* Данная работа не является научным трудом, не является выпускной квалификационной работой и представляет собой результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала при самостоятельной подготовки учебных работ.
ДЖОРДЖ ГЕРШВИН (1899 – 1937)
Самый известный американский композитор первой половины XX столетия – Джордж Гершвин. В своём творчестве он сумел соединить, казалось бы, несовместимые явления, музыку европейского позднего романтизма, джаза и эстрады. Джордж Гершвин родился в бедном районе Нью-Йорка – Бруклине и впоследствии не раз называл себя «воспитанником нью-йоркских трущоб». Ему не удалось получить систематическое музыкальное образование. Только в конце 20-х гг., уже будучи популярным композитором, Гершвин смог серьёзно заняться в Париже изучением теоретических дисциплин (в частности, брал консультации у Мориса Равеля).
Музыкальная карьера началась для него с утомительной работы тапёра в модном нотном магазине. Однако уже в восемнадцать лет Гершвин стал автором музыки для спектакля, поставленного в одном из театров на Бродвее, а к двадцати пяти годам считался мастером развлекательных жанров
Джордж Гершвин.
синкопированный ритм,
В 1935 г. Гершвин создал первую национальную американскую оперу
ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ ШОСТАКОВИЧ (1906 – 1975)
В центре творчества композитора Дмитрия Дмитриевича Шостаковича – размышления о жизни и смерти, духовных и нравственных проблемах. Его произведения, сложные по музыкальному языку и смелые по содержанию, требуют думающего, подготовленного слушателя, и именно за это мастер нередко подвергался жёстким нападкам официальной критики. Именно он оказался «главным героем» Постановления 1948 г.
Дмитрий Дмитриевич Шостакович.
Д. Д. Шостакович родился в Петербурге в семье учёного-химика, музыкальное образование получил в Петербургской консерватории (1919–1926 гг.).
Взгляды Шостаковича на музыку сформировались в 20-х гг. В это время на концертной блестящие европейские исполнители, звучала разнообразная музыка – от Малера и Дебюсси до нововенцев и французской «Шестёрки». Познакомившись в молодости с музыкальной культурой Европы, композитор всю жизнь стремился соответствовать о: уровню.
По музыке «Композитор-песенник Сара Садыкова»
... композитора-песенника послужило её первое сочинение «Жду тебя» на стихи А.Ерикеева, созданное в годы войны. Этой песней Садыкова положила начало освоению совершенно нового для татарской музыки ... композитор Сара Садыкова? На многие вопросы я постаралась найти ответы. Сара Садыкова – актриса, певица и композитор ... “Зеленая сумка” Г.Зайнашевой (1982); Вокальные: песни (более 400). Литература: [Электронный ...
Основные жанры творчества Шостаковича – симфония, концерт (по масштабам приближённый к симфонии) и музыка для камерных ансамблей. Среди пятнадцати симфоний композитора можно встретить все разновидности этого жанра: программные симфонии на историко-революционную тему – Одиннадцатая («1905 год», 1957 г.), Двенадцатая («1917 год», 1961 г.); симфонии с участием хора и солистов-певцов –Тринадцатая, Четырнадцатая; «классические» четырёхчастные симфонии. Наибольшей популярностью пользуются Пятая (1937 г.) и Седьмая симфонии. В них словно сконцентрированы основные образы и настроения музыки Шостаковича: скорбь, просветлённое умиротворение, едкий сарказм. Темы в каждой части развиваются а внутренняя энергия чувствуется даже в медленных лирических частях.
Седьмая симфония (1942 г.), носящая подзаголовок «Ленинградская», имеет особую историю. Композитор создавал её во время Второй мировой войны и блокады немецкими войсками Ленинграда, в сентябре – декабре 1941 г. Одно из первых исполнений симфонии состоялось в Ленинграде 9 августа 1942 г. – в день, выбранный немецким командованием для въезда в город. Премьера стала настоящим подвигом музыкантов, сочинение Шостаковича поддержало дух жителей города. Первую часть обычно связывают непосредственно с военными событиями. Она написана в сонатной форме, но вместо разработки автор даёт большой фрагмент, основанный на новой теме, условно называемой «темой нашествия». По форме этот фрагмент является вариациями на неизменную мелодию; он тому же принципу, что и знаменитое «Болеро» Равеля.
Д. Д. Шостакович работает над Седьмой симфонией,
Афиша Седьмой симфонии. Ленинград. 1942 г.
Сначала тема нашествия звучит у флейт — тихий незатейливый наигрыш под лёгкий аккомпанемент ударных. Затем она не один раз повторяется, и с каждым повторением увеличивается число исполняющих в результате тема превращается в зловещий марш, который играет весь оркестр. Напряжение тем нашествия переходит на репризу почти все мажорные темы экспозиции звучат в миноре, усиливая таким образом трагическое содержание части. Интересен финал симфонии Он завершается медленной, торжественной по характеру темой победы, торжества над злом. Однако, в музыке столько пережитой скорби, что слушатель понимает: речь идёт о победе, одержанной ценой жизни. Композитор отказался от первоначальной идеи дать каждой части название («Война», «Воспоминания», «Родные просторы», «Победа») и ограничился обобщённым подзаголовком. Тем самым он сделал содержание симфонии более глубоким, связал своё сочинение не только с конкретными военными событиями, но и с общими размышлениями о борьбе человека с силами зла. В Тринадцатой и Четырнадцатой симфониях Шостакович впервые в русской музыке воплотил опыт соединения жанра симфонии с серьёзным поэтическим текстом (известный по Девятой симфонии Бетховена, «Песне о земле» Малера и др.).
Тринадцатая симфония (1962 г.) названа композитором «вокально-симфонической сюитой». Это монументальное пятичастное музыкальное полотно для мужского хора, оркестра и солиста-баса написано на стихи поэта Евгения Александровича Евтушенко. Выразительные и публицистически затрагивают темы, о которых в начале 60-х гг. говорить было небезопасно: антисемитизм (первая часть, «Бабий Яр»), бедность (третья часть, «В магазине»), сталинские репрессии (шестая часть, Масштабная и драматически напряжённая музыка симфонии обогащает содержание текста. Это сочинение — редкий пример открытого выражения композитором своей гражданской позиции в музыке.
Рок-музыка как неотъемлемая часть современной культуры
... переход ряда групп в систему поп-бизнеса, что приводит их музыкантов как к материальному благополучию, так и к определенной профессионализации. Популярность рок-музыки объяснима, конечно, не только ... Берри - певец и гитарист и композитор, использовавший в своих песнях близкую «тинэйджерам» школьно-молодежную тематику. О его принадлежности к рок-энд-роллу свидетельствуют и названия ряда песен, ...
Самое трагичное произведение Шостаковича — Четырнадцатая симфония (1969 г.).
Она посвящена размышлениям о жизни и смерти. Композитор говорил, что замысел возник у него под влиянием работы над оркестровкой вокального цикла М. П. Мусоргского «Песни и пляски смерти» — он решил создать продолжение этого сочинения. Четырнадцатая симфония — это цикл из одиннадцати частей, предназначенный для двух певцов (сопрано и бас) и камерного оркестра. Шостакович обратился к стихам разных поэтов: испанца Федерико Гарсиа Лорки, француза Гийома Аполлинера, немецкого поэта Райнера Марии Рильке и друга Пушкина — Вильгельма Карловича Кюхельбекера. В музыке и стихах смерть предстаёт то как нелепая случайность, то как результат отчаяния или безысходного одиночества, то как порождение осознанной жестокости. Развёрнутые, сложные монологи чередуются в музыке с короткими, внезапно обрывающимися частями; важную роль играют диалоги голоса с солирующими В этом сочинении нет присущей другим симфониям Шостаковича динамики в развитии; каждая часть даёт возможность слушателю глубоко погрузиться в одно состояние, что требует очень большой сосредоточенности.
Очень интересна камерная музыка Шостаковича. по эмоциональной выразительности и духовной сосредоточенности не уступают лучшим симфониям. В сонате для альта и фортепиано (1975 г.) — последнем произведении композитора — сочетаются разные чувства: внутреннее просветление, мысли. В вокальных циклах композитор обращался к творчеству Микеланджело, Анны Андреевны Ахматовой, Саши Чёрного.
Д. Д. Шостакович, творчество которого многие считали слишком сложным, работал и для массового слушателя. Свидетельство тому — музыка для кино. В этой области у композитора также есть шедевры — музыка к кинофильмам «Гамлет» (1964 г.) Г. М. Козинцева и «Овод» (1955 г.) А М. Файнциммера.
ОПЕРЫ ШОСТАКОВИЧА
оперы-сатиры.
Опера «Леди Макбет Мценского уезда» (1934 г.; во второй редакции «Катерина Измайлова», 1956 г.)
Эскиз декораций к опере «Нос».
Катерина. Эскиз костюма к опере «Катерина Измайлова».
написана по одноимённой повести Н. М. Лескова. Литературный источник автор переосмыслил с учётом оперных традиций. Героиня Лескова — существо жестокое и алчное: увлёкшись молоденьким приказчиком Сергеем, она убивает свёкра, мужа и маленького племянника — свидетелей её измены. В опере же Катерина наделена способностью любить, это психологически интересный, сложный характер. И наоборот, окружающие люди — семья, прислуга, наглый и корыстный Сергей, жители города — показаны в обличительных тонах, в духе пьес А. Н. Островского. В музыке оперы переплелось трагическое и сатирическое. Для характеристики окружения Катерины композитор использует интонации польки и галопа, реплики отдельных персонажей похожи на опереточные куплеты. Им противопоставлена глубокая и эмоциональная партия Катерины, основанная на ариях-монологах. В начале действия ариям присущи интонации бытового романса, а в финальном монологе героини (Катерина приходит осознанию своей вины) музыка приобретает декламационный характер, поражая суровостью. Большое значение имеют оркестровые антракты между действиями, рассказывающие о будущих событиях.
Реферат творчество композитора хачатуряна
... за свою независимость. Позднее творчество. С первых же послевоенных лет получила особый размах общественно-музыкальная деятельность Хачатуряна. Совместно с другими советскими музыкантами композитор побывал во многих ... балета он воплощает тему – жизнь народа Советской Армении, радость и счастье людей, завоеванные в труде и борьбе. Спустя два года Хачатурян пишет музыку для спектакля «Маскарад» ...
ГЕОРГИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ СВИРИДОВ (1915—1998)
Творческий почерк Георгия Васильевича Свиридова сложился под влиянием, с одной стороны, традиций русского хорового пения, а с другой — европейского неофольклоризма. Основная область интересов Свиридова — хоровая музыка. Он сочинял как монументальные оратории для хора, солистов и оркестра, так и камерные произведения для хора без сопровождения. Композитор обращался к стихам выдающихся поэтов: Сергея Александровича Есенина (Поэма памяти Сергея Есенина, 1956 г.; Два хора на стихи Есенина, 1967 г.), Владимира Владимировича Маяковского («Патетическая оратория», 1959 г.), Бориса Леонидовича Пастернака (кантата «Снег идёт», 1965 г.) и др. Понимание музыкальности поэтического слова определило особый стиль этих сочинений. Он основан на гибкой хоровой декламации, в звучании хора много необычных тембров, контрастов в оттенках громкости — от мощного, как орган, звука до шёпота. Музыка выражает авторское понимание стихов, но хоровое исполнение придаёт каждому произведению эпическую мощь, поэтому возникает чувство, что композитор показать не столько собственное «я», сколько духовный облик своего народа.
Георгий Васильевич Свиридов.
Система интонаций многих хоровых произведений разработана на основе народной музыки. Композитор часто строит мелодии на коротких мотивах, напоминающих народные напевы, использует интонации, присущие конкретным жанрам сельского фольклора (лирическим песням-«страданиям», хороводным и плясовым песням).
Яркий пример обращения Свиридова к фольклору — кантата «Курские песни» (1964 г.).
Сочинение представляет собой обработку семи песен, записанных в фольклорной экспедиции 1954 г. в Курской области. Разные по содержанию и настроению, они объединены обшей сюжетной линией — историей любви девушки к молодому парню и последующей нелегкой жизни с ним в замужестве. «Классическое» звучание хора и симфонического оркестра не сглаживает а наоборот, обостряет непривычность звучания подлинных народных напевов для городского жителя. Автор с помощью оригинальной гармонизации заставляет почувствовать эмоциональную глубину сочинения.
Г. В. Свиридов одним из первых средствами музыки заговорил о трагичности жизни современной русской деревни — не случайно так близка композитору была поэзия Есенина.
Особое место в музыке Свиридова занимают произведения, связанные с творчеством А. С. Пушкина: хоровой концерт «Пушкинский венок» (1979 г.) и оркестровый цикл «Метель» (1974 г.; музыкальные иллюстрации к одноимённой пушкинской повести).
Образ музыки в литературных произведениях
... образа музыки в литературном произведении. Зачем и когда авторы вводят в свои произведения упоминание о музыкальных произведениях, зачем в рассказах, повестях и романах "звучит" музыка, почему лирические произведения некоторых поэтов напоминают нам музыкальные произведения? Ответы ...
Пушкин для композитора — поэт, который смог выразить лучшие черты русского человека: гармоничное восприятие мира, способность тонко чувствовать. Произведения воссоздают атмосферу пушкинской эпохи, темы и мелодии близки к камерной музыке того времени.
Свиридов много работал и в области камерной вокальной лирики. Он создавал циклы песен на стихи не только русских, но и европейских поэтов (Уильяма Шекспира, Роберта Бёрнса).
Музыка основана на декламации, причём элементы декламационности проникают даже в фортепианную партию. Знакомые поэтические образы в сочинениях композитора предстают в необычном свете, автор словно заставляет слушателя заново прочитать стихи.
АРАМ ИЛЬИЧ ХАЧАТУРЯН (1903-1978)
Тяжкий удел — работать грузчиком в винном погребе. Совсем другое, более приятное дело — петь в церковном хоре или изучать биологию в Московском университете, или постигать театральное искусство. Всем этим Арам Хачатурян занимался одновременно. Но в историю он вошел как один из ярчайших композиторов XX столетия и автор балета «Спартак», известного во всех концах света. Хачатурян родился ровно сто лет назад и оказался одним из тех, кто сделал прошлый век великим. Его творчество стало частью мировой культуры.
Творчество Арама Ильича Хачатуряна составляет важную часть как русской, так и армянской музыкальной культуры XX в. Музыку композитора, яркую и темпераментную, можно сравнить с живописными полотнами его соотечественника — художника Марти-роса Сергеевича Сарьяна. Выпускник Московской консерватории (1934 г.), ученик Н. Я. Мясковского, Хачатурян блестяще знал русскую и европейскую классику, фольклор народов Закавказья. Выразительный пример соединения этих традиций — концерты для фортепиано и скрипки (1940 г.) и виолончели (1946 г.).
Основные темы произведений основаны на интонациях армянского фольклора, а разработаны они по законам сонатно-симфонического цикла. Ярким национальным колоритом отличается музыка балета «Гаянэ» (1957 г.); один из номеров — «Таней с саблями» стал популярной концертной пьесой.
Вершина творчества Хачатуряна — балет «Спартак» (1956 г.).
В балете рассказывается о восстании рабов в Древнем Риме (I в. до н. э.).
Сюжетные линии вымышлены, но главные герои — вождь восставших Спартак и римский полководец Марк Красе — исторические персонажи. Много внимания композитор уделил любви Спартака и его жены Фригии, поэтому музыка сочетает в себе драматизм, волевое и мужественное начало с романтической лирикой. Каждый персонаж наделён характерной системой интонаций, а для выделения поворотов сюжета мастерски использована система лейтмотивов. По сложности и глубине образов музыка балета сравнима с симфонией, но вместе с тем она понятна и интересна любому слушателю, независимо от степени подготовленности.
Когда десятилетия назад в Московском Большом театре шел «Спартак» в интерпретации балетмейстера-мэтра Юрия Григоровича, достать билеты на спектакль считалось невиданной удачей. Хачатуряновский балет стал одной из визитных карточек Большого театра. А блистательные солисты — Владимир Васильев и Михаил Лавровский, исполнявшие партию Спартака, Марис Лиепа, перевоплощавшийся в Красса — главного противника древнеримского тираноборца, Екатерина Максимова в роли жены Спартака Фригии — в этой постановке открыли новые рани своих талантов и в очередной раз покорили весь мир. В 1970 году спектакль был награжден одной ив высочайших советских премий — Ленинской. Для Хачатуряна создание «Спартака» оказалось событием, которое окончательно закрепило за ним место в сонме отечественных, да и мировых музыкальных богов наряду с Дмитрием Шостаковичем и Сергеем Прокофьевым.
Циклические формы (музыка). Циклические формы Какие произведения ...
... Формы музыкальных произведений, От наименьших составляющих формы к сложным формам., Чайковский Другим примером подчинения прекрасной музыки строгим правилам формы могут служить полифонические произведения ... композитором строгому порядку ладотональных соотношений. В крупных вокальных (вок. -инструментальных) ... «Времён года» П.Чайковского ( на экзамене). Викторина: назвать формы в предложенных сочинениях ...
В 1954 году, к моменту окончания работы над «Спартаком», Хачатурян был уже одним из именитых композиторов. Еще учась в начале 30-х годов в Московской консерватории, он написал более 50 произведений, ритм которых был зажигательным, мелодия — самобытной, лиризм — трогательным, темперамент — по-южному терпким и пылким.
Хачатуряновский дар выпестован Москвой и взращен па почве музыкальных традиций, которые создали Глинка, Чайковский, Мусоргский. Будущий композитор родился в армянской семье, жившей в Грузии, недалеко от Тифлиса — нынешнего Тбилиси. Именно там он влюбился в народные мелодии и самостоятельно, вопреки воле семьи, осваивал музыкальные азы, сразу же пытаясь импровизировать. «Музыка имела надо мной такую власть, что ради нее я готов был преодолевать любые препятствия», вспоминал Хачатурян впоследствии.
Немало произведений Хачатурян написал для драматического театра. Лучшая его работа в этой области — музыка к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад» (1941 г.).
Небольшой цикл «вставных» номеров, которые по замыслу режиссёра должны были служить фоном для драматического действия, композитор превратил в музыкальные характеристики героев. Самый выразительный фрагмент — вальс. Он звучит на балу, в ходе которого главный герой, Арбенин, мучимый ревностью, отравляет свою жену Нину. В музыке танца поразительно соединились несовместимые веши — утончённое изящество и внутренний драматизм. Вальс передаёт и внешнее действие, и внутреннее, готовя зрителя к трагической развязке.
Арам Ильич Хачатурян.
«Среди советских композиторов мало кто так владеет ресурсами симфонического оркестра», — скажет Шостакович после того, как его коллега в 30—40-е годы создаст множество сюит, концертов и симфоний. В 1946 году родилась гениальная трилогия Хачатуряна, включавшая Фортепианный, Скрипичный и Виолончельный концерты. Первый — критики сравнили со свежестью утра, второй — с полуденным жарким солнцем, третий — с закатной прохладой.
С 1942 года, благодаря написанному тогда темпераментному «Танцу с саблями» для балета «Гаянэ» (в котором захватывающая музыка искупала грехи слабого либретто), композитора знали за рубежом, чтили как европейскую знаменитость, с 4 года до этого Хачатурян сочинил «Оду Сталину», и это первое его хоровое произведение обеспечило ему «августейшую» благосклонность и награды. Словом, инакомыслия и «мятежей» в его биографии не существовало.
Колокольный звон в произведениях русских композиторов
... Разина» и во многих других произведениях. При разработке проекта мы прослушали и вспомнили музыкальные произведения, которые звучали на уроках музыки и в которых русские композиторы использовали колокольные звоны. В опере Мусоргского «Борис Годунов» ...
И тогда их решили выдумать. В 1948 году на Хачатуряна, его учителя Николая Мясковского, Шостаковича и Прокофьева власть обрушила тех лет обвинения в формализме — «чрезмерной отделке формы» музыкальных произведений якобы в ущерб их содержанию — и отступлении от канонов социалистического реализма — генеральной линии сталинского искусства. Кто-то из преследуемых «еретиков» так и не оправился от удара. Через 5 лет не стало Прокофьева, с лица Шостаковича навсегда исчезла улыбка. Хачатуряна спасло природное жизнелюбие.
Впрочем, в отношении него приговор был довольно мягок. Его намеревались лишь припугнуть — так, на всякий случай. В следующем, 1949 году Хачатуряну уже вручили высокую награду за музыку к кинобиографии «Владимир Ильич Ленин» А с 1951 года он все больше и больше концертировал по миру как композитор и дирижер (честь, оказываемая далеко не всем), приезжая в Москву для преподавания в консерватории и сочинения новых произведений — речитативов, фуг, сонат, концертов.
За 2 года до смерти, в 1976 году, Арам Хачатурян заверни свою третью по счету, но не по качеству трилогию, включавшую сольные сонаты для виолончели скрипки и альта. «Мне хотелось чтобы мои музыкальные мысли которые я старался высказать современным языком, инструменты произнесли возможно выразительнее, пропели мою музыку живыми, трепетным голосами», говорил композитор.
Трилогия удалась на славу. Да разве могло быть иначе. Другой музыки, кроме живой, трепетной, сочной, могущественной в своем магнетизме, Xачатурян писать не умел.
ЩЕДРИН Родион Константинович (р. 1932)
Советский композитор, пианист, музыкальный и общественный деятель. Народный артист СССР (1981).
В 1955 окончил Московскую консерваторию, по классу композиции у Ю. А. Шапорина, фортепиано — у Я. В. Флиера. Один из ведущих мастеров современной музыки, автор сочинитель крупных форм, в т. ч. опер, балетов, симфоний и вокально-симфонических произведений. Разрабатывал различные жанры русского фольклора (особенно частушку), свободно применяя средства компьютерной техники. Обогатил выразительные возможности музыки, создал новый тип вокально-инструментального произведения «Поэтория»), ввёл приёмы народные манеры пения в академические жанры. Многие достижения Щедрина в области музыкального театра связаны с воплощением русской литературной классики (опера «Мёртвые души», балеты «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой»).
Значительно обогатил современный репертуар (в т. чч полифонии, циклами).
Участник жюри многих международных конкурсов композиторов и пианистов. Автор критических статей. Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств (1976), почётный член Об-ва Ф. Листа (США, 1979), Академии искусств ГДР (1983).
Почётный член ММС (1985).
Ленинская пр. (1984), Гос. пр. СССР (1972).
Оперы — Не только любовь (по мотивам рассказов С. П. Антонова, 1961), Мёртвые души (либретто Щ. по Н. В. Гоголю, 1977, обе — Москва); балеты — Конёк-Горбунок (по П. Н. Ершову, 1960), Кармен-сюита (свободная транскрипция музыки оперы «Кармен» Визе, 1967), Анна Каренина (по Л.Н.Толстому, 1972), «Чайка». «Дама с собачкой» (по А. П. Чехову, 1980, 1985; все — Москва); для солистов, хора и оркестра — оратория Ленин в сердце народном (слова народные, 1969), сатирическая кантата Бюрократиада (1963), Поэтория (концерт для поэта в сопровождении голоса, хора и оркестра, сл. А.А.Вознесенского, 1968); для симфонического симф. (1958, 1965); для кам. орк. — Кам. сюита (1961), Музыка для города Кётена (1984), Геометрия звука (1987); концерты для оркестра — Озорные частушки (1963), Звоны (1968), Автопортрет (1984), Стихира на тысячелетие крещения Руси (1987), сюиты; 3 концерта для фортепиано с оркестром (1954, 2-я ред. 1974; 1966; 1973); Фрески Дионисия для (1981).
М. Д. Мужчиль история зарубежной музыки
... виолончели с оркестром; 13 струнных квартетов, фортепианные произведения, романсы и др. Музыка Мясковского ... гг. Музыкальная культура начинает выходить из кризисного состояния. Постепенно восстанавливаются контакты с зарубежным ... С 1924 г. становится членом АСМ. В эти гг. появляются романсы на стихи ... то дальнейшая эволюция симфонической музыки композитора шла по пути кристаллизации классических основ ...
Муз. приношение для органа и духовых инструментов. (1983); для фортепиано. — 24 прелюдии и фуги. Полифоническая тетрадь, Тетрадь для юношества, пьесы (В подражание Альбенису, Юмореска, Бассо остинато и др.); Эхо-соната для скрипки соло; хоры, в т ч. на слова А. С. Пушкина, А, Т. Твардовского, А. А. Вознесенского, хоровая музыка Запечатленный ангел (по Н.С. Лескову, 1988); музыка к спектаклям драматического театра, кинофильмам (в ч. ч. «Высота», «Коммунист», «Нормандия — Неман») и др.
