумывались и усердно репетировались. Оркестранты играли точно, их интонирование было лучше, чем у большинства других джазовых исполнителей, чьи записи сохранились. Записи Мортона превосходны и в техническом отношении: они без помех и с хорошим балансом звука. Музыканты, с которыми предпочитал работать Джелли, были не самыми изобретательными импровизаторами, но зато отличались добротной профессиональной подготовкой; они играли чисто, всегда строго выдерживали мелодическую линию. Поэтому пластинки имели успех и у самых строгих ценителей музыки, и у широкой публики.
Но, к сожалению, в 1928 году начинается Великая депрессия, и грамофонную индустрию поражает кризис: в 1932 году общее число проданных пластинок упало до 5 миллионов, что составляло лишь 6% аналогичного показателя 1927 года. Мортон, как и Оливер, неожиданно оказался старомодным, и, начиная с 1929 года, его звезда неуклонно стала катиться вниз.
История джаза ( на свободную тему)
... на развитие джаза Качели играли значительную роль в формировании и развитии джаза, особенно в периоды депрессии и Второй мировой войны. Во время войны, вооруженные силы использовали радиопередачи музыки для ... и его Креольский Джаз-бэнд, джаз впервые стал популярным в ночных клубах больших городов. Оркестр Кинга Оливера в Чикаго вскоре присоединил молодого Луи Армстронга, который впервые представил ...
Как бы то ни было, в начале 30-х годов Мортон остался не у дел, да и здоровье оставляло желать лучшего. Он умер 10 июля 1941 года в Лос-Анджелесе, и в последний путь его, как и Кинга Оливера, провожала лишь горстка музыкантов и поклонников.
Роль Луи Армстронга в период депрессии
Конечно же, характеризуя этот период джаза, нельзя не сказать о Луи Армстронге, первом гении в джазе. Если слово “гений” и означает что-то в джазе, то оно означает Армстронг, его творчество выше всякого анализа. Рядовой художник лишь выявляет существующие связи; великий же художник создает новые, удивительные комбинации, показывая нам возможности гармоничного соединения, казалось бы, разнородных элементов. В жизни и в характере рядового художника всегда можно обнаружить, откуда он черпал свои идеи; встречаясь с гением, мы зачастую не в состоянии понять, как он пришел к столь поразительным открытиям. Чувство мелодии у Армстронга было исключительным, и вряд ли кто может объяснить, как зародился у него этот дар и в чем заключалось его магическое воздействие.
Армстронг начал играть на корнете в 14 лет и очень быстро овладел инструментом, возглавив школьную музыкальную группу всего за несколько месяцев. В 18 лет он уже играл в джаз-бэнде Нового Орлеана, а к 22 годам был признан величайшим джазменом своего времени. Его серия записей существенно повлияла на развитие джаза и вошла в историю американской музыки.
Не имея музыкального образования, он успешно вел партии альтгорна в оркестре, полагаясь на свое тонкое ощущение гармонии и способность вести на слух гармоническую линию исполняемой мелодии. Это выделяло его среди других джазменов времени, многие из которых слабо ориентировались в теории музыки.
Армстронг также испытал трудности в своей молодости, попав в колонию для цветных после того, как выстрелил из пистолета в воздух. Однако даже в этих условиях он продолжал развивать свой музыкальный талант, выступая в местном оркестре.
Эти факты свидетельствуют о том, что Армстронг обладал не просто обычным талантом, а по-настоящему великим музыкальным гением.
В начале своей музыкальной карьеры Луи Армстронг выступал в кабаре, где играл оркестр под руководством Кида Ори. В этом оркестре играл известный корнетист Джо Оливер, который был одним из музыкантов старшего поколения и испытывал особую симпатию к Армстронгу. Оливер даже учил Армстронга некоторым профессиональным приемам.
В результате их общения Армстронг иногда заменял Оливера в оркестре Ори. Однако в 1918 году Оливер уехал в Чикаго, а Ори взял Армстронга на его место. Оркестр Ори был одним из лучших в Новом Орлеане, и в свои восемнадцать лет Армстронг стал ведущим корнетистом в этом оркестре.
Лилиан, жена Луи Армстронга, стремилась сделать из своего мужа звезду джаза. Она помогла ему освоить чтение нот с листа и убедила его покинуть оркестр Оливера и перейти работать в кафе «дримленд».
Примерно в то же время Флетчер Хендерсон предложил Армстронгу работу в своем оркестре. В 1924 году оркестр Хендерсона был коммерческим и играл во время танцев и шоу, а также аккомпанировал певцам при записи. Хендерсон хотел иметь в своем оркестре солиста, который мог бы играть ярко и эффектно, что пришлось по вкусу слушателям того времени. Армстронг принял приглашение и работал с оркестром Хендерсона в течение года. Вместе с оркестром он записал несколько сольных партий, включая известную композицию «Sugar Foot Stomp».
Находясь с Хендерсоном в Нью-Йорке, Армстронг сделал ряд грамзаписей на свой страх и риск. Он аккомпанировал певцам блюзов и записывался с другими музыкальными группами, включая группу «Red Onion Jazz Babies», где играл известный музыкант Сидней Беше.
12 ноября 1925 года Луи Армстронг сделал свою первую запись в студии «Okeh». Эта запись стала частью серии грампластинок, известных как «Hot Five» и «Hot Seven». Эти записи стали важными вехами в истории джаза и вызвали восторг у музыкантов и любителей джаза в Соединенных Штатах и Европе, а также существенно повлияли на развитие этого музыкального жанра.
В период с 1925 по 1928 годы Армстронг записал несколько пластинок с различными составами музыкантов. В это же время он решил перейти с корнета на трубу. Разница между этими инструментами незначительна, но труба даёт более яркий тон.
Введение
В данной научной работе рассмотрена жизнь и творчество Луи Армстронга, выдающегося представителя нового вида искусства — джаза. Его талант и энергия сделали его известным и почитаемым музыкантом по всему миру.
Глава 1: Джаз и гастролирование
Как хорошо известно, Луи Армстронг отдал свою жизнь джазу, который стал новым видом искусства. Как популярный музыкант, он активно гастролировал. Его энергия и талант поражали всех, кто знаком с его творчеством. Даже во время депрессии, когда многим музыкантам было трудно найти работу, Армстронг имел контракты на выступления 365 раз в году, что свидетельствует о его популярности и успехе.
Глава 2: Сольные выступления и профессиональное развитие
В своем оркестре Луи Армстронг был единственным заметным солистом. Он не исполнял всего лишь одно-два соло за вечер, как принято у большинства трубачей, а выступал практически в каждом номере. Его техническое мастерство и физическая выносливость позволяли ему совершенствоваться и экспериментировать. Благодаря частым сольным выступлениям, он мог стать лучшим в исполнении сложных приемов и техник, что отличало его от других музыкантов.
Глава 3: Гастрольные поездки и влияние Европы
В 1933 году Армстронг отправился в длительную гастрольную поездку по Европе. Его прием был восторженным во всех странах, что положительно сказалось на его творчестве. Возвращение к записям в 1935 году показывает, что он получил новый виток в творчестве. Он также поручил управление своими делами Джо Глейзеру, что оказалось удачным решением. Возможность полностью посвятить себя музыке привела к плодотворному периоду в карьере Армстронга.
Глава 4: Поздние годы и наследие
После 1950 года Луи Армстронг как трубач почти не представлял чего-то нового, так как уже сказал все что хотел. Но он продолжал выступать перед публикой до конца своей жизни, демонстрируя свою непревзойденную музыкальность и стать настоящей легендой. Он сделал много записей и снялся во множестве фильмов, и разбогател благодаря своей карьере. Луи Армстронг умер 6 июля 1971 года, оставив огромное наследие и оказав огромное влияние на музыку XX века.
Однозначно, Луи Армстронг был одним из величайших джазовых музыкантов в мире. Но важно понимать, что он вырос в обществе, где умение налаживать отношения с белыми было жизненно важным. Это зависело от его благополучия, жилья и даже выживания. Армстронг часто вспоминал слова друга из Нового Орлеана, которые тот сказал ему, когда он уезжал на Север к Кингу Оливеру: «Всегда держи за собой белого человека, который поддержит тебя и скажет: это мой чернокожий друг». Поэтому он поручил свои дела Джо Глейзеру. Он стремился нравиться окружающим, и не раз выдумывал себе «отцов», таких как Питер Дэвис и Кинг Оливер. Если бы ему не удалось завоевать их расположение, possible, он мог бы всю жизнь заниматься тяжелым трудом, и развитие джаза могло бы пойти по другому пути. Заслуга Армстронга заключается в том, что он превратил джаз из коллективной музыки в искусство сольной игры. До него уже были известные солисты, такие как Лоренцо Тио и Альфонс Пику, но сольные выступления были больше случайностью. Армстронг вызвал настоящую революцию. Молодые музыканты видели, что только главный солист, а не просто участник ансамбля, имел шанс стать знаменитым, прославиться и даже разбогатеть. Благодаря Армстронгу джаз стал искусством солистов.
Различные формы музыки всегда отражали культурные соединения и слияния разных народов. В начале 20-го века в Соединенных Штатах произошло непревзойденное сочетание трех уникальных жанров: регтайма, афроамериканского фольклора и популярного музыкального фольклора. Эти три направления в музыке, каждое берущее свое начало из разных культур, объединились, чтобы создать чисто американское музыкальное явление — джаз.
Регтайм был первым из трех направлений, которые сложились в основе джаза. Этот стиль музыки возник в конце 19-го века и сочетал элементы африканской и европейской музыки. Регтайм славился своими повторяющимися ритмами и характерной игрой на пианино. Он был популярен среди разных слоев населения и привлекал танцующих людей.
Афроамериканский фольклор, особенно представленный в виде блюзов, стал другим ключевым компонентом джаза. Блюз родился из глубоких эмоций исходя из трагической истории африканских рабов и их потомков в Америке. Блюзовые песни отображали страдания и надежды черных американцев и стали неотъемлемой частью культуры и музыки джаза.
Третьим ключевым компонентом, способствовавшим становлению джаза, был популяризированный вариант музыкального фольклора, созданный белыми американцами. Этот стиль включал в себя менестрелейске песни и различные развлекательные песенные формы. Он особенно популярен был в рамках водевилейных выступлений. Белые музыканты и исполнители активно вкладывали свои идеи и стили в развитие джаза.
В период с 1890-х по 1910-е годы эти три направления — регтайм, афроамериканский фольклор и популярный музыкальный фольклор — стали переплетаться и в результате сформировали новый жанр музыки — джаз. Сначала джаз стал известен в основном среди афроамериканской общины, но затем его популярность распространилась и на белых американцев.
В 20-х годах джаз стал неотъемлемой частью американского музыкального пейзажа и даже дал название десятилетию. Множество талантливых музыкантов и ансамблей внесли свой вклад в развитие джаза. Ансамбль «Original Dixieland Jazz Band» заслуживает особого упоминания, так как они стали первыми выпустившими джазовую грампластинку. Также в развитии джаза важную роль сыграли Сидней Беше, Джозеф «Кинг» Оливер, Джелли Ролл Мортон, Пи Ви Рассел, Бенни Гудман и, безусловно, Луи Армстронг, который внес самый заметный вклад в развитие джаза.
Развитие рок-музыки
Рок-музыка не только является музыкальным направлением, но и представляет собой более обширную молодежную культуру, которая отражает общественные ценности и протест нового поколения. С самого начала рок был создан как способ самовыражения и выражения протеста молодежи и включал отрицание устоявшихся моральных и материальных ценностей общества.
На протяжении своей истории рок-музыка всегда сталкивается с проблемами непонимания и отторжения со стороны старшего поколения. Часто старшее поколение рассматривает рок-музыку как несерьезное детское развлечение, крайне опасное и даже вредное. Несмотря на то, что рок-музыка существует уже довольно долго и является одним из самых востребованных жанров, многие проблемы, с которыми она столкнулась в начале своего развития, до сих пор актуальны.
Развитие рок-музыки отражает спиральный характер истории. Несмотря на потому, что новое поколение уже выросло на рок-музыке и само стало взрослым, оно сталкивается с такими же проблемами, как и прежде — непонимание и отвержение старшего поколения. Эта спираль развития рок-музыки показывает, что несмотря на то, что мы продвигаемся вперед, некоторые проблемы и противоречия остаются неизменными на протяжении времени.
Рок-музыка является одним из ключевых жанров в истории музыки, который продолжает развиваться и влиять на общество по сей день. Одной из основных причин такого развития является постоянное изменение и усложнение аппаратуры, используемой при создании музыки. Гитара, один из основных инструментов рока, существенно изменилась за последние десятилетия. Если гитара 40-х годов имела схожую форму с сегодняшними моделями, то звучание ее изменилось в корне. Современные гитаристы могут подключать к инструменту различные эффекты, которые полностью изменяют его звук. Кроме того, с появлением электронной аппаратуры возникла возможность исполнять музыку полностью с помощью компьютеров и других электронных устройств.
Развитие техники также привело к распространению радиоприемников и магнитофонов в каждой семье. Это увеличило влияние музыки на общество, так как люди стали иметь больше возможностей для прослушивания и изучения музыки. Экономическое развитие также сыграло свою роль в развитии рока, поскольку повышение уровня развития граждан привело к улучшению их образованности и увеличению свободного времени, которое можно было посвятить музыке. Благоприятные условия труда и обеспечение работой музыкантов также способствовали развитию рока.
Один из ярких примеров влияния условий на развитие музыкальной группы — бразильская группа «Sepultura». Когда они находились на родине и не имели хорошей аппаратуры, их музыка была малоинтересной. Однако, когда они переехали в США и приобрели доступ к современной технике, они сразу же стали популярными и приобрели статус супергруппы.
Рок-музыка также является интересным объектом изучения с точки зрения философии. В ней проявляются различные законы философии. Например, в протесте молодежи и появлении новой музыки через отрицание старой проявляется закон отрицания отрицания, который показывает развитие рок-музыки. Появление новых стилей путем слияния других стилей отражает закон отражения, который лежит в основе развития сознания. Противоречивость рока, такая как противостояние поп-рока и тяжелой музыки, проявляет закон единства и борьбы противоположностей.
Корни рока можно найти в различных музыкальных жанрах, таких как народная музыка, джаз и блюз. Однако, сам рок стал тем, что мы понимаем сегодня, только в 50-х годах. Рок-н-ролл стал средством, которое объединило черных и белых подростков и смогло преодолеть расовые и социальные предрассудки. Чернокожие идолы молодежи, такие как Литтл Ричард и Чак Берри, смогли своей музыкой и выступлениями привлечь внимание и уважение белых мальчиков, которые уже были знакомы с черным ритм-энд-блюзом через местные радиостанции. Эта музыка стала их общей тайной и средством протеста против родителей, которые не признавали цветных людей.
надежды и мечты, сугубо подростковое отношение к действительности. Эту тягу подростков к «другой» музыке первыми заметили владельцы небольших студий грамзаписи, более мобильные в выборе и склонные к риску, нежели фирмы-гиганты. А поскольку многие из небольших кампаний, где записывались чёрные исполнители ритм-энд-блюза, пробавлялись ещё и белым кантри-энд-ветерном (и наоборот), то эти направления стали сближаться. Новое поколение охотно приняло это сближение. «Растление вкусов», «музыкальный ширпотреб», «потакание самым низменным инстинктам», — сетовали музыкальные критики (и в чем-то, безусловно, были правы, поскольку, помимо истинных звезд, тогдашней волной было вынесено на поверхность и много мусора).
В начале того десятилетия черная и белая музыка были разделены так же, как белая и черная общины. Но шло время, и радио, по которому — тоже на разных волнах — передавали эту музыку, позволяло черным слушать белую музыку и наоборот. Радиоволны приносили совершенно новую стилистику, и бескорыстные пионеры этой стилистики начали понемногу скрещивать две эти культуры. В лабораториях жизни рождалась новая, дикая, заразная музыка по имени рок-н-ролл.
Рок 60-х
Авалона и Пола Анки, Конни Фрэнсис и Митча Миллера (последний не раз заявлял о своей ненависти к рок-н-роллу); музыкальные обозреватели начали успокаиваться: похоже в музыку возвращались закон и порядок. И все же через несколько лет рок ожил, а к концу десятилетия превратился в мощную политическую и культурную силу.
К началу 60-х к совершеннолетию приблизилось очередное поколение. Родители этих детей активно боролись за мир, спокойствие и изобилие, надеясь, что потомки не только оценят их старания, но и раздвинут горизонты этого нового мира. Родители, однако, вошли в него с грузом невыплаченных долгов — они принесли с собой страх перед атомной войной и грех расовой ненависти, а идеалы равенства и справедливости просто растоптали в погоне за стабильностью и успехом. Неудивительно, что дети подвергли сомнению моральные и политические устои послевоенного мира; эти новые настроения нашли отражение в их музыкальных пристрастиях.
Загнанный было в подполье, снова бурно расцвел фолк и тут же включился в антивоенное движение и в социальную борьбу. Очень скоро фолк обрел и новую свою надежду — в худеньком, слегка гнусавом пареньке по имени Боб Дилан. Именно его голос впервые выразил сомнения и надежды поднимающего голову беспокойного поколения.
при всей приверженности самым светлым идеалам фолк оставался все-таки музыкой прошлого, средством общения политизированной интеллигенции, с нескрываемой иронией взиравшей на детское развлечение — рок-н-ролл. Новое поколение не имело еще своего собственного, уникального голоса.
под названием «Каверна», он услышал в музыке игравшего там ансамбля не только отзвуки здешнего увлечения заводным жизненным ритмом Америки. В «Битлз» бурлила лихая отвага британца-аутсайдера, жаждующего ухватить таки все то, чего он до сих пор был лишен.
Подчистив раннюю битловскую неряшливость, Эпстайн-менеджер оставил в питомцах этот боевой дух. 9 февраля 1964 года «Битлз» предстали перед 70 миллионами американских телезрителей. Это было историческое событие. Оно навело мосты между странами и стилями, оно же создало новые границы — между эпохами и поколениями.
Боб Дилан все острее чувствовал ограниченность своей аудитории, узость стилистических рамок жанра. И Боб Дилан предложил своей старой пастве короткую программу совершенно новой, «электрической» музыки. Услышав гитарные завывания, фолк-пуристы взвыли в ответ, а новая музыка Дилана уже вливалась живительной струей в рок. «Битлз» и Дилан сотрясли все основание молодежной культуры, изменили звучание рока и направление его развития, открыли принципы, которые являются основополагающими и сегодня.
всех. Связка «Битлз»-Дилан стала движущей силой рока 60-х. И все-таки даже она не исчерпывала собой весь размах молодежного движения.
Навстречу им из Мемфиса выплеснулся поток резкого, «грязного» соула. Десятилетие двигалось к своей кульминации, нарастал накал расовых столкновений, и музыка соул — вместе с такими гигантами джаза, как Майлз Дэвис, Джон Колтрейн, Чарльз Мингус или Эрик Дольфи, — вышла в авангард этой борьбы; гордая мощь негритяесного самосознания воплотилась в ней в полной мере. Черная поп-музыка сделала такие заявления о расовом освобождении, о которых еще лет десять назад страшно было и подумать. Но, может быть, главной победой того времени стало слияние двух культур: белой и черной. Это был яркий, праздничный, слегка сумасбродный союз, для которого, казалось, ничего не осталось невозможного. В новой музыке воплотилась мечта о единении и равенстве, гармонии и терпимости.
творческого процесса, в 1967 году за хранение наркотиков были арестованы Мик Джаггер, Кейт Ричардс, Брайн Джонс — члены группы «Роллинг Стоунз».
Но зато в сан-францисском районе Хейт-Эшбери начало оживать нечто утопическое: здесь, на фундаменте религиозной эклектики, вырастала своеобразная рок-коммуна. Расцветавшую идею Всемирной Любви провозгласили опять-таки «Битлз», после почти годового молчания выпустившие «Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера». Психоделическую и авангардную эстетику, которой был проникнут альбом, изобрели, разумеется не они — они лишь выделили в чистом виде квинтэссенцию всего, к чему стремились другие, а врезультате — вновь безошибочно выразили овладевшее молодым миром стремление к независимости, к собственным ценностям и идеалам. «Сержант Пеппер» определил суть новой музыкальной эры, он доказал, что рок стал искусством, а искусство, в свою очередь, — основной формой общения масс; он наконец внедрил в бесконечно бунтующий, беспокойный рок мечту о любви и духовном единстве.
Но рок не в силах был удержаться на этой высшей своей точке. К моменту, когда идеи «Битлз» выплеснулись на улицы, Хейт-Эшбери уже превратился в гигантский притон, в котором правили бродяги, воры и лжепророки да кокаин с героином. В обществе назревало противодействие рок-культуре. Наступило время газетной паники и возрастной дискриминации.
простоте. Этот альбом привел к полному пересмотру рок-н-ролльных ценностей. Вновь вспыхнул интерес к блюзовым гитаристам, в хит-парадах зазвучали госпелз, получили признание группы акустического звучания, как-то по-новому стали относиться даже к исполнителям кантри-энд-вестерна.
О нем судят по его поверхностным, внешним проявлениям, по одежде, и охотно не замечают, что скрыто за этим раскрашенным фасадом: поставлены под сомнение традиционные ценности, такие как армия, политика, религия, и возник новый взгляд на взаимоотношения между людьми… Рок- это общение. Он — звуковой фон целого поколения, отождествляющего себя с ним».
В начале 70-х наблюдается кризис рок-сцены. Рок превратился в лавку в лавку экзотических товаров с витриной во всю стену. Рок становится все более коммерческой музыкой, происходит полный отход от духовных корней рока, рожденного и созданного для бунта.
Новое поколение, пришедшее на смену поколению 60-х, требовало своего, собственного самовыражения, отрицающего современного положения вещей.
К середине 70-х назрела необходимость в появлении чего-то нового — бунтующего и протестующего. Этим чем-то стал панк.
Первые панк-рокеры с криками «эту музыку может играть каждый!» повыскакивали в Англии в 1975 году. Начинали они не на пустом месте: основы жанра были разработаны американцами, стиль жизни — группой «Нью-Йорк доллз», манеры игры — группой «Рамонес», общий настрой — Игги Попом, а поведение на сцене — Лу Ридом (тот всю первую половину 70-х занимался тем, что орал на публику, оскорблял ее и поминутно уходил со сцены).
Панк-рок мужал, но вылезти из подвалов и маленьких клубов ему не удавалось — вождя недостовало.
перед большой аудиторией, и предложил контракт. К тому времени группа существовала уже год, и начало ее карьеры было многообещающим: во время выступления в лондонском колледже Св. Мартина директор благородного учебного заведения попросту вырубил электричество. К моменту заключения контракта «Sex Pistols» были широко известны в узких кругах.
религиозные чувства граждан. Позже в телешоу «Today» вокалист Джонни Роттен выдал съязвившему на его счет ведущему такой набор ругательств, что, как писала газета «Daily Mirror», в доме одного из зрителей взорвался телевизор. Контракт был расторгнут.
Следующей компанией, согласившейся работать с «Sex Pistols», была A-and-M. Музыканты записали второй сингл «Боже, храни королеву», и на восьмой день сотруднечества коммерческий директор компании смог выдавить из себя только два слова: «Я передумал». Сингл удалось пристроить только к маю 77-го, и он сразу же стал хитом N1. Молодняк стонал от восторга — панк-рок стал модой.
Скандалы, связанные с панками, можно было найти в любой газете. То группа граждан избила на улице Кида Рида из группы «Boys», то басист «Sex Pistols» Сид Вишез разбил гитарой голову музыкальному критику, то через несколько дней на улице избили уже вокалиста группы Джонни Роттена.
В Англии, похоже, не осталось ни одной команды, не устоявшей перед соблазнами панк-рока — все, от чисто коммерческих, до безусловно талантливых прилепили перед названием приставку «панк». О панках снимали фильмы, о них писали книги, они становились темой диссертаций. Критики соревновались в остроумии, и, надо сказать панки давали им для этого повод. Однако вдетая в нос английская булавка стала символом десятилетия.
скандальный, но честный праздник уходящего рок-н-ролла.
По сути весь панк оказался стилем одной группы. «Sex Pistols» принесли ему популярность, они же исчерпали все его возможности. Вторая великая панк-группа «Клэш» — относится к данному стилю лишь по внешнему виду. Джо Страммер, лидер «Клэш», родился в семье дипломата, посещал частную школу и Королевский музыкальный колледж, так что гены взяли свое: песни «Клэш» очень хорошо аранжированы, в записях учавствуют студийные музыканты, совершенно отсутствует прославившая «Sex Pistols» издевка, и, наконец, «Клэш» обожают лезть в политику.
но прославилась тем, что первой стала использовать то таинственное и мрачное — до зловешего — звучание, которое принесло славу очень многим — от «Кьюэ» до «Депеш Мод». Для многих же панк был вообще просто стилем жизни, а не музыкальным направлением.
вышел пост-панк, третьи просто постриглись по-модному и вставили в нос булавку — родилась «новая волна».
Конечно, 70-е примечательны не только панком, тем более, что рок начал так разветвляться в своем развитии, что уследить все его этапы довольно проблемно. Одним из достижений 70-х является появление хард-рока. Как самостоятельное направление хард-рок выделился в конце 60-х годов, и благодаря тому, что в законченном виде его донес до слушателя выдающийся гитарист Джимми Хендрикс, хард-рок с тех пор предполагает исполнение виртуозными инструменталистами, что пошло только на пользу и музыке, и ее поклонникам.
на все и вся, а как выражения отвращения к темным сторонам человека. Естественно, хард-рок не был чем-то совершенно новым, он лишь вобрал в себя самые яркие и выразительные черты других направлений, в хард-роке можно увидеть и классическую музыку, и черный блюз, и рок-н-ролл, одновременно с этим хард-рок привнес в музыку множество новшеств. Исполнители хард-рока в текстах песен стали изучать темные уголки человеческой души, поднимать философские тематики, отражать оккультные знания, рассматривать христианство и сатанизм. Хард-рок стал первым музыкальным направлением, использующим тяжелое звучание, которое достигается за счет подключения к гитаре такого эффекта, как Distortion, и за счет выделения ритм-секции.
Группа «LedZeppelin» образовалась в 1968 г. в Великобритании. После распада известной английской группы «Yardbirds» ее гитарист Дж. Пейдж собирает новую группу, чтобы провести гастроли, запланированные по контракту «Yardbirds». В состав группы вошел Пол Джонс, игравший с Пейджем до этого, а также работавший с «Роллинг Стоунз» и, вообще, имевший солидное прошлое. Под названием «New Yardbirds» музыканты провели гастроли по Швеции и Финляндии. Позже менеджер группы Питер Грант предложил название «Led Zeppelin» (искаженное от «lead», т. е. «покрытый свинцом»).
Грант сумел получить выгодный контракт, и в конце 1968 г. группа выпустила первый альбом, записанный за сутки с небольшим. В феврале 1969 г. «Led Zeppelin» провели гастроли по США, в это же время их диск попал в «Топ 10», затем стал «золотым». Второй альбом через два месяца после выхода достиг первого места и получил «платину» (с тех пор каждый диск группы становился «платиновым»).
«Led Zeppelin» исповедовали блюзовую манеру игры. Однако Дж. Пейдж принес в классический блюз свое собственное понимание этой музыки, его чувство гитары было поистине уникальным (не говоря о технике игры), он тщательно вырисовывал каждый звук. Мощнейшая ритм-екция и уникальный для белого певца негритянский тембр голоса Р. Планта сделали подрожание «Led Zeppelin» невозможным. Импровизация, на которой основывалось творчество » Led Zeppelin» имела и свою обратную сторону: композиции были, как правило, длинными и радиостанции отказывались их транслировать. В 1975 г. группа выпустила двойной альбом «Physical Graffiti», композиции которого значительно опередили свое время, и стали своего рода ориентиром, для групп, пришедших на смену «Led Zeppelin».
Поистине гигантами хард-рока стали «DeepPurple». Их история началась в 1968 году, когда британская рок-сцена представляла собой очень интересную картину. Отходила в прошлое «власть цветов» — вершина движения хиппи. Разной музыки было очень много, в хит-парадах соседствовали инструментальные пьесы Х. Монтенегро, «Битлз», Луис Армстронг, Эстер и Аби Офарим. Сфера рок-музыки расширялась. Привлечение джазовых или симфонических элементов было еще в новинку, но уже не вызывало удивления. Рок еще не успел, как сегодня, рассечься по разным возрастным, социальным, культурным слоям, когда каждый занимается своим делом. Взаимовлияние было очень сильным. В феврале 1968 года три английских музыканта решили создать новую группу. Это были Джон Лорд, Ян Пейс и Ритчи Блэкмор. Все трое были довольно известны в мире английского рока. Барабанщик Ян Пейс, которому едва исполнилось 20 лет, уже с начала 60-х годов играл с различными коллективами. Джон Лорд, органист, долго и серьезно изучал классичечкую музыку, пробовал свои силы в театре, потом увлекся джазом, много играл с рок-ансамблями, стремясь найти пути и способы сочетания своих увлечений классикой и эстрадой. Лорд, Пейс и Блэкмор пригласили басиста Ника Семилера и гитариста Рода Инанса и записали свой первый сингл «Тише». Пластинка вошла летом того же года первую пятерку в США. Вскоре в американских хит-парадах появился и первый диск — гигант группы «Deep Purple» — «The shades of Deep Purple». Следующая пластинка «The Book of Taliesyn» привлекает экспериментами Лорда в области сближения рока и классики. Вскоре сложилась парадоксальная ситуация — пластинки «Deep Purple» поподали в американские хит -парады, а у себя на родине, в Англии, группа была практически неизвестна. «Deep Purple» решили сделать что-то у себя дома. Для начала они заменили Иванса и Симплера Яном Гилланом и Роджером Гловером. Гиллан был известен не только как вокалист, но и как поэт, автор песен, а за плечами Гловера был многолетний опыт игры в различных ансамблях. В таком составе «Deep Purple» и Королевский филармонический оркестр (дирижер — Малькольм Арнольд) исполнили концерт, написанный Джоном Лордом в 1969 году. «Концерт» Лорда стал тем редким случаем, когда попытка соединения рока и «академической» музыки была одинаково восторженно встречена поклонниками и той и другой музыки. «Живая» запись из Альберт-холла была выпущена на пластинке. Кстати, «Концерт» был не единственным таким опытом Лорда. Поворотным моментом в истории «Deep Purple» послужила пластинка «Deep Purple in Rock». Диск вышел летом 1970 года, почти одновременно с сорокопяткой «Black Night», ознаменовав новый этап в творчестве группы. Хэви метал тогда еще не появился. Для миллионов слушателей «крестным отцом» жанра — если не строго хронологически, то духовно — стал ансамбль «Deep Purple» В почерке коллектива появилось все, что потом использовали другие металлические группы — громкость, как эстетическая составная, простые риффы-гитары и бас-гитары, часто играемые в унисон, характерный вокал, мощный мотор ударных. Что отличает «Deep Purple» от своих последователей, так это готовность постоянно впитывать новое, что появляется в других жанрах, открытость другим музыкальным влияниям. Ни «Deep Purple», ни «Led Zeppelin», ни «BlackSabbath» также стоящие у идейных истоков хэви метал замкнутостью не отличались. Может быть, именно поэтому многое в их музыке интересно и сегодня.
В середине 70-х начинается зарождатся новый стиль рок-музыки — хэви метал. Логически он продолжает идеи хард-рока, выделив из музыки хард-роковых групп исключительно мощные гитарные риффы, доведенные до виртуозности соло и канонадные ударные. Толчком к появлению хэви-метал послужило творчество группы «BlackSabbath». «BlackSabbath», в отличие от других хард-роковых групп достигли более тяжелого звучания. Полностью были исключены клавишные, исчезли фольклорные напевы, никаких любовных песенок, никакой ориентации на шлягеры, способные войти в хит-парады. Ужасы и оккультная тематика песен стали визитной карточкой «Black Sabbath», которые стали неожиданно очень популярными среди студенческой молодежи. На самом деле сверхужасного в их песнях ничего не было — тексты песен больше напоминали сказки для взрослых. Но хэви-метал, как таковой они не играли, а играть его стали такие группы, как «JudasPriest», «IronMaiden», «Magnum». Во второй половине 70-х годов вся молодежь была увлечена панком. Панки не давали прохода на сцену, нельзя было выступать, если ты не ругаешься на сцене и умеешь владеть инструментом. Поэтому во второй половине 70-х хэви-метал не обрел большой популярности, а расцвел он лишь в первой половине 80-х годов, движением хэви-метал была охвачена вся молодежь.
Группа «JudasPriest» образовалась во все той же неувядающей Великобритании в 1969 году. Два дебютных альбома, вышедшие в 1974 и 1976 годах, особым успехом у публики не пользовались, хотя в обеих работах был представлен интересный музыкальный материал. Несмотря на постоянную смену барабанщиков (это хроническое заболевание группы), к 1977 году «Judas Priest» приобрели популярность не только в Англии, но и за ее пределами. В апреле 1977 года группа выпустила свой первый коммерчески удачный альбом «Sin after Sin», продюсером которого был Роджер Гловер (экс-«Deep Purple»).
1978 год прошел в непрерывной борьбе с захлестнувшей британскую сцену «новой волной»: два последующих альбома стали квинтэссенцией хэви-метала и впоследствии послужили моделью для таких групп, как «Деф Леппард» и «Уайт Лайон». Критики всячески издевались над группой (как правило предметом насмешек служили прямолинейные тексты без всякого намека на юмор), но в молодежной аудитории, увлеченной «новой волной английского металла», «Judas Priest» стали кумирами. Это подтвердилось в 1979 году, когда сингл «Take on the World» занял в английском хит-параде 14-ое место. С появлением нового барабанщика, группа записала диск «British Steel»(1980), ознаменовавший изменение стилистики группы. Только после выхода этого альбома критики наконец «признали» «Judas Priest», популярность которого распространилась и на США.
Группа «Iron Maiden», один из грандов хэви-метала, именно она сделала хэви-метал популярным среди молодежи движением. Группа образовалась в 1977 году в Великобритании. Наряду с некоторыми другими группами «Iron Maiden» представляла собой так называемую «новую волну английского хэви-метала». Взяв за модель звучание таких групп начала 70-х, как «Led Zeppelin» и «Black Sabbath», «Iron Maiden» в короткое время нашла свою музыкальную стилистику, ставшую, в свою очередь ориентиром для других групп. Известнасть на родине пришла в 1979 году, когда композиция «Running Free» попала в «горячую тридцатку». В то же время группа выступила с концертной программой в передаче «Top of the Pops», став второй после «The Who» группой, которая удостоилась этой чести в 1973 году. В марте 1980 года «Iron Maiden» отправилась на концерты по Англии, в качестве группы, сопровождающей выступления «Judas Priest». Альбом группы был на 4-ом месте в хит-парадах. Вскоре «Iron Maiden» начала гастролировать самостоятельно. Диск «Killers», выпущенный в 1981 году, принес группе между народную популярность; почти весь год группа интенсивно гастролиролировала по всему миру. В том же году в составе появился вокалист Брюс Диккенсон, вместе с которым «Iron Maiden» заработала статус «супергруппы». Великолепные рецензии получил альбом «Седьмой сын седьмого сына»(1988).
По итогам 1989 года «Iron Maiden» признана личшей группой года (журнал «Metal Hammer»), а Диккенсон — лучшим вокалистом.
Также внимания заслуживает германская группа «Helloween», внесшая большой вклад в хэви метал. Ее отличительной чертой является, то что на протяжении всего своего творчества она пытается соединить два музыкальных направления — хэви метал и классику. Не зря многие музыкальные критики окрестили ее музыку как «вагнеровский метал». Позже «Helloween» производит еще одно слияние стилей, в ее музыке появляется народные славянские напевы.
Да, хэви метал стал поистине неким миксером, вобравшим в себя музыку различных направлений и классику, и народную музыку и рок-н-ролл, но в основе всего по прежнему лежит бессмертный негритянский блюз. Интересен тот факт, что когда вокалиста «IronMaiden» Диккенсона спросили, как он пришел в метал он воскликнул:»А есть «металл» вообще? — Был блюз, блюз и остался, только он изменился. Для меня это не стиль и не жанр, это музыка, и ради этой музыки я пришел в рок.»
Рок 80-х
Гордона был всего один свитер в черно-желтую полоску, из-за него-то он и получил кличку «Жало» — Стинг. В Дублине приступили к репитициям «U2». В Лондоне одновременно начинали две группы — «Кьюэ» и « Depeshe Mode ».
Все они были тогда молоды, жадны до работы, и все они были будущими — будущими звездами, героями будущих скандалов, авторами будущих пластинок. К 1978 году юные англичане устало опустили разноцветные головы, и вот тут-то на свет божий вышли все те, кто, сосуществуя с панк-роком, панками не являлись.
Музыку, пришедшую на смену, назвали пост-панком, хотя правильнее было бы пост-роком. Выросшая где-то внутри рока, она произошла не от негритянских ритм-энд-блюзов, а скорее от белой классики. Ослепленная роком аудитория не заметила подмены, и в 80-е пост-панк под псевдонимом «новая волна» триумфально прошагал по Европе. И почему-то только в Европе прижился.
Одним из первых вполне пост-панковских коллективов стала группа «Паблик имидж лимитед». Группа была составлена из осколков двух величайших групп предыдущего поколения — «Sex Pistols» и «Клэш». Голос Лайдона, который в «пистолзовский» период вызывал ассоциации с расхулиганившимся паровозным гудком, неожиданно оказался довольно приятным и коктейль, замешанный «П. И. Л.» понравился. Шумной славы «П. И. Л.» не снискала, но именно эта группа стала толчком, который заставил развиваться музыку всего последующего поколения.
В середине восьмидесятых в фазу расцвета вступили «Кьюэ». Переболев шлягерами, они теперь отдавали предпочтение инструментальным пьесам с минимумом текста и детально проработанной аранжировкой.
Возможности чисто электронного творчества, которое для себя избрали соперники и соратники «Кьюэ», «Depeshe Mode», привлекали к себе музыкантов еще 60-х. После панков, ненавидевших синтезатор, заново его открыли «Хьюмэн лиг», благодаря чему уже к 80-му году они сделались очень популярной группой. Но вся сложность состояла в написании запоминающихся мелодий. И «Депеш Мод» это удалось. Журнал «Рекорд миррор» в 1984 году назвал группу «супергруппой международного состава». В этот период группа, кроме музыкальной, развила и необычайную политическую активность и даже примкнула к возглавляемому Биллом Брэггом течению «Красный клин». Тогда же была доведена до совершенства организация концертов. Потрясенная декорациями и световыми эффектами критика, единодушно признала, что из всех электронных групп у « Depeshe Mode» самое мощное концертное шоу.
Первыми и громче всех заявили о себе «U2». Начинали они с исполнения простеньких рок-н-ролльчиков, постепенно совершенствуя технику игры, они записали три альбома и стали довольно известными на родине. В 1982 году они встречаются с продюсером Брайном Иноу. Пройдя его школу, «U2» выпустила в 1984 году свой знаменитый альбом «Незабываемый огонь», который тоько в Штатах разошелся тиражом в 9 миллионов. Для группы, практически неизвестной, это был триумф. Следующий диск вышел только в марте 1987 года и уже в апреле стал золотым и занял первую строчку во всех хит-парадах, а все 10 его композиций возглавляли 10 таблиц популярности журнала «Мелоди мэйкер» — случай неслыханный со времен «Битлз».
Пост-панк достиг своей вершины, потрясенная Америка наградила «U2» титулом лучшей группы 80-х. Это была победа, но она что-то надломила в пост-панке, и он стал на глазах разваливаться.
Так вот, в тяжелой музыке дела складывались как нельзя лучше и она завоевывала все новые рубежы. Но к сожалению с момента появления хэви-метал она стала так называемым «андеграундом», т. е. подпольной музыкой, предназначенной не для всех.
Начало 80-х прошло под победное шествие хэви-метала, но он становился все менее тяжелым и более коммерческим, что конечно большинству молодежи, желавшей все также буйствовать, не нравилось. И вот в начале 80-х начинает зарождаться новая музыка — трэш метал. Трэш вобрал в себя панк-рок и хэви метал, вобравши в себя жесткость, скорость первого и мелодичность второго. Трэш стал самым тяжелым направлением музыки, в основном это было достигнуто за счет доведения скорости игры до физического предела, максимальным искажением звука гитары (благодаря все тому же эффекту Distortion) и максимальным убыстрением ритм-секции, которая стала походить на кононаду, за счет введения второй басовой бочки. Но трэш не состоял только из одной скорости, он был замечателен тем, что вместе со скоростью существовала мелодия, а частые резкие смены ритма сделали его неподражаемым. Трэш возник в Америке, и восновном как альтернатива начинающему становиться помпезным хэви-металу. Родителями трэша принято считать такие группы, как «Metallica», «Slayer», «CelticFrost». В своем младенчестве трэш в основном воспевал агрессивность и воинственность, но очень скоро его уровень резко возрос и одновременно с усложнением музыки, трэш группы запели о насущных проблемых — о ядерной угрозе, политической нестабильности, протест наркотикам, абортам, самоубийствам, исторических ошибках человечества и вообще что же есть такое человек.
«Metallica». Ее феномен заключается в том, что без «сорокапяток» и эффектных видеосюжетов, выходя на сцену без грима, без трансляции композиций по радио и телевидению, под аккомпанемент насмешек солидной музыкальной прессы, группа не только встала во главе нового тяжелого андерграунда, но и приобрела репутацию супергруппы вне его. «Metallica» играет «рафинированный металл», свободный даже от «наследственных примесей» — ритмическое богатство композиций, предельная лаконичность музыкальных тем, скрытая динамика аранжировок мгновенно выделяют группу среди множества подобных, взявших за основу внешние признаки «металликовского» «металла». В своих работах музыканты настолько честны и искренны, что создается впечатление, будто 70-х — с их компромиссами, усталостью, лицемерием, прагматизмом, комплексами неполноценности и животным страхом перед будущим — никогда не было. Группа, способная гитарным риффом перечеркнуть наследие «постреформистского десятилетия», может с полным основанием претендовать на звание наследницы 60-х, эры Вудстока и наивных «детей цветов». Только «Metallica» не наивна, а предельно ожесточена — утратой разноцветных иллюзий, своим временем и его жестокостью, и тем не менее она — второе поколение Вудстока. Но история «Металлики» — это не только искренность 60-х, с их вызовом ханжеской морали; это и конец 70-х, когда «новая волна» английского хэви-метала снова поставила вопрос: как жить дальше? Бешеная динамика музыки «Моторхэд», «Саксон» и «Даймонд Хэд» давала на него свой ответ: спасение в движении, в скорости — под лежачий камень вода не течет. Хватит болтать, пора заняться делом, человек сам хозяин своей судьбы!
История группы начинается с датчанина Ларса Ульриха, серьезно занимавшегося теннисом. Настолько серьезно, что стал чемпионом Копенгагена среди юниоров. В 1980 году его родители перебрались в Лос-Анджелес. Спортивная карьера прервалась сама собой и Ларс также серьезно занялся ударными. Спустя год ему попалось объявление в газете: некий Джеймс Хэтфилд ищет музыкантов для группы. Они быстро сошлись, обоюдная симпатия переросла в дружбу. Приятель и сосед Хэтфилда, Рон Макговни, стал бас-гитаристом, для соло пригласили черного гитариста Ллойда Гранта. Вокал Хэтфилда по силе и тембру оказался очень похожим на голос Оззи Осборна (это впоследствии отмечал и сам Оззи).
Грант выбыл из состава через неделю репетиций: ритмические эксперименты Хэтфилда оказались не под силу этому, в общем-то, преспективному гитаристу. На его место пришел Дэйв Мастейн, и летом 1982 года «Metallica» записала свою первую композицию. Лента с записью попала на фирму «Мегафорс» и через две недели «Metallica» подписала контракт на первую пластинку. Однако в самом разгаре работы бас-гитарист Макговни тоже объявил, что играть с Хэтфилдом больше не может: «От его ритмических сбивок у меня мозги вставали дыбом, он же чокнутый — мы играем рок или Стравинского?» Хэтфилд и Ульрих срочно вылетели в Сан-Франциско, где они нашли великолепного басиста Клиффа Бертона, в то время игравщего в группе «Травма». Клифф Бертон был профессиональным музыкантом с большим стажем работы. Как любой хороший бас-гитарист, Бертон прекрасно играл на рояле, владел музыкальной теорией — шаг за шагом он, словно педагог, вел своих менее опытных коллег к постижению основ музыки, закладывал фундамент для дальнейшей работы, высвобождал из оков невежества творческкий потенциал Хэтфилда. Клифф научил Хэтфилда работать, и ему это понравилось. В марте 1983 года группа приступила к записи прерванного альбома. Музыканты работали по двадцать часов в день, но… Появление Бертона, его «школа хороших манер» не прошли бесследно, Ульрих и Хэтфилд почувсвовали дискомфорт, хотя ничего вроде бы не изменилось. Однако изменилось. Изменилось их восприятие музыки, критерии, требования, предьявляемые к материалу. «Дэйв Мастейн — отличный гитарист, наверное, он самый быстрый гитарист в «металле»,- говорит Хэтфилд, — но мы уже стали другими, а Дэйв продолжал лупить по струнам, как будто ничего не произошло. Нам нужен был другой, кто смог бы управляться и с мелодиями.» Этим «другим» оказался Кирк Хэммет из сан-франциской группы «Экседес», поклонник Джими Хэндрикса и Майкла Шенкера, способный воплотить любую чужую идею с точностью компьютера. К счастью «рокировка» гитаристов прошла безболезненно (Мастейн с тех пор играет в «MegaDeath», группе, которую называют «скоростной и прямолинейной копией «Металлики»»).
Перед любителями жесткого рока появилась новая группа. Но не совсем такая, какой, предполагалось, она может быть. Несмотря на некоторые стилические тяготения к «Black Sabbath» и «Led Zeppelin», композиции «Meталлики» выглядят более «сухими», резкими, а ритмические чудеса Хэтфилда вообще ставят под сомнение принадлежность группы к року в традиционном смысле этого слова. В целом музыка группы «Metallica» гораздо более сложная, чем что-либо когда-то бывшее в роке.
«Kill’emAll» практически не отличались от стандартных разработок, например, «Judas Priest»: рок, да здравствует рок и только рок! Принципиально иным стал второй альбом «RidetheLighting»(1984).
В музыкальном отношении он углубляет и развивает находки, которыми отмечен дебют группы, но стихи здесь вышли на первый план и несут такую же эмоциональную нагрузку, как и музыка. «Metallica» взялась за очень трудные темы: война, смертная казнь, наркомания, насилие психозы, подавление инакомыслия — темы, которые с тех пор всегда присутствуют в творчестве этой группы. Записав третий альбом, «Metallica» практически сразу же приобретает статус супергруппы — триумфальные гастроли с Оззи Осборном, беспрецендентная реализация диска, практически мгновенно ставшего «золотым». В начале осени 1986 года, а точнее — в сентябре, «Metallica» отправилась на гастроли по Скандинавии. По дороге из Стокгольма в Копенгаген автобус с музыкантами и персоналом не удержался на скользком повороте и первернулся. Погиб один человек, Клифф Бертон. Ему было 24 года. Оправившись от шока, «Metallica» объявила конкурс бас-гитаристов. Они получили 340 демонстрационных записей, из которых отобрали одну. Ее автором был Джесон Ньюстед.
«… Andjusticeforall» — так назвали «Metallica» свой двойной альбом, вышедший в 1988 году. Впервые после записи «Kill’emall» группа пришла в студию с готовым материалом. Работа двигалась очень тяжело: давила мысль, что это первые самостоятельные композиции, сквозь ноты которых не пробегал взгляд Бертона. Пожалуй, этот альбом получился самым интересным в истории «Металлики». В рекордный срок он стал «платиновым». Новый альбом группы появился на прилавках 4 августа 1991 года и к 6 августа он уже был дважды «золотым». Эту работу можно рассматривать, как не характерную для направления «спид-трэш-метал» и одновременно вполне логичную, применительно к концепции творчества «Металлики»: скорость исполнения, одно время ставшая самоцелью, уступила место мелодичности (правда, группа и прежде не страдала ее отсутствием), жесткость звучания сохранилась, но теперь она достигается за счет акустических инструментов. В целом же этот диск полон реминисценций хард-рока 70-х, в нем явственно прослушиваются стилистические комбинации в духе «Black Sabbath» и «Deep Purple».
Рок 90-х
слияние таких стилей как панк, хэви метал и поп-рок. Гранж отличает вызывающее поведение и скорость игры панк-рока и присутствие несложных мелодий поп-рока. Формироваться гранж начал в конце 80-х ( хотя еше в конце 70-х группа «TheGo-Go’s» преподносила публике нечто похожее), его родителями были «Nirvana», «PearlJam», «Soundgarden». Хотя «PearlJam» и «Soundgarden» играли намного лучше чем «Nirvana», молодежь приняла именно последнюю за их вызывающую зажигательность. Практически «Nirvana» держалась за счет своего лидера Курта Кобейна. Несмотря на то, что мастерство исполнителей оставляло желать лучшего, в песнях Кобейна было нечто, что просто не могло не притягиваиь людец к этой музыке. После трагической гибели Курта Кобейна группа распалась, но их музыка звучит до сих пор. После распада группы «Nirvana», возрос интерес к техничному и профессиональному гранжу, получили известность такие группы «PearlJam» и «Soundgarden», которые в корне отличаются от «Nirvana». Эти группы владеют инструментами и их творческий потенциал не исчерпывается простенькими мелодиями, к тому же в их тектсах поднимается серьезная проблематика окружающего мира.
Что же ждет рок в будущем ? Если посмотреть на его повторяющуюся историю, то можно с уверенностью сказать, что впереди у рока новые буйства и протесты, новые взлеты творчества и эксперименты по скрещиванию музыки разных направлений, подчас противоположных. Рок не стоит на месте, он постоянно развивается. Отвергая прошлое и одновременно вбирая в себя самое интересное и выразительное прошлого будут появляться новые направления, новые группы, новые движения. И так же постоянно будет конфликт детей и отцов, отцы будут запрещать детям слушать эту «бесовскую», «грязную» музыку, а дети назло родителям будут ее слушать.
Заключение
Конечно, в объёме одного реферата невозможно полностью описать картину музыкального мира ХХ века. Я вынужден был опустить полностью европейскую и американскую симфоническую музыку, лишь мельком упомянул таких известнейших дирижёров, как Тосканини, почти не затронул развитие блюза и многих других жанров, в том числе и поп-музыки. Даже в истории рок-музыки, достаточно детально здесь описанной, остались пробелы: обойдёнными вниманием остались такие интересные команды, как «AC/DC», «Van Halen», «Uriah Heep», «Guns’n’Roses», «Doors», «Aerosmith». Кроме того, совершенно особое явление представляет из себя российский и советский рок. Исходя из этого, позволю себе на этом закончить мой реферат.
