Ритмика цвета как активное средство композиции графического объекта. Создание художественно-образного содержания

метки: Композиция, Искусство, Живопись, Образ, Художественный, Дизайн, График, Развитие

Наше восприятие окружающей предметной среды всегда ассоциативно в силу тесной связи различных органов чувств, например зрения и осязания. Эмоциональный строй композиции определяется не только ассоциативным характером восприятия ее структурных предельных элементов — линии, формы, цвета, тона и т.д. Главным в том или ином образном строе композиции является характер отношений между этими предельными элементами, определяемый средствами композиции: пропорциональностью, масштабностью, ритмом, контрастом и нюансом. Важнейшим средством упорядочения элементов композиции в единую систему является ритм, который выражается в закономерном, обусловленном повторе этих элементов. Ритмические закономерности позволяют художнику создавать интересные, образные произведения. Логично найденная масштабность и пропорциональность, обусловленный содержанием ритм — эти композиционные средства органически вплетены в произведения, формируют их образно эмоциональный строй.

Во второй главе проводится краткий обзор теоретических трудов по проблемам художественного образа в дизайне. Рассматриваются сравнительные характеристики художественного образа в видах искусства и выявляются общие и специфические принципы формирования его в дизайне. Показывается закономерность чередования форм выражения художественного образа в дизайне в генезисе его развития. Определяется значимость понятия «художественный образ» в дизайне.

1.

В теоретических основах композиции как один из главных разделов выделяются законы композиции. Существуют основные законы композиции, т. е. общие, объективные, которые вытекают из законов диалектики природы и общества. Например, композиционный закон контрастов действует на основе законов природы: закона света (свет, тень, цвет), закона единства и борьбы противоположностей, законов физиологии человека (физиология зрения и зрительного восприятия с учетом также действия закона света).

Закон целостности — также на основе законов природы: законов света, законов физиологии зрения и особенностей зрительного восприятия человека (ясное зрение, избранность восприятия, влияние характера контрастов света и цвета).

Существуют также частные законы композиции, действие которых ограничивается рамками одного или нескольких видов искусств. Действие законов общества в частном композиционном законе проявляется в характере и жизненности художественного образа, через передачу в образе характерного и типического, эстетического отношения художника к отображаемому.

Полный письменный анализ лирического стихотворения «Я вас любил» ...

... Анализ стихотворения «Я вас любил» А.С. Пушкин: идея, композиция «Я вас любил» Пушкин ... любви. Сочинение по анализу стихотворения А.С. Пушкина « ... Анализ лирического стихотворения «Я вас любил» А.С. Пушкин: средства художественной выразительности «Я вас любил» Пушкин ... анализ лирического стихотворения «Я вас любил» А.С. Пушкин: образы и символы «Я вас любил» Пушкин «Я вас любил» А.С.Пушкина Основные образы ...

Очевидно, что законы композиции нельзя считать догмой, чем-то надуманным, ибо они основываются на анализе широкого арсенала композиционных форм в произведениях искусства, но знание этих законов необходимо художнику. Если законы носят объективный, всеобщий характер, устойчиво действуют на протяжении длительного отрезка времени в истории развития изобразительного искусства, то композиционные правила и приемы, помогающие строить композицию, относятся к менее постоянным категориям. Они имеют важное значение в разработке пластического мотива, изобразительного «зерна» сюжета. Правила и приемы, по словам Е.А. Кибрика, являются лишь композиционной техникой (вместе со средствами).

Но следует иметь в виду, что, несмотря на «технический» во многом характер правил и приемов, они в основе своей, как и все искусство, вытекают из закономерностей природы.

Основными правилами композиции являются ритм, выделение сюжетно-композиционного центра, симметрия или асимметрия, расположение главного на втором пространственном плане.

Композиция — важнейший организующий компонент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его элементы друг другу и всему замыслу художника. Композиционное решение в изобразительном искусстве связано с распределением предметов и фигур в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени, пятен цвета и т. п. Как уже известно, ритм является важнейшим средством упорядочения элементов композиции в единую систему. Метр или метрический порядок — простейшее проявление ритма в повторе одинаковых элементов при равных промежутках между ними. Типичный пример метра — расположение окон в жилом доме, клавиш на пишущей машинке и т.д. метрические повторы разделяют на равномерные, убывающие, нарастающие. Убывающие и нарастающие повторы динамичны. Равномерный повтор статичен. Метрические ряды разнообразны. Простейший ряд основан на повторе одного и того же элемента с одинаковым интервалом. Усложненным рядом является сочетание нескольких метрических рядов. Наиболее сложные ряды — ряды, содержащие в себе повторы различных элементов в сочетании с повтором различных интервалов. Интересной является композиция на усложненных метрических рядах. Очень важно, чтобы в чередовании, как элементов, так и интервалов прослеживалась закономерность. В противном случае неизбежно появляется ощущение случайного, хаотичного. Метрические ряды могут иметь закономерные отклонения в своем последнем звене. Это — увеличение или уменьшение элементов ряда. Они необходимы как своеобразный финал, логическое и эмоциональное завершение композиции (11).

1.1

Ритм в жизни и в искусстве проявляется через большую или меньшую периодическую повторяемость какого-либо элемента тождественных, аналогичных положений, дублируемых через некоторые интервалы. Если симметрии свойственно спокойное равновесие элементов, то ритм подразумевает движение, которое может быть продлено до бесконечности (12).

Одни художники ритм считают правилом композиции (например, А. А. Дейнека), другие — закономерностью, третьи — средством, организующим началом композиции.

Понимая ритм как организующее начало, Е.А. Кибрик пишет: «Ритмическая основа композиции выражает внутреннюю закономерность идейного замысла художника. Эта особая закономерность присутствует в каждом идейном замысле, и умение найти соответствующий ему композиционный строй или ритм является залогом художественности в произведении.

Основные виды и правила композиции, используемые современными художниками

... некоторым видам ритма в органической и неорганической природе, искусство делает ритм одним из важных средств композиции. Ритмы в искусстве ближе к ритмам органического мира, где ... художников разных эпох; исторический метод - для раскрытия исторического аспекта темы. Глава 1. Теоретический аспект темы 1.1 Определение понятия «композиция» и виды композиции В «Кратком словаре по эстетике» композиция ...

Ритм — это не только организующее начало в композиции, но и эстетическое. Именно через него сообщаются произведению поэтические, музыкальные свойства, неотделимые от художественности». К вышесказанному можно сделать некоторые уточнения и добавления.

Ритм как правило композиции имеет свои особенности и широкий диапазон действия в творчестве художников. Он выполняет организующую и эстетическую роль в композиции. Его действенность основывается на законах композиции, на тональных и цветовых контрастах (в скульптуре — на контрастах объемов).

Именно наличие тональных или цветовых контрастов обеспечивает восприятие изображенного издали, даже на далеком расстоянии. При угасании тональных и цветовых контрастов ритм почти не воспринимается, даже при наличии контрастов величин или положений предметов в пространстве (дальше — ближе).

Вот почему очень важно определить основные контрасты уже в эскизах композиции. Только добившись этого, можно рассчитывать на активное действие ритма и помощь его в закономерной организации произведения.

Ритм в удачной композиции одновременно расчленяет компоненты произведения (проявляется действие закона контрастов) и объединяет их. Это указывает на связь ритма с композиционным законом цельности. Таким образом, суть понятия «ритм» заключается в чередовании элементов композиций как ряда звеньев, объединенных принадлежностью к одному явлению в его обобщенно-образном представлении. Чередование элементов в композиции побуждает зрителя размышлять, воспринимать сюжет в его развитии. Это свойство ритма определяет его связь с композиционным законом жизненности, который требует от художника проникать в движение внутреннее, а не ограничиваться показом движения внешнего. В то же время ритм обладает свойством через определенный порядок в изображении обычных предметов подчеркнуть их эстетическую сторону, открывая красоту и в примелькавшихся предметах, и в новых. Это достигается путем некоторого отхода художника от уже известных приемов рисунка и цветового решения, от строго математического чередования элементов в композиции. Такое отступление указывает на взаимодействие ритма с законом новизны, который требует от художника нового эстетического открытия мира.

Связь ритма в искусстве с законами композиции и с объективной действительностью проявляется в специфической форме. Достаточно ясно, например, об этом сказано искусствоведом Е.В. Волковой: «Художественные ритмы воздействуют в характерном для эстетического восприятия направлении. Они расчленяют компоненты произведения и объединяют целый ряд впечатлений в единое целое. Повтор, который всегда присутствует в ритме, напоминает о предыдущем и заставляет предвидеть, ожидать последующее. Отступление от правильного периодического чередования создает нарушения единообразия и монотонности».

Ритм был и есть во всех видах искусства и во все времена. Уже в искусстве Древнего Востока композиция была упорядочена, отличалась строгостью, наличием ритма. В древнеегипетском искусстве фриз являлся основной формой композиции, в которой ритмически чередовались изобразительные элементы.

Композиция в живописи

... место не только в живописи, но и в скульптуре, графике, декоративном искусстве, архитектуре. Выделение главного в композиции связано с ... видам ритма в органической и неорганической природе, искусство делает ритм одним из важных средств композиции. Ритмы в искусстве ближе к ритмам органического ... или резкое изменение условий освещенности, контрасты тоновые или цветовые, контрасты величин, форм и т. д. ...

Искусство Древней Греции, хорошо усвоившее явление ритма и симметрии, сделало шаг вперед по сравнению с искусством Египта. Изображение человека в более естественных позах, в более активных движениях позволило древнегреческим художникам через разнообразные ритмы добиваться выразительности композиций. Определенный ритм мы видим в росписях греческих ваз. Ритмически построены живописные композиции классического периода Греции.

Если в искусстве Древней Греции главным объектом был человек, изображенный объемно, в активном движении, то в средневековом искусстве художник вынужден был под давлением религиозных догм отказываться от передачи свободно движущихся в реальном пространстве фигур. Но явление ритма сохраняется и в этом искусстве. Например, в иранской миниатюре композиция строилась на ритмической основе. Часто изображались растительные формы, извивающиеся стебли, которые образовывали изысканные ритмические мотивы.

В эпоху Возрождения передача ритма считалась одной из трех главных задач композиции. Эти три задачи композиции — перспектива (трехмерное пространство), ритмическое расчленение плоскости и точка зрения — впервые были осознаны художниками раннего Возрождения (об этом свидетельствуют их монументальные фрески).

В этом плане решал задачи композиции Джотто. Пример тому — фрески «Оплакивание Христа» и «Свадебное шествие Марии». В «Оплакивании Христа» люди и пейзаж изображены в нескольких пространственных планах. Ритмическое решение композиции позволяет выявить зрительный центр (голова лежащего на земле Христа).

В XV веке приемы и правила композиции наиболее последовательно и успешно разрабатывали Мазаччо, Боттичелли, Мантенья. В «Легенде о динарии» Мазаччо показал ритмичное сочетание масс, большое пространство, объемность изображенных фигур и в то же время добился композиционной цельности всей фрески.

Композиционные принципы, заложенные в искусстве раннего Возрождения, достигли полной зрелости в период Высокого Ренессанса в творениях Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Тициана. Уже в раннем произведении Рафаэля «Обручение Марии» проявились черты, ставшие типичными для ренессансной композиции: сочетание линий, пластики, тона и ритма для выражения содержания.

Правила композиции, которые разрабатывали мастера эпохи Возрождения, в XVI-XVIII веках остаются в арсенале искусства, а ритмике придается еще большее значение. В компоновке живописных произведений появляется сложный узор, гармония света, тени и цвета.

Художники XVII -XVIII столетий стали свободнее оперировать перспективой: вводя в композиции высокие и низкие точки зрения, они добивались правдоподобного изображения трудных и замысловатых ракурсов. Характер ритма значительно усложнился. Сложный ритм мы видим, например, в картине «Тайная вечеря» Тинторетто, где диагональный строй композиции усиливался динамичностью изображенных фигур. Такая композиция потребовала и более энергичных контрастов величин, тонов, красок. Изменился и характер ритма — он стал более динамичным.

В XVII веке особо важную роль в композиционных решениях стали играть светотень и цвет. Ярким примером могут служить многие произведения Рембрандта, в частности «Ночной дозор» и «Возвращение блудного сына». В композициях, где большую роль играли эффекты света и тени, роль ритма не снижалась, напротив, он усиливал эмоциональное воздействие произведения искусства и открывал зрителю новое видение известных предметов и явлений. Усиление внимания к светотени и цвету, способствующих объединению частей композиции в единое гармоническое целое, в котором ритм выполнял организующие и эстетические функции, имело определенное значение для развития композиционного мышления художников и создания выразительных и сильных художественных образов.

Педагогические условия развития изобразительного творчества детей ...

... труду людей, создавших эти произведения: способствует развитию чувства прекрасного, композиции, цвета, формирует технические навыки. Декоративно-прикладное искусство - это вид декоративного искусства, призванный украшать повседневную жизнь, быт в соответствии ...

Представители академического направления в искусстве XIX века, несмотря на ограничительные рамки этого течения (в частности, в области содержания и правил композиции), также обращали серьезное внимание на композицию с участием геометрических схем, иллюзорных контрастов тона и цвета в обрисовке фигур, расположенных в определенном ритмическом порядке. Однако недостаточно жизненное академическое искусство ослабляло организующую и эстетическую роль ритма (пример тому — картина «Клятва в зале для игры в мяч» Л. Давида).

В наиболее выразительных композициях романтического направления ритм действует значительно сильнее и способствует упорядочению, организации всей плоскости картины, достижению ее целостности (например, «Мирабо в Национальном собрании» Э. Делакруа).

Русское искусство XIX столетия стремилось активно использовать ритм для организации картинной плоскости. Так, в картине К. П. Брюллова «Последний день Помпеи» проследить чередование светлых и темных пятен, что создает определенный ритм и делает все произведение уравновешенным и целостным. «Березовая роща» А. И. Куинджи дает нам классический пример ритма в пейзаже. В «Боярыне Морозовой» В. И. Сурикова динамичность и стремительность движения от переднего плана уменьшается по мере удаления в глубь пространства. Это достигается художником благодаря спокойному, ритмическому чередованию светлых и темных пятен от левого к правому краю картины.

Высказывания и творческая практика многих советских художников позволяют заключить, что они придают большое значение ритму в композиции. О наличии ритма красноречиво говорят, в частности, такие произведения А. А. Дейнеки, как «Лыжники», «Эстафета. Садовое кольцо», «Раздолье» (Приложение Б).

В картине «Лыжники» фигуры спортсменов изображены движущимися параллельно плоскости картины. Ощущение динамичности композиции передается через показ каждой фигуры в той или иной фазе движения, Ритмичное чередование различных фаз движения, направления лыжных палок создают ощущение смены одного момента движения другим. Таким образом, ритм создает впечатление движения в композиции. По такому же принципу строит Дейнека и полотна «Эстафета. Садовое кольцо» и «Раздолье». Правда, в этих картинах ритм отличается большей сложностью. В «Эстафете…» передается движение по диагонали. В «Раздолье» показано движение спортсменок снизу, с реки на крутой берег, сначала прямо на зрителя, потом параллельно плоскости картины.

1.2 ПОНЯТИЕ ЦВЕТА

Понятие цвета применяется собственно для обозначения самого цветового пигмента или материала, которые поддаются физическому и химическому определению и анализу. Цветовое видение, возникающее в глазах и сознании человека, несет в себе человеческое смысловое содержание. Цвет предметов возникает, главным образом, в процессе поглощения волн. Красный сосуд выглядит красным потому, что он поглощает все остальные цвета светового луча и отражает только красный. Когда мы говорим: «Эта чашка красная», то мы на самом деле имеем в виду, что молекулярный состав чашки таков, что он поглощает все световые лучи, кроме красных. Чашка сама по себе не имеет никакого цвета, цвет создается при ее освещении. Каждый цвет спектра характеризуется своей длиной волны. Световые волны сами по себе не имеют цвета. Цвет возникает лишь при восприятии этих волн человеческим глазом и мозгом.

Доклад (на педагогический совет школы) «Что такое гравюра?» ...

... рисунка, послушно следуя полёту мысли художника. Гравюра имеет много общего с рисунком. Она также оперирует штрихом и линией, цвет ... Набойка – предшественница ксилографии – была распространена в народном искусстве в течении многих веков. Первые образцы ксилографии появились на Востоке ... (1471-1528) «Апокалипсис» и «Жизнь Марии». Резкие контрасты чёрного и белого в «Апокалипсисе» создают ощущение ...

Однако глаза и мозг могут прийти к четкому различению цвета лишь с помощью сравнений и контрастов. Значение хроматического цвета могут быть определены только с помощью его отношения к какому-либо ахроматическому цвету — черному, белому или серому, или же по его отношению к одному или нескольким другим хроматическим цветам. Восприятие цвета, в противоположность к его физико-химической реальности, является реальностью психофизиологической.

Психофизиологическая реальность цвета и есть цветовое воздействие. Цвет как таковой и цветовое воздействие совпадают только в случае гармонических полутонов. Во всех других случаях цвет мгновенно приобретает измененное качество.

Цветовая гармония

Когда люди говорят о цветовой гармонии, они оценивают впечатления от взаимодействия двух или более цветов. При этом у каждого человека свои собственные субъективные предпочтения о гармонии и дисгармонии. Для большинства цветовые сочетания, называемые в просторечии «гармоничными», обычно состоят из близких друг к другу тонов или же из различных цветов, имеющих одинаковую светосилу. В основном, эти сочетания не обладают сильной контрастностью. Понятие цветовой гармонии должно быть изъято из области субъективных чувств и перенесено в область объективных закономерностей. Глаз получает ощущение равновесия только на основе закона о дополнительных цветах. Состоянию равновесия соответствует средне-серый цвет. Один и тот же серый цвет можно получить из черного и белого или из двух дополнительных цветов, если в их состав входят 3 основных цвета — желтый, красный и синий в нужной пропорции, все цветовые сочетания, которые не дают нам серого цвета, по своему характеру становятся экспрессивными или дисгармоничными.

Более того, само восприятие цветов соответствует субъективному вкусу. Так, люди, особо чувствительные к синему цвету, будут различать множество его оттенков, в то время как оттенки красного, возможно, будут им малодоступны.

Контрасты

О контрастах мы говорим, когда, сравнивая между собой два цвета, находим между ними четкие различия. Изучая способы воздействия цвета, можно выделить 7 видов контрастных проявлений:

Контраст цветовых сопоставлений. Наиболее выраженным цветовым контрастом обладают желтый, красный и синий цвета. Он создает впечатление пестроты, силы, решительности. По мере удаления выбранных цветов от основных трех интенсивность цветового контраста ослабевает. На нем основано народное искусство различных стран.

Контраст светлого и темного. Белый и черный цвет являются наиболее выразительным средством для обозначения света и тени. Существует один максимально белый и один максимально черный цвет, между которыми — бесконечное число светлых и темных оттенков серого.

Виды современного искусства

Основные виды искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура, литература, кино, театр. Рассмотрим основные понятия некоторых видов, направлений и приемов современного изобразительного искусства. Живопись как вид искусства Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от ...

Контраст холодного и теплого. Двумя полюсами контраста тепла и холода являются красно-оранжевый (самый теплый) и сине-зеленый (самый холодный).

Промежуточные цвета могут быть холодными или теплыми в зависимости от того, контрастируют ли они с более теплым или холодными тонами. Использование этого контраста достигает совершенной красоты, только при отсутствии различий в светлоте и темноте использованных цветов.

Контраст дополнительных цветов. Два цвета являются дополнительными, если при смешении дают нейтральный серо-черный цвет. Они противоположны друг другу, но одновременно нуждаются один в другом. Дополнительные цвета, в их пропорционально правильном соотношении, придают произведению статически прочную основу взаимодействия. При этом каждая пара дополнительных цветов обладает и другими особенностями (пара желто-фиолетовый — контраст светлого и темного, красно-оранжевый — сине-зеленый — контраст холодного и теплого).

Симультанный (одновременный) контраст — явление, при котором наш глаз при восприятии какого-либо цвета требует его дополнительного цвета, и если таково нет, одновременно порождает его сам. Симультанно порожденные цвета — лишь ощущение и реально не существуют, они вызывают чувство живой вибрации от непрерывно меняющейся интенсивности цветовых ощущений.

Контраст цветового насыщения. Противоположность между цветами насыщенными, яркими и блеклыми, затемненными. Цвета могут быть осветлены или затемнены разными способами, которые придают им разные возможности. Действие этого контраста относительно: цвет может показаться ярким рядом с блеклым тоном, и блеклым — рядом с более ярким.

Контраст цветового распространения. Характеризует размерные соотношения между цветовыми плоскостями. Его суть — противопоставление «много — мало», «большой — маленький». При этом необходимо учитывать яркость или светлоту того или иного цвета, так как яркость и размер цветовой плоскости и определяют силу воздействия цвета. Исключительная особенность этого контраста — его способность изменять и усиливать проявления всех других контрастов. Так, если в композиции, основанной на контрасте светлого и темного, большая темная часть контрастирует с меньшей светлой, то благодаря этому противопоставлению произведение может приобрести особо углубленный смысл.

Пространственное воздействие цвета

Пространственное воздействие цвета зависит от различных компонентов. В самом цвете есть силы, способные выявлять глубину. Это происходит за счет контраста светлого и темного, а также изменения насыщенности цвета и его распространения. Кроме этого, изменения пространственных ощущений можно добиться с помощью диагоналей и различных пересечений. Все светлые тона на чёрном фоне будут выступать вперёд в соответствии со степенью их светлости. На белом фоне впечатление будет обратное: светлые тона остаются на уровне белого фона, а тёмные постепенно выступают вперёд.

Что касается холодных и тёплых цветов одинаковой светлоты, то тёплые цвета будут выступать вперёд, а холодные стремиться в глубину. Если встречается контраст светлого и тёмного, то ощущения глубины будут или увеличиваться благодаря цвету, или нейтрализуются, или же будут действовать в обратном направлении.

Контраст насыщения вызывает следующие ощущения в восприятии цвета: яркие цвета будут выступать вперёд по сравнению с одинаково светлыми, но притуплёнными цветами. Как только к этому контрасту прибавляется контраст светлого и тёмного или холодного и тёплого, впечатление глубины снова изменяется. Контраст распространения или контраст размеров цветовых плоскостей играет большую роль в создании впечатления глубины.

Особенности создания иллюстрации как вида прикладной графики

... работы. 1. Графика как вид изобразительного искусства 1.1 Определение графики и её выразительные средства Термин "графика" ... линиями создаёт свои образы. Эта линия говорит о творческой уверенности художника. А вот рисунки ... видов контраста. Например: оптический контраст - различимость наблюдаемого предмета и окружающего его фона; контраст освещения - это контраст ... линию и пластику или свет и цвет, как ...

Особо сильного ощущения глубины картины можно добиться, используя взаимодействие цвета, вертикальных и горизонтальных направлений и пространственных планов композиции между собой.

Компоновать в цвете значит расположить рядом два или несколько цветов таким образом, чтобы их сочетание было предельно выразительным. Для общего решения цветовой композиции имеет значение выбор цветов, их отношение друг к другу, их место и направление в пределах данной композиции, конфигурация форм, симультанные связи, размеры цветовых площадей и контрастные отношения в целом.

Следует отметить, что, также как и цвет, своей «чувственно-нравственной» выразительной ценностью обладает форма. Выразительные качества формы и цвета должны действовать синхронно, поддерживать друг друга. Как для трёх основных цветов — красного, жёлтого и синего, так и для трех основных форм — квадрата, треугольника и круга должны быть найдены присущие им выразительные характеристики.

Квадрат, основной характер которого определяется двумя горизонтальными и двумя вертикальными пересекающимися линиями одинаковой длины, символизирует материю, тяжесть и строгое ограничение. Квадрату соответствует красный цвет как цвет материи. Тяжесть и непрозрачность красного цвета согласуется со статикой и тяжёлой формой квадрата.

Треугольник

Форма треугольника возникает из трёх пересекающихся диагоналей. Его острые углы кажутся боевыми и агрессивными. К треугольнику причисляются все формы диагонального характера, как например, ромбы, трапеции, зигзаги и их производные. Треугольник — символ мысли и его невесомый характер позволяет сравнивать его в области цвета со светло-жёлтым.

Круг — это геометрическая форма, которая возникает при движении на постоянном расстоянии от определённой точки, расположенной на какой-нибудь поверхности. В противоположность тяжёлому, напряжённому чувству движения, которое вызывает квадрат, движение для круга естественно, постоянно и создаёт чувство отдыха и ослабления напряжения. Круг — символ постоянно подвижной духовности. Непрерывному движению круга в области цвета соответствует синий цвет.

ВЫВОД: не забудем, что оптическим, электромагнитным и химическим процессам, происходящим в наших глазах и в сознании при наблюдении за цветом, соответствуют нередко параллельные процессы в психологической сфере человека. Переживания, обусловленные восприятием цвета, могут проникать глубоко в мозговые центры и определять эмоциональное и духовное восприятие.

2. СОЗДАНИЕ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ОБРАЗА В ГРАФИЧЕСКОМ ДИЗАЙНЕ

Искусство — одно из важнейших и интереснейших явлений в жизни общества, неотъемлемая часть человеческой деятельности, играющая значительную роль в развитии не только отдельной личности, но и общества. Суть искусства определяется тем, что оно представляет собой наиболее полную и действенную форму эстетического осознания окружающего мира. Само собой, искусство должно было принять разнообразные формы чтобы воплотить все идеи, мысли, чувства людей не в виде отвлеченных понятий, а во вполне конкретной форме. Для этого у искусства есть особое, только ему присущее средство — художественный образ. С помощью художественных образов искусство передает идеи в единстве содержания и чувственных форм. Однако, художественный образ предстает совершенно различным в разных видах искусства. Каждый вид искусства обладает своей спецификой, ставит собственные задачи и создает для их решения свои средства и приемы. Все искусства имеют свой собственный язык и определенное своеобразие художественных возможностей. В данной работе я постараюсь как можно точнее отразить особенности создания художественного образа в искусстве графики (Приложение А 1).

Развитие художественных навыков учащихся детских школ искусств ...

... развитию художественных навыков. Структура и объем дипломной работы. Диссертация состоит из введения, трех глав, заключения, библиографии, приложения. 1. Теоретические основы развития художественных навыков учащихся детских школ искусств средствами пейзажной живописи 1 ...

На основе различных признаков искусства можно распределить по различным группам и видам.

Во-первых, графика относится к пространственным (пластическим) искусствам, то есть графическое художественное произведение имеет конкретный материальный носитель и не нуждается во временной компоненте как временные искусства, которые развиваются во времени (музыка, художественное слово).

Во-вторых, графика относится к изобразительным искусствам, то есть она отражает действительность в наглядных, зрительно воспринимаемых образах, в которых узнаются формы самой действительности и благодаря методом обобщения, типизации, воображению художника получает возможность эстетически раскрывать временное развитие событий, духовный облик, переживания, мысли, взаимоотношения людей, воплощать общественные идеи (в отличии от архитектуры, которая не изображает окружающий мир, а создает мир собственный, не похожий на действительность, данную нам природой).

К изобразительным искусствам кроме графики относятся также живопись и скульптура. Но эти три вида изобразительных искусств имеют кроме общих черт огромное количество различий. Как и все изобразительные искусства, графика может быть подразделена на три вида:

• монументальную — тесно связанную с архитектурным ансамблем, например, плакат (монументальная печатная графика), настенная графика, картоны;

• станковую — выполняемую «на станке», не имеющую связи с определенным интерьером, назначение и смысл произведения полностью исчерпывается художественным содержанием (рисунок, эстамп, лубок);

— декоративную — книжные иллюстрации, открытки, любые графические изображения на любом предмете, не имеющие особенной художественной ценности, а служащие для организации поверхности предмета. Также к декоративной графике относится флористика — композиции, созданные при помощи пуха деревьев, соломок и других «живых» материалов.

Если графика легко может быть классифицирована так же, как и другие изобразительные искусства, то чем же она радикально отличается от скульптуры и живописи? Специфику искусства графики составляет рисунок. Рисунок (как художественно-выразительное средство) хоть и используется во всех видах изобразительного искусства, но в графике он является ведущим, определяющим началом и применяется в более чистом виде. Поэтому можно считать рисунок главным средством графики (как пластику — в скульптуре, цвет — в живописи).

(Приложение А 2)

Само слово «графика» ведет свое начало от греческого grapho — пишу, рисую.

Рисунок демонстрирует характер, темперамент, настроение художника. Язык графики основан, главным образом, на выразительных возможностях линии, штриха, пятна (иногда цветового), фона основы (обычно листа бумаги — белой или тонированной) с которым изображение образует контрастное или нюансное соотношение. Не смотря на то, что цвет в графике имеет большое значение, но используется все же более ограниченно, чем в живописи. Графика тяготеет к монохромности, чаще всего извлекая художественную выразительность из сочетания двух цветов: белого (либо другого оттенка основы) и черного (или какого-либо другого цвета красящего пигмента).

Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики.

Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок.

Эстамп — от французского estamper — штамповать, оттискивать — оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение.

Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непосредственный отпечаток творческой работы автора. Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала — дерева, металла, линолеума — называется гравированием (от французского слова graver — вырезать).

Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом — иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой. плоская гравюра — рисунок и фон находятся на одном уровне; выпуклая гравюра — краска покрывает поверхность рисунка — рисунок выше уровня фона; углубленная гравюра — краска заполняет углубления, рисунок ниже уровня фона. В зависимости от материала, из которого создается печатная форма различают разные виды гравюры:

Литография — печатной формой является поверхность камня (известняка).

Камень очень гладко полируется и обезжиривается. Изображение на литографический камень наносится специальной жирной литографической тушью или карандашом. Камень смачивается водой, далее накатывается краска, пристающая только к ранее нанесенному рисунку. Литография изобретена в 1798 году. В 19 веке получает распространение в станковой и социально-критической журнальной графике. (Французский художник Оноре Домье: « Опустите занавес, фарс сыгран» 1834 г., «Улица Транснонен, 15 апреля 1834 года» 1834 г., с 1837 по 1851 г. — приблизительно 30 литографических серий — «Робер Манер», «Парижские типы», «Добропорядочный буржуа», «Деятели правосудия».) Альграфия — плоская печать, техника исполнения аналогична литографии, но вместо камня используется алюминиевая пластина (Приложение А 3).

Ксилография — гравюра на дереве, вырезается специальным резцом. Краска накатывается на плоскость исходной доски. При печати на бумаге белыми остаются участки, вырезанные резцом. Оттиски представляют собой контурный рисунок толстыми черными линиями. Ксилография появилась в средние века в связи с необходимостью книгопечатания. (Германские художники Альбрехт Дюрер: «Четыре всадника» 1498 г. и Ганс Гольбейн Младший серия гравюр «Образы смерти»1524-1525 г.г.) Линогравюра — гравюра на линолеуме. По технике очень близка к ксилографии. Линолеум — недорогой, доступный материал. Линогравюры более просты в исполнении по сравнению с ксилографией из-за синтетического происхождения используемого материала (однородность, отсутствие мешающих резцу искусственных волокон).

Гравюра по металлу выполняется на цинке, меди, железе, стали. Гравюра по металлу делится на печать с травлением и без травления. Существует большое количество техник этого вида гравюры — техника сухой иглы (наиболее близка к авторской графике, так как не имеет большого тиража), меццо-тинто («черная печать»), офорт, акватинта, мягкий лак (или смывной лак).

Офорт — от французского eau-forte — азотная кислота. Рисунок процарапывается гравировальной иглой в слое кислотно-упорного лака, покрывающего металлическую пластину. Процарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. (Французский художник Жак Калло: серия «Большие бедствия войны» 1633 г., серия «Низшие»1622г.)

Сухая игла — рисунок наносится непосредственно на металл, путем процарапывания острием твердой иглы штрихов на поверхности металлической доски.

Меццо-тинто — от итальянского mezzo — средний и tinto — окрашенный. Вид углубленной гравюры, в которой поверхности металлической доски гранильником придается шероховатость, дающая при печати сплошной черный фон. Участки доски, соответствующие светлым местам рисунка выскабливаются, выглаживаются, полируются.

Акватинта — от итальянского aquatinta — метод гравирования, основанный на протравливании кислотой поверхности металлической пластины с наплавленной асфальтовой или канифольной пылью и с изображением нанесенным с помощью кисти кислото-отталкивающим лаком. Имеет огромное количество оттенков от черного до белого.

Каждый из вышеупомянутых способов гравюры имеет свои особенности в зависимости от материала и используемых инструментов. Так, например, ксилография более жестка, сурова, по сравнению с гравюрой на металле. По стилю ксилография склонна к преувеличению, обобщению, тяготеет к яркому, экспрессивному образу. Дерево — своевольный, неоднородный материал, диктующий собственные условия. Металл же — более организован, податлив. Ксилографии практически недоступны тонкие, нежно-летящие линии, плотная сеть перекрестных штрихов, которые в гравюре на металле создают постепенный переход от светлого пятна к темному. Ксилография больше походит для создания сатирических произведений, она более народна. (Например, лубки, — народные картинки, относящиеся, как привило, к декоративной графике, отличаются простотой и доступностью образов, откликаются на политические события, также изображают сцены быта. Техника исполнения лубка — обычно ксилография, иногда литография или гравюра на меди, раскрашиваемая после печати от руки.) Гравюра же на металле выполненная, например, в технике офорта, как правило, включает в себя строгую систему параллельных и перекрестных штрихов, соответствующих форме изображаемого предмета. Офорту наиболее доступно создание объема, пространства, света. (Приложение А 4)

Литография же, в сравнении с другими видами печатной графики, стоит совсем особняком. Как самое непосредственное, гибкое и послушное средство выражения художественных замыслов. И материал в данном случае не диктует никаких своих условий. Художник может рисовать на камне как на бумаге, и изображенное им с точностью отпечатывается на листе.

Но литографии недоступна четкость линии, она мене “графична” по сравнению с ксилографией и гравюрой на металле. Ей свойственны мягкие как бархат, широкие линии штриха. Ночь и туман ближе этой технике, чем дневной свет (Французский художник Одилон Родон: «Болотный цветок», из серии «Посвящение Гойе», 1885 г.) (Приложение А 5)

Таким образом, в зависимости своих замыслов, художник волен выбирать разные техники гравюры. Более доступным в исполнении, не требующим специальных технологий травления, печати является станковый рисунок (рисунок не как одно из художественных средств изобразительного искусства, а как вспомогательное произведение).

Рисунок исполняется художником непосредственно на листе бумаги каким-либо графическим материалом — карандашом, углем, тушью, сангиной, акварелью, гуашью. Рисунок — изображение, выполненное от руки. На глаз, с помощью графических средств: контурной линии. Штриха и пятна. Существуют многочисленные разновидности рисунка, различающиеся по методам рисования. Темам и жанрам, технике и характеру исполнения.

Зародился рисунок еще в эпоху верхнего палеолита — рисунки животных, процарапанные на камне, кости, нарисованные на стенах пещер (пещеры Альтамиры в Испании, пещеры фон де Гон, Монтеспан во Франции).

Рисунок эволюционирует от линий выдавленных или процарапанных к линиям нарисованным, силуэту, штриховке, к цветному пятну.

От искусства древневосточной цивилизации, искусства Древнего Египта и Древней Греции, эпохи средневековья и всех последующих эпох до наших дней обучение изобразительным искусствам начиналось с изучения рисунка. Основные правила построения изображения на плоскости были в центре внимания таких известных художников как Леонардо да Винчи, Дюрер.

«Рисунок, который иначе называют искусством наброска, есть высшая точка и живописи, и скульптуры, и архитектуры; рисунок — источник и корень всякой науки», — писал великий итальянский художник эпохи Возрождения Микеланджело Буанарроти (1475-1564).

(Приложение А 6)

Длительное время рисунок служил лишь вспомогательным материалом для художника. В эпоху Ренессанса, в эпоху наблюдения за натурой, рисунок освобождается от зависимости и начинает становиться самостоятельной ценностью (17-18 в.в.).

Сначала для рисунка используют сангину, уголь, серебряный карандаш. Позже появляется графитный карандаш и резиновый ластик. В 19 веке авторская графика становится совершенно независимой от живописи. Возникают краски на водной основе (акварель, гуашь).

В 20 веке возникает цветная тушь. Рассмотрим особенности различных техник рисунка: Перо — используется для рисунка жидкими красящими веществами (тушь, чернила, акварель).

Ранее использовали гусиные, тростниковые и соломенные перья. В настоящее время в художественной практике распространены металлические перья различных размеров и форм. В зависимости от формы наконечника пера (узкого, острого, тупого, широкого или закругленного) получают различные линии и штрихи, дающие возможность как передать большую форму, так и прорисовать мельчайшие детали. Рисунки, сделанные пером, трудно исправлять, так как раствор красителя глубоко проникает в структуру бумаги. Перовая техника требует от художника большой собранности, аккуратности, самодисциплины. Уголь — чрезвычайно мягкий, податливый материал, отличающийся красивой матовой фактурой. Изготавливается из равномерно обожженных тонких веток или обструганных палочек липы, ивы или других пород деревьев. В 19 веке получил распространение твердый уголь из прессованного угольного порошка с добавлением растительного клея (сухой грифель).

Линии и штрихи, нанесенные на бумагу с шероховатой поверхностью палочкой рисовального угля, плохо соединяются с бумагой и осыпаются. Законченные рисунки, выполненные сыпучим углем, нуждаются в закреплении специальным раствором-фиксатором. В отличие от натурального рисовального угля палочки из спрессованного угольного порошка дают жирные вязкие линии, которые очень трудно удаляются. Техника рисунка углем разнообразна, так как заточенным стержнем или палочкой угля можно проводить тонкие четкие линии, а боковой стороной закрывать целые поверхности. Работая торцом угля и плашмя, меняя силу нажима и поворот угольной палочки, направление штрихов. Можно добиться большой выразительности рисунка, решать светотеневые и объемно-пространственные задачи. (Художники, работавшие углем: Х. Гольбейн (1497 — 1543), Ж. Энгр (1780 — 1867), И.И. Шишкин (1832-1894), В.А. Серов (1865 — 1911), И.Е. Репин (1844 — 1938), Н.И. Фешин (1881 — 1955)).

Сангина — так же как и уголь, широко применяется в рисунке. Изготавливается сангина в виде палочек без оправы различных красно-коричневых тонов. В отличие от натуральной искусственная сангина производится из каолина и окислов железа. Заточенные палочки сангины дают тонкие линии и штрихи. Как и углем, сангиной можно работать торцом палочки и плашмя. Она хорошо растирается различными растушевками, резинками и тонкими наждачными шкурками. При растирании сангина несколько меняет цвет и фактуру, но и эти качества могут быть использованы как новые выразительные средства в рисунке. Техника сангины дает возможность добиться тонких тональных переходов. Наиболее часто употребляется теплого красно-коричневого тона. Близкого к телесному. Во время работы палочку сангины можно смачивать, что позволит добиться большего разнообразия толщины и плотности штриха. К недостаткам сангины относятся сложность в передаче глубины теней. (Живописной техникой сангины виртуозно владели великие мастера: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль (1483 — 1520, П. П. Рубенс (1577 — 1640), А. Ватто (1684 — 1721), Ж. О. Фрагонар (1732 -1806), Ж. Б. Шарден (1699 — 1779).)

Пастель — сухие, мягкие, цветные мелки без оправы, изготовленные из спрессованных, стертых в порошок пигментов с добавлением клея, молока, мела и гипса. Пастели присуща матовая фактура, чистота, мягкость красок, как правило, долго сохраняющих первоначальную свежесть. Рисунок цветными мелками приближает графику к живописи. Пастельными карандашами (палочками) рисуют на шероховатой бумаге, картоне. Нежную, бархатистую поверхность пастели необходимо оберегать от малейших прикосновений и сотрясений. Чтобы сохранить рисунки, выполненные пастелью, их не закрепляют фиксативом (от этого пастель теряет бархатистость и чистоту цвета), а осторожно окантовывают и застекляют в раму. Так называемая “чистая пастель” выполняется штрихами и пятнами в один красочный слой. Но цвета пастели можно смешивать, нанося один слой на другой и растирая их растушевкой или рукой. Широко известны произведения, выполненные в технике пастели, зарубежных мастеров: Л. Карраччи (1555-1619), Х. Гольбейна, Э. Мане (1832-1883), Э. Дега (1834 — 1917).

В России — И. И. Левитан (1860 — 1900), В. А. Серова.) Соус — жирные черные палочки цилиндрической формы диаметром 8-10 мм, обернутые в станиолевую бумагу без оправы, изготовленные из спрессованного порошка, сажи или угля с добавлением клея. Можно работать линией, штрихами, пятнами с применением растирки (сухой соус) и растворенным в воде соусом кистью (мокрый соус).

В рисунке соусом мокрым способом, как и в живописи, применяются остроконечные и плоские кисти из обезжиренного прокаленного волоса или шерсти различных животных — беличьи, барсучьи, колонковые и других.

Рисунок кистью помогает решать сумму задач: переход от линии к тону и наоборот, что очень важно для выявления общих отношений и характерных деталей, совмещать тональную широту с тонкой прорисовкой.

На грани живописи и графики находится не только пастельная техника, но и техника акварели и гуаши.

Акварель — от латинского aqua — вода — краски, обычно на растительном клее, разводимые водой. Работы выполненные непрозрачной акварелью с примесью белил появились еще в Древнем Египте, античном мире, в средние века — в Европе и Азии. До нас дошли произведения, выполненные художниками на папирусах и рисовой бумаге. В средние века в Западной Европе и на Руси акварель употребляли для украшения церковных книг (раскраски орнаментов, заглавных букв в рукописях), а затем и в создании миниатюрных работ, при ручной раскраске печатных книг. Чистая акварель — без примеси белил — получила широкое распространение в начале 15 века. Ее основные качества — прозрачность красок, сквозь которые просвечивает тон и фактура основы (главным образом бумаги, реже — шелка, слоновой кости), чистота цвета. Акварель совмещает в себе особенности графики (активная роль бумаги в построении изображения и в передаче художественного образа) и живописи (богатый тон, построение формы и пространства цветом).

Специфические приемы акварели — размывка и затеки, создающие эффект подвижности и трепетности изображения. В акварель выполняемую кистью часто вводится рисунок пером или карандашом. В 15 — 17 веках акварель имела прикладное значение и служила главным образом для раскрашивания гравюр, чертежей, эскизов. Со второй половины 18 века акварель стала широко применяться для создания пейзажей, так как быстрота работы акварелью позволяет фиксировать непосредственные наблюдения, а воздушность этой техники облегчает передачу атмосферных явлений. В конце 19 века в Италии возникла манера плотной многослойной акварели по сухой бумаге, с характерными звучными контрастами света и тени, цвета и белого фона. (В России в такой манере работали К. П. Брюллов, А. А. Иванов).

В конце 19 — начале 20 века все чаще стали употреблять акварель в сочетании с белилами, гуашью, темперой, пастелью и другими материалами.

Гуашь — от итальянского guazzo — водяная краска — краски, состоящие из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим (гуммиарабик, пшеничный крахмал) и примесью белил. От названия краски берет название и техника. Гуашь обычно употребляется для работы по разнообразной основе — бумаге, картону, полотну, шелку. Гуашь возникла как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водным краскам стали подмешивать белила. Гуашь широко использовалась уже в средние века в искусстве многих стран Европы и Азии для выполнения книжных миниатюр, а начиная с эпохи Возрождения — также для эскизов, картонов, подсвечивания рисунков, а позже — для портретных миниатюр. Начало производства специальных гуашевых красок в середине 19 века способствовало окончательному обособлению гуаши от акварели.

В России техника гуаши достигла высокого развития в конце 19 — начале 20 века в творчестве В. А. Серова, А. Я. Голована, С. В. Иванова и других художников, которые применяли гуашь при работе над большими станковыми произведениями, используя ее особенности (плотность и матовость тонов) для достижения декоративных эффектов. По технике гуашь ближе к акварели, а по художественному воздействию — к пастели. В настоящее время гуашь используют для выполнения оригиналов плакатов, книжной и прикладной графики, эскизов и декоративных работ.

Рассматривая различные виды графических работ, я все ближе и ближе подошла к живописи, но также в процессе рассмотрения выявились основные отличия графики от живописи: огромное значение в графике имеет преобладание линии (линия как таковая в природе вообще не существует, но в графике она либо проведена явно каким-либо инструментом — будь то резец. карандаш или кисть, либо создается соседствующими пятнами — ахроматическими или хроматическими, как в акварели и гуаши); графика более контрастна, в основном это контраст черного и белого, контраст фона и рисунка, особое взаимодействие фона и изображения (не случайно основой графических работ чаще всего является бумага — она предоставляет широкие возможности в выборе фактуры, цветового оттенка фона); графика не загромождает пространство, а наоборот создает его, в чем-то она похожа на музыку — ей свойственны паузы, и паузы эти играют большую роль; графика (особенно рисунок, литография) дает художнику больше свободы, нежели живопись, благодаря простоте и доступности техники, возможности работать быстро, отражая мгновенные эмоциональные переживания; графика в основном имеет иллюстративный характер, она более декоративна (часто используется для создания иллюстраций к книгам, шаржей и т. д.).

Последние два пункта вступают в некоторое противоречие — с одной стороны графическое произведение наиболее полно отражает характер художника, с другой стороны — графика более декоративное, декоративно-прикладное искусство, нежели станковое произведение. Здесь стоит привести некоторый пример, в котором соседствуют обе эти черты, отнюдь не взаимоисключая друг друга, а наоборот друг друга взаимодополняя. В качестве этого примера хотелось бы привести творчество гениального английского графика, одного из основоположников стиля модерн Обри Винсента Бардслея (1872-1898).

Созданное этим художником, до сегодняшнего дня продолжает существовать как уникальный памятник книжной иллюстрации и дизайна (иллюстрации к «Саломее» Оскара Уайльда, рассказам Эдгара По, «Лисистраты» Аристофана, а также многочисленные виньетки, эскизы обложек и титульных листов).

Сперва Бердслей набрасывал композицию карандашом. в общих чертах, покрывая бумагу на первый взгляд каракулями, которые постоянно стирал и потом снова наводил, пока гладкий бумажный лист не превращался в решето от резинки и перочинного ножа; по этой-то шероховатой поверхности он и работал, золотым пером, оставляя тонкий след тушью, часто совершенно игнорируя сделанные до того линии, потом тщательно вычищаемые. Таким образом все зарождалось, репетировалось, исполнялось на одном и том же листе. Бердслей отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — черная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Только черное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. В работах Бердслея — его характер, его собственное видение окружающего мира. Как например, все шестнадцать рисунков к «Саломее» самостоятельны и не связаны с текстом, но тем не менее трудно найти более точный комментарий к духу и стилю Оскара Уайльда и трудно найти в мировом искусстве библейскую Саломею более выразительную, хотя Бердслей и надевает на нее парижскую шляпу, а в финале хоронит ее в серебряной пудренице.

1 ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ В ГРАФИЧЕСКОМ ДИЗАЙНЕ

ритм композиция цвет художественный дизайн

Определением понятия «художественный образ», изучением образных трансформаций в развитии средообразующих элементов в науке занимались специалисты в области эстетики, философы, реже искусствоведы, и практически отсутствовали работы по исследованию художественного образа в области дизайна. В данном направлении проблема художественного образа стала актуализироваться только к концу 20 века. Сложившаяся ситуация определяется тем, сто в ряду других эстетических категорий эта — сравнительно молодая.

Материал современных теоретических накоплений, в той или иной степени затрагивающей тему художественного образа в дизайне, его систематизацию и типологию, в основном сконцентрирован в работах теоретиков-искусствоведов: Е.Н. Лазарева, В.Ф. Сидоренко, А.В. Иконникова, О.И. Генисаретского, Н.В. Воронова, Е.В. Жердева, С.О. Хан-Магомедова, Г.Л. Демосфеновой, В.Л. Глазычева, М.С. Кагана, К.М. Кантора и т.д. Художественный образ рассматривался в данных трудах в основном в контексте развития единичного утилитарного объекта. Но даже это позволяет достаточно четко представить место и роль художественного образа как одного из важных средств формирования среды обитания человека в целом.

К.А. Кондратьева в своей монографии «Дизайн и экология культуры» обращает внимание на то, что в проблеме восприятия окружающего мира современным человеком и развитии его эстетического воспитания необходима активизация культурных смыслов, наполняющих среду, а именно, возрождение традиционных принципов наделения утилитарных изделий содержательными смыслами. Это позволит развить смысловые связи в средовом пространстве на уровне содержания (1).

Проблема формирования художественного образа объекта дизайна нашла отражение в теоретических работах ВНИИТЭ, где был проанализирован поиск современного образа дизайн-объектов в проектных решениях предметной среды, складывающихся под влиянием целого ряда концепций и визуальных метафор (2).

При формировании методики художественного конструирования авторы отметили образ, образность и образное мышление как важные составляющие средства и способы проектного поиска дизайнера (3).

Для этого дизайну необходимы языки вербального и визуального характера. «Однако в настоящее время естественный вербальный язык дизайна усложнен, неустойчив, нечеток. Искусственный же — визуально-проектный язык — находится в зачаточном состоянии и в значительной мере заимствует языки инженерии и архитектуры» (4, с. 26).

до настоящего времени заимствование понятийного языка из других областей, нечеткость их значений, вольность создаваемых неологизмов весьма усложняли и затемняли смысловую сторону языка дизайна. Отработанные лексика и тезаурус позволят выйти на следующий этап формирования реального языка — к наполнению и уточнению его грамматики и правилам ее использования. Только наличие собственного языка, разработанность его тезауруса обеспечат действительную полноту, глубину и качество выражения и воплощения дизайнерских замыслов. Примером создания модели смыслообразования в графическом дизайне, поиском языка его системообразующих функций является фундаментальное исследование И.Н. Стор — «Смыслообразование в графическом дизайне» (5).

Понятие «художественный образ» в литературе, поэзии, искусстве, архитектуре обусловлено типологическим разнообразием и многообразием его содержания в практике создания произведения.

Образная сфера произведения формируется одновременно на множестве различных уровней сознания: чувстве, интуиции, воображении, логике, фантазии, мысли. Визуальная, вербальная и звуковая изобразительность художественного произведения не являются копирующим слепком действительности, даже если она оптимально жизнеспособна. В каждом виде искусства процесс создания образа имеет общие характеристики, общие формы отражения с одной стороны и эмоционально образное выражение — с другой. Внутренняя сущность образа и его природа остаются в основном единые для всех произведений. Многозначность термина «художественный образ» находит выражение во всех произведениях культуры. Понимание образа в искусствах, не отражающих ни прямо, ни косвенно жизнь «в формах самой жизни», облегчает их условное деление на изобразительные и выразительные, например, архитектура и музыка.

Смысловое содержание художественного произведения выражается на уровне образного отражения в любом своем проявлении. Но каждый вид искусства имеет и индивидуальную особенность восприятия образа и зависит это от того, к какой категории относится тот или иной вид искусства — к изобразительной или выразительной. Образы в литературных произведениях остаются неизменными во времени, меняется их восприятие и происходит это лишь частично или, так скажем, незначительно, в зависимости от социальной категории читателя. Образы музыкальных произведений, создаваемые композиторами, зачастую зависят от мастерства исполнителя. То же можно сказать и про образы, создаваемые такими видами искусства как кино, театр, балет и т.д. То есть художественный образ, созданный выразительной категорией искусства, имеет свойство в большей или меньшей степени менять свое содержание с учетом индивидуального восприятия этого образа исполнителем. Среди всех видов искусства дизайн ближе всего стоит к архитектуре, как средообразующему искусству, неотъемлемому от функционального назначения. Например, архитектурное сооружение не отражает жизнь в формах самой жизни, он выражает содержание образа через знак, несущий значение данной культуры, и через ассоциации, вызываемые структурой целого и его элементов.

Дизайн взял от искусства не только такие методы и приемы, как пропорционирование, ритм и т.д., не только такие свойства, как стремление к гармонии и целостности, но и способность создавать образы. В результате сравнивая дизайн с другими видами искусства можно отметить, что:

• полноценный художественно-проектный образ в дизайне формируется на основе единой функциональной системы;
• отражение этого главного смысла в образе вещи становится темой для проектной разработки и сутью процесса смыслообразования;

— внутренняя сущность художественного образа в дизайне остается идентичной природе мыслительного содержания в искусстве, проявляется она на уровне эмоционально-образного отражения действительности и имеет единый коммуникативно-эстетический язык, независимо от его типологических характеристик.

Причислению изделия дизайна к произведению искусства более всего способствуют наиболее яркие свойства художественной выразительности — метафоричность, ассоциативность, парадоксальность и т.д.

Во всех видах искусства художественные образы имеют свойства статики и динамики (развития и перевоплощения во времени).

Образы же не исторических, а ныне действующих функциональных структур развиваются и меняются во времени, обогащаются, иногда усложняются или упрощаются. В дизайне, как и в архитектуре, каждая новая функциональная структура приводит к созданию нового образа. Поэтому специфика художественного образа в дизайне заключается в динамике его развития. Базируясь на открытиях, изобретениях дизайн обогащает, меняет или создает новый образ изделия. Тенденция осмысления средового пространства через синтез науки и искусства дала понятие утилитарного изделия как явления культуры и определение дизайна как нового вида искусства. Определение дизайна как творчества, направленного на моделирование жизненных ситуаций, является обязательным условием создания целостного гармоничного объекта культурно-бытовой среды. История развития культурно-бытовых изделий и опыт создания человеком объектов предметного мира позволяют показать изменения роли образа как способа организации формы в соотнесении с другими категориями и средствами композиции, раскрыть динамику образных взаимоотношений и их роль в формообразовании среды. Систематизация искусства отожествляется Г.И. Ревзиным с историей через генеалогию, динамику, логику и будущее. Иконография же мыслится как набор схем, более или менее устойчивых в различные эпохи (6).

В высказываниях В.И. Тасалова, К.А.Кондратьевой, А.В. Иконникова, Г.И. Ревзина, А.А. Грашина, Е.В. Жердева, Э. Кассирера, Е.Н. Лазарева и т.д. о роли истории в развитии дизайна отражается общее мнение, что содержание художественного образа в изделиях разных стилей не только зависит от развития науки и техники, но и меняется с периодичностью смены мировоззрения данного периода времени.

Истоки и корни дизайна находятся в истории развития материальной и духовной (образной) среды. Каждая историческая эпоха, создавая свой стиль, возвращается к исстари завещанным образам, их комбинациям, предлагая лишь наполнение новым понимание жизни. Можно выделить несколько часто повторяющихся форм выражения художественного образа утилитарных изделий, дающих возможность причислить их к тому или иному стилю — мифологический, антропоморфный, зооморфный, флороморфный, эмоционально-идеологический, культурологический, конструктивный, функциональный. Изучение периодически повторяющихся форм выражения художественного образа в исторической ретроспективе стилевого развития позволяет вывести следующую их зависимость:

• интерьеры египетских храмов возвеличивались над человеком: идея вечности, сверхчеловеческого спокойствия усиливались при использовании мифологических образов в изготовлении утилитарных изделий;
• осознание величия человека, внесение в реальную жизнь модели совершенного человека получило выражение в антропоморфных образах элементов, формирующих интерьеры античной Эллады;
• выражение идеалов «надмирной» реальности направляло зодчих Средневековья к поиску сильных выразительных средств путем переноса эмоционально-идеологического смыслового содержания в принципы формообразования средовых элементов;
• частичное использование антропоморфизма античности эпохами ренессанса, Классицизма, Ампира можно считать привнесением культурологических образов прошлого материального мира в социальные условия данных эпох;

— открытие технических возможностей преобразования среды привело на первых этапах к поклонению перед техномиром и возведению «техно» в ранг кумира, что дало толчок к возникновению «всесильного конструктивного» образа в утилитарных изделиях. Техническая эволюция многих утилитарных изделий на первых этапах своего развития имела доминирующий характер преобладания конструкторско-технологической идеологии над художественной выразительностью.

В последние годы в литературе по дизайну все чаще встречаются суждения теоретиков и практиков, которые считают, что реализация основного лозунга «функционализм» в условиях высокоразвитого промышленного производства с неизбежностью приводит к созданию монотонного однообразия жизненной среды (В.И. Тасалов, А. Пунин, Г.Л. Демосфенова, В.Ф. Сидоренко) (7,8,9).

В действительности, углубляясь в генезис отношения искусства и материального мира, мы обнаруживаем все более и более тесную связь между «художественным» и «техническим». Со временем, постепенно наращивая совершенство эстетических качеств, утилитарные изделия в некоторых случаях стали достигать подлинно художественной выразительности. Современная ситуация создала условия, способствующие активизации исследовательской работы над изучением художественного образа культурно-бытовых изделий, определением его генезиса во времени, анализом средового пространства с позиций динамики развития формообразного выражения единичных объектов и их эмоционально-содержательного аспекта. Все это необходимо для определения понятия принципов организации пространственных взаимосвязей в материальном мире и выявления ритма в чередовании форм выражения художественного образа утилитарных изделий в истории их развития.

Рассматривая связь искусства с материальным миром, мы видим, что она зависит от социальных условий и выражается в художественно-образном единстве средообразующих элементов. Выявленная зависимость генезиса материального мира и искусства, отражающаяся в данном единстве, показывает закономерность чередования преобладающих форм выражения художественного образа: мифологических, антропоморфных, зооморфных, флороморфных, конструктивных, функциональных и т.д. Смена и распределение в средовом пространстве проектируемого художественно-образного содержания составляет диаграмму, показывающую ритмичное чередование этих форм в рамках истории. Необходимость определения направления в развитии дизайна утилитарных изделий диктует сам художественный образ как структурная ячейка культурно-эстетических ценностей материального мира.

Анализ художественно-образного содержания утилитарных изделий в генезисе исторических стилей необходим для определения перспектив развития художественно-содержательной стороны в проектном поиске средообразующих элементов. Данная методика способствует развитию образного мышления будущего дизайнера и помогает найти некоторые ориентиры, определяющие его профадекватность. Для того чтобы дизайнер мог создать объект, способный нести художественную информацию в мир вещей, ему необходимо иметь хорошо развитое образное мышление. Проблема развития образного мышления решается через аналитические исследования параллельности движения в материале речи (В.И. Батов, Е.Ю. Артемьева, В.М. Гордон, Е.В. Черневич, Б.Д. Эльконин и т.д.) и в материале образных конструкций. В своих трудах Д.Д. Благой отмечает, что данные исследования в силу недостатка методологических средств дали пока еще скромные результаты, но весьма перспективные.

Художественный образ, так же как и искусство в целом, является сложнейшим и многогранным продуктом творческой деятельности человека. Сущность и черты художественного образа изучают и философы, и эстетики, и теоретики искусства, и художники. Изучают образ с точки зрения его идеологического, познавательного значения, и в этом состоит новое (научное) знание о жизни; изучают и с точки зрения чувственного познания во всем его многообразии, которое отражено в категориях эстетики и психологии художественного творчества.

Для того чтобы правильно понимать и глубже усваивать теоретические основы композиции, нужно знать сущность, основные черты, свойства, качества художественного образа.

Начать нужно, прежде всего с сущности искусства вообще. Искусство — это специфическая область человеческой деятельности, через которую познается объективная реальность. Познание это осуществляется в специфической для искусства форме, в форме художественных образов.

«Образ — это конкретная и в то же время обобщенная картина человеческой жизни, созданная при помощи вымысла и имеющая эстетическое значение» — так определяет Л. И. Тимофеев образ в литературном творчестве. Но такое определение вполне подходит и для других искусств, в том числе и для изобразительного искусства. Если проанализировать это определение, то можно увидеть, что художественный образ характеризуется несколькими важными чертами или свойствами. Ими являются: 1) наличие индивидуального, характерного. 2) наличие общего, типического. 3) наличие эстетического отношения художника (писателя) к отображаемому. 4) наличие вымысла (работа творческого воображения) и художественного понимания, включающего в себя как наглядно-образное, так и абстрактно-теоретическое мышление, т. е. работу разума (рациональное в художественном образе).

Очевидно, к этим важнейшим, основным чертам художественного образа следует добавить еще такие, обязательно присущие каждому настоящему художественному образу черты, как новизна, объективность и субъективность.

Степень проявления каждого из этих свойств в каждом отдельном образе различна. В одном образе сильнее выступает обобщение, в другом эстетическое, лирическое, в третьем они имеют одинаково важное значение. Раскроем кратко эти основные свойства художественного образа.

Важнейшим свойством, чертой художественного образа является его определенность (индивидуальное, характерное).

Художник изображает действительность в живых картинах, через показ конкретных людей, фактов, событий, переживаний. При этом раскрываются не просто определенные индивидуальные черты того или иного жизненного явления или целых групп явлений, а общие существенные черты и закономерности, лежащие в их основе. Но, создавая образ, тип, художник не стирает личные черты, не подводит их под какую-то схему безликой общности, а, наоборот, добивается максимальной определенности в выявлении индивидуального. Ф. Энгельс, характеризуя индивидуализацию в художественном произведении, писал: «… каждое лицо — тип, но вместе с тем и вполне определенная личность, «этот», как выражается старик Гегель, да так оно и должно быть» (Маркс К., Энгельс).

Характерное или индивидуальное свойственно каждому отдельному человеку, предмету, явлению и т. д. Характерное, индивидуальное — это то, что отличает одного человека от другого человека, один предмет от другого предмета этого же рода, одно дерево от другого дерева этой же породы. Безусловно также и то, что у каждого человека, предмета, дерева и т. д., кроме характерных черт, имеются и второстепенные и даже случайные черты. При отборе характерного они отбрасываются.

Эстетически-эмоциональное всегда заключено в природе художественного образа. Однако было бы неверным утверждать, что, в виду огромной роли эмоционального начала в образе, искусство оперирует одними человеческими чувствами. В природе художественного образа заключено не только эстетически-чувственное, но и рациональное. Причем эмоциональное и рациональное, чувственное и разумное в образе нерасторжимы; мысль выражается через эмоцию, чувство несет мысль.

Рациональное, разумное при создании образа не только позволяет осознать, проанализировать чувство, чувственное, эмоциональное, понять эстетическое, но и постоянно проявляется в работе художественного мышления и творческого воображения. Материал чувственного познания переосмысливается в соответствии с мировоззрением художника и конкретно в связи с определенным замыслом при создании конкретного художественного образа.

Эмоции сопровождают деятельность человека любой профессии. В. И. Ленин писал, что «без „человеческих эмоций“ никогда не бывало, нет и быть не может человеческого искания истины». Однако эмоциональность в искусстве отличается особым качеством. В искусстве она не привходящий элемент образа, а необходимая часть его содержания, органично окрашивающая и выражающая заключенную в нем мысль.

Эстетическое — это одна из главных черт, качеств, свойств, присущих художественному образу. Без эстетического не может существовать настоящее искусство, так как цель искусства состоит в том, чтобы эстетически осмысливать, познавать объективную реальность и вызывать у человека эстетическое чувство.

Эстетические отношения художника, как и человека вообще, к действительности в наиболее обобщенном виде раскрываются и выступают в эстетических категориях. Эти отношения многогранны, как разнообразна и неисчерпаема общественно-историческая практика. В процессе этой практики развиваются и формируются эстетические потребности и способности человека, эстетическая оценка явлений объективного мира. В эстетических категориях проявляются и закрепляются известные закономерности, действующие во всем многообразии эстетических отношений человека к действительности.

Эстетические отношения человека, в том числе и художника, раскрываются в таких основных категориях эстетики, как прекрасное и возвышенное, трагическое и комическое. Прекрасное — основная категория эстетики, и ни одно эстетическое явление не может быть раскрыто в отрыве от прекрасного. Без раскрытия сущности прекрасного не могут быть до конца поняты ни общие законы искусства, ни природа искусства. Марксистско-ленинская эстетика утверждает, что категория прекрасного носит общественно-исторический характер, что прекрасное неотделимо от нравственного. Искусство — особая и специфическая область прекрасного. Если в жизни есть явления и прекрасные, и безобразные, то в искусстве прекрасно все. Искусство и безобразное — понятия несовместимые. Однако это не означает, что искусство воспроизводит одни только прекрасные явления действительности. Оно отображает все многообразные явления жизни — прекрасные и безобразные, трагические и комические, возвышенные и низменные. Если прообразы, прототипы могут вызвать отвращение, то образы искусства всегда прекрасны.

Прекрасное в искусстве проявляется двояко. Во-первых, прекрасное в искусстве выражается в воспроизведении прекрасного в жизни. В этих случаях источник прекрасного для искусства заключен в красоте самой действительности. Художник не механически копирует действительность, а в своем творчестве концентрирует красоту реального мира, выделяя и подчеркивая черты прекрасного в изображаемых явлениях, усиливает их воздействие на зрителя, вызывает в нем потребность воспринимать и глубже понимать и наслаждаться этой красотой. Во-вторых, прекрасное в искусстве проявляется в красоте, присущей самому искусству. Прекрасное в искусстве оформляется в совершенные формы, в том числе в формы композиции, благодаря мастерству художника, овладению закономерностями искусства. Мастерство художника создает художественное совершенство, наделяет образ идейно-эстетическим содержанием. Это эстетически возбуждает зрителя, вызывает волнение сопереживание тому, что передано в искусстве.

Таким образом, искусство не только отражает красоту, но и творит ее.

Основные категории эстетического (прекрасное, возвышенное, трагическое и комическое) в искусстве проявляются в разных видах и жанрах и отдельных произведениях по-разному. Но всегда во всех произведениях настоящего искусства они выступают как эстетическое, как чувственное понимание, освоение художником объективной реальности, как неотъемлемая черта, свойство художественного образа. Эстетическое в художественном образе тесно переплетается с другими качествами, свойствами образа, в том числе с типическим и характерным, объективным и субъективным, с качествами вымысла.

Эстетическое познание и отражение действительности в художественном образе тесно связано также с еще одним из главных его качеств — с новизной. Настоящий художественный образ — это всегда нечто новое. Это закон искусства. Новое в искусстве создается на основе большого жизненного и творческого опыта художника, в результате активной работы его художественного мышления и творческого воображения, эстетического осмысления материала объективной реальности. Психологи считают, что «формирование художественного образа представляет собой не только отбор из начального запаса впечатлений самого характерного, самого типичного, но и создание на этой основе нового, являющегося «сплавом» наиболее важных, составляющих сущность художественного образа элементов всех впечатлений… Художественный образ — это всегда новое сочетание того, что художник видел и слышал в разное время и в разных местах» (10).

ВЫВОД

Художественный образ является связующим звеном в культурном диалоге между объектом и потребителем — это принципиальный момент для дизайна. Способность моделировать в идеальных объектах мир через предметно-чувственную форму составляет основу художественно-образного мышления дизайнера. Развитие данного мышления помогает осознать реальный смысл и значение проектного решения, выделить главные наиболее характерные и существенные черты, переходящие в структуру художественного образа. Эта структура определяет типологию художественного образа, которая является смыслом содержательной части утилитарного дизайн-объекта.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Итак, подытоживая все вышесказанное, мне бы хотелось еще раз вернуться к главной теме моей работы, а именно ритмика цвета как активное средство композиции в графическом дизайне и создание художественно образного содержания.

Значимость понятия «художественный образ» в дизайне заключается в том, что через усиления содержательной составляющей утилитарных изделий обогащается художественный образ средового пространства, тем самым создаются условия, способствующие повышению уровня эстетического воспитания дизайнера. Понимание значимости художественного освоения среды необходимо для восстановления на новом уровне единства человека, общества, природы. Предметный мир должен стать носителем новой функцией, и художественный образ должен играть в нем «образосозидательную» и «образостроительную» роль. Идеологические, философские и психологические аспекты смыслового содержания проекта должны так же являться формообразующими факторами, как функция и конструкция. Образно-чувственное выражение языка дизайна является итогом разнообразного творческого опыта, и чем богаче этот зрительный и мыслительный опыт, тем продуктивнее в художественном и творческом плане деятельность дизайнера в целом.

Ритм является одним из основных композиционных начал в природе, он присутствует во многих сферах действительности: в космических явлениях, в органической и неорганической природе (грани кристалла, морской прибой), в повторяемости циклов времен года, в растительном мире, в человеческом организме (ритмы обмена веществ, дыхания, сердцебиения и т. д.).

Однако ритм в природе и ритм в искусстве — это не совсем одно и то же. Подражая некоторым видам ритма в органической и неорганической природе, искусство делает ритм одним из важных средств композиции. Ритмы в искусстве ближе к ритмам органического мира, где они более пластичны, чем технические. «В искусстве ритмическая повторность не жесткая, не математически точная, она всегда предполагает отступление от правил периодической упорядоченности. «Перебои» ритма, ритмические акценты, пустоты и так называемые «стяжения» — характерная особенность искусства».

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННЫХ ИСТОЧНИКОВ

[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/kursovaya/po-teme-ritm-kompozitsii-v-jivopisi/

1. Кондратьева К.А. Дизайн и экология культуры — М.: МГХПУ им. С.Г. Строганова, 2000. — 105 с.

• Жердев Е.В. Метафорическая образность в дизайне — М.: Изд-во МСХА, 2004. 227 с.
• Визуальная культура — визуальное мышление в дизайне / В.Ф.

Колейчук и др. — М.: ВНИИТЭ, 1990. — 87 с. — (Библиотека дизайнера и эргономиста).

• Назаров Ю.В. Стратегии пластико-тектонического формообразования в дизайне // Дизайн. (Сб. научн. тр. Вып. V) — М.: НИИ Российской академии художеств, 1997. — С. 84 — 101.
• Стор И.Н.

Смыслообразование в графическом дизайне. Метаморфозы зрительных образов. Учебное пособие для вузов. — М.: МГТУ им. А.Н. Косыгина, 2003. — 296 с.

• Ревзин Г.И. Очерки по философии архитектурной формы — М.: ОГИ, 2002 — 144 с.
• Тасалов В.И.

Прометей или Орфей. Искусство промышленного века. — М.: Искусство, 1967. — 370 с.

• Пунин А. Архитектурный образ и тектоника (о содружестве форм и формул в архитектуре) // Содружество наук и тайны творчества / Отв. ред. Б.С. Мейлах. — М.: Искусство, 1968. — С. 270-284.
• Демосфенова Г.Л.

Проблемы художественного творчества и дизайн.

• [Электронный ресурс] — Режим доступа: #»552180.files/image001.gif»> (1)

(2)
(3)	(4)
(5)	(6)

ПРИЛОЖЕНИЕ Б

«Лыжники»

«Раздолье»

«Эстафета. Садовое кольцо»