Введение
Современное искусство стало ярким проявлением новых художественных практик во второй половине ХХ века. Эти искания направлены на поиск новых форм, материалов и образов, а также на отрицание модернизма.
История современного искусства
Период формирования современного искусства пришелся на рубеж 1960-70-х годов. Это время было отмечено поиском альтернатив модернизму и принятием противоположных принципов выражения. Основные тенденции в творчестве художников были связаны с поиском новых материалов и образов, и даже с дематериализацией объекта.
В это время начались активные дискуссии о «постмодернизме». Произошел сдвиг фокуса с объекта на процесс. В конце 60-х и начале 70-х годов стали заметными движения в концептуальном искусстве и минимализме.
На середину 80-х годов пришлось время расцвета интереса к фигуративности и изобразительности. Так же в это время набирает силы нео-поп, и технологические новшества: видео, аудио, компьютеры и интернет стали все чаще использоваться в искусстве.
Социальное воображение в современном искусстве
Современное искусство также проявляет социальную направленность арт-процесса. Художники обращаются к темам социальной и политической значимости, активно используют образы массовой культуры и общественной действительности.
Середину 70-х характеризовало распространение феминизма в искусстве, а также активности этнических меньшинств и социальных групп. Это стало выразительным элементом новой эпохи художественной практики.
Заключение
В современном искусстве выявляется особенность использования новых материалов и технологий, постоянный интерес к социальным и политическим событиям и направленность к поиску новых форм и идей.
Начало 2000-х годов отмечено разочарованием в возможностях технических средств для художественных практик. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству 21 века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического (англ.)» общества. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы, и пессимизм у художников.
Ряд художников 2000-х, возвращается к товарному объекту отказываясь от процесса и предлагают коммерчески-выгодную попытку модернизма 21 века.
Рассмотрим подробнее все выше изложенное.
1. Модерн как предтеча современного искусства
Первым прогрессивным, необычным и возможно шокирующим предвестников новых веяний в искусстве стал стиль модерн.
Развитие печатной гравюры 20-х годов 20 века
... бурным совершенствованием способов полиграфии. Цель курсовой работы - раскрыть сущность развития печатной гравюры 20-х годов 20 века. Задачи курсовой работы следующие: Изучить исторические этапы становления искусства гравюры; Раскрыть разновидности гравюры, их классификацию; Показать технологические ...
Блистательный взлет стиля модерн (англ. и фр. ArtNouveau, нем. Jugendstiel) длился немногим более десятка лет, однако на рубеже ХIХ-ХХ веков его органичные формы преобладали во всех видах изобразительного искусства и дизайна.
В 1895 г. выходец, из Германии и торговец картинами Самуил Бинг открыл в Париже художественную галерею. Будучи знатоком и ценителем японского искусства, он распахнул се двери новейшим течениям в станковых и прикладных жанрах и назвал свое детище «Art Nouveau» – «Новое искусство».
На первом же вернисаже было выставлено богатейшее собрание живописи, скульптуры, графики, керамики, художественного стекла и мебели, поражавшее разнообразием стилей. Однако при всей этой пестроте у многих выставок галереи были две общие черты – отказ от традиций реализма в пользу символической экзотики и преклонение перед декоративным потенциалом хлестких, словно удар бича, линий.
Со времен Возрождения в западном искусстве безраздельно господствовал реализм. Непревзойденными мастерами создания иллюзии трехмерного пространства по праву считались Караваджо (1571–1610) и его последователи. В XIX веке публика ценила в картинах, прежде всего, достоверное изображение реальности, удостаивая наивысших похвал фотографически скрупулезные картины таких мастеров, как Энгр (1780–1867).
Даже восставшие против строгого академизма импрессионисты стремились к предельно точному переносу на полотно своих чувственных восприятий.
Развитие стиля модерн и его влияние на художественные устои
Всевластие реализма возвысило станковую живопись до положения «царицы искусств», отодвинув в тень декоративные и прикладные жанры, поэтому самые даровитые художники тяготели именно к ней. Как результат, прикладные искусства и характерная для них абстрактная орнаментика оказались на задворках, и к середине XIX в. образовалась настоящая пропасть между станковыми живописцами, которых считали истинными художниками, и прозябавшими на положении ремесленников мастерами декоративного искусства.
Перелом в этой тенденции, сыгравший решающую роль в становлении модерна, был, по сути, делом рук одного человека – Уильяма Морриса (1834–96).
Негодуя на безвкусицу массового «ширпотреба», Моррис полагал, что искусства и ремесла неразделимы, и все окружающие человека предметы должны быть отмечены печатью художника.
Овладев профессиями краснодеревщика, стеклодува и печатника, Моррис основал в 1860-х гг. мастерские, в изделиях которых проявилось творческое слияние искусств и ремесел. Сам Моррис не знал себе равных в создании орнаментов для шпалер и обойных тканей, черпая вдохновение в растительных мотивах живой природы. Многие орнаменты Морриса популярны и сегодня.
Одним из сподвижников Морриса был Эдвард Берн-Джонс (1833–98), чей декоративный стиль сформировался под влиянием прерафаэлитов. Тонкое изящество линейных плетений Берн-Джонс перенял у средневековых иллюминированных манускриптов. Будучи прямым следствием работы мастера в черно-белой книжной графике, эта манера ярко проявилась и в его живописных произведениях, орнаментальные эффекты которых были совершенно чужды тогдашнему академизму. Движение искусств и ремесел оказало могучее влияние на развитие стиля модерн.
В других уголках Европы художественные устои подверглись атаке с совершенно иных позиций. Поставив под сомнение эстетические ценности импрессионизма, художники 1880–90 гг. выплеснули на полотно обуревавшие их идеи и чувства. Вырвавшись из пут зримой реальности, приверженцы символизма и члены группы «Наби» заполнили подчеркнуто двухмерное живописное пространство вихревым буйством красок и, подобно Моррису и Берн-Джонсу, широко использовали пластическое богатство линейного рисунка.
Творчество Обри Бердсли и его влияние на искусство
В 1891 г. юный художник Обри Бердсли посетил студию Берн-Джонса, чтобы показать свои рисунки мастеру. Берн-Джонс, впечатленный увиденным, предложил Бердсли создать серию из 350 иллюстраций к роману Мэлори «Смерть Артура». В этих иллюстрациях проявилось увлечение Берн-Джонса эстетикой средневековья и влияние японской графики.
В период с 1891 г. по 1893 г. Бердсли разработал свой неповторимый стиль иллюстраций, которые отличались изысканностью и элегантностью. В чёрно-белой графике он создавал образы, пронизанные эротизмом и восхищением. Его работы отличались твердой линией рисунка, сложной формой и яркими контрастами черного и белого.
Творчество Бердсли вызвало фурор в мире искусства и оказало влияние на художников, дизайнеров и архитекторов Европы. Такой же манерой работы отличались и декоративные полотна голландца Яна Торопа, который создал изображение трёх невест в тревожно-символическом стиле. Норвежский художник Эдвард Мунк в своей картине «Крик» выразил бездну горя и отчаяния, используя волну линейной графики, подобной стилю Бердсли.
Виктор Орта и новый стиль в архитектуре
Виктор Орта, бельгийский архитектор, являлся одним из ярких представителей нового стиля в архитектуре. Орта использовал методы дизайна для исследования конструктивных возможностей стекла и стали. Он строил особняки, отели и офисные здания в Брюсселе, придавая им художественную композицию.
Одним из первых творений Орты был особняк Тассель, где он использовал ритмику хлестких линий, напоминающих удары бича. Простая конструкция этого жилого дома превратилась во впечатляющую художественную композицию. Растительные мотивы на фасаде были подвижными и продолжались в интерьере здания, распространяясь на стены, потолки, паркет и перила. Этот стиль нашел отклик в работах художников, использующих росписи, лепнину и чугунное литье.
| Художник | Годы жизни |
|---|---|
| Обри Бердсли | 1872–98 |
| Ян Тороп | 1858–1928 |
| Эдвард Мунк | 1863–1944 |
| Виктор Орта | 1861–1947 |
Органичность и текучесть форм в архитектуре стали популярными тенденциями в конце XIX — начале XX века. Эти стилистические направления были особенно ярко представлены в работах архитекторов Гектора Гимара и Антонио Гауди.
Гектор Гимар, парижский архитектор, с успехом применил органическую пластику ползучих лиан в своих проектах станций парижского метро. Даже самые простые из них были украшены литыми чугунными стеблями, которые смыкались арками над входом. Эти стебли напоминали огромные кочаны капусты из стекла и стали. Подобные ассоциации вызывали и другие здания Гимара в Париже, а также мебель и отделка интерьеров, созданные по его эскизам.
Антонио Гауди, испанский архитектор, взял органичность и текучесть форм в архитектуре на новый уровень. В его творениях, украшающих улицы Барселоны, конструктивные и декоративные элементы сплетались в извивистые, текучие растительные формы. Здания Гауди казались выросшими за ночь, словно сказочные грибы. Одним из его наиболее известных проектов стал незавершенный собор Ла Саграда Фамилиа. В этом соборе органичная концепция инженерной конструкции придавала зданию облик живого существа. Строительство собора началось в 1884 году, но до сих пор не завершено из-за невероятной сложности проекта. Все работы ведутся вручную, чтобы сохранить плавность и текучесть форм, которые несут в себе образное видение и фантазию Гауди.
Гауди был одним из немногих архитекторов, чье богатое воображение и неисчерпаемая фантазия позволяли ему создавать здания, полностью выдержанные в стиле модерн. Другим архитекторам часто не хватало воображения для того, чтобы создать что-то большее, чем просто фасад особняка.
Искусство модерна в конце XIX — начале XX века охватило различные сферы дизайна, включая интерьер и мебель. Мастера модерна использовали более податливые материалы и создавали более тщательную и продуманную отделку. Они разрабатывали эффектные эскизы предметов внутреннего убранства, таких как письменные столы, подсвечники, светильники и столовые приборы. Однако, не всем нравились столь фантастические и гротескные формы модерна. Некоторые считали их уродливыми и странными.
Один из последователей Морриса, Уолтер Крейн, называл модерн «странной декоративной болезнью». Он не одобрял гротескные образы Бердсли, Мунка и Торопа, а также утрированные формы Гимара и Гауди.
Однако Чарльз Ренни Макинтош был исключением. В его творчестве преобладала изысканно сдержанная японская грань модерна, в отличие от чувственно-декадентских экспериментов других художников.
Макинтош работал вместе с женой Маргарет Макдопальд, ее сестрой Фрэнсис и мужем сестры Гербертом Макнейром. Они создали утонченный, холодный и прямолинейный стиль в архитектуре, декоре и мебели. Их проекты, такие как «Ивовые чайные комнаты», были украшены японскими мотивами и стилизованными растительными узорами.
Особенно ярко этот стиль проявился в здании Школы искусств в Глазго, которое было создано Макинтошем. Вся конструкция здания была монументально сурова и практична, но в то же время в ней присутствовали стилизованные растительные мотивы в декоративном литье.
Стиль Макинтоша и его соратников оказал сильное влияние на работу австрийского живописца Густава Климта, который был одним из самых последовательных живописцев стиля модерн. В своих полотнах Климт использовал абстрактные формы, многоцветье и металлический отблеск, напоминающие полихромную стенную керамику Гауди. Он также использовал технику мозаики, чтобы создать ослепительный эффект в своих фресках для дворца Стокле в Брюсселе.
«Ар деко» зародился накануне Первой мировой войны, когда преобладали тонкие, гибкие формы, присущие модерну, или «ар нуж» (по-франпузски «ArtNouveau» – «новое искусство»).
«Ар деко» с его резкими и порывистыми линиями был, по сути, полной противоположностью модерну. Первые признаки перемен появились в 1909 году, когда в Париже с триумфом выступил Русский балет. Смелые, красочные костюмы и декорации Леона (Льва) Бакста поразили парижан и, подхваченные кутюрье Полем Пуаре, стремительно завоевали симпатии публики. Со временем картины кубистов и архитектура модернистов также оказали влияние на уже ставший популярным дизайн, сделав модной тенденцию к простым и строгим линиям.
К 1910 г. почти все титаны модерна обратились к другим художественным стилям, и на их место пришли посредственные эпигоны. И все же, несмотря па короткий век, этот динамичный стиль оказал непреходящее влияние на искусство, а его архитектурное наследие по сей день радует наш глаз.
2. «Ар деко»
На смену модерн пришел стиль «ар деко». Смелые геометрические формы «ар деко» были последним словом в дизайне на протяжении 1920–30-х годов. Отличавшийся роскошью и изысканностью, стиль «ар деко» повлиял на внешний вид почти всего – от пудрениц до океанских лайнеров.
Название стилю «ар деко» дала прошедшая в 1925 г. в Париже Выставка декоративных искусств, по-французски – « arts de c о ratifs ». Как видно из названия, данное направление относилось не к живописи или скульптуре, а к разработке интерьеров и дизайну мебели, одежды, личных принадлежностей, книг и рекламы. Хотя у этого стиля был явный привкус шика (лишь очень богатые люди могли позволить себе, к примеру, черные лакированные ванны), характерные черты «ар деко», получившего огромную популярность, стали использовать и в товарах широкого потребления. В результате, в 1920–30-х годах стиль проник практически во все сферы повседневной жизни.
Ар деко: стиль эпохи
В 1920-е годы в мире произошли значительные социальные и культурные изменения, которые повлияли на искусство и дизайн. Послевоенное желание красоты и новизны привело к возникновению оригинального стиля — «ар деко». Этот стиль характеризовался смелыми и упорядоченными формами, яркими и чистыми цветами, а также использованием современных материалов, таких как полированный хром и пластик (в то время популярен был бакелит).
Пластик окрашивался в яркие цвета и полировался до блеска, придавая гладким поверхностям особый блеск. Гладкие сияющие поверхности стали одной из основных характеристик стиля «ар деко». Также широко использовались стекло, кафель, эмаль, бронза и кованое железо. В этом стиле выпускались панно, осветительные приборы и личные аксессуары, такие как пудреницы, наручные часы и портсигары.
Упрощенные рисунки с большими одноцветными площадями стали популярными на рекламных щитах, обложках книг, посуде и витражных окнах загородных домов. В то время, когда формы модерна были филигранными, линии стиля «ар деко» были строгими и сдержанными, часто напоминающими геометрические фигуры, особенно в архитектуре.
Геометрия стиля «ар деко» прослеживается во многих зданиях 1920-30-х годов, таких как небоскребы Эмпайр-стейт-билдинг и Крайслер-билдинг в Нью-Йорке, а также штаб-квартира Британской радиовещательной корпорации (Би-Би-Си) в Лондоне. Геометризм также стал характерной чертой моды. Освобожденные от корсетов, женщины стремились изменить свою внешность, стригли волосы до ровной челки и делали бюст как можно более плоским. Шляпы в форме колпака, платья с прямым кроем и короткие юбки создавали визуальный эффект более высокого роста. Даже контуры и смелый цвет помады, наносившейся в форме «лука Купидона», могут рассматриваться как проявление стиля «ар деко».
Строгая символика стиля «ар деко» была особенно эффективна в некоторых видах рисунка. Солнце и его лучи, стилизованные зигзагообразные вспышки молнии и ступенчатые объекты, например, пирамиды, использовались особенно часто. Новым явлением было блочно-геометрическое начертание букв, создающее эффект трехмерности. Часто на фасадах магазинов, фабрик и станций метро буквы выполнялись в рельефе и монтировались отдельно друг от друга.
В начале XX века появилось новое направление в искусстве – современное искусство. Оно развивалось одновременно во всем мире, независимо друг от друга, и при этом имело общие черты – эти направления все были направлены на смену поведения и традиций.
Ар деко
Одним из наиболее бросающихся в глаза направлений, связанных со сменой знакомых традиций, было ар деко. Этот стиль был определен как искусство для искушенных и выразительное выражение времени, в котором жили люди. Вещи в стиле «ар деко» были очень эксклюзивными и редкими, сегодня они являются дорогими экспонатами, находящимися в коллекциях. Однако примеры ар деко дизайна легко можно увидеть в старых фильмах, в том числе их вступительных кадрах, представляющих логотип кинокомпаний.
Ар деко открывал широкие возможности в дизайне интерьеров, прекрасно сочетая современные технологии и старые традиции. Этот стиль давался отличительные атрибуты как геометрические фигуры и насыщенные цвета, которые легко получались из многих материалов, например, из керамики, стекла или металла.
Важным элементом выражения уникальности были плакаты. Плакаты ар деко были идеальным средством воздействия на массы. Многие художники плакатов были одновременно заняты рекламой разных продуктов. Главным приемуществом было та, что плакаты создались очень быстро и широко распространялись. Дизайн транспортных средств, атомобилей, кораблей и самолетов также часто включал элементы ар деко.
Рождение и развитие современного искусства
Современное искусство начало свою жизнь с начала XX века, и стремление к новому стилю и новым образцам было ощущено по всему миру. В этом направлении была своя специфика, и это направление стремилось к тому, чтобы каким-то образом изменить нашу жизнь, мышление и поведение. Многие художники представляли новое направление, которое назначало более активную и выраженную роль в искусстве обычные люди, особенно в области моды, дизайна, фотографии и кино. Эта деятельность достигла своего наивысшего уровня в авангардном течении и абстракционизме.
Основными постулатами современного искусства были желание изменить традиционные идеи красоты и способы ее потребления. Оно было настоящим вызовом для традиционных зрителей и критиков. Свою роль сыграла и смена миропонимания и культурных ценностей в тех условиях и той конкурентной среде, которая существовала в тот момент.
В целом современное искусство попыталось изменить образ жизни и мышление людей. Это направление в искусстве открыло целый ряд новых возможностей и было первым открытием новых путей в искусстве, которые еще предстоит открыть.
Пережитые ужасы Второй мировой войны и их влияние на искусство
Пережитые ужасы Второй мировой войны в корне изменили взгляды людей на жизнь, сокрушив старые убеждения и традиционные общественные устои. Эти перемены затронули многие аспекты жизни, но нигде не проявились так ярко и зримо, как в мире искусства.
Идя в ногу с изменяющимся миром, художники послевоенных лет обрели новый взгляд на реальность. Результатом этих перемен стали весьма спорные произведения, которые многим кажутся совершенно оторванными от искусства и реальной жизни. Но, пристальнее взглянув на послевоенный период и уяснив, что в те годы шло переосмысление самого содержания искусства, мы сумеем понять его современные, пусть даже самые эксцентричные формы.
Абстрактное искусство зародилось еще до начала Первой мировой войны. Уже в работах Марселя Дюшана (1887–1968) и его последователей впервые появились обыденные предметы ширпотреба. Так, в 1917 году Дюшан выставил под именем Р. Матт свое скандальное творение – писсуар, назвав его «Фонтан». Обороняясь от нападок, автор писал: «Своими ли руками г-н Матт создал этот фонтан, или нет – неважно. Он остановил на нем свой выбор. Он взял самый заурядный предмет, установил его так, что его утилитарное значение бесследно растворилось в новом названии и новой точке зрения, и заставил думать о нем по-новому».
Важная роль в послевоенном искусстве принадлежит и сюрреалистам, которые в 1920–30 годах утвердили значение подсознательного и иррационального.
В годы Второй мировой войны фашистские и коммунистические власти объявили вне закона эту отрешенную от реальности форму искусства. Однако, с наступлением мира, препоны рухнули, и абстракционизм расцвел «пышным цветом».
На сей раз он обрел второе дыхание, став символом свободы и авантюрно-героического начала. Абстрактное искусство нередко несло мощный эмоциональный заряд человеческих страданий и бедствий, облекая их в загадочно-притягательные формы. Заново переживая в этих образах минувшие несчастья, зритель черпал в них новые силы и даже эстетическое наслаждение. Этот способ выражения в дерзких отвлеченных формах сокровенных эмоций и ощущений реальности получил название экспрессивного абстракционизма.
Введение
В конце Второй мировой войны Соединенные Штаты Америки стали сверхдержавой и мировым центром искусства. Культурная элита стремилась в Нью-Йорк, который стал новым мировым центром искусства, избегая послевоенной разрухи в Европе. В этот период выдающимся представителем Нью-йоркской школы 1940-х годов был Джексон Поллок (1912–56), который в своем творчестве вдохновлялся искусством индейцев и мексиканских художников-монументалистов.
Поллок стал пионером «спонтанного формотворчества». Он отказался от использования кисти и начал разбрызгивать краску на холст импульсивными движениями рук. Затем, используя различные инструменты — от кельмы и ножа до песка и битого стекла, он создавал рельефную текстуру на холсте. Поллок заявил: «Я хочу не иллюстрировать свои чувства, а выражать их».
Помимо экспрессивного абстракционизма, существовали и фигуративные течения. После войны, которая подвергла сомнению смысл человеческого существования, в искусстве появились новые образы человека, часто вдохновленные фотодокументами того времени. Например, в картине «Склеп» Пабло Пикассо (1945) запечатлены изможденные тела узников концлагерей, находящиеся в вечной муке. Однако наибольшие споры в послевоенной Англии вызывало творчество Фрэнсиса Бэкона (1909-1992), который также обращался к фотографии в поисках мощных эмоций. Его картины часто вызывают тревогу и шок у зрителя своей детализацией расчлененных тел и ран.
Альберто Джакометти (1901–66), швейцарский скульптор и художник, имел свой неповторимый стиль. Он был заинтересован в проблеме соотношения массы и пространства в скульптуре. Поэтому его фигуры людей и животных были такими хрупкими и тонкими, словно они были поглощены окружающей их пустотой.
В 1950-х годах начался быстрый экономический рост. Общество становилось богаче, технологии в кино, телевидении, рекламе и СМИ совершенствовались. Коммерческая и потребительская культура стала на первый план, вызывая спрос на товары ширпотреба. Вне Нью-Йоркской школы появилось движение, которое стремилось к сдержанной точности форм и образов, придавая им вид «машинной работы».
Заключение
В результате, после Второй мировой войны, Нью-Йорк стал мировым центром искусства, привлекая великих художников со всего мира. Нью-йоркская школа 1940-х годов, с Джексоном Поллоком во главе, представляла спонтанное формотворчество и использование новых методов и техник. Вместе с тем, фигуративные течения искусства, такие как работы Пикассо, Бэкона и Джакометти, отражали новые образы человека после войны.
В 1950-х годах, с ростом экономики и развитием коммерческой и потребительской культуры, появилось движение к сдержанной точности форм и образов, которое вышло за пределы Нью-Йоркской школы и придало искусству вид «машинной работы».
2.2. Энвайронмент-арт
На свой лад попыталось вырваться за рамки живописного холста еще одно художественное течение. Его первопроходец Роберт Раушенберг (р. 1925) сумел сломать своими трехмерными ассамбляжами извечные барьеры между живописью и скульптурой. Это течение, охватывавшее зрителя пространственными композициями наподобие реального окружения, получило название «энвайронмент-арт».
Стремясь выразить собственный взгляд на окружающий мир, послевоенные скульпторы обращались к самым обыденным материалам. Так, американец Дэвид Смит (1906–65) сваривал металлические полосы, предоставляя зрителю созерцать пейзаж сквозь просветы в своем творении, а его собратья находили применение всевозможному хламу, вплоть до разбитых автомобилей.
2.3. Хеппенинги
На рубеже 1950–60 гг. желание стереть границы между искусством и жизнью, сделав зрителя соучастником творчества, было доведено до крайних пределов в т. н. хеппенингах («происходящем»).
В одном или нескольких помещениях разворачивалось некое действо, привлекавшее к участию зрителей. В отличие от традиционного театрального спектакля оно не имело связного сюжета, а в его эпицентре находились зрители, непосредственно переживающие неповторимый по своей сути творческий процесс.
2.4. Поп-арт
В условиях дальнейшей коммерциализации искусства и отхода от экспрессионизма в середине 1960-х гг. в Европе и Америке зародилось новое течение, широко использовавшее объекты массовой культуры – поп-арт.
Отрицая экспрессионизм, поп-арт оперирует готовыми изображениями. Например, художник и кинематографист Энди Уорхол (1928–87) создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин» (1962) из многократно повторенных трафаретных отпечатков фотопортрета Мэрилин Монро.
Многие образы пришли в поп-арт из телевидения, мультфильмов и красочных товарных упаковок. Отлично передает стиль поп-арта созданное в технике коллажа творение Ричарда Гамильтона (р. 1922) «Так что же делает современные жилища столь разными и привлекательными?».
Сделав своим главным выразительным средством продукты массовой культуры, поп-арт заставляет зрителя признать ее мощное влияние и по своей природе является едва ли не самой доступной формой современного искусства, так или иначе находящей отклик в душе любого человека.
Введение
В данной статье рассматривается развитие искусства в период поп-арта и минимализма. Поп-арт характеризовался фиксацией готовых изображений, демонстрируя непричастность художников к повседневной реальности. Акриловые краски стали серьезным конкурентом для традиционных масляных красок, обладая рядом преимуществ. В то время художники также экспериментировали с новыми материалами, такими как пластмасса и стекловолокно. Моррис Луис, Барпетт Ньюмен и их единомышленники внесли новый вклад в абстракционизм, используя цвет и плоскость холста в своих работах. Параллельно с поп-артом развивался минимализм, который стремился обнажить основы искусства. Карл Андре создал произведение «Срезы», состоящее из бетонных блоков, которые можно переставлять, изменяя само произведение. В данной статье будут рассмотрены основные аспекты развития поп-арта и минимализма и их влияние на искусство.
Поп-арт и его особенности
Поп-арт отличался от предыдущих художественных направлений тем, что художники фиксировали уже существующие изображения, демонстрируя свою непричастность к повседневной реальности. Например, Уорхол репродуцировал газетные и журнальные фотоснимки тревожных событий, подчеркивая, что потоки трагических новостей лишь притупляют чувства. Он видел смысл творческого процесса в идеях и понятиях, лежащих в основе произведения искусства, а не в способности художника создать его.
Кроме того, акриловые краски стали серьезным конкурентом для традиционных масляных красок. Они обладали рядом преимуществ, таких как возможность иметь любую густоту, отсутствие мазков и быстрая сушка. Это позволяло добиваться единообразия в манере письма и придавать произведению оттенок анонимности.
Также художники активно экспериментировали с новыми материалами. Скульпторы, например, изучали возможности пластмассы и стекловолокна. Все это способствовало развитию искусства и открытию новых возможностей для художников.
Абстракционизм и постживописная абстракция
Моррис Луис, Барпетт Ньюмен и их единомышленники внесли новый вклад в абстракционизм. В их работах главными элементами стали цвет и плоскость холста. Этот стиль, известный как постживописная абстракция, опирался исключительно на зрительное восприятие простых форм в состоянии контраста или гармонии, утверждая право произведения существовать только в силу его «бытия».
Минимализм и его особенности
Минимализм развивался параллельно с поп-артом и стремился обнажить основы искусства, которые были размыты в концептуальных аспектах поп-арта. Художники этого направления использовали простые формы и материалы для создания своих произведений.
Карл Андре, например, создал произведение «Срезы», состоящее из одинаковых бетонных блоков, которые можно переставлять. Грубая материальность блоков обеспечивала само существование произведения и возлагала ответственность на его владельца. Художник не обязательно должен был приложить руку к произведению, так как зрителю выдавались инструкции по расстановке блоков.
Заключение
В результате, поп-арт и минимализм внесли значительный вклад в развитие искусства. Поп-арт фиксировал готовые изображения, демонстрируя непричастность художников к повседневной реальности, а минимализм стремился обнажить основы искусства, используя простые формы и материалы. Оба направления открыли новые возможности для художников и повлияли на дальнейшее развитие искусства.
Концептуализм возник в конце 1960-х годов в результате ощущения в творческих кругах, что количество созданных произведений искусства стало слишком велико, и пришло время для разумного искусства. Это направление искусства утверждает, что важно не само изображаемое, а то, что оно означает, и наша реакция на него определяется не чувственным восприятием, а работой мысли.
Некоторым художникам эта идея подсказала экстравагантные идеи. Например, американский скульптор Клас Олденберг вырыл несколько ям в нью-йоркском Сентрал-парке и затем их закопал. Христо Явачев прославился, упаковывая в пластик огромные участки земли на австралийском побережье и известные памятники архитектуры.
Лепд-арт и перформанс также стали отходом от идеи произведения искусства как постоянного объекта. Художник Роберт Смитсон выбрал природную среду в качестве объекта своего творчества.
Перформанс — это своеобразное представление художника перед зрителями, которое изначально можно запечатлеть только на видеопленке. Например, в своем перформансе «Койот» Джозеф Бойс провел целую неделю на отгороженном участке художественной галереи в обществе живого койота, исследуя глубины взаимного общения, которых в обычной жизни достичь невозможно.
Однако к середине 1970-х годов произошел возврат к традиционным ценностям в искусстве. Личные переживания и интересные образы стали поводом для создания произведений. Например, художник Люсьен Фрейд отказался от акриловых красок в пользу масляных, чтобы они покрывали его огромные полотна. Содержание произведений вновь обрело эмоциональный заряд, проявляясь в буйстве страстей, например, в сцене распятия Христа кисти Райнера Феттинга. Это направление было названо новым экспрессионизмом.
Современное искусство охватывает период с начала 60-х годов до настоящего времени и развивается наиболее динамично и неоднозначно.
Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной. Многие галереи современного искусства предлагают художникам помесячные выплаты вне зависимости от проданных работ, для поддержки художника. Что касается фондов, наград, грантов, то такая форма поддержки современного искусства практически отсутствует в России.
Художники послевоенных лет каждый на свой лад старались заявить о своем существовании и окружающем мире. Успех или провал на этом поприще во многом зависит от зрителя, ибо произведение зачастую вызывает совершенно иные эмоции, нежели те, что были вложены в него автором. Не одна попытка приблизить произведения искусства к зрителю потерпела крах, ибо их просто не посчитали таковыми. Впрочем, не исключено, что именно так их творцы достигли цели, дав повод к жарким дискуссиям и спорам.
Список использованной литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/hudojestvennyie-stili-v-sovremennoy-kulture/
- Андреева Е.Ю. Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ – начала XXI века. СПб.: Азбука-классика, 2007. – 488 с.
- Бхаскаран Л. Дизайн и время. Стили и направления в современном искусстве и архитектуре. – М.: Арт-Родник, 2007. – 256 с.
- Герман М. Модернизм. Искусство первой половины ХХ века. – М.: Азбука-классика, 2008. – 480 с.
- Малинина Т. Формула стиля. Ар Деко: истоки, региональные варианты, особенности эволюции. – М.: Пинакотека, 2005. – 304 с.
- Сюзанна А. Стерноу. Арт Нуво. Дух прекрасной эпохи. – М.: Белфакс, 1997. – 128 с.
