Народный (фольклорный) театр на протяжении многих веков играл важную роль в духовной жизни русского народа, откликаясь на все важнейшие события, связанные с его историей, был неотъемлемой частью праздничных народных гуляний и любимейшим народным зрелищем.
Своими корнями он уходит в древние обрядовые ритуалы и действа, связанные с ряженьем. Эти ритуалы стали непременной составной частью календарных и семейных праздников, в основе которых было заложено драматическое игровое начало.
Народный театр — традиционное драматическое творчество народа. Типы народной зрелищно-игровой культуры разнообразны: обряды, хороводы, ряженье, клоунада и т.д. В истории народного театра принято рассматривать дотеатральный и театральный этапы народного драматического творчества.
К дотеатральным формам относятся театрализованные элементы в календарных и семейных обрядах.
В календарных обрядах — символические фигуры Масленицы, Русалки, Купалы, Ярилы, Костромы и др., разыгрывание с ними сценок, ряжение. Видную роль играла аграрная магия, магические действия и песни, призванные содействовать благополучию семьи. Например, на зимние Святки по деревне тянули плуг, «посевали» в избе зерном и т. д. С потерей магического значения обряд превращался в забаву.
Свадебный обряд также представлял собой театрализованную игру: распределение «ролей», последовательность «сцен», перевоплощение исполнителей песен и причитаний в действующее лицо обряда (невесту, ее мать).
Сложной психологической игрой было изменение внутреннего состояния невесты, которая в доме родителей должна была плакать и причитать, а в доме мужа изображать счастье и довольство. Однако свадебный обряд не воспринимался народом как театральное действо.
В календарных и семейных обрядах участниками многих сцен были ряженые. Рядились в старика, старуху, мужчина переодевался в женскую одежду, а женщина — в мужскую, рядились в животных, особенно часто в медведя и козу. Ряженья в различную одежду, изготовление горбов, масок, мазанье сажей, а также использование в качестве условного театрального реквизита санок и веревок, лавки, веретена и прялки, корыта и сковороды, вывороченной шубы и соломенного чучела, восковой свечи, значительно оживляли народные забавы, делая их ярким, увлекательным и незабываемым зрелищем.
Помимо обрядов, театральные элементы сопровождали исполнение многих фольклорных жанров: сказок, хороводных и шуточных песен и др. Важную роль здесь играли мимика, жест, движение — близкие к театральным жесту и движению. Например, сказочник не просто рассказывал сказку, а в той или иной мере разыгрывал се: изменял голос, жестикулировал, менял выражение лица, показывал, как герой сказки шел, нес ведро или мешок и т. д. Фактически это была игра одного актера.
Народный театр как средство воспитания школьников
... и снижению их утомляемости. Вследствие этого создание школьного фольклорного (народного) театра решает множество психологических проблем, а также ... малых народов. Чем больше человек ориентирован «на запад», тем меньше внимания он уделяет своим собственным корням. ... воспринимают информацию о народных традициях, примеряют на себя новые роли и активно участвуют в различных народных играх. Так ...
Собственно театральные формы народного драматического творчества — более поздний период, начало которого исследователи относят к XVII в.
Однако задолго до этого времени на Руси были комедианты, музыканты, певцы, плясуны, дрессировщики. Это — скоморохи. Они объединялись в бродячие группы и до середины XVII в. принимали участие в народных обрядах и праздниках. Об искусстве скоморохов сложены пословицы (Всяк спляшет, да не как скоморох), песни и былины. Их творчество отразилось в сказках, былинах, в разных формах народного театра. В XVII в. скоморошество было запрещено специальными указами. Еще некоторое время скоморохи укрывались на окраинах Руси .
Специфические признаки народного театра — отсутствие сцены, разделение исполнителей и аудитории, действие как форма отображения действительности, перевоплощение исполнителя в иной образ, эстетическая направленность представления. Пьесы нередко распространялись в письменном виде, предварительно репетировались, что не исключало импровизации.
1. История возникновения, бытования и развития фольклорного театра кукол в России
Русский фольклорный театр зародился в глубочайшей древности. Почвой для его появления стала производственная деятельность наших далеких предков славян. Большую роль в развитии театра сыграли многочисленные обряды, обрядовые действия и народные праздники.
Основным путем формирования фольклорного театра в России, является постепенное отмирание древних языческих представлений человека о мире и обмен культурными ценностями между деревней и городом, между русским народом и иностранцами.
В России театр как вид искусства появился лишь в царствование Алексея Михайловича «Тишайшего», а греческие по происхождению слова «театр», «драма», как указывал театровед В.Н. Всеволодский-Гернгросс, вошли в русский язык лишь в XVIII в. В народе «театру» предшествовало «позорище», а «драме» — игрище. На протяжении XVII в. бытовал термин «потеха», который позже был заменён «комедией».
Грандиозные реформы Петра Великого, изменили не только уклад жизни, но и традиционную культуру России. «Насаждая театр по линии равнения на Европу, Пётр заставлял его играть непосредственно-политическую роль агитатора, панегириста его реформ. Тот театр, который затевал Пётр, должен был представлять собой публичное зрелище, т.е. по существу совершенно новую для России затею» [3, c. 25].
Фольклор в своих обрядово-ритуальных формах оказался вытеснен, и остался уделом простого народа, далекого от новых театральных забав. Обряды и зрелища постепенно утрачивали ритуальные функции магической связи человека с миром природы и свои, как писал Б.Н.Путилов, «непосредственно-ритуализированные формы».
С утратой ритуальной функции древнее действо, сохранялось в народном быту в виде игры, выполняя уже не ритуальную, а эстетическую и этикетную функции.[4, c. 161].
На этапе таких изменений и рождается народный (фольклорный) театр. Условный язык представлений не требовал особого места — свободно расположенные зрители, по необходимости становились участниками потехи.
Государственный академический Малый театр России
... Театральной) площади и стало постепенно называться Малым театром, и поныне несет это имя. 2.1. XVIII век Малый театр — один из старейших театров России. Его труппа была создана при Московском ...
Годом создания первого народного (фольклорного) театра в России считается 1765 г., когда «на брумбергской площади близ Мойки <…> безымянные русские комедианты под чистым небом каждый день <…> представляли свои комедии» [6, c. 30].
Такой театр — ряжение, фарсы, драматические сценки, кукольные представления, исполняемые непрофессиональными актёрами — существовал весь XIX и начало ХХ в. Также с конца XVII века популярными становились светские лубочные картинки, среди которых значительную долю составляли западноевропейские «потешные» листы, русский лубок с изображением шутов, скоморохов, народных праздников и гуляний, сказочных героев. В XIX веке на смену им пришли лубочные книжки с текстами повестей, сказок, сатир, пользующихся повышенным спросом в среде читающей демократической публики. Формирующийся городской фольклор вбирал в себя и традиционные народные зрелища: выступление кукольников, вожаков медведей, музыкантов и балагуров. Возникают новые жанры фольклорного театра. Непременной частью праздничных увеселений с начала XIX века становится раёк. С середины XVIII века балаган становится душой всех городских празднеств.
Постепенно на жанры ярмарочного искусства накладываются различные ограничения, они подвергаются строгой цензуре, ярмарки и места увеселений выносят за пределы города. Вытесненные с давно освоенных мест, подвергаемые цензурному контролю, гулянья затихают, и в начале ХХ века, по существу, прекращают свое существование.
2. Виды фольклорного театра, Балаганы и балаганный театр.
Во время ярмарок строились балаганы. Они обычно располагались на рыночных площадях, вблизи мест народных гуляний. Это специальные деревянные здания: крыша делалась из брезента или мешковины. Перед балаганом сооружался балкон (payс), с которого артисты зазывали публику на представление. Балаганный дед был обычно молодым стариком. Он был одет в огромные лапти, имел бороду, усы; на кафтане большие яркие нашивки, имитирующие заплаты. Он не разговаривает, а кричит обычно смешные прибаутки. Самые маленькие балаганчики, так называемые «столбики» или «рогожные», сооружались при помощи столба, на котором держался рогожный навес. В крохотных балаганчиках (а то и просто на улице) могли располагаться гадалки-предсказательницы, кукольники с Петрушками и марионетками и панорамы-райки.
Но главными на гуляниях были большие театральные балаганы со сценой, занавесом и зрительным залом. Такой балаган мог вмещать до 1000 зрителей. Балаганы украшались флагами, вывесками, картинами, афишами.
Каждое представление длилось от 10-15 минут (в маленьких балаганах) до 30 минут, иногда — часа (в балаганах больших).
Представления начинались обычно в полдень и длились до 9 часов вечера. Таким образом, каждый день проходило не менее 6 спектаклей (в маленьких балаганах — до 30).
Во время представлений в зрительном зале шла бойкая торговля семечками, орехами, пряниками и другой снедью.
Театральные представления состояли из нескольких номеров, разбитых на три отделения. В первом из них показывались, как правило, цирковые акробатические и гимнастические номера — работа на трапеции, канатоходцы, силовые аттракционы и т.п.; во втором — сценки из народного быта; в третьем — арлекинады и пантомимы, комические, мелодраматические или героические. Здесь ставились пьесы из репертуара народного театра (Комедия о царе Максимилиане и др.), инсценировки рыцарских романов, позже — популярных литературных произведений (вплоть до Пушкина, Толстого, Лермонтова).
Русский народный театр как образец мирового фольклорного творчества
... представление театра кукол, но и особая конструкция театральной ширмы в виде многоэтажного ящика. ... картинками небольшой фанерный ящик с двускатной крышей, путешествующий вместе со святочными царями, - это рождественский кукольный театр ... - три тела, прикрепленные к одной ручке. Пастухам , самым ... театра. Петрушечная комедия была очень популярна и чрезвычайно широко распространена с конца XVIII века. ...
Балаганный театр — так называемый театр для народа. Имеет те же тексты и то же происхождение, что и народный театр, но в отличие от него не имеет фольклорной формы существования текста. Вместо мифологической значимости, содержанием его становится зрелищность. За небольшим исключением — явления массовой культуры (зрелищность — товар).
Все тексты балагана в той или иной степени — авторские, в обязательном порядке проходили цензуру. Балаганный театр возникает в период Петровских реформ. Использовался как проводник государственной идеологии. Ликвидирован в 1918 году вместе с лубочной литературой и кулачными боями.
3. Раёк
Раёк — вид представления на ярмарках, распространенный главным образом в России в XVIII—XIX вв.
Раёк — это небольшой, аршинный во все стороны, ящик с двумя увеличительными стеклами впереди. Внутри его перематывается с одного катка на другой длинная полоса с доморощенными изображениями разных городов, великих людей и событий. Зрители, «по копейке с рыла», глядят в стекла, — раешник передвигает картинки и рассказывает присказки к каждому новому номеру, часто очень замысловатые.
Во время народных гуляний раешник со своим ящиком обычно располагался на площади рядом с балаганами, каруселями. Сам «дед-раешник» — отставной солдат, бывалый, ловкий и сметливый. На нем серый, обшитый красной или желтой тесьмой кафтан с пучками цветных тряпок на плечах, шапка-коломенка также украшенная яркими тряпками. На ногах у него лапти, к подбородку привязана льняная борода.
Такое зрелище появилось на Руси в начале XIX века. Ящик, в котором с валика на валик перематывалась полоса с картинками, назывался райком или косморамой, а хозяин его — раёшником.
Представление пользовалось огромным успехом на гуляньях и ярмарках: это подчеркивали в своих произведениях многие русские писатели. А.И. Левитов, например, в очерке «Типы и сцены сельской ярмарки» описание этого зрелища заканчивает фразой: «Толпа ревела от удовольствия…»
Существует несколько версий происхождения райка как вида зрелища. Академик А.Н. Веселовский считал, что образцом для них послужили вертепы, где действовали рисованные фигурки. Историк И.В. Забелин утверждал, что ящик с отверстиями — космораму занесли к нам с Запада бродячие артисты. Как бы то ни было, можно предположить, что первыми раёшниками у нас стали офени, коробейники, продававшие лубочные картинки. Чтобы товар шел быстрее, они привлекали внимание покупателей тем, что давали шутливые пояснения к содержанию лубков. А лубочные картинки были действительно интересными.
Для показа в потешных панорамах, или райках, избирались картинки на самые разные темы. Портреты русских императоров, полководцев, а также, например, шута Балакирева, Александра Македонского, былинных богатырей, самого Адама и т. п. Демонстрировались изображения различных событий прошлого и настоящего, войны, стихийные бедствия: Синопское сражение и извержение Везувия, схватка с черкесами и комета Бела, «которая чуть нашу планету хвостом не задела»; нечто любопытное: «Полет на воздушном шаре», «Охота на львов в Африке», «Прогулка на слоне в Персии» и тому подобное.
Реферат особенности режиссуры фольклорно этнографического театра
... (фольклорного) театра в России считается 1765 г., когда «на брумбергской площади близ Мойки <...> безымянные русские комедианты под чистым небом каждый день <...> представляли свои комедии» [6, ... (а то и просто на улице) могли располагаться гадалки-предсказательницы, кукольники с Петрушками и марионетками и панорамы-райки. Но главными на гуляниях были большие театральные ...
Естественно, каждый раёшник, чтобы привлечь к себе внимание, старался сделать свои выступления позанимательнее, позабавнее. Для этого он вступал со зрителями в шутливые диалоги, используя приемы, манеру поведения дедов-зазывал на раусах балаганов и других балаганных комиков.
Бытовые сценки чаще всего окрашивались юмором грубоватым, но очень понятным простому люду. Высмеивались лень, жадность, лукавство, претензии , безродного выглядеть аристократом.
Часто потешались над франтом и его «зазнобой».
Но, конечно, далеко не всё в выступлениях раёшников сводилось к шуткам. Существовало, например, патриотическое направление, которое получало развитие во время войн. О победах российской армии говорилось с гордостью и пафосом.
Часть публики с интересом разглядывала картинки с видами Москвы, Петербурга, Парижа других городов.
Раёк можно считать предшественником кинематографа. Прежде всего потому, что раёшники старались придать зрелищу динамичность, развитие. И зритель становился как бы участником события.
Более чем за сто лет выступления раёшников, разумеется, менялись. Происходили технические усовершенствования ящика. Увеличивали его размеры, делали не два, а четыре отверстия. Появились стационарные панорамы. А к лубочным картинкам добавлялись уже цветные репродукции. В текстах раёшников все больше чувствовалось влияние газетного языка, других печатных изданий.
В самом начале XX века количество райков на ярмарках и гуляньях резко уменьшилось. Видимо, интерес к ним падал: вытеснял кинематограф, иные новые зрелища. А вскоре раёшники, которые более ста лет развлекали и просвещали российских жителей, исчезли бесследно…
4. Вертеп
Кукольный театр вертеп получил название от своего назначения: представлять драму, в которой воспроизводился евангельский сюжет о рождении Иисуса Христа в пещере, где нашли пристанище Мария и Иосиф (старосл. и древнерус. «вертепъ» — пещера).
В Россию вертеп проник с Украины и Беларуси в конце XVII — начале XVIII в.
Вертеп представлял собой переносной прямоугольный ящик из тонких досок или картона. Внешне он напоминал домик, который мог состоять из одного или двух этажей. Чаще всего встречались двухэтажные вертепы. В верхней части игрались драмы религиозного содержания, в нижней — обычные интермедии, комические бытовые сценки. Это определяло и оформление частей вертепа
Верхняя часть (небо) обычно оклеивалась изнутри голубой бумагой, на задней ее стене были нарисованы сцены Рождества; или же сбоку устраивались макет пещеры или хлева с яслями и неподвижные фигуры Марии и Иосифа, младенца Христа и домашних животных.
Нижняя часть (земля или дворец) оклеивалась яркой цветной бумагой, фольгой и т.п., посредине на небольшом возвышении устраивался трон, на котором находилась кукла, изображающая царя Ирода.
В дне ящика и в полочке, разделявшей ящик на две части, были прорези, по которым кукловод передвигал стержни с прикрепленными к ним неподвижно куклами — персонажами драм. Передвигать стержни с куклами можно было вдоль ящика, куклы могли поворачиваться во все стороны. Справа и слепа каждой части были прорезаны двери: из одной куклы появлялись, в другой исчезали.
Художественное своеобразие и выразительные элементы представлений ...
... комедии. Зрители «Петрушки», чьи эстетические идеалы и художественный вкус воспитывались в основном на фольклорных произведениях, не требовали наличия в комедии психологической разработки характеров, им нравилось следить за тем, ... демократического театра XVII – XVIII веков в народной драмы. Состав действующих лиц комедии достаточно широк и пестр – солдат, барин, цыган, невеста, доктор, квартальный ...
Кукол вырезали из дерева (изредка лепили из глины), красили и наряжали в матерчатую или бумажную одежду и закрепляли на металлических или деревянных стержнях.
Текст драмы произносил один кукловод, изменяя тембр голоса и интонации речи, чем создавал иллюзию представления несколькими актерами.
5. Театр петрушки
Театр Петрушки — русская народная кукольная комедия. Главным его персонажем был Петрушка, именем которого и назван театр. Этот герой именовался также Петр Иванович Уксусов, Петр Петрович Самоваров, на юге — Ваня, Ванька, Ванька Ретатуй, Рататуй, Рутютю (традиция северных районов Украины).
В древности, чтобы не навлечь на себя гнев богов, представляя истории из их жизней, актеры прибегали к хитрой уловке — «поручали» ответственные роли деревянным куклам. Вероятно, именно с тех пор повелось не отождествлять актеров-кукловодов с их подопечными, которые отпускали подчас весьма сомнительные шуточки. Любимец древних римлян, носатый горбун позволял себе не только разного рода скабрезности, но и ядовитые замечания в адрес богатых и власть имущих — и ничего: кукле, а заодно и актеру, обычно все сходило с рук. Ну что взять с существа с деревянной головой!
С приходом христианства кукольные мистерии на религиозные сюжеты разыгрывались даже в храмах. Например, во время празднования Рождества Христова на алтаре ставили деревянный ящик без передней стенки, где фигурки кукол изображали главное событие праздника.
Существовало три основных вида кукол — тростевые (они были особенно популярны на Востоке), веревочные, то есть марионетки, и более простые в управлении — перчаточные.
Петрушка — из перчаточных. У него была деревянная, довольно грубо сработанная голова (нос крючком, рот до ушей), а туловище представляло собой матерчатый мешок, который кукловод надевал на руку.
Театр Петрушки возник под влиянием итальянского кукольного театра Пульчинелло, с которым итальянцы часто выступали в Санкт-Петербурге и других городах. Острый на язык забияка в шутовском колпачке появился в Италии на рубеже XV-XVI веков.
Вскоре «братья» Пульчинеллы не замедлили появиться и в других странах — английский Панч, французский Полишинель, голландский Пиккельхерринг, чешский Кашпарек, немецкий Касперле. В России красноносого охальника уважительно называли Петром Ивановичем Уксусовым. А если запросто — Петрушкой. Персонажей роднило не столько внешнее сходство, сколько вседозволенность, возможность балагурить на любые темы.
Ранняя зарисовка театра Петрушки относится к 30-м гг. XVII в. «…Мужик, подвязав к поясу женскую юбку с обручем в подоле, поднял ее кверху, — юбка эта закрывает его выше головы, он может в ней свободно двигаться руками, выставлять кукол на верх и представлять целые комедии»
Позже поднятая кверху женская юбка с обручем в подоле была заменена ширмой.
В XIX в. театр Петрушки был самым популярным и распространенным видом кукольного театра в России. Он состоял из легкой складной ширмы, ящика с несколькими куклами (но количеству персонажей — обычно от 7 до 20), из шарманки и мелкой бутафории (палки или дубинки-трещотки, скалочки).
Детский театр кукол
... спектакли на патриотическую тему: «Сын полка», «Город мастеров», «Два капитана». В 70-е годы в СССР было уже более 100 кукольных театров, 46 драматических и 1 музыкальный детский театр. Также ... этапы работы по изготовлению ширмы и кукол. В заключении указаны основные выводы по работе. Список литературы состоит из Глава I. Кукольный театр 1 История возникновения кукольного театра В XV веке в Европе ...
Декораций театр Петрушки не знал.
Кукольник в сопровождении музыканта, обычно шарманщика, ходил от двора ко двору и давал традиционные представления о Петрушке. Его всегда можно было видеть и во время народных гуляний, на ярмарках.
Об устройстве театра Петрушки: «У куклы корпуса нет, а только подделана простая юбчонка, к которой сверху подшита пустая картонная голова, а с боков — руки, тоже пустые. Кукольник втыкает в голову куклы указательный палец, а в руки — первый и третий пальцы; обыкновенно напяливает он по кукле на каждую руку и действует таким образом двумя куклами разом».
Характерные черты внешнего вида Петрушки: большой нос «крючком’, смеющийся рот, выступающий подбородок, горб или два горба (на спине и на груди).
Одежда состояла из красной рубахи, колпака с кисточкой, на ногах щегольские сапожки; или из шутовского двухцветного клоунского наряда, воротника и колпака с бубенчиками.
Кукольник говорил за Петрушку с помощью пищика — приспособления, благодаря которому голос становился резким, визгливым, дребезжащим. (Пищик изготавливался из двух костяных или серебряных выгнутых пластиночек, внутри которых укреплялась узкая полоска полотняной ленточки), так что не всегда удавалось понять слова. Но это совершенно не умаляло удовольствия публики от грубоватого и веселого действа. Довольные зрители кидали деньги и требовали продолжения — бесконечного повторения всем давным-давно известных сценок.
За остальных действующих лиц комедии кукольник говорил споим естественным голосом, отодвигая пищик за щеку
Представление театра Петрушки состояло из набора сценок, имевших сатирическую направленность. Петрушка — непобедимый герой кукольной комедии, который побеждает всех и вся: полицию, попов, даже черта и смерть, сам же остается бессмертен.
Появления любимого героя с нетерпением ждали на ярмарках, народных гуляниях и в балаганах. Стоило только установить ширму, как тут же собиралась толпа «поглазеть комедь». Высоким «штилем» здесь и не пахло. Сценки были примитивны, но пользовались неизменным успехом — вот Петрушка покупает лошадь у цыгана, тот пытается обмануть, да не выходит, — быть ему битым; вот Петрушка заболел, и пришел к нему глупый напыщенный доктор, представляется:
- Я доктор с Кузнецкого моста, пекарь, лекарь и аптекарь. Ко мне людей ведут на ногах, а от меня увозят на дрогах…
Вот дурак-квартальный или барин-самодур не дает герою покоя; вот Петрушку пытаются обучить воинскому делу, а он ёрничает, величает капрала «Ваше сковородне»… В конце короткой репризы Петрушка неизменно лупил огромной дубинкой незадачливого противника и прогонял его с позором, перемежая свои тирады непристойными шуточками.
Как правило, в финале балагура уносил черт или собака. Но зрители не огорчались — все знали, что неунывающий Петрушка вновь выскочит из-за ширмы и задаст перцу. фольклорный обрядовый театр вертеп
У хулигана в каждой сценке обычно был только один «партнер» — одновременно два действующих лица по числу рук кукловода.
Организация кукольного театра в детском саду
... В XVIIIв. в России появился Петрушка - перчаточная кукла, которой управлял бродячий кукольник. Кукольный театр - вид театральных представлений, в которых действуют куклы, приводимые в ... -театр; театр кукол для одного исполнителя. 2.ВИДЫ КУКОЛ 5 Для организации ... сценой. Так же используются: фланелёграф, плоские игрушки, игрушки из конусов и цилиндров, игрушки из поролона, магнитный театр, ...
Немудреный «репертуар» состоял из набора проверенных временем сцен и изустно передавался от артиста к артисту, обрастая новыми шутками.
Образ Петрушки — олицетворение праздничной свободы, раскрепощенности, радостного ощущения жизни. Действия и слова Петрушки противопоставлялись принятым нормам поведения и морали. Импровизации петрушечника были злободневны: в них содержались острые выпады против местных купцов, помещиков, начальства. Представление сопровождалось музыкальными вставками, иногда пародийными.
В начале XX века популярность Петрушки пошла на убыль. На него ополчились власти и блюстители нравственности. Театр Петра Иваныча запрещали, а кукольников изгоняли с ярмарочных площадей. Чтобы заработать, артисты начали выступать перед совершенно другой аудиторией. Но попытка «причесать» лексикон народного любимца, сделать его героем слащавых нравоучительных историй и детских праздников не удалась. Время хулигана Уксусова миновало. И братья Пульчинеллы уступили место новым героям.
Традиционные сюжеты представлений театра Петрушки.
Своеобразие театра «Петрушки» было в том, что зритель получал удовольствие не от знакомства с новым для себя героем и сюжетом: содержание комедии и действующие лица ее всем были хорошо известны. Главное внимание обращалось не столько на то, что играют, сколько на то, как играют. Этому же способствовал и «антипсихологизм» героев комедии. Зрители «Петрушки», чьи эстетические идеалы и художественный вкус воспитывались в основном на фольклорных произведениях, не требовали наличия в комедии психологической разработки характеров, им нравилось следить за тем, что станет делать тот или иной уже известный персонаж, оказавшись в данной ситуации. В этом театре все действующие лица, «хорошо известные народному зрителю из жизни, из быта… входили в пьесу уже вполне сложившимися, и не их «развитие» было интересно зрителю, а их «преодоление», их посрамление».
Петрушка, да и сама комедия прошли интересный, сложный путь, вобрав иностранные и русские черты, переработав и по-особому освоив богатый зрелищный фольклор, комические и сатирические жанры русского народного творчества, достижения демократического театра XVII — XVIII веков в народной драмы.
Представление состояло из цепочки встреч — столкновений Петрушки с разными персонажами. Сценки в комедии слабо или вовсе не связаны друг с другом, поэтому порядок их размещения не был строго закреплен и допускал самые различные перестановки, выпадение отдельных сцен и присоединение новых.
А) Выход Петрушки.
Представление начиналось с того, что из-за ширмы раздавался хохот, пение, шум и затем стремительно выскакивал петрушка. Он здоровался с собравшимся вокруг его ширмы народом, поздравлял всех с праздником, заводил разговор на какую-либо злободневную тему, задавал вопросы, шутил, «задирал» публику. Характерной особенностью этой сцены является выходной монолог Петрушки, включавший в себя типичную фольклорную комическую самохарактеристику и насмешку над зрителями.
Б) Жениться.
Поговорив с публикой, Петрушка обращался к музыканту и сообщал ему о своем намерении жениться. Музыкант просил привести невесту, расспрашивал о приданом. Появлялась невеста, Петрушка ее расхваливал, а музыкант всегда находил в ней изъян: с его точки зрения, она курноса, «хрома на один глаз», «кирпатенькая» и т.п. Петрушка сердился, просил музыканта сыграть что-нибудь веселое, танцевал со своей избранницей и затем провожал ее «домой», за ширму. В большинстве случаев невесту изображали круглолицей, краснощекой, полной, одетой по моде, при этом модные детали утрировались, окарикатуривались.
Реферат театр эрмитаж
... веке - это были придворный и школьный театры. Тогда сложились первые устные драмы, простые по сюжету, отражающие народные настроения. Кукольная комедия о Петрушке (его звали вначале Ванька - Рататуй) ... рассказывала о похождениях ловкого весельчака, не боящегося ничего на свете. Школьный театр появился при Славяно ...
Нередко сцена с невестой наполнялась комическим цинизмом и выделялась в особую интермедию, которая под названием «Петрушкина свадьба» показывалась за дополнительную плату и не для широкого круга зрителей.
В) Покупка лошади.
Петрушка задумывал купить лошадь. Едва он успевал сказать об этом музыканту, как тут же появлялся цыган и предлагал отличного коня: «Не конь, а диво: бежит — дрожит, а упадет, так и не встанет. По ветру, без хомута, гони в два кнута, летит, как стрела, и не оглядывается… На гору побежит — заплачет, а с горы бежит-скачет, а завязнет в грязи, так оттуда уж сам вези — отменная лошадь».
Цыган — кукла в красной рубахе, черном жилете, с кнутом за поясом черными всклокоченными волосами и лицом, вымазанным сажей — заламывает огромную цену После долгой торговли Петрушка отправляется за задатком, но возвращается с палкой и колотит цыгана, который убегает или падает убитым от слишком большой порции «березовых денег».
Испытание лошади. Петрушка рассматривает лошадь, пытается сесть на нее, влезает задом наперед и падает, сброшенный норовистой покупкой.
Г) Лечение.
Петрушка, лежа на земле, громко стонет, кричит, зовет доктора. Появляется доктор, одетый во все черное, с огромными очками. Он произносит комический монолог — самохарактеристику:
Я штабс-доктор, лекарь,
с-под Каменного моста аптекарь.
Зубы вынимаю,
пиявки и банки приставляю.
Принимаю на ногах,
отправляю на костылях.
Затем следует эпизод поисков ушибленного места, во время которого доктор и пациент взаимно сердятся друг на друга: Доктор за то, что Петрушка не может указать, что и где у него болит, а Петрушка за то, что врач сам не в состоянии определить больного места. В конце концов Петрушка колотит доктора, платя ему таким образом за визит и показывая на самом «лека-ре-аптекаре», куда ударила лошадь.
Д) Встреча с иностранцем.
Чаще всего в роли иностранца выступает немец. Петрушка учит его говорить по-русски или сам пытается объясниться. по-немецки, переводя иностранные слова и выражение по принципу народной этимологии (перевод не по смыслу, а по сходному звучанию).
В сцене с немцем обыгрываются самые бытовые и лучше других известные русскому населению городских низов немецкие фразы:
Was? Was ist das? — раз, кислый квас.
Donner Wetter? -дует (дерет) ветер.
Guten Morgen? — по морде
Schprechen- sie Deutsch? — Иван Андреич, Трифон Матвеич и т. п.
После нескольких неудачных попыток понять друг друга, герои дерутся, Петрушка одерживает верх, прогоняет, а чаще убивает немца.
Обучение солдатским приемам. На сцену является солдат, объявляет о приказе взять Петрушку на службу и начинает учить его солдатской науке. Центральным моментом сцены является эпизод комического выполнения Петрушкой команд солдата, где также широко используется игра на слуховых омонимах:
«Капрал: Вот тебе ружье. Держи!
Петрушка: Держу.
Капрал: Смотри!
Петрушка: Смотрю.
Капрал: Слушай!
Петрушка: Скушаю.
Капрал: Не кушать, а слушать. Держи ровно!
Петрушка: Что такое? Матрена Петровна?
Капрал: Не Матрена Петровна, а держи ровно! Какая тебе Матрена Петровна? Какой ты бестолковый.
Петрушка: Давай, беру целковый, поди да принеси…»
Когда это занятие надоедает Петрушке, он избавляется от своего «учителя» как всегда с помощью дубинки.
Е) Допрос.
Допрос учиняет городовой, квартальный, офицер после очередной расправы Петрушки над каким-либо персонажем. Представитель полиции хочет наказать Петрушку, но тот не дает себя в обиду и по-своему разделывается даже с таким, реально опасным противником. Эта сцена часто воспринималась как кульминация комедии, она была самой острой и вызывала горячее одобрение у зрителей «Петрушки». Напомним, что и в поэме A. H. Некрасова «Кому на Руси жить хорошо» народная петрушечная комедия охарактеризована двумя строчками:
«Хожалому, квартальному
Не в бровь, а прямо в глаз!»
В этом, по мысли поэта, основное ее достоинство, сила, и этим она привлекает многочисленных участников сельской ярмарки. Поэт-искровец Г.Н. Жулев посвятил «Петрушке» целое стихотворение, в котором подчеркивает те же черты и ту же реакцию зрителей:
Молодец, Петрушка! Но все стихло в миг:
Из-за ширм явился красный воротник,
Подошел к Петрушке и басит ему:
«Что ты тут каналья? Я тебя уйму!
Петька не робеет: взявши палку, хлоп!
Мудрое начальство в деревянный лоб.
Хохот одобренья, слышны голоса:
«Не сробел начальства! Эки чудеса!…»
Д.А. Ровинский, дойдя в своем описании московского представления с Петрушкой до сцены допроса, который здесь производил «фатальный офицер», отмечал: «Г начинается драка, которая кончается уничтожением и изгнанием фатального, к общему удовольствию зрителей; этот кукольный протест против полиции производит в публике обыкновенно настоящий фурор».
Ж) Служба у барина.
Петрушка объявляет музыканту, что вынужден поступить в услужение, так как окончательно «промотался», или же барин сам приглашает его к себе и назначает жалованье — «первый месяц… пуд мякины, на второй месяц — четверть гнилой рябины». Договорившись о плате, барин посылает нового слугу ставить самовар. Через какой-то промежуток времени Петрушка появляется и сообщает, что «самовар убежал». Глупый барин понимает это в прямом смысле и удивляется, как может самовар бегать. Иногда в этой сцене принимает участие и жена барина или просто «мамзель Катерина», с которой Петрушка пляшет.
З) Драки, танцы.
Петрушечное представление могло прерываться своеобразными интермедиями — сценами драк или танцев. Кукольник в этом случае демонстрировал свою виртуозность, выдумку, выставлял кукол в экзотических нарядах, не имеющих никакого отношения к комедии с Петрушкой. В спектакле, показанном в 1899 г. в г. Любече Черниговской губ, после нескольких обычных приключений Петрушки наступала пауза: «Из-за ширмы являются куклы — представители разных национальностей, и все они начинают танцевать. Петрушка в это время поет «По улице мостовой», сидя на краю ширмы».
И) Встреча с приятелем.
Во многих вариантах комедии имеется сцена, где Петрушка встречается с персонажем, объявляющим себя его приятелем. Филимошка пытается напомнить о себе, рассказывает о их совместных гулянках, о прежнем веселом времяпровождении и просит угостить его по случаю встречи. Петрушка делает вид, что узнал приятеля, уходит за выпивкой и закуской, и, как всегда, является с палкой, угощая ударами отыскавшегося товарища.
К) Похороны.
Из — наиболее частых сцен комедии назовем еще «похороны», когда Петрушка или какие-либо другие действующие лица хоронят жертву петрушкиной дубинки. Как правило, это была пантомимическая сцена. Яркий пример такой вставной сценки содержит один из южных списков комедии: «Входят две чернички. Берут они убитого немца и закатывают в холст. Затем кланяются публике и уходят за гробом. […] Чернички вносят гроб. Берут немца и начинают мерить. В длину гроб оказывается короток, а в ширину узок. Три раза примеряют. Потом задумываются. Потом схватывают немца, складывают, комкая его, втрое и запихивают в гроб. Одна из монахинь-черничек низко нагибается, чтобы посмотреть, удобно ли помещен усопший. Другая, по рассеянности, не замечает этого, прикрывает крышку гроба, причем защемляет голову своей товарки. Та кричит благим матом, стараясь всеми силами вырваться. Когда ей это, наконец, удается, затевает драку с рассеянной товаркой. Наконец под звуки Комаринского гроб уносят».
В единичных случаях встречаются записи сцен ссоры Петрушки с женой, расправы его над лавочником, суда над Петрушкой и некоторые другие.
Л) Финал.
Особого внимания заслуживает заключительная сцена «Петрушки». В подавляющем числе дошедших вариантов герой попадает в лапы барбоса, шавки, черта, домового, которые уносят его вниз, тем самым, ставя точку в представлении. По-видимому, именно такой конец надо считать наиболее соответст-вующим характеру комедии, где каждая сцена и весь спектакль в целом имеют ярко выраженные начало и конец. К примеру, Петрушка всегда почти скрывается за ширмой, как только кончается очередная сцена (у кукольника, кстати, в этот момент отдыхает рука), и вновь появляется в начале следующей, тем самым механически подчеркивая рамки отдельных сцен. В этом смысле «настоящим» концом комедии должна считаться смерть героя, так как, пока он жив, его приключения могут продолжаться бесконечно долго. Однако это веселая гибель, чисто формальный, композиционный прием, и воспринимается он именно так, без всякого сожаления и недоумения по поводу, столь неоправданной кончины любимого-героя, тем более что Петрушка «воскресает» в начале следующего представления.
Далеко не все перечисленные сцены присутствовали в каждом спектакле. Сравнительный анализ текстов и описаний позволяет говорить о том, что существовали основные, обязательные сцены, составляющие ядро комедии, ее стержень, и второстепенные, индивидуальные. К первым (идущим, заметим, в определенной последовательности) относятся: выход Петрушки, сцена с невестой, покупка лошади и неудачная езда на ней, лечение Петрушки, обучение его солдатской науке, допрос и расправа с полицейским, а также финальная сцена. Наличие двух сцен, их порядок и количество определялись разными обстоятельствами, такими, например, как талант кукольника, его достаток (сколько кукол и помощников было в его распоряжении), местная традиция, условия выступления.
Все сказанное о театре «Петрушки» отражает, собственно, уже тот этап, когда комедия сформировалась, выработала устойчивую схему представления, основные образы, критерии, общие места. На этой общей основе создавались местные, индивидуальные варианты, отталкиваясь от нее, кукольники импровизировали, расширяли или сокращали, довольствовались простым зубоскальством или, напротив наполняли злободневным содержанием свои представления.
Этому состоянию предшествовал довольно длительный период становления комедии, на некоторых моментах его мы и остановимся.
Тот вид спектакля, который позднее стал называться театром «Петрушки», формировался среди обилия кукольных представлений в русских городах начала XIX — конца XVIII века. Существовавший тогда бытовой кукольный театр состоял в основном из отдельных, не связанных друг с другом сценок. Постепенно в нем возникает тенденция к циклизации, к объединению разрозненных дотоле сценок вокруг одного героя, который дурачит, обманывает, наказывает, высмеивает тех лиц, что и в жизни не пользовались симпатией у простого зрителя народных кукольных спектаклей. В связи с этим наблюдается и переход от пантомимы к разговорным сценам. Предпочтение отдается таким сценам, где куклы «сами» ведут разговор, насыщенный яркими, острыми, образными репликами.
В результате во второй четверти XIX в. на основе традиционного бытового кукольного театра появились первые варианты будущей комедии с Петрушкой, герой которой легко поглощал, приспосабливал к себе существовавшие до него сценки народных кукольных представлений.
Сохранение традиционных традиций театра Петрушки в современных условиях.
Вертепный театр и театр Петрушки, в том виде, в котором они известны нам, как фольклорные представления, бытуют в России приблизительно с XVIII века. Сегодня кукольный фольклорный театр, как и фольклорный театр в целом, находится не в лучшем состоянии. Традиция народного театра кукол в XX веке была прервана, и сегодня мы имеем дело лишь с реконструкцией фольклорных представлений.
Фольклорный театр в России не отличался разнообразием форм, как на Востоке или в Западной Европе, в нем укоренились лишь две традиции: перчаточных кукол Петрушки и вертеп, но эти две формы театра кукол представляют две крайние точки существования не только театра кукол, но и театра, как такового.
Театр Петрушки, во-первых, перчаточная кукла — одна из самых сложных, и требует не только годами тренированной техники, но и больших физических затрат при игре. Перчаточная кукла без движения умирает, ей необходимо «дышать» каждую секунду, в отличие от вертепных кукол, которые могут стоять на сцене неподвижно, как статуи, оживая лишь на мгновение своей реплики. Исполнитель Петрушки выкладывает на спектакле столько физических сил, что теряет вес. Во-вторых, голос Петрушки создается специфическим инструментом — пищиком, а диалог построен на мгновенной смене пищика Петрушки и «живого» голоса иных персонажей, что естественно требует длительной профессиональной тренировки. И, в-третьих, Петрушка, как персонаж, изначально противопоставлен миру живущих и в ширме и вне ширмы, поскольку он «не человек», а существо странное, существо «иного рода». При всей любви к Петрушке, публика к нему несколько насторожена и не простит огрехов работы ни кукле, ни кукловоду — публику Петрушке надо завоевать. И в этом смысле театр Петрушки принципиально профессиональный
Одна из ключевых особенностей театра Петрушки — его импровизационно-уличный характер. Несмотря на устойчивый сюжет, подробно описанный в работах А.Ф. Некрыловой, представления Петрушки проходили при непосредственном разговоре с публикой, причем успех представления во многом зависел от умения артиста импровизировать. Прямой диалог с публикой в природе театра Петрушки. Но для уличной импровизации, кроме специальной подготовки артиста, необходим «кураж», а это свойство дается далеко не каждому. И оттого Петрушку сегодня редко увидишь: импровизационная подготовка артистов недостаточна, отношение к «книжному» тексту у русских артистов, выросших в традиции литературного театра, слишком уж трепетное, да и сами «народные гуляния», оформленные ревом тысяче ваттных динамиков, не подразумевают прямого разговора с публикой. Возможно, в том причина утраты импровизационного характера представления.
Комедия с Петрушкой, когда-то самый распространенный вид кукольного театра в России, сегодня, практически исчезла со сцены. Петрушек, исполняемых в канонах народной традиции, то есть перчаточных кукол, играющих в специальной ширме канонический сюжет и оживляемых специальным «пищиковым» голосом, нынче меньше, чем пальцев руки, держащей куклу Петрушки. При всем том, комедию с использованием этого известного каждому образа, играют очень многие театры. Ведь Петрушка был и остается символом «русского характера».
Список литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/na-temu-teatr-v-duhovnoy-kulture-moego-naroda/
1. Гусев, Некрылова. Русский народный кукольный театр.
2. Савушкина Н.И. Некрылова А.Ф. Библиотека русского фольклора. Народный театр.
3. Бескин Эм. История русского театра. Ч.1. — М. -Л.: Госиздат, 1928.
4. Путилов Б.Н. Фольклор и народная культура. — СПб.: Наука, 1994.
5. Филиппов В. Задачи народного театра и его прошлое в России. — М.: Изд-во Народного комиссариата просвещения, 1918.
6. Ивлева Л.М. Дотеатрально-игровой язык русского фольклора / Сб. театроведч. исслед. Л. М. Ивлевой. — СПб.: Дмитрий Буланин, 1998.
