Музыка во второй половине ХХ – начале ХХI века: основные стили и направления

Контрольная работа

музыка фламенко кантри рок

Среди всех видов искусства музыке принадлежит особое место, потому что музыка — наиболее специфическое и сложное для теоретического осмысления, понимания и освоения искусство [6].

Несмотря на длительную историю существования (и значительное место в искусстве и культуре), сущность и смысл музыки до сих пор остается открытой темой.

Музыка — это вид искусства. Средством передачи настроения и чувства в музыке служат специально организованные звуки. Основными элементами и выразительными средствами музыки являются: мелодия, ритм, метр, темп, динамика, тембр, гармония, инструментовка и другие [7].

Музыка является очень хорошим средством воспитания художественного вкуса у ребенка, она способна влиять на настроение, в психиатрии есть даже специальная музыкотерапия. С помощью музыки можно даже воздействовать на здоровье человека: когда человек слышит быструю музыку, у него учащается пульс, повышается давление, он начинает двигаться и думать быстрее [6].

Музыку принято разделять по жанрам и видам. Музыкальные произведения каждого жанра и вида, как правило, легко отличить друг от друга из-за специфических музыкальных свойств каждого.

Еще в начале столетия в условиях плюрализма художественных явлений сложились ведущие направления искусства XX в. — импрессионизм, экспрессионизм, неоклассицизм и другие. Позже, во второй половине века, с явными признаками пост- или нео- они порождают оригинальные синтетические (или полистилистические) явления, адаптируются к новым стилевым условиям, диктуемым новыми способами организации звукового материала, использованием новых техник композиции. Поистине революционные принципы организации звуковой среды предложил авангард [9].

Авангард второй половины XX в. дал невиданный скачок в развитии музыкального мышления, обогатив музыку новыми способами звуковых технологий.

1. Этническая музыка

Этническая музыка — это одно из самых главных составляющих фольклора. Разные жанры этнической музыки бытуют в той или иной стране и в настоящее время.

Фламенко .

Фламенко—это музыкальный жанр, зародившийся в южной Андалусии и представляющий собой уникальное явление, характерное исключительно для Испании. Несмотря на то, что фламенко, по сути, является смесью ритмов и мелодий арабской, цыганской, еврейской и христианкой культур, его с полным правом можно назвать самобытным [1, с.390]

14 стр., 6819 слов

Импрессионизм во французском искусстве второй половины XIX века

... направления, распадается, дав импульсы для последующей эволюции искусства. Цель данной работы изучение импрессионизма во французском искусстве второй половины XIX века. Для раскрытия данной ... когда важнейшие стилистические параметры французского искусства определяют ведущие мастера импрессионизма, постимпрессио­низма и символизма [5. С.8.]. В развитии французского искусства второй поло­вины века ...

Более полное название фламенко— канте фламенко. В дословном переводе с испанского «cante» означает «пение», хотя включает в себя и пение, и танцы, игру на гитаре и охватывает все частные проявления стиля фламенко, наиболее древним ядром которого является канте хондо. В переводе на русский «канте хондо» означает «глубокое пение» [1, с.390].

Основная масса испанцев узнает о фламенко лишь с появлением специальных артистических кафе, «cafe cantante», в которых выступали исполнители фламенко. Посетители подобных заведений по достоинству оценили ту глубину чувств, с которой исполнялись песни, благодаря чему музыка фламенко нашла дорожку к сердцам людей. Конкуренция между певцами, танцорами и гитаристами способствовала развитию различных исполнительских стилей, жанров и форм внутри фламенко [1,с.391].

Термином «хондо» стали обозначать особенно эмоционально выразительные, драматичные, экспрессивные песни. Тогда же возникли и наименования «канте гранде» («большое пение») для обозначения песен большой протяженности, с мелодиями широкого диапазона, и «канте чико» («малое пение»), применяющееся в отношении песен, не обладающих такими качествами [9].

Постепенно танец начинает играть все большую роль в канте фламенко, в результате чего песни с течением времени подразделяются по своим функциям на «аланте», предназначенные только для прослушивания, и «атрас», сопровождающие танец [1,с.392].

В первые годы XX века фламенко обрело форму на театральных сценах в виде спектаклей, получивших название «опера фламенко» и включавших в себя пение, танцы и игру на гитаре [9].

На основе подобных постановок возник новый жанр — балет фламенко, в скором времени достигший вершин своего развития благодаря таким выдающимся танцорам, как Ла Аргентинита, Пилар Лопез, Антонио, Розарио и др.

В настоящее время центрами фламенко являются Кадис, Херес, Севилья, Гранада, Барселона и Мадрид. Все эти города славятся своими музыкальными традициями, имеющими различные характерные черты.

Следует заметить, что для испанцев фламенко —более обширное понятие, чем просто музыка. Оно подразумевает целое мировоззрение, отношение к жизни, причем окрашенное сильными эмоциями и душевными переживаниями. Пение, танец, игра на инструментах — все это средства для создания образа: любовной страсти, горя, разлуки, одиночества [1,с393]. Таким образом, профессиональный танцор посредством фламенко может выразить любое человеческое чувство.

Кантри

По определению специалистов, стиль кантри представляет собой гармоничное сочетание этнической музыки Англии, Ирландии и Шотландии. Первые переселенцы из Европы в Америку привезли с собой свои песни, мотивы, манеру исполнения и передавали это из поколения в поколение. Религиозная музыка, особенно гимны и различные ритуальные песни, также являлись частью того, что позже стало называться кантри [1,с.393].

С течением времени музыка кантри претерпела изменения, став к концу XIX века популярной в восточных, западных и южных штатах, в рабочей среде. Тогда же окончательно утвердились музыкальные инструменты, позже ставшие традиционными для исполнения кантри. Одним из них является банджо — инструмент африканского происхождения, попавший, благодаря рабам, в США. Далее нужно назвать гитару[1,с.393]. В дальнейшем стали использоваться мандолина и стил-гитара [1,с.393].

32 стр., 15607 слов

Особенности влияния рок-музыки на формирование музыкально-эстетической ...

... влиянием рок-музыки в жизни распространились новые ценности, новый более свободный стиль общения, новые формы проведения досуга. Музыка также повлияла на жизнь общества, открылись новые условия для объединения людей, ... подростков эмоционально-ценностного отношения к «легкой» музыке .1 Рок - музыка - неотъемлемая часть современной культуры рок музыка подросток Символом массовой молодежной культуры ...

К концу 80-х гг. интерес к кантри заметно снижается, что связано с появлением и расцветом других музыкальных стилей. Несмотря на это, такие исполнители, как Джордж Стрейт, Рэнди Трэвис, Клинт Блэк и, конечно же, Гарт Брукс продолжают быть известными и в свою очередь делают все для того, чтобы кантри оставалось одним из самых популярных стилей музыки.

Впрочем, интерес к кантри вряд ли когда-нибудь угаснет, т.к. музыка, написанная в этом стиле, богата различными нюансами, делающими ее необыкновенно привлекательной для слушателя, но в некоторой мере затрудняющей классификацию [9].

Некоторые специалисты выделяют еще ковбойскую музыку, блюграсс, кантри-поп, кантри-фолк, хонки-тонк и др.

Регги

Истоки регги, одной из национальных форм поп-музыки, следует искать в народной музыке Ямайки и ритм-энд-блюзе. Данное сочетание появилось в 1960-е годы в ходе тех переделок, которым ямайские музыканты подвергли новоорлеанский ритм-энд-блюз, передаваемый по радио [1,с.408].

Следует заметить, что термин «регги» подразумевает не только музыку, но и определенное мировоззрение. Ямайские регги-музыканты в основном глубоко верующие люди — их религией является растафарианство [1,с.408].

Дело в том, что большинство жителей Ямайки — потомки африканцев, вывозившихся в эпоху Средневековья в Новый Свет в качестве рабов американцами и европейцами. Тогда же в их среде и возникла легенда об императоре Эфиопии по имени Рас Тафари Макконен, который, согласно предсказанию, должен был принести свободу всем страдающим и помочь им вернуться на родину, в освобождённую Африку [1,с.408].

Среди исполнителей музыки регги в первую очередь следует назвать Ли Скрэтча Перри, Элтона Эллиса и, конечно, Боба Марли — признанного классика регги — движения. Именно ему удалось создать такую музыку в стиле регги, которая, оставаясь танцевальной, вместе с тем отражала и настроения общества того времени [1,с.408].

Боб Марли для растаманов является не просто поэтом и музыкантом, но и пророком.

Среди крупных фигур движения регги также необходимо упомянуть о Питере Тоше, начавшем свою карьеру вместе с Марли в составе группы «The Wailers», и о Линтоне Квези Джонсоне, придумавшем даб-поэзию, согласно которой создается поэтический текст, монотонно начитываемый на ритм регги [1,с.409].

В 1970-е годы музыка регги начала проникать в Европу и Америку.

Боб Марли давал концерты в Лондоне, его пластинки занимали высокие позиции в хит-парадах США. В 1976 году артист был вынужден покинуть Ямайку, спасаясь от преследования, и перебраться в Англию. Впрочем, британцам регги пришлось по душе и быстро завоевало популярность. Так, в 1983 году ямайской группе «Black unuru» вручили премию «Grammy Award» как лучшей регги-группе. С тех пор с регги экспериментируют многие музыканты. Со временем появился и электронный вариант этого стиля под названием «даб» [1,с.409].

Примечательно, что музыка регги на рубеже 1970-1980-х годов затронула и россиян. Первыми, кто обратился к этому стилю, стали группы «Аквариум» и «Карнавал». Среди групп, играющих регги в наши дни, можно назвать «Джа Дивижн» и «Остров».

8 стр., 3790 слов

Музыка Древнего мира и средневековья

... мы рассмотрели развитие музыки от Древнего мира до Нового времени: Музыка Древнего мира и средневековья Музыка древней Руси Музыка эпохи Возрождения Музыка XVII – XVIII вв Музыка XIX - начало ... XX века Современная музыка. Также провели социологический ...

Блюз

Блюз — жанр афроамериканской народной музыки, возникший во второй половине XIX века. Исследователи отмечают, что блюз родился как музыка социального и расового неравенства, песня угнетенного афроамериканского населения. Оставаясь по сути своей традиционным, народно-бытовым искусством, блюз постепенно профессионализировался, вышел на концертную эстраду [1,с.410].

Родиной блюза считается дельта реки Миссисипи. Самые ранние формы блюза — дельта, или сельский блюз, который играли такие музыканты, как Чарли Паттон, Сон Хаус, Роберт Джонсон. В 1920-х годах на волне массовой миграции темнокожего населения в города в поисках работы сформировался так называемый классический, или городской блюз [1,с.410]. В связи с этим направлением в первую очередь хотелось бы отметить творчество Ма Рэйни и Бэсси Смита.

Выделяют также следующие разновидности блюза: техасский блюз, чикаго-блюз, джамп-блюз, кантри-блюз, соул-блюз, зайдеко, уэстсайд-блюз, лайт-блюз, необлюз и др [1,с.410].

Эксперименты белых музыкантов, среди которых нужно упомянуть Билла Хэйли и Элвиса Пресли, с «черными» блюзами привели к появлению рок-н-ролла, за которым в начале 1960-х годов последовала волна так называемого белого ритм-энд-блюза («Rolling Stones», Эрик Клэптон и др.).

Блюз послужил основой и хард-рока[1,с.411].

Вместе с тем блюзовое искусство существует в своих традиционных формах.

Тесная связь джаза и блюза кажется намного более очевидной, чем в случае с другими стилями. Причины этого — прямое совпадение ряда их важнейших черт — таких, как использование в мелодии блюзовых тонов, гармоническая специфика, ритмическая свобода, особая экспрессивная исполнительская манера. Перечисленные моменты не поддаются точной нотной фиксации и не требуют ее. Суть блюза проявляется только в живом исполнении [1,с.412].

2. Рок-музыка

Под роком понимается молодежная культура, способ самовыражения молодого поколения, отрицание и пересмотр моральных и материальных ценностей мира [2].

Появление рока тесно связано с техническим, экономическим, политическим и социальным развитием. Именно технический прогресс дает толчки развитию рока. Подтверждением тому служит тот факт, что рок процветает лишь в наиболее развитых странах. При этом аппаратура постоянно изменяется и усложняется.

Первым роковым музыкальным инструментом была вовсе не гитара, а терменвокс, созданный в 1920 году инженером по фамилии Термен. Данный инструмент действовал таким образом: высота тона изменялась с помощью приближения к антенне или удаления от нее руки исполнителя [1,с.412].

Зародившись в США в форме рок-н-ролла, рок-музыка завоевывает широкую популярность с 1960-х годов благодаря рок-группам Великобритании — «The Beatles», «Rolling Stones».

Усвоение рок-музыкантами композиционных и ладогармонических особенностей блюза сыграло решающую роль в формировании стиля рок-музыки. Ее существенными чертами являются особая ритмическая пульсация в басу ( бит), использование преимущественно электромузыкального и нструментария. В дальнейшем, развиваясь во взаимодействии с поп-музыкой, рок-музыка прошла значительную стилевую эволюцию [1,с.413].

В настоящее время она представляет собой разветвленную культуру, складывающуюся из множества музыкальных течений со своими особенностями. Рассмотрим некоторые из направлений рок-музыки.

Панк-рок

22 стр., 10687 слов

Новые области в музыке 20 века

... век", "Болт", "Светлый ручей", написана музыка к спектаклям и кинофильмам. В 1937 году Шостаковичем создана Пятая симфония - это итог длительных поисков своего выразительного языка, своей темы в музыке. ... странах. Повсюду композитор играл свои сочинения, а его новые оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так, в 1921 году в Чикаго состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева ...

Панк-рок возник в середине 1960-х годов, когда американские группы попытались дать отпор «нашествию англичан» («The Beatles» в том числе).

Это была динамичная, агрессивная музыка, но играли ее любители, и таким образом ответный удар остался не замеченным

Расцвет панк-рока пришелся на середину 1970-х годов, когда некоторые молодежные музыкальные коллективы взялись за переделку «застывшего» рока. В результате их экспериментов сложился музыкальный стиль, отличающийся резкостью, быстрым темпом и хаотичными изменениями ритмических структур и гармоний. Причем панк-рок в основном играли любители, не обладавшие даже минимальной музыкальной подготовкой [1,с.413].

В США первыми группами панк-рока были «The Stooges», «MC5» («Motor City Five» — «Пятерка из города моторов»,т.е. Детройта) и «New York Dolls».

Отсутствие музыкальной эволюции выразилось в том, что одна из популярных панк-роковских групп — «Sex Pistols» — распалась уже после окончания своего первого американского турне, некоторые коллективы попробовали себя в других стилях, но со временем тоже разошлись [9].

Однако, несмотря на крах лидеров панка, направление это уже окончательно оформилось, а минимальные требования к музыке и ее исполнению продолжают привлекать жаждущих быстро прославиться.

Хард-рок

Стиль хард-рок можно считать классическим направлением рок-музыки, тесно связанным с блюзовой праосновой.

Предшественниками хард-рока стали британский блюз-рок и бит-музыка.

Не последнюю роль в формировании этого стиля сыграли инструментальный концерт эпохи барокко и англо-кельтская баллада.

На ранних этапах формирования стиля хард-рок как такового совершенствовалась техника изложения и развития музыкального материала с помощью повторяемых ритмоинтонационных формул — так называемых рифов [1,с.421].

Одной из отличительных черт хард-рока служит специфический саунд.

Звучание хард-рока характеризуется заметной тяжестью, высокой плотностью, усилением метроритмического начала, ставшего жесткой основой для виртуозной импровизации [9].

Королевой хард-рока стала электрогитара, а королем— гитарист-виртуоз Джими Хендрикс, своим необычайным мастерством игры задавший высочайшую «планку» гитаристам последующих поколений.

В числе первых собственно хард-роковых альбомов необходимо назвать «Led Zeppelin II» (1969) проблюзовой группы «Led Zeppelin», вышедший несколькими месяцами позже дебютный (с одноименным названием) альбом «Black Sabbath», а также «In Rock» (1970) «Deep Purple» [1,с.422].

Золотой фонд хард-рока составляют абсолютно все диски «Led Zeppelin», работы «Black Sabbath» 1970-1976 годов, альбомы «Deep Purple» 1970-1973 годов, большинство пластинок американского коллектива «Grand Funk». В первой половине 1970-х годов к хард-роковому клану присоединились британские группы «Uriah Heep», шотландская «Nazareth», ирландская «Thin Lizzy», американская «Blue Oyster Cult», канадские «Guess Who» и «Bachman-Turner Overdrive» и др. [1,с.422]

Среди наиболее успешных работ конца 1970-начала 1980-х годов в первую очередь нужно назвать диски группы «Black Sabbath», сольные альбомы бывшего вокалиста этого коллектива Оззи Осборна, поп-хардовые эксперименты «Foreighner». В середине 1980-х годов выделяются альбомы возродившихся в прежнем составе «Deep Purple», сольное творчество Ронни Джеймса Дио [1,с.423].

7 стр., 3098 слов

Музыка Отечественной войны 1812 года

... в статье автора этих строк «Батальная музыка в России», опубликованной в № 2 журнала «Старинная музыка» за 2002 год. Музыка Отечественной войны 1812 года – это, главным образом, военные песни и марши (победные – на взятие ... победу, – хоры, куплеты на возвращение войск и императора и т. п. К музыке Отечественной войны относятся и программные пьесы – такие, как «Изображение объятой пламенем Москвы» Д. ...

Рок-н-ролл

Сформировался рок-н-ролл на основе ритм-энд-блюза. Считается, что первыми музыкантами, исполняющими рок-н-ролл, были Элвис Пресли, Билл Хэйли и его гру ппа «The Comets», Чак Берри и Рэй Чарлз [9].

Изначально рок-н-ролл был обращен исключительно к молодежной аудитории, что раздражало старшее поколение, которое называло эту музыку «сатанинской».

С течением времени рок-н-ролл отчасти утратил свою бунтарскую сущность, но зато к творческой манере музыкантов, исполняющих музыку в данном стиле, добавился более высокий профессионализм [9].

Хэви-металл

Хэви-металл — одна из ранних разновидностей металла, выделившаяся из хард-рока в конце 1970-х годов. Оформление получила в творчестве таких групп, как «Deep Purple», «Black Sabbath», «Nazareth», отчасти «Queen» и др.

Хэви-металлистов выделяли следующие качества: тяготение к более быстрым темпам, жесткому звучанию, полифоничной фактуре, более экзальтированной вокальной манере (особенно ценились сильные, хорошо поставленные тенора, хотя встречается и фальцет), виртуозному солированию [1,с.431]. В инструментарий хэви-металлических групп входили исключительно электрогитары и ударные.

Сегодня звучание многих хэви-металл-команд кажется довольно архаичным, но в свое время они произвели настоящую революцию в саунде. Тематика песен была соответствующей: культ силы и агрессии, героика, истории в духе фэнтэзи, мифологические мотивы, любовная и рок-н-ролльная тематика. Имидж музыкантов был шокирующим: кожаная одежда, железные цепи, длинные волосы, кое-кто появлялся даже в шкурах животных и т. д. Неизменными атрибутами металлистов стали мотоциклы [1,с.432].

Хэви-металл оказал влияние на становление практически всех стилевых разновидностей металла 1980-х годов: среди них спид-металл (к работам в этом стиле можно отнести дебютный альбом группы «Metallica»), трэш-металл (композиции группы «Sepultura»), пауэр-металл (музыка группы «Gamma Ray»), глэм-металл (творчество команды «Twisted Sister»), блэк-металл (работы коллектива под названием «Marduk») [9].

3. Поп-Музыка

Популярная музыка — это музыка, легко воспринимаемая на слух, доступная по форме [9].

Многие произведения классической музыки гораздо популярнее, чем произведения иных поп-коллективов, но если рассматривать популярную музыку как жанр, как особое течение в человеческой культуре, то фактическая популярность не будет определяющим фактором [9].

Определяющим фактором является легкость для восприятия и в большинстве случаев — расчет на успех у массового слушателя.

В основе всякой популярной музыки — народные песни и танцы. Популярная музыка сформировалась на основе, прежде всего, развлекательных жанров. Те песни, которые бродячие музыканты в Средние века исполняли для увеселения публики на ярмарках, празднествах, всевозможные любовные куплеты и танцевальные мелодии можно считать ранними формами популярной музыки [9].

Более серьезные жанры, такие как духовная музыка или всевозможные церемониальные сочинения, стали основой того, что теперь называется классической музыкой [6].

Латинская Америка дала миру танго, самбу, босса-нову; Карибский бассейн — калипсо, ска и рэгги; Северная Америка — блюз, рэгтайм, джаз, рок-н-роллл и т.д. У всех этих направлений была одна общая черта: они родились в «простонародье», бедных слоях общества, и высшие сословия первое время смотрели на эту музыку с презрением, называя ее вульгарной, — привычное обвинение популярной музыки. Но проходило немного времени, и музыка простых людей и бедных кварталов покоряла буквально всех, сметая сословные границы [9].

10 стр., 4577 слов

Музыка как стиль искусства

... искусства. Для этого мы рассмотрим: Что такое музыка Познакомимся с историей музыки Рассмотрим Музыкальные жанры 1. Что такое музыка 1.1 Понятие музыки Музыка возникла на низших ступенях общественного развития, ... записанного нотным языком. Тут начинают обращать внимание на наличие у музыкантов собственного стиля, манеры игры и в целом представления о том, как должна звучать та ...

Прогресс в звукозаписи — это новый этап в распространении популярной музыки.

Огромную роль для развития популярной музыки сыграло изобретение в конце 19 в. граммофона. Теперь сотни тысяч людей получали возможность услышать знаменитых исполнителей, даже если эти исполнители никогда не доберутся с концертами до их города или отдаленного поселка [6].

Другим важным каналом распространения популярной музыки стало радио. Это было доступное для большинства удовольствие, а владельцы радиостанций быстро нашли общую выгоду с хозяевами звукозаписывающих фирм, как только стало понятно, что радиоэфир — это эффективный способ рекламировать пластинки, а также навязывать публике музыку и вкусы. В 1920 в США открылась первая частная радиостанция, а в 1925 в Лондоне заработала Британская радиовещательная корпорация (ВВС), до сих пор одна из крупнейших в мире [9].

Эстрада

1950-е годы были временем триумфа эстрадной песни в популярной музыке. Во Франции появляются такие новые «звезды» шансона, как Жак Брель и Шарль Азнавур, а в Америке «царит» Фрэнк Синатра [9].

Эстрадная песня Америки сочетает в себе элементы свинга, европейскую и джазовую мелодику. Это мягкая и лирическая музыка. Американский вариант распространяется во многих странах мира, даже во Франции, хотя позиции шансона, эстрадной и авторской песни, основанной на народных традициях, там очень сильны. Кроме того, во французской эстраде, как и в эстраде других стран существует жанр, который можно определить как просто лирическая и мелодичная песня [9].

В 1960-х во французской музыке появляется много новых имен. Среди них — певец Сальваторе Адамо и певица Мирей Матье, которую сравнивают с великой Эдит Пиаф, потрясавшей своим пением Европу в середине 20 в., но музыка Матье гораздо мягче, и в ней нет той степени боли и отчаяния, которая выносит Пиаф за пределы развлекательного искусства [9].

В 1970-х всемирную известность получает испанский певец Хулио Иглесиас. Одна из особенностей Х.Иглесиаса заключается в том, что он исполняет песни не только на испанском и английском, но и на многих других языках мира.

Поп-музыка 1980-х.

Особую роль в развитии современной популярной музыки стало возникновение в начале 1980-х ряда музыкальных телеканалов, таких, как VH-1 и MTV. Последний ориентируется исключительно на молодежную аудиторию. Собственно, музыкальное телевидение — главная движущая сила современной популярной музыки. Видеоклипы настойчиво рекламируют певца или группу. Настоящим детищем музыкального телевидения стала певица Мадонна. Весьма обязан MTV и Майкл Джексон, также как Принс и очень многие популярные певцы и группы [9].

Поп-музыка в 90-х и начале 21 века.

В 1990-х в соул-балладу был привнесен жесткий фанковый (или хип-хоповый) ритм. Его можно услышать у таких певиц, как Тони Брэкстон, Кристина Агилера или Бритни Спирс, групп «TLC», «Destiny»s Child» и мн.др.Отличительным знаком середины 1990-х стало появление массы «мальчуковых» и «девичьих» коллективов. Бойз-бенды (boys-bands) начала 1990-х из Британии «East 17» и «Take That» определили стандарт для сотен своих последователей, таких как, «Backstreet Boys», «Five», «Westlife» и др., а старт девичьим квинтетам, квартетам и трио дали в 1996 британские же «Spice Girls» [6].

4 стр., 1605 слов

Афроамериканская музыка

... «Нью-Орлеанс Кингс» в распространении джаза в США и Европе. Основополагающая роль рэгтайма и музыки «марширующих оркестров» в формировании стиля игры ранних диксилендов. Постепенное овладение ... Социально-экономические причины его расцвета и популярности в период 1886—1917 гг. Коммерческая направленность развития рэгтайма. Сохранение индивидуальности в практике виднейших негритянских музыкантов ...

В конце 1990-х началась мода на латиноамериканскую музыку: сначала хит-парады сокрушил Рики Мартин, затем знаменитый гитарист Карлос Сантана , выпустив невероятно популярный альбом «Supernatural» и получил за него 5 наград Американской музыкальной академии «Грэмми», а затем главной фигурой стал Энрике Иглесисас, сын всемирно известного певца Хулио Иглесиаса. Отдельно можно упомянуть исландскую певицу Bjork, немало сделавшую для популяризации «странной» музыки, а также главных исполнителей направления трип-хоп (trip-hop): «Massive Attack», «Portishead, Tricky», «Morcheeba», невероятно модного в середине 1990-х и по-прежнему притягательного. В начале 21 в. в популярной музыке по-прежнему преобладают направления, рожденные афро- и латиноамериканцами. Имеют место также и азиатские мотивы, как, например, в песнях певицы Шакиры. Популярная музыка старается использовать любое яркое достижение музыкальной традиции разных народов, в поисках таких форм, которые могут заинтересовать массового слушателя [9].

Disco

Disco — это сокращение от французского слова «discotheque» — дискотека. Перевести это можно, как «хранилище дисков!». А еще так называли ночные заведения, где звучала записанная на пластинки (не «живая», в отличие от обычных клубов) музыка [9].

Потом словом «диско» стали называть музыкальный стиль с ритмом 100-120 ударов в минуту.

Еще один важный элемент диско — блестящая, режущая глаз яркостью цветов одежда, всякие разноцветные лампочки, зеркальные шары, неоновые вспышки, длиннющие отложные воротники, высоченные прически — в общем, подчеркнутая яркость и шик во всем [9].

Прародителем дискотеки может считаться джук-бокс — граммофон-автомат, заряженный двумя-тремя десятками пластинок, проигрываемых по выбору при опускании в щель мелкой монетки. Они имели свою аудиторию, свой репертуар и даже своих звезд, именно джук-боксы были главным каналом распространения музыки типа ритм-энд-блюз, а позднее — соул [6].

Первые дискотеки, в современном понимании слова, появились в Нью-Йорке, и в них звучали преимущественно соул и фанк записи с жёсткой ритмической основой.

Главная отличительная особенность диско — равномерный ритм зачастую подчеркнутый ударами бочки. «Классическим» признан темп с частотой 120 ударов в минуту (что практически вдвое превышает нормальный человеческий пульс) [9].

Характерна непрерывная линия баса, в аранжировках используются соло струнных и духовых. Структура песен нередко состоит из нескольких блоков (со сменой рисунка баса, мелодии, тональности и т.д.), что не позволяет длинным композициям наскучить слушателю [9].

Диско-альбомы не были продолжительными по времени, но записанные на них песни стали гораздо длиннее — в среднем по 5-6 минут, одновременно выпускаются специальные 12-дюймовые синглы, содержащие длинные версии (long version) песен (8-12 минут), предназначенные для ди-джеев [9].

1 стр., 473 слов

Рассуждение В. Астафьев проблема влияния музыки на человека в ...

... к каким выводам приходит В. Астафьев. Я уверен, он соглашается с рассказчиком в том, что музыка оказывает благотворное влияние на человека в военные годы. Поступаете в 2019 году? Наша команда поможет с ... вариант).Доверьте рутину профессионалам – подробнее. Так, она способна отвлечь от разрушений, смертей, без которых не обходится ни одно сражение. Более того, она придает сил, воодушевляет солдата, ...

В истории диско-музыки есть немало примеров, когда после записи студийными музыкантами успешного музыкального номера, срочно подбирались исполнители для выступлений в качестве группы — так было с Boney M., Village People и многими другими, причём к исполнителям стали предъявляться особыё требования — необычная запоминающаяся внешность, умение танцевать и создавать эффектное шоу — всё это было необходимо для выступлений в дискоклубах [9].

Техническая сложность живого воспроизведения в условиях диско-клуба номеров, записанных в студии, стала причиной того, что артисты стали выступать либо под минус-фонограммы (запись музыкального сопровождения), либо под полную фонограмму, что, в общем, мало беспокоило посетителей дискотек [6].

4. Джаз

В течение долгих лет джаз считался «музыкой низшей расы». В США её считали музыкой негров, недостойную высшего американского общества, в нацистской Германии играть и слушать джаз означало быть «проводником негритянско-еврейской какофонии», а в СССР — «апологетом буржуазного образа жизни» и «агентом мирового империализма» [2].

В течение десятилетий джаз пытались запретить, замолчать и игнорировать, с ним пытались бороться, однако же сила музыки оказалась сильнее всех догматов. К XXI веку джаз достиг одной из высочайших точек своего развития, и не намерен сбавлять обороты.

Во всём мире 1917 год стал во многом эпохальным и поворотным. В Российской империи происходят две революции, в США на второй срок переизбирается Вудро Вильсон, а микробиолог Феликс д’Эрелль объявляет об открытии бактериофага. Однако в этот год произошло событие, которое также навсегда войдёт в летописи истории. 30 января 1917 года в нью-йоркской студии фирмы «Victor» записывается первая джазовая грампластинка. Это были две пьесы — «Livery Stable Blues» и «Dixie Jazz Band one Step» — в исполнении ансамбля белых музыкантов «Original Dixieland Jazz Band». Старшему из музыкантов, трубачу Нику ЛаРокка, было 28 лет, младшему — барабанщику Тони Сбарбаро — 20 лет. Уроженцы Нового Орлеана, конечно, слышали «музыку чёрных», любили её, и страстно хотели играть джаз собственного исполнения. Довольно быстро после записи пластинки «Original Dixieland Jazz Band» попали на контракт в престижные и дорогостоящие рестораны [2].

Спустя пять лет после прорыва дебютантов «Original Dixieland Jazz Band» на студии начали записываться и темнокожие музыканты. В числе первых были записаны ансамбли Джо Кинга Оливера и Джелли Ролла Мортона. Однако все записи темнокожих джазменов выпускались в Штатах в рамках специальной «расовой серии», распространявшейся в те годы только среди темнокожего американского населения. Грампластинки, вышедшие в «расовой серии», существовали вплоть до 40-х годов XX века. Помимо джаза, на них также записывались блюзы и спиричуэлс — духовные хоровые песни афроамериканцев [2].

Характерная особенность джаза состоит в том, что эта музыка в течение десятилетий пробивала себе путь к успеху и признанию. Если музыканты всех прочих стилей могли с самого начала своей карьеры стремиться к игре на крупнейших площадках и стадионах, и примеров для них было множество, то джазмены могли рассчитывать лишь на исполнение в ресторанах и клубах, даже не мечтая о больших площадках.

Джаз как стиль зародился более века назад на хлопковых плантациях. Именно там темнокожие рабочие пели свои песни, сплавленные из протестантских песнопений, африканских религиозных хоровых гимнов «спиричуэлс», и резких и греховных светских, почти «блатных» песенок — блюзов, широко распространённых в грязных придорожных забегаловках, куда не шагнёт нога белого американца. Венцом в этом «коктейле» стали духовые оркестры, которые звучали так, будто бы босоногие афроамериканские ребятишки взяли в руки списанные инструменты и стали играть кто во что горазд [2].

20-е годы XX века стали «эпохой джаза» — именно так назвал их писатель Фрэнсис Скотт Фитцджеральд. Большая часть темнокожих рабочих концентрировалась в криминальной столице США тех лет — Канзас-Сити. Распространению джаза в этом городе способствовало большое число ресторанов и забегаловок, где мафиози любили проводить своё время [2].

Город создал особый стиль, стиль больших оркестров, играющий быстрый блюз.

Несмотря на большую популярность джаза в Новом Орлеане и его широкое распространение в Канзас-Сити, большое число джазменов всё же предпочитали Чикаго и Нью-Йорк. Два города Восточного побережья США стали важнейшими пунктами концентрации и развития джаза. Звездой обоих городов стал молодой трубач и вокалист Луи Армстронг, преемник величайшего трубача Нью-Орлеана — Кинга Оливера [2].

В 1924 году в Чикаго прибыл ещё один уроженец Нового Орлеана — пианист и певец Джелли Ролл Мортон. Молодой музыкант не отличался скромностью и смело заявлял всем о том, что именно он является создателем джаза. А уже в 28 лет он перебрался в Нью-Йорк, где как раз в этот период набирал популярность оркестр молодого вашингтонского пианиста Дюка Эллингтона, который уже вытеснял из лучей славы оркестр Флетчера Хендерсона [2].

Волна популярности «музыки чёрных» прорывается в Европу. И если в Париже джаз слушали ещё до начала Первой Мировой войны, и не в «кабаках», а в аристократических салонах и концертных залах, то в 20-е годы сдался Лондон.

Начало 30-х годов XX века ознаменовалось новой эпохой — эрой биг-бэндов, больших оркестров, а на танцплощадках начал греметь новый стиль — свинг. Оркестр Дюка Эллинтона смог обогнать по популярности своих коллег из оркестра Флетчера Хендерсона с помощью нестандартных музыкальных ходов. Коллективная одновременная импровизация, ставшая фирменной чертой новоорлеанской школы джаза, уходит в прошлое, а вместо неё обретают популярность сложные партитуры, ритмичные фразы с повторениями, переклички групп оркестра [2].

Оркестр кларнетиста Бенни Гудмена, состоящий полностью из белых музыкантов, в середине 30-х годов обретает зашкаливающую популярность, а во второй половине 30-х наносит сокрушительный удар по всем расовым ограничениям в джазе: на сцене «Карнеги Холла» в оркестре под предводительством Гудмена одновременно выступили черные и белые музыканты [2].

В конце 30-х годов популярность набрал белый оркестр Гленна Миллера. Зрители и слушатели сразу обратили внимание на характерный «хрустальный звук» и мастерски отработанные аранжировки, однако одновременно констатировали, что в музыке оркестра присутствовало минимум джазового духа [2].

В период Второй Мировой войны «эра свинга» завершилась.

Однако же зачатки новой джазовой революции были посеяны в одном из родных для этого стиля музыки городов — Нью-Йорке. Молодые музыканты, — в основном, темнокожие, — не в силах терпеть упадок своей музыки в составе оркестров в официозных клубах, после концертов поздней ночью съезжались в собственные клубы на 52-й улице. Меккой для всех них стал клуб «Milton Playhouse» [2].

«Milton Playhouse» в те годы не имел отбоя от посетителей. Джазмены начинают брать высокий темп композиций, разгоняя их порой до неимоверных скоростей, с которыми могли управляться лишь одни профессионалы.

Именно так родился революционный джазовый стиль — би-боп. Выросший в Канзас-Сити альт-саксофонист Чарли Паркер, трубач Джон Беркс Гиллеспи по кличке «Диззи» («Головокружительный»), гитарист Чарли Крисчен (один из отцов-основателей гармонического языка), барабанщики Кенни Кларк и Макс Роуч — эти имена навсегда вписаны золотыми буквами в историю джаза и конкретно — би-бопа [2].

Именно создание би-бопа не только дало толчок к развитию джаза, но и стало отправной точкой, с которой пошло разветвление джаза как такового. Би-боп пошёл в направлении андеграунда — небольших площадок, избранных и преданных слушателей, а также интересующихся корнями музыки в целом, тогда как вторая ветка представляла джаз в сфере системы потребления — так родился поп-джаз, который существует по сей день. Так, в разные годы элементы поп-джаза использовали такие звёзды музыки, как Фрэнк Синатра, Стинг, Кэти Мелуа, Zaz, Эми Уайнхаус, Кенни Джи, Нора Джонс и другие [2].

Что же касается менее популярной ветки джаза, то вслед за би-бопом последовал хард-боп. В этом стиле ставка была сделана на блюзовое, экстатическое начало.

В Штатах развивались другие собственные стили: кул-джаз, распространённый на Восточном побережье, а Западное смогло противопоставить соседям стиль уэст-коуст.

У джаза начинают появляться собственные очертания: композиции и сольные партии джазменов стали длиннее. Вместе с тем, в хард-бопе и кул-джазе появилась тенденция: одна пьеса длилась уже семь-десять минут, а одно соло — пять, шесть, восемь «квадратов». Параллельно сам стиль обогащался различными культурами, в особенности латиноамериканской [2].

В конце 50-х на джаз обрушилась новая реформа, на этот раз — в области гармонического языка. Новатором в этой части стал Майлз Дэвис, выпустивший в 1959 году свою знаменитейшую запись «Kind of Blue» [2].

Традиционные тональности и аккордовые последовательности изменились, музыканты могли не выходить из двух аккордов в течение нескольких минут, однако при этом демонстрировали развитие музыкальной мысли так, что слушатель даже не замечал однообразия [2].

Тенор-саксофонист Дэвиса, Джон Колтрейн, также стал символом реформ. Техника игры и музыкальная мысль Колтрейна, продемонстрированные в начале 60-х на записях, являются непревзойдёнными по сей день.

Символом рубежа 50-х и 60-х годов в джазе также стал альт-саксофонист Орнетт Коулмен, создавший стиль фри-джаз («свободный джаз»).

Гармония и ритм в этом стиле практически не соблюдаются, а музыканты следуют за любой, даже самой абсурдной мелодией. В гармоническом плане фри-джаз стал вершиной — дальше был либо абсолютный шум и какофония, либо полная тишина. Такой абсолютный предел сделал Орнетта Коулмена гением музыки вообще и джаза в частности. Наиболее близко к нему в своём творчестве приблизился, пожалуй, лишь авангардный музыкант Джон Зорн [2].

60-е годы также не стали эрой безусловной популярности джаза. На первый план вышла рок-музыка, чьи представители охотно экспериментировали с техникой записи, громкостью, электроникой, искажением звука, академическим авангардом, техникой игры. По легенде, в то время вынашивалась идея совместной записи гитариста-виртуоза Джими Хендрикса и легендарного джазмена Джона Колтрейна. Однако уже в 1967 году Колтрейн скончался, а спустя пару лет не стало и Хендрикса, и эта идея так и осталась в легендах [2].

Майлз Дэвис преуспел в данном жанре: в конце 60-х он достаточно успешно смог скрестить рок-музыку и джаз, создав стиль джаз-рок [2].

Однако популярность фьюжна, возникнув в конце 60-х и набрав популярность в 70-е, быстро пошла на спад, и сегодня этот стиль является полностью коммерческим продуктом

5. Рэп

Рэп — разновидность танцевальной музыки, которой свойственны такие особенности, как неровный ритм, простые и четкие гармонии, короткие музыкальные фразы, заключенные в непрерывную линию [9].

В середине 1980-х годов получил распространение синтез рэпа с фанком и рэгги, появились также его соединения с трэш- и панк-роком. Вскоре все они превратились в самостоятельные направления.

Классические композиции в стиле рэп пред полагают обязательное и спользование проигрывателя с набором виниловых пластинок в качестве дополнительного инструмента ритм-секции. Тексты рэпа должны выражать стремление негритянской молодежи к идеалам свободы и равенства, но на самом деле это порой выражается лишь в применении неформальной лексики.

Впервые рэп заявил о себе в середине 1970-х годов в нью-йоркских диско-клубах для черных. К подобной музыке обращались в основном диск-жокеи, которые занимались составлением репертуара для танцев,и обслуживающий персонал концертных площадок и залов [1.,с.473].

В то время для исполнения рэп-музыки вовсе не требовались какие-то сложные умения и навыки. Первые рэпперы, называемые спиннерами (от англ. spin— «вращать»), ограничивались лишь манипуляциями с пластинками и проигрывателем [1,с.473].

В 1977 году усилиями рэпперов-профессионалов (грандмастер Флэш, диджей Холливуд, Дэйв Ди) рэп стал достоянием американских улиц и вскоре преобразился в брейк-данс. Чернокожая молодежь в то время была увлечена музыкой Джеймса Брауна, «Sly And The Family Stone», «Chic» и «Parliament», и потому рэп начал сливаться со стилями этих исполнителей и развиваться параллельно диско [1,с.474].

Распространение в среде музыкантов получили эксперименты в области микширования, использования в ходе записи дабл- и трипл-трэкинг, что давало возможность вставлять отдельные музыкальные фразы в любой отрезок фонограммы. С помощью изощренных действий с проигрывателем и звукоснимателем появлялись совершенно новые, необычные звучания [1,с.474].

В рэп-композициях важное место отводилось бас-гитаре, очень часто игравшей солирующую роль, благодаря чему техническое мастерство бас-гитаристов значительно возросло.

Свою лепту в развитие новой музыки внесла группа «Shugar aBrigade (Gang) of a Hill», выпустившая в 1978 году первую песню в стиле рэп [1,с.474].

С течением времени рэп вышел за рамки расовой музыки и распространился в среде белых исполнителей.

В 1984 году появилась группа «Beastie the Boys», считающаяся основоположницей белого рэпа, продолжавшего смешиваться в самых изощренных комбинациях с разнообразными музыкальными стилями [1,с.474].

Черные исполнители и группы («Public Enemy», «Run DMC», «Айс-Ти», «Айс-Кьюб») способствовали расширению стилистических границ рэпа. Теперь его элементы можно обнаружить почти в любом жанре рока, будь то хауз, соул или хард-рок.

В 1990-е годы в результате тенденции более экстремального развития рэп-композиций возникла новая разновидность — gansta rap («криминальный рэп»).

Среди исполнителей, использовавших в своей музыке рэп, следует выделить Джеймса Брауна, которого называют «крестным отцом соула», «мистером Pleasе Pleasе Pleasе» и даже «мистером динамит» [1,с.474].

В1962 году вышел знаменитый альбом «Live At The Apollo». Он стал первым альбомом, вошедшим в чарты. В 1964 году Браун записал сингл «Out Of Sight», тем самым положив начало современному фанку.

В 1967 году соавтором и советчиком Брауна стал Альфред «Пиви» Эллис. Первым результатом этого сотрудничества явился сингл «Cold Sweat», отнесенный в первую категорию ритм-энд-блюза. Его довольно сложная музыка требовала от певца и танцоров значительных физических усилий, и потому «Cold Sweat» не повлек за собой восторженных откликов в белой аудитории [9].

В 1968 году в ышел в свет сингл «Lickin g Stick, Licking Stick». В этом же году Браун заявил о себе как о выразителе интересов и требований черного населения США. Он публично выступил против беспорядков, последовавших после убийства Мартина Лютера Кинга, и записал синглы «America Is My Home» и «Say It Loud, I’m Black And I’m Proud!» Слова последнего «Скажи во весь голос: я черен и горд!» вскоре стали лозунгом вборьбе против расовой дискриминации. Диск почти мгновенно разошелся миллионным тиражом [1,с.475].

Среди самых известных рэп-групп выделяется американская «Public Enemy», образованная в 1982 в Адельфийском университете (Нью-Йорк).

Хотя творчество «Public Enemy» резко критиковалось за выраженные в нем антисемитизм и шовинизм ( после одного из скандалов руководители группы принесли извинения общественности за шовинистические выступления некоторых ее членов и асстались с наиболее агрессивно настроенными музыкантами), благодаря резко звучащим текстам и необыкновенно энергичным ритмам группа пользовалась огромной популярностью у молодежи конца 1980 — начала 1990-х годов. В результате несколько альбомов «Public Enemy» вошли в хит-парады не только США, но и стран Европы [1,с.476].

6. Техно

В отличие от рок-музыки, имеющей богатую историю, техно, или музыка с индустриальными звуками, появилась относительно недавно.

Право называться ее основоположницей принадлежит немецкой группе «Kraftwerk».

«Kraftwerk » тяготела к немецкому авангарду. Родоначальниками группы являлись выпускники консерватории Дюссельдорфской академии искусств Флориан Шнейдер-Эслебен и Ральф Хюттер. Договорившись писать собственную оригинальную музыку, они основали группу под названием «Organisation». Музыканты играли на вернисажах и в галереях и вращались в кругу художников, поэтому большой известности их деятельность в музыкальной среде не получила [1,с.477].

Вскоре группа сменила нейтральное, лишенное национальной окраски название «Organisation» на немецкое слово «Kraftwerk» («Электростанция»).

Такое же имя получил и альбом, встреченный любителями современной музыки с большим интересом.

В 1971 году появился еще один альбом, названный«Kraftwerk-2». Продолживший ту же тему, этот альбом имел прежнюю обложку и потому был воспринят многими как дополнительный тираж первого [1,с.477].

Флориан и Ральф активно экспериментировали, используя звуки и шумы, создаваемые искусственно. Они накладывали их на записи аналогового синтезатора. Вскоре музыканты получили свой фирменный звук, образцом которого стал трек «Klingklang» из второго альбома, показывающий постоянное изменение темпа темы, идущего за ускорениями или замедлениями бита, создаваемого драм-машиной. В результате появляется чувство, что именно бит становится ведущей музыкальной темой композиции. Это стало настоящим открытием, ведь построить музыку на бите и рисунке ударных не приходило в голову еще никому [1,с.478].

К фирменному звуку требовалась еще одна деталь — имидж. Образцом нового стиля группы стал третий альбом «Ralf and Florian». Синтезаторные звуки, постоянно повторяясь, давали Ральфу возможность играть с некоторой долей автоматизма. Важное значение имело применение вокодера — электронного устройства, искажающего человеческую речь и придающего ей механический оттенок, ее тональность изменялась посредством манипуляций с клавиатурой синтезатора. В результате музыка «Kraftwerk» стала похожа на эпизоды из научно-фантастических фильмов [1,с.479].

Громадный успех принес «Kraftwerk» диск «Autobahn», восторженно встреченный слушателями и критиками. Авторы рецензий отмечали как достижение синтезаторные пассажи заднего плана, немецкоязычный вокодированный голос, оригинальную творческую концепцию и яркую индивидуальность, безграничный минимализм, рождающий осязаемое впечатление поездки по автостраде, которой нет конца [1,с.479].

В 1986 году «Kraftwerk» выпустила альбом — «Electric Cafe», менее механический и восхищающий ясностью и изяществом музыки [1,с.479].

Затем появился 70-минутный альбом ремиксов «The Mix», сделавший«Trans-Europe Express», «Pocket Calculator» и «Computer Love» настоящими интернациональными танцевальными хитами.

технодиско

Такое же происхождение имеет и технорэп , характеризующийся полностью синтезированным звучанием, речитативом в стиле рэпа, мерным ритмом и изобилием низкочастотных звуков. В качестве примера можно привести ранние альбомы «Snap» [1,с.480].

Самым распространенным среди названных является техноданс . Этот стиль привлекает своей простотой и ясностью, красивой танцевальной композицией с быстрым, просто невероятным по скорости мужским речитативом и женскими подпевками [1,с.481]. Таковы «MAXX», «Culture Beat», «E-Rotic» и др.

Еще одно важное свойство технодансам — его ориентированность на коммерцию. Отсюда идет стремление соответствовать требованиям рынка.

Так, группа «2 Unlimited», записав в 1991 году первый сингл «Get Ready», положила начало переходному стилю технософт, отличающемуся от чистого техно большей танцевальной направленностью. Второй альбом этого коллектива стал переходной разновидностью от технософта к технодансу,а третий представляет собой самый настоящий чистый техноданс. В четвертом альбоме уже заметны элементы стиля House.

Некоторые группы, ориентирующиеся на техноданс, пытаются сочетать особенности фольклорной или этнической музыки с элементами техно [1,с.482].

House

Говоря о техно, невозможно обойти вниманием House. Происхождение термина «House music» идет от названия чикагского клуба «The WareHouse», где и родилась эта музыка. С 1977 по 1983 год президентом клуба являлся диджей Фрэнки Нуклес. Его призванием была смесь андерграундного диско, фанка и соула, предназначенная для чернокожей молодежи. Стремясь сделать музыку более танцевальной, он воспользовался драм-машинкой «Roland 909», которая сопровождала запись на пластинке и помогала выделить ритм. Еще один чрезвычайно эффектный прием Фрэнки — смешивание композиций с синтезированным ритмом, производимое с помощью простого многоканального магнитофона, в результате чего одна композиция совершенно незаметно для слушателя перетекала в другую [1,с.482].

Дальше него пошел его коллега, диджей Рон Харби. Его резкая, д аже грубая игра нашла множество почитателей среди посетителей «The WareHouse».

В Англии стиль House начал распространяться с 1986 года, когда композиция «Move Your Body», написанная Маршаллом Джефферсоном, появилась в эфире пиратских радиостанций Лондона.

Дальнейшее распространение стиля на территории Великобритании происходило благодаря посещениям страны чикагскими диджеями International и Trax, а также появлению альбомов с компиляциями House-музыки (серия «Jack Trax») [9].

Но самым первым национальным хитом в стиле House является записанная «Farley Funk» обработка старой песни Исаака Хайеса «Love Can’t Turn Around».

Танцевальная манера под музыку House, получившая название «Jack», быстро распространилась в молодежных кругах Великобритании.

Detroit House

Deep House,

Trance

Ритмические особенности музыки Trance (путешествие) гораздо проще, чем, например, в Jungle и Breakbeat. Направление имеет множество вариантов, в том числе Acid Trance, Goa Trance, Hard Trance и др. [1,с.482].

Breakbeat,

Tribal — использование ритмов и звучаний культовых традиций индейцев Северной Америки, эскимосов и народов, проживающих на севере Сибири. Хотя подобная связь современной рейв-культуры с древнейшими племенными обычаями выглядит не слишком натуральной, минималистичная музыка Tribal не лишена своеобразной прелести и поэтичности [1,с 483].

Hardcore представляет собой самый обычный техноритм, записанный вдвое быстрее, на который наложены резкие, отрывистые звуки, крики, а также ускоренный ( желательно в 2-3 раза) женский вокал. Результат должен напоминать звучание энергичного отбойного молотка [1,с.484].

Acid House

Progressive

«Ambient — музыка, которую можно услышать в «Мак-Доналдсе»», — именно так охарактеризовал этот стиль журнал «Птюч» и был совершенно прав в своей оценке: в Ambient нет ни жесткого ритма, ни резких и агрессивных сэмплов, то есть ничего, что может нарушить безмятежность и спокойствие [1,с.485]. Ambient хорош для слушателей, но не для любителей энергичных движений.