При изучении искусства модернизма стилевые ориентиры дают возможность исследователю справиться с потоком многообразных впечатлений и, с учетом поливариантности, подвижности происходящих в искусстве событий, построить «действующую» модель, которая способна дать представление о фактическом протекании художественного процесса, существующем в нем порядке, об интеграционных механизмах и факторах их действия.
Методологические приемы и обновленные критерии стиля вырабатывались на протяжении более чем тридцатилетнего изучения феномена Ар Деко, соотнесения его с интернациональным стилем и другими важными культурно-художественными явлениями века. Долгое время в непредсказуемо меняющейся, подверженной резким колебаниям стихии искусства модернизма оставалась незамеченной устойчивая тенденция к размыванию границ, смешению и слиянию самых разных художественных движений: Ар Нуво, модернистских течений, авангарда, функционализма (рационализма во Франции, конструктивизма в СССР), неоклассики, благодаря чему художественный процесс становился похожим на огромную плавильную мастерскую. Изучение истоков, природы и эволюции Ар Деко коренным образом изменило взгляд историков на это явление. Сочетание противоречивых свойств, всеобщность, «всеядность», драматические коллизии становления и движения Ар Деко позволяют увидеть в нем яркие проявления живого и сложного художественного процесса.
В период господства загадочного и неповторимого стиля Ар Деко дизайн ювелирных украшений полностью меняется форму диктуют чистые геометрические линии. Разноцветные квадраты, круги, прямоугольники и треугольники причудливо переплетаются между собой, образуя сложные линейные конфигурации. Именно ювелиры Ар Деко превращали хрупких девушек в спортивных атлеток, оленей в племенных борзых, плавные волнистые линии в зигзаги молний. В эпоху Ар Деко золото и серебро утрачивают статус «королей ювелирного дела», их заменяют искусственные материалы, такие, как хрофм, эмаль, пластик, галалит. Отдельным модным металлом стоит платина сероватая, почти не блестящая, она замечательно оттеняет блеск бриллиантов, сверкание рубинов, тепло янтаря. Именно в этом комбинировании ошеломляющей роскоши и изящной простоты состояла особая прелесть и уникальность украшений Ар Деко.
Проблемами взаимодействия развития стиля Ар Деко и ювелирного искусства в узкой направленности занималось не так много исследователей. Но обширные труды по изучению стиля дали возможность соотнести эти два направления культуры и искусства. Интерес к данной теме не угасает, так в Российской академии художеств (Отделение искусствознания и художественной критики), Институте теории и истории изобразительных искусств в 2005 г. (17-18 марта) прошла конференция «Проблемы изучения искусства эпохи модернизма: Стиль Ар Деко 1910-1940-е годы».
Особенности художественного восприятия произведений изобразительного ...
... изобразительное искусство и художественное восприятие. 2. Выделить особенности курса МХК. * Волков Н.Н. Художественное восприятие. М., 1997, с 283. Глава 1. Художественное восприятие Понятие “ эстетическое восприятие”*, ... чувств, в виде целостных чувственных образов”.* В понятии восприятия фиксируется непосредственное воздействие на органы чувств, формирование целостных образов, их прочная ...
При разработке и исследовании темы использовались труды таких авторов как Т.Г. Малинина, А.В. Петухова, Е. Истоминой, Б. Хилльера, Е. Ананьева и других, а также ресурсы Интернет.
Объект исследования: стиль Ар Деко и ювелирные украшения.
Предмет исследования: особенности видоизменений украшений и характеристика стиля Ар Деко в их культурно и исторически обусловленном взаимодействии.
Цель исследования: Влияние стиля Ар Деко на ювелирные украшения 20-30 гг. XX века.
Задачи исследования:
- изучить научные источники по данной теме;
- проследить развитие ювелирного искусства в историческом контексте;
- рассмотреть истоки и развитие стиля Ар Деко;
- соотнести ювелирное искусство и стиль деко в изучаемом периоде 20-30-е гг.
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/kursovaya/etnicheskiy-stil-v-yuvelirnom-iskusstve/
20 в.
Глава 1. Исторический обзор возникновения и развития стиля Ар Деко
1 Природа и истоки стиля Ар Деко
Стиль не был популярной категорией в XX в. Хотя модернизм именовался интернациональным стилем, определение это носило условный характер и призвано было подчеркнуть общемировую формулу нового движения. Художники-теоретики и исследователи современного искусства оперировали в основном понятиями «метод», «направление», «течение». Само же понятие «стиль» применительно к творчеству эпохи новаций, свободы художественного высказывания, «многообразия действительности в искусстве» представлялось приверженцам новшеств безнадежно устаревшим. Те, кто придерживался умеренно-консервативных взглядов, также считали безосновательным применение стилевых критериев к искусству, раздробленному многочисленными объединениями и направлениями.
Долгое время оставалась незамеченной устойчивая тенденция к размыванию границ, смешению и слиянию разных художественных движений: Ар Нуво, модернистских течений, авангарда, неоклассики. Результаты этих как бы случайных, «незаконных» связей и взаимодействий заявляли о себе в искусстве как некая стилевая общность.
Внимание к стилевым явлениям в культуре нашего столетия возобновилось одновременно с утверждением постмодернистской эстетики, примерно с середины 1960-х гг. Когда в пестром калейдоскопе художественных идей стали вырисовываться черты постмодернизма, началась новая переоценка прошлого опыта. Ослабел интерес к функционалистским теориям, на первый план выдвинулись собственно художественные проблемы творчества.
Вместе со сменой исторических ориентиров высветились некоторые обойденные вниманием явления культуры и искусства, в их числе стиль Ар Де-ко. Особенности эволюции и невероятные метаморфозы этого стиля заставили историков не раз пересматривать свое отношение к нему. Пожалуй, ни одно художественное явление нашего столетия не вызывало столь разноречивых толкований, не претерпевало таких изменений в оценках.
На протяжении длительного периода, в пору господства функционализма преобладала точка зрения на Ар Деко как на кратковременное явление переходного характера, дитя компромисса между новым и старым, относящееся к Ар Нуво примерно так же, как рококо к барокко, и выразившееся преимущественно в декоративном искусстве. Считалось, что Ар Деко практически окончил существование на Парижской выставке 1925 г., едва было замечено его появление.
Художественные стили в интерьере
... достоинству оценивать красоту интерьеров. Объект исследования – интерьеры. Предмет исследования – стили в интерьере. Целью моего реферата, является выявление стилевых особенностей в интерьерах. Для достижения цели требуется решение следующих задач: ознакомиться с понятиями стиль и интерьер; какие существуют стили; рассмотреть влияние ...
Благодаря зарубежным исследованиям конца 1960 — середины 1970-х гг,, параметры Ар Деко стали определяться не столько ситуацией выставки 1925 г., сколько сходством и общностью тенденций, различимых в исторической перспективе. Географические границы стиля раздвинулись, охватив аналогичные явления почти во всех странах Европы и в Америке. Обозначились две стилевые фазы Ар Деко: французский (европейский) вариант и регионально трансформированная его модель — американский Модернистик.
Изменился взгляд не только на географические и временные границы стиля, но стали предприниматься попытки рассматривать Ар Деко в ряду других художественных явлений XX в. Особую роль в этом сыграла развернутая в 1966 г, в Парижском музее декоративных искусств экспозиция, посвященная Международной выставке декоративных искусств и художественной промышленности 1925 г. Здесь впервые были равноправно представлены разные художественные течения 1920-х гг., о чем свидетельствовал подзаголовок каталога «Ар Деко-Баухауз-Стиль-Эспри-Нуво». Французский раздел, естественно, давал наиболее полную и впечатляющую картину стиля Ар Деко, который с этого момента сделали объектом пристального внимания.
В системе Ар Деко стали вычленяться многочисленные разрозненные тенденции, развивавшие идеи, фейерверком выброшенные при угасании Ар Нуво. На протяжении 1970-х гг. выявлялись истоки Ар Деко, уточнялись хронологические и региональные границы, делались попытки проследить пути «миграции», проанализировать формы проявления и эволюцию отдельных региональных ветвей стиля, при этом погружение в местную специфику нередко мешало видеть общую картину развития искусства.
В 1968 г. в Лондоне вышла книга Б.Хиллера «Ар Деко 20 — 30-х гг.», где автор обозначил этапы эволюции стиля и его хронологические рамки в пределах Европы. Хиллер выделил этапные разновидности французского Ар Деко: «стиль Пюифорка», «стиль около 1925 г», «Париж после Экспо-25». Временные границы он определил с 1918 по 1933 гг. (год установления нацистского режима в Герма-нии).
В 1973 г. Т.Уолтерс издал в Лондоне альбом «Ар Деко», в котором были представлены образцы интерьеров, инженерных сооружений и дизайна, обозначающие близкую к функционалистской линию так называемого пакетботного стиля и американского стиля Модернистик.
Монографические исследования региональных ветвей Ар Деко, появившиеся в 1970-1980-е гг., не только способствовали выявлению специфики его вариантов, но и давали новые импульсы для обобщающих выводов. В систему Ар Деко полностью включался так называемый «стиль 1930-х гг.». Все, что обладало стилевыми признаками Ар Деко, характеризовалось теперь не как инерционная, рудиментарная линия («нуворишный наследник Ар Деко», «мир легковесного избытка в эпоху бума художественных идей»), а как другая, боковая ветвь мирового художественного процесса. Становится совершенно очевидным, что Ар Деко является постоянным спутником модернистского движения, существует в его же временном отрезке, в той же культурной «плазме», хотя зарождается несколько ранее, переживает расцвет интернационального стиля и пору всеобщего охлаждения к нему, а затем как бы возрождается в новой концепции постмодернизма. «Мы получим более эффективную модель художественного творчества 1920-1930-х гг., если предположим, что наряду с эзотерическим Интернациональным стилем существовал наиболее популярный стиль, называвшийся по-разному: «Ар Деко», «модернистик», «джаз-модерн», «зигзаг-мо-дерн», «стиль 1925 года», «стиль 1930-х годов», «потокообразный модерн» и т.д., — отмечала Р.Блеттер. Таким образом, Ар Деко как художественное явление с годами приобретает все большее значение в глазах историков искусства.
Музыка как стиль искусства
... и ладов. Ярким примером этого типа музыки служит музыка в Древней Греции («мусическое искусство» – синкретическое явление, объединявшее поэзию, музыку и танец), исламская музыка (средневековая музыка арабов и персов). На этой ... записанного нотным языком. Тут начинают обращать внимание на наличие у музыкантов собственного стиля, манеры игры и в целом представления о том, как должна звучать та ...
Цитируемый автор не задается вопросом о современном содержании категории «стиль», так же как и многие другие пишущие об Ар Деко и пользующиеся этим термином. Между тем ответ на этот вопрос является ключом к пониманию данного явления и его роли в художественных процессах нашего столетия.
Уже с середины 1970-х гг. ощущается необходимость широких общих исследований Ар Деко хотя бы по отдельным видам искусства. «Несмотря на шквал публикаций об Ар Деко, практически нет общей книги об архитектуре этого периода, — писала Р.Блеттер. — Имеющиеся уже образцы просто провинциальны и подчас ошибочны. Читатель не получает представления о том, как, например, Ле Корбюзье, Гропиус или Мис ван дер Роэ относились к Ар Деко…». Такая переоценка произошла в значительной мере под влиянием нового взгляда на природу современного творчества и других идей постмодернизма, сторонники которого признавали в Ар Деко своего предшественника.
Представители постмодернистского направления, вполне осознавшие необходимость компромисса между искусством профессионалов, знатоков, с одной стороны, и искусством для массового потребителя — с другой, создали художественную систему, в которой «закодированы» (пожалуй, впервые в истории искусства так сознательно и программно) разные смысловые ряды как для посвященных, так и для непосвященных. Адресная мотивация постмодернистского искусства и принципы структурирования формы, безусловно, имели аналоги в Ар Деко. Защищая позиции Ар Деко, современные критики тем самым отстаивали принципы постмодернизма. «Качество, декларируемое Веркбундом, всегда ценно, но что такое «хороший вкус», что такое «китч»? — задается вопросом известный критик Станислав Мооз. — Искусство особо чувствительно, болезненно относится к тривиальному… Можно сокрушаться по этому поводу, заявлять о невозможности творить. Но современный «мир потребления» заставляет удовлетворять потребности, которые последовательный авангард в своем стремлении к эстетической чистоте решительно игнорировал.
Знаменательной для Ар Деко датой стало 8 ноября 1972 г., когда мебель и другие предметы из коллекции Жака Дусе получили неожиданно высокие цены при продаже, и этот аукционный триумф способствовал привлечению всеобщего внимания к целой эпохе французского искусства и его забытым мастерам. 1970-е гг. можно считать началом моды на Ар Деко.
После проведения во Франции ряда крупных международных выставок на протяжении 1980-х гг. (в их числе «Париж-Москва», «Москва-Париж»), а также выставки 1996 г., организованной Германией и Россией («Берлин-Москва», «Москва-Берлин»), становилось все более очевидным, что роль Ар Деко, объединившего усилия в поисках интегрированности формы, весьма значительна в масштабах художественного процесса всей первой половины XX в. При таких широких сопоставлениях неожиданно высветился еще один момент: искусство, находившееся в тисках тоталитарных режимов, при всей своей специфике обладало теми же стилевыми чертами. Осознается необходимость более пристального изучения, прежде всего, тех сторон творчества, которые продолжали связывать его с общемировыми культурными проблемами и общечеловеческими ценностями, а также определялись внутренними закономерностями развития самого искусства.
Современное искусство
... в возможностях технических средств для художественных практик. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству 21 века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х полагают, что «современное искусство» ... декора и отголоски мавританского стиля, то в позднейших работах конструктивные и декоративные элементы сплетаются в извивистые, текучие растительные формы, и кажется, будто ...
Как в мировой, так и в отечественной науке долгое время даже не предпринимались попытки соотнести со стилем Ар Деко сходные тенденции в русском искусстве советского периода. Первыми начали разрушать стену, тщательно до того укреплявшуюся с обеих сторон, М.Тафури и Ф.Даль (1979 г.), поставившие в ряд произведений Ар Деко архитектуру высотных зданий СССР конца 1940-х — начала 1950-х гг., и показавшие, что следы этого стиля обнаруживаются вплоть до середины 1950-х гг.
Отечественные критики, озадаченные неожиданным всплеском ретро-стиля. проявили интерес к Ар Деко в 1970-е гг. Историки же обратились к Ар Деко, когда начали рассматривать явления собственного искусства в общемировом контексте. Сперва об Ар Деко упоминали осторожно, обнаруживая не очень четкое знание предмета. Специалисты в области дизайна считали, что эта стилевая тенденция принадлежит межвоенному периоду и имела место с конца 1910-х до начала 1930-х гг. Исследователи же монументально-декоративного искусства и архитектуры фиксировали сходные моменты в практике 1930-х и проектах 1940-х гг.
В настоящее время исследователи пришли к выводам о том, что искусство и архитектура 1930-х гг., как это ни парадоксально, продолжают не столько традиции неоклассики 1910-х гг., сколько пытаются реализовать «модернистский проект» классическими средствами. А.В.Иконников в книге «Архитектура и история» (1993) демонстрирует широкий спектр региональных вариаций стиля, встраивает в общую картину произведения отечественных мастеров, еще раз подтверждая тот факт, что художественные процессы, вопреки политической изоляции, носят общемировой характер. Возникающие вслед за этим новые вопросы: каков механизм этих процессов? на основе чего складываются общие черты в мировом искусстве? вплотную подводят нас к поиску ответа на вопрос, какова роль стилевого компонента в искусстве нашего столетия.
Обращаясь практически впервые к истории и проблематике стиля Ар Деко в отечественном искусствоведении, мы считаем необходимым в двух первых разделах этой главы охарактеризовать основные региональные варианты стиля: французский образец европейского Ар Деко и американский Модернистик, а третий раздел посвятить отечественному аналогу этого стиля, исследовать предпосылки, механизм стилеобразования, характерные признаки, особенности его эволюции.
Итак, Ар Деко — это художественное направление, возникшее после окончания первой мировой войны и занявшее промежуточное положение между традиционалистскими и авангардными течениями.
Популярные философские доктрины рубежа веков, новейшие научные открытия, вторая техническая революция, повлиявшие на формирование теории авангарда, по-своему толковались и в не столь радикально настроенной художественной среде. Творцы Ар Деко были также зависимы от интеллектуального контекста эпохи, ее культурной, социальной и творческой проблематики, разделяя всеобщее стремление к современности и новизне. Однако их творческая деятельность не сформировала единой концепции, так как объединяла художников по принципу неприятия всякого рода крайностей: диктата теоретических систем, ограничений метода, приоритета техники над искусством, рационального над интуитивным, коллективного над индивидуальным, новаторского над традиционным. Стиль был не целью, а средством выработки всеобщих принципов адаптации и интеграции.
Реалистический стиль в музыкальный произведениях оперном искусстве
... Наиболее ярко идеи критического реализма воплотились в искусстве Франции первой половины 19 века, в творчестве Г.Курбе и Ж.Ф.Милле Сборщицы колосьев 1857. Реализм в музыке Творческое содружество русских композиторов, ... 100 Римский-Корсаков. Любовь к русской песне отразилась и на стиле произведений самих композиторов, отличающихся ясным национальным колоритом. Живо интересовались кучкисты и ...
Ни одно художественное направление не объединяло столь несхожих по своей творческой ориентации мастеров. Художники и архитекторы, чьи имена так или иначе связаны с Ар Деко и чье творчество отмечено чертами этого стиля или питалось его идеями, могли тяготеть к различным течениям: авангарду, функционализму, классике, представляя разные аспекты движения.
На сложение стиля влияли крупнейшие мастера XX в., творческие поиски которых представляли собой целые интеграционные лаборатории.
Ар Деко приобрел репутацию стиля двусмысленного, неопределенного, оставившего свой противоречивый след в формировании новых идей и в искусстве, потому что необычное амплуа этого стиля эпохи модернизма только начинало определяться.
Своим происхождением Ар Деко обязан декоративным искусствам, но и позднее, когда он завоевал другие виды искусства и утвердился в архитектуре, за ним сохранилось то же название, несмотря на его очевидную неадекватность. Появление новых стилевых черт было замечено на Международной выставке декоративных искусств и художественной промышленности 1925 г. в Париже, от сокращенного названия которой и получил свое название. Само же вызревание стиля происходило задолго до этого события и связано прежде всего с творчеством художников-декораторов, отстаивавших свои позиции в общем движении за объединение искусства и промышленного производства.
После Всемирной выставки 1900 г. (Париж) в европейском декоративном искусстве обозначились сходные устойчивые тенденции: модернизация форм под влиянием новейших течений в искусстве, отказ от изобильного декора, интерпретация фольклорных и экзотических мотивов в рамках строгой упрощенной формы, активное внедрение новых технологий, особый интерес к выявлению эстетических свойств природных и новых материалов.
Французские керамисты создавали простые выразительные изделия из каменной массы, фаянса, фарфора. Крепкие формы сосудов из каменной массы с глазурью ярких сочных цветов принесли заслуженную известность О.Делаэршу, А.Дальпейра, Э.Леноблю. Э.Лашеналь изобрел так называемую бархатистую глазурь, применяя обработку поверхности кислотами.
По моделям Э.Декёра, Р.Лалика на заводах Руана и Авилона изготовлялись изделия из фаянса и фарфора; фирмы Анрио и Кералюка в Кемпере работали по эскизам Мэйё и Киливика. Теперь покупатели, которым недоступны были уникальные произведения искусства, могли приобрести выполненные на хорошем художественном уровне по эскизам больших мастеров современные серийные изделия.
В других странах происходили аналогичные сдвиги. Манчестерская фирма Пилкингтон, в течение долгого времени производившая изделия с люстровым декором, перешла на выпуск сосудов в серой гамме с черным рисунком работы Роджерса. Главную роль в обновлении английского искусства керамики сыграли Б. Лич и М. Кардью. Предприятия керамической промышленности, в частности, фирма Веджвуд, не довольствуясь своей традиционной продукцией, стала приглашать талантливых художников современного направления. Создавая по их эскизам сервизы более строгих форм со скупым декором или вовсе без него, фирма Веджвуд способствовала внедрению и распространению современного вкуса. Новшеством в области технологии явился переход с древесного топлива на газ и электричество, что заметно облегчило процесс обжига.
Искусство витража. История и технология
... пузырьков и неровных краев. Подобные несовершенства придают ранним средневековым витражам особую прелесть, главным образом благодаря характерной лучистости и ... и многое другое. Целью курсовой работы является изучение искусства витража, истории и технологии изготовления витражных панно для интерьера. ... В течение одного поколения или около того романский стиль вышел за рамки жесткой формализации и начал ...
Упомянутые тенденции обнаруживаются и в искусстве художественного стекла. Во Франции на смену замечательному мастеру Ар Нуво Э.Галле пришел Рене Лалик, который в 1909 г. оставил ювелирное дело и занялся художественным стеклом. Формы его изделий строже и лаконичней, чем у Галле. Помимо уникальных образцов Лалик производил модели для серийного производства. Сама технология отливки подсказала художнику рельефный декор, в котором углубленные части орнамента эффектно просвечивали. Плотный, слитый с формой декор видоизменял фактуру поверхности предмета. По эскизам Лалика изготовлялись столовая посуда, флаконы для духов, лампы, большие монументальные люстры, в которых автор стремился привести формы Ар Нуво к классической строгости.
Творчество М. Марино, младшего современника Лалика, питалось из других источников: его работы отличают архаическая мощь и первозданность формы, рукотворная примитивная орнаментика. В вещах, где автор применял гравировку травлением, угадываются позднейшие абстрактные тенденции. Поворот к равновесию, простоте ощущается и в изделиях из металла. Преобладание четких геометрических форм и отсутствие орнамента заметны в серебряных изделиях Северной Европы (финский художник Эрстрём после 1907 г.), Англии (Дж.Рас-сел), Франции (Ж.Пюифорка, Г.Сандоз), в Дании (Г.Йенсен, А.Михельсен).
Показательна в этом смысле эволюция французских ювелиров «Картье» Тамплие, Фуке. которые создавали колье, браслеты, броши с явным преобладанием геометрических форм и использованием рельефного декора.
Стиль Ар Деко в мебели отмечен усилением интереса к форме и объему. Более того — украшения почти полностью исчезают. Это направление во Франции представляли П.Фолло, М.Дюфрен, Л.Жалло, Ф.Журден, Л.Сю, А.Мар и самый крупный из них — Э.Ж.Рупьман. Произведения этого мастера из ценных пород древесины, изредка скупо инкрустированные слоновой костью, серебром или перламутром, отличались чистотой, стройностью и изяществом форм. «Уникальный предмет роскоши становится образцом для массовой продукции», — декларировал Рульман.
В оформлении книг, изделиях из кожи, художественном текстиле также обозначились черты нового направления, которое лидировало на парижской выставке 1925 г.
Мысль о том, чтобы организовать новую (после Всемирной выставки 1900 г. в Париже) международную выставку современного декоративного искусства, родилась в Обществе художников-декораторов, объединившем представителей этого цеха в 1901 г. Пытаясь противостоять постоянной дискриминации так называемых «малых искусств», продолжавшейся и после Рёскина, художники решили проводить собственные выставки и представлять на них произведения разных видов искусства. В Общество художников-декораторов вошли известные мастера Э.Грассе, Г.Гимар, Э.Гайяр и молодые художники, будущие создатели Ар Деко — Э.Декёр, Ф.Журден, П.Фолло, П.Шаро.
Характерные черты стиля ар-нуво
... искусства. Модерн оказал влияние на развитие ряда направленном искусстве и дизайне, таких как экспрессионизм, ар деко, органическая архитектура и др. Одновременно, этот стиль, как ни один из других стилей, ... строгие силуэты (геометрическое направление). Принято считать, что Ар-нуво это название флореального направления модерна. 1. Ар-нуво - основные сведенья Ар-нуво возник в Европе в 1880-х годах. ...
Поскольку Общество изящных искусств не допускало на свои выставки произведения прикладного искусства, художники, возглавляемые архитектором Францем Журденом, при содействии поэта, критика и помощника директора «Пти Пале» И.Ромбосона организовали в 1903 г. свой Осенний Салон. Современные произведения демонстрировались здесь по разделам: живопись, графика, акварель, пастель, миниатюра, скульптура, архитектура и декоративные искусства. Салон открыл двери ретроспективам Гогена, Сезанна, Пюви де Шаванна, Одиллона Редона, Ренуара, Тулуз-Лотрека, Мане, Энгра, Утамаро, Курбе, Коро, Родена, Сеймура Адена. С 1904 г. в его экспозициях появился раздел фотографии, с 1905 — музыки, искусства оформления книги и афиши. Составители выставочных каталогов Осеннего Салона отказались от классификации экспонатов по видам искусства и перечисляли участников в алфавитном порядке, желая подчеркнуть тем самым их равноправие.
«Исключительное представление живописи, скульптуры, графики и архитектуры не может в настоящее время дать истинную и полную картину эстетики эпохи, — утверждал Франц Журден. — Оно фрагментарно и не передает всеобщности, интеллектуальной активности цивилизации. Признать верховенство одного искусства над другим — значит совершить опасную ошибку».
Возникшая с начала технических революций проблема синтеза искусства и инженерии решалась на определенных этапах в разных стилевых формах. Видимо, ощущение того, что наступил следующий, переломный момент, когда именно декоративное искусство должно предложить новый вариант этих связей, заставляло его мастеров упорно отстаивать свои позиции. Не случайно идея сопоставления всех разновидностей нового стиля на международной выставке возникла именно в Обществе художников-декораторов.
В 1911 г. председатель Общества Рене Гиере заявил о необходимости возрождения художественной индустрии во Франции и организации в 1915 г, международной выставки, привлекающей внимание к сотрудничеству художника, промышленника и ремесленника. Основным направлением их деятельности должно было стать создание предметов декоративного искусства, которые удовлетворяли бы как самым скромным потребностям, так и капризам роскоши, способствовали достижению «на всех уровнях, во всех формах социальной жизни как можно большего комфорта, как можно большей красоты». Мировая война и ряд других причин не позволили тогда организовать выставку, она открылась лишь в 1925 г., спустя четверть века после всемирной выставки 1900 г. От первоначального замысла сохранилось одно важное требование: сделать экспозицию открытой для тех, чьи произведения обладали высокими художественными достоинствами и остротой новизны. Эти условия подтверждались и в программе, и в уставе выставки.
Художники академического крыла, возглавлявшие ее подготовку, исходя из собственных представлений о современном и новом, активно противодействовали не только Ле Корбюзье, но и тем, кого впоследствии назовут мастерами Ар Деко. По политическим причинам немецкие художники не были приглашены для участия в выставке. Американцы отказались сами. Это не способствовало выявлению всего разнообразия наметившихся тенденций. Выставку же 1925 г. лишь с некоторой натяжкой можно считать международной. В большей мере она отражала художественную ситуацию во Франции, которая считается родиной Ар Деко.
История ювелирного искусства
... по составу, структуре и свойствам природным, либо имеют с ними внешнее сходство. В ювелирном деле широко используются синтетические рубин, сапфир, изумруд, аметист, цитрин, зеленый, голубой, синий ... используются полупрозрачные или красиво окрашенные разновидности рудных и других минералов. Ювелирные драгоценные камни помещают в дорогостоящие оправы из золота и платины, поделочные камни I порядка ...
Духовная атмосфера послевоенного Парижа отличалась особым подъемом, а искусство — необыкновенным разнообразием. Окончание войны, расцвет экономики, развитие средств транспорта и связи, сблизивших Европу и Америку, сопровождались расцветом городской культуры, оживлением парижской богемной жизни. Беззаботность, элегантность, эмоциональный всплеск характеризуют время, названное «безумными годами», и отражают «взвихренный» образ жизни, состояние эйфории, стремление к роскоши, праздности. Все это сопровождается синкопическими ритмами джазовой музыки, пронизано ощущением скорости. Ле Корбюзье обещает всем «раскрыть глаза, которые не видят, на индустриальную современность».
Радикальные взгляды футуристов вызывали у публики страх и раздражение, несмотря на лозунги социального равенства и обещания всеобщего счастья. Их манифесты, пронизанные духом экстремизма, находили продолжение в агрессивных способах самоутверждения авангарда.
Тройным отрицанием («Нет! нет! нет!») выразили свое отношение к действительности и уверенность, что следовать прежней модели культуры не имеет смысла, дадаисты — представители еще одного бунтарского направления (1918).
Негативизм дада раскрепостил нравы. Семь миллионов женщин посещением парикмахерской подтвердили свое одобрение направлению моды. Мальчикообразный облик женщины разрушал старый порядок вещей. Женщина-»гарсон» стала носить мужской костюм, галстук, туфли без каблука, экстравагантную спортивную одежду а ля авиатор, шофер и т.п. Она могла курить, публично напиваться, употреблять наркотики, предаваться свободной и даже однополой любви, до изнеможения танцевать под джаз в ночных заведениях.
Представление о современности воплощалось в образе «человека техничного» — не столько инженера, сколько шофера, авиатора, мотоциклиста. Складывается идеал человека спортивного типа, чья мускульно-моторная сила требует ориентации и маневра в пространстве. Формирующийся стиль в искусстве и дает ощущение глубинности, пространственности, динамики.
В то время как Париж ратовал за «возвращение к порядку», в Восточной Европе, Германии и России расцветала художественная абстракция. Во Франции мастера функционализма были мало известны, их идеи с трудом воспринимались. В «безумные годы», жаждавшие новаций, «в Париже сделан выбор в пользу робости, вкусу не хватает смелости, — сетует критик. — Здесь предпочитают традиционализм, который безопасен для фабрикантов стилей и архитекторов. Они выглядели конформистами по отношению к новаторству мюнхенцев до 1914 г. и Баухауза после 1920 г., отказываясь адаптировать искусство и декорацию жизни к новым условиям машинизма и техники…».
Серийное производство долгое время рассматривалось как отрицательное явление. Даже уважающие традицию умеренные новаторы Ф.Журден, П.Шаро, Р.Эрбст, Э.Принтц сталкиваются с непониманием и враждебностью публики.
Тем не менее «дух современности» остается главным устремлением эпохи. Общей заботой стало, как выражались французы, «найти искусство жизни». выработать новый стиль поведения в век техники и индустрии. По отношению к новизне проявились и конкурировали две тенденции. Одна выражала желание забыть ужасы войны, вернуться к доброму старому времени, создать богатую и эффектную «декорацию жизни». Приверженцы другой, находясь под влиянием второй промышленной революции, сделали выбор в пользу решительных новаторских преобразований. Обе тенденции соперничали, но многое их и связывало. В частности, у них были общие истоки в кубизме, фовизме, футуризме. Даже исторические и культурные ориентиры во многом совпадали, но понимание природы художественного творчества, путей развития искусства и его целей существенно различались.
До 1925 г. новаторские тенденции, как известно, не пользовались во Франции популярностью. По этой причине выставка, которой пророчили роль «символа эпохи», не принесла ожидаемых результатов, Тем не менее, во «впечатляющей картине противоречивых тенденций» (выражение И.Брюнхаммер) обозначилась некая общность черт, которую тотчас заметили и возвели в ранг стиля. Одним из первых достаточно точную характеристику этому явлению дал Анри Биду в статье «Рождение нового стиля», опубликованной в журнале «Вог» 1 июня 1925г.
Автор отмечал преобладание прямой линии и геометрических объемов, подчиненность всего ансамбля архитектурным задачам, наличие тонкого строгого орнамента, характерные орнаментальные мотивы (стилизованная роза — знаменитая «роза Ириба», жезл, лавровый лист, жгут), проникновение восточных элементов в современное искусство. «Наше столетие отличает движение вкуса к простым формам, — писал Биду. — Тот дух, который побуждает женщин одеваться в прямое платье-чехол и покрывать коротко остриженные волосы шляпкой колоколом без всяких украшений, вдохновляет и архитекторов. Наше время осознало тщету финтифлюшек, и в глазах будущего мы останемся образцом строгости… Во всем этом искусстве есть нечто суровое, концентрированное и даже, можно сказать, нечто замкнутое и отталкивающее, правда, случается, что природа восстает и внезапно начинает диктовать архитектору формы, которые не хотят умирать… Конечно, возрождение архитектуры стало возможно благодаря кубизму с его несколько брутальными упрощениями. И когда архитекторы обрели свой язык, декораторы написали для них музыку, но мелодия строго подчинена словам и дает возможность услышать их более отчетливо. Сам этот новый стиль не всегда «чист»; к нему примешиваются пережитки полувековых поисков, и лишь по видимости все эти конструкции современны. Очевидно влияние искусства Востока, его фантазия контрастирует с жесткими, почти армейскими формами павильонов…»
Критик Гийом Жанно, выступая в «Ар Декорасьон» с обзором выставки, размышлял о разных способах выражения современного: один проявляется в сиюминутном через эфемерное, экстравагантное, пестрое искусство моды; другой движим стремлением к созданию долговечных ценностей путем сохранения «статус кво»; третий представляет примеры новейшего, устремленного в будущее искусства.
Если функционализм (особенно в своих программных установках) стремился освободиться от всевозможных реминисценций, то Ар Деко представлял собой систему, открытую как для исторических ассоциаций, так и для новых веяний. Этот компромисс и обеспечил ему статус «стиля современности».
Диапазон культурных и художественных явлений, так или иначе связанных с формированием Ар Деко, очень широк. Несмотря на единодушное негативное отношение и обидные ярлыки («стиль меланхолической лапши», «школа одинокого глиста-солитера», «бараний мосол»), Ар Нуво оказал значительное влияние на процесс стилеобразования и эстетические установки Ар Деко. Сохранение базисных структур Ар Нуво способствовало созданию новой стилевой целостности, помогая зарождающемуся стилю способствовать интеграционным процессам в искусстве.
От Ар Нуво, «для которого характерны эстетизм, панэстетизм, культ красоты», новый стиль наследует отношение к красоте как всеобщей глобальной категории. Соотечественники и современники Марселя Пруста, мастера передачи тончайших переживаний и едва уловимых движений души, с пониманием, но без желания подражать, относились к деятельности Веркбунда. Не могли они принять и прямолинейных постулатов пуризма. Оценивая выставку Вербункда в Осеннем Сапоне 1910 г, Мишель Вернёй отмечал «разумное сотрудничество коммерсантов и художников», но на вопрос, сможет ли мюнхенская выставка повлиять на французское искусство, не колеблясь отвечал отрицательно: «Мы можем воспользоваться уроками, но не вдохновением… Тяжесть, брутальность, резкость контрастов, жесткость формы никогда не будут импонировать нам». Французскому обществу более близки были идеи философа А.Бергсона, учившего любить и по-своему воспринимать каждую линию, каждый жест. Хотя его главные труды написаны в 1890-х гг., особо популярными они стали перед первой мировой войной, Отнесение интуиции к числу высших законов, подчинение интеллекта чувствам, культ жизни, сверкающей и переменчивой, как и прочие идеи Бергсона, оказали большое влияние на философию, эстетику и искусство. В них художники черпали аргументы для неустанного поиска и обретали большую творческую свободу. Мастера Ар Деко считали себя, прежде всего художниками, а свое искусство принципиально антифункциональным. Если в употреблении тот или иной предмет оказывался удобным — прекрасно, если же нет, то в глазах художников это не умаляло его достоинств. «Я верю, что объект, который бесполезен, имеет свою ценность, — утверждал Э.Курно. — Я верю в бесполезность, в странность, в тайну».
Эпоха «стиля 1925 года» оказалась очень короткой, но его образцы можно найти во всех странах Европы, а также в СССР, США, Японии. Стремление к всеобъемлющему синтезу, широкий спектр источников вдохновения, открытость для новых идей, структурно-конструктивные принципы формообразования, заложенные уже на ранней стадии стиля, дали импульс интеграционным процессам в искусстве первой половины века.
1.2 Арт деко — особенности стиля в ювелирном искусстве
Ар Деко — стилевое течение в искусстве второй четверти 20 века, для которого характерно:
- сочетание монументальных утяжеленных форм с изощренным украшательством;
- сочетание элементов стиля модерн, кубизма и экспрессионизма;
- использование выразительных форм технического дизайна.
Ар Деко взял у модерна цветы, смешал с геометрией конструктивизма, добавил к ним свою страсть к экзотическим материалам и архаичным культурам и получил формулу роскоши, не потерявшую актуальность и до сих пор. «Стиль звезд» особенно прижился в Америке и в первую очередь в Голливуде. Он предлагал новое представление о роскоши. Слоновая кость, эбеновое дерево, кокос, перламутр, бамбук, шагреневая кожа, кожа акулы, ската, крокодила, угря, даже шкурки ящериц — все пошло в ход. Широко стал использоваться металл в сочетании со стеклом. Сварное железо и никель пригодились для решеток, дверей, лифтов, перил, каминных принадлежностей, уличных фонарей и мебели.
В отличие от растительных тем модерна, Ар Деко предпочитал геометрические формы и орнаменты, прямые линии, абстрактные композиции, узоры с восточными и африканскими мотивами. Очень характерно изображение обнаженных женских фигур с развитой мускулатурой и в экспрессивных «изломанных» позах.
В чистом виде Ар Деко сохранился только в Америке. Последний десяток лет Ар Деко на гребне волны вообще по всему миру. Он — сама мода, вожделенная мечта советского общества.
Стиль Ар Деко является преемником модерна. Он получил распространение в первой трети XX века, а сейчас переживает свое «второе рождение», поскольку современные дизайнеры, архитекторы, декораторы, ювелиры все чаще обращаются к этому стилю.
Ар Деко (франц. «Art Deco») — сокращение от названия выставки «L Exposition internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes» — «Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств», которая состоялась в 1925 году в Париже. На этой выставке были продемонстрированы последние достижения в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики.
Знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье спроектировал и построил павильон «Эспри Нуво», а самый элегантный представитель флореального течения модерна Рене Лалик создал фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и «стеклянный интерьер» павильона Севрской фарфоровой мануфактуры. Для ювелира Рене Лалика эта выставка стала отправной точкой создания известного всему миру «элегантного стиля Лалика», в котором использовались сочетания драгоценных материалов с цветными эмалями, глазурями, стеклом.
После выставки началось стремительный расцвет стиля Ар Деко, который является последней стадией развития искусства периода модерна.
Ар Деко — художественный стиль оформления интерьера, изделий декоративного и прикладного искусства, ювелирных украшений, моделирования одежды, а также дизайна промышленной продукции и прикладной графики.
Это единственный из всех стилей, у которого нет четких границ, его создатели черпали свое вдохновение из самых разных источников. Поль Ириб и Жак-Эмиль Рульманн по-новому увидели стиль Людовика XVI, Жюль Леле «приспосабливал» под европейские вкусы искусство Востока, а для Андре Гру моделью служила мебель эпохи Реставрации. Корбюзье написал об Ар Деко: «Его создатели строят шикарный дворец, чтобы показать, как цветочный бутон, украшавший некогда ручку зонтика, красуется теперь на спинке кресла».
Стиль Ар Деко вобрал в себя излюбленные темы и мотивы ар нуво: извилистые линии, формы морской волны, раковины, драконов и павлинов, а также лебединые шеи, изображение фантастических существ, стрекоз и бабочек. Вместе с тем не исключалось использование геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей «чистого» цвета. Именно такое необычное сочетание характерно для интерьеров Деламара, архитектурно-дизайнерских разработок Малле-Стевенса, ювелирных изделий фирмы «Картье».
Когда в начале XX в. ювелирное искусство переживало пору расцвета, и активно занимались поисками нового стиля, Луи Картье, принявший дело своего отца, продолжал искать вдохновение в искусстве прошлого.
В начале 20-х гг. XX в., владея исключительными правами на поставки королевским дворам всего мира, Дом Картье создал роскошные и баснословно дорогие украшения для европейских и восточных суверенов и миллионеров. Клиенты Картье нередко становились его личными друзьями: среди них герцог и герцогиня Виндздорские, Коко Шанель, князь Юсупов. Благодаря Феликсу Юсупову братья Картье постепенно скупали драгоценности семьи Романовых. Их вывезли из России в гробу Джеймса Джона, английского моряка, умершего на Черном море. Для сохранения тайны царские украшения продавали поштучно в течение девяти лет.
Пожалуй, только в «искусстве Картье» две важнейшие категории — традиция и новаторство — сошлись в идеальной гармонии и равновесии. Картье использовал французские орнаменты XVIII в. не для того, чтобы слепо их копировать, а для поиска более простых, оригинальных и выразительных форм. Не подражание, а обновление искусства прошлого — вот лозунг Картье на рубеже веков.
Один из шедевров, выполненный в 1906 г., — украшение для корсажа — прекрасно иллюстрирует «стиль Картье» того времени. Достаточно традиционный для искусства XVIII в. цветочный орнамент, благодаря умелому включению бриллиантов, демонстрирует ясность и четкость рисунка. Строгость линий придает украшению современное звучание, напоминая о времени создания — «эпохе модерна».
Важнейшую роль в этом шедевре играет прекрасно обработанная оправа из платины. Этот материал стал одним из самых используемых в изделиях «от Картье». Серебро, быстро чернеющее от окисления, было заменено более стойким и не подверженным коррозии металлом. Поначалу сдержанное отношение клиентов и коллег к платине в скором времени сменилось модой на этот материал, а Картье навсегда остался главным популяризатором платины в истории ювелирного искусства.
Вместе со своими братьями, Луи Картье смог распространить свои изделия по всему свету: Лондон, Нью-Йорк, Петербург. 1920-1930-е гг. — время дальнейших экспериментов. «Геометрический стиль» — теперь основное направление в ювелирном искусстве Картье. Входят в моду изделия со строгой цветовой гаммой, чаще всего с использованием бриллиантов.
Менее известны украшения «от Картье», выполненные в яркой цветовой гамме, такие, как браслет-ремешок, созданный около 1929 г. Еще в начале века, соперничая с Карлом Фаберже, Луи Картье использовал в своих изделиях восхитительные розовые, глубокие синие, изысканные серые и нежные дымчатые самоцветы в самых, казалось бы, дерзких сочетаниях. Теперь, спустя два десятилетия, увлеченный ювелирными изделиями Индии, он вновь обращается к полихромии, однако предпочитает использовать более традиционные цвета: красный, зеленый, синий. Гамма полупрозрачных красок в данном браслете-ремешке напоминает красочные спектакли популярного в 1920-е гг. во Франции «Русского балета Дягилева». На традиционной оправе из платины, усеянной бриллиантами, эффектно читаются листья из резных рубинов и ягоды из круглых сапфиров и изумрудов. Этот «праздник жизни», выходивший за пределы модного тогда «геометрического стиля», тем не менее, все равно не может скрыть присущий Картье «дух классицизма».
Стиль Ар Деко представлял широкий диапазон всех возможных форм ретро и служил толчком для индивидуальных решений. Здесь можно встретить элементы ампира, этнические африканские и египетские мотивы, соединение находок живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского искусства. Стиль ориентирован на индивидуальное, отрицающее все поточное и соединяющее несоединимое.
Первая мировая война прервала расцвет ювелирного дела. Она явилась реальной вехой между столетиями. Ювелиров — мастеров и художников — призвали на военную службу. Лондонское отделение фирмы Фаберже было закрыто, а в одесском работало лишь три мастера. Московскую фабрику преобразовали в Механический завод, выпускавший военную продукцию. Экономика военного времени потребовала ограничить использование драгоценных металлов.
Последствия четырех лет войны практически уравняли победителей и побежденных. Повсеместно началось социальное преобразование общества. На какое-то время просвещенные буржуа согласились на определенную умеренность в приобретении одежды и украшений. Социальные новации коснулись и роли женщин в общественной жизни. Теперь им понадобились украшения, подчеркивавшие прежде всего индивидуальность, стремление к свободе и независимости. Новые по своим эстетическим принципам эскизы ювелирных изделий появились через несколько лет после войны. На смену романтике, идеализму и даже сентиментальности пришла жесткая стилизация натурных мотивов, геометризация природных форм, а в конце концов и полная абстрагированность от них.
Как известно и говорилось выше, важнейшие изменения художественных ювелирных изделий выразились в стиле Ар Деко — искусство украшения. Эстетическими принципами нового стиля были открытые яркие цвета, преобладание простых геометрических фигур — круга, квадрата, треугольника, соответствие каждой декоративной детали внешним очертаниям предмета.
Буржуазная элита, занявшая место родовой аристократии, стремилась поскорее стереть в памяти последствия войны, революций, экономических катастроф, забыть нищету, ощущавшуюся во всем мире. Домам Картье, Бушерон, Меллирио, чье процветание зиждилось на успехе продаж, чтобы выжить в создавшихся условиях, необходимо было приспособиться ко вкусам новых клиентов.
Сыну Жоржа Фуке — Жану Фуке, впервые продемонстрировавшему свой новаторский талант на Парижской выставке 1925 г., принадлежит точное определение концепции ювелирного дела новейшего периода: «Произведения ювелирного дела и предметы золота и серебра должны быть произведениями искусства, соответствуя тем же требованиям, что и промышленные изделия». Эта мысль актуальна и в наши дни.
Ар Деко возник и развивался в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами: времени духовной растерянности, пустоты первых послевоенных лет, предчувствия ужасов Второй мировой войны, разочарования в современной цивилизации и утраты эстетических идеалов (вспомним произведения Э. Хэмингуэя, У. Фолкнера, Э. М. Ремарка!).
Альтернативой этим настроениям и стал появившийся стиль Ар Деко, который был призван создавать иллюзию благополучия и «роскошной жизни». Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое.
Вновь вошли в моду витражи и мозаика. В едином интерьере могли сочетаться компоненты разных стилей: мебели, тканей, изделий из бронзы, фарфора, стекла, керамики. Важно было соединить их и создать «стильный» интерьер, который отличался бы индивидуальностью.
Стремление к экзотичности определяло и выбор материалов: редких пород дерева (например, черного, эбенового), перламутра, бриллиантов, декоративного мрамора, шкурок ящериц и кожи крокодила, горного хрусталя в светильниках и витражах. Для этого направления характерно сочетание высокотехнологичных материалов и всевозможных фактур — атласа, плюша, кружева, стеганых поверхностей с использованием примитивных африканских мотивов, архаики египетского и крито-микенского искусства. Богатые орнаменты сочетаются с геометрической строгостью пропорций.
В России Ар Деко проявил себя в работах скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной. «Советский Ар Деко» представляли произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также пышная декоративность набивных ситцевых тканей. В конце XX века Ар Деко вновь обратил на себя внимание дизайнеров и модельеров. Их привлек авангардистский взгляд на роскошь: простота линий, качество материалов, идеальные пропорции, смелые контрасты и яркие цвета этого стиля.
Ориентируясь на Ар Деко, создаются интерьеры дорогих отелей и ресторанов, бутиков, элитных квартир, вновь вошли в моду «ателье художника», «павильон коллекционера».
Вернулись и представительные американские интерьеры 30-х годов, давно ставшие символом респектабельности и успеха. Это рациональный, тяготеющий к графичности так называемый стиль «чикагского кабинета»: мебель и панели из красного дерева с черными лаковыми вставками, солидная кожаная мебель, художественная роспись на тему городских пейзажей Нью-Йорка 1920-1930-х годов.
Ар Деко возрождается не только в оформлении интерьеров, но и в ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике.
Каждый из великих стилей, определяющих ту или иную эпоху, оказывал влияние на формирование своих «последователей». Они переживали взлеты и падения и вновь, как птица Феникс, непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве. Так и Ар Деко вновь вошел в нашу жизнь, органично соединяясь с другими архитектурно-художественными стилями.
Глава 2. Современные ювелирные дома и их продукция
1 Современные ювелирные тенденции
Современное ювелирное искусство более, чем когда-либо, подвержено влиянию моды, пусть и не такой стремительной и сезонной, как в fashion бизнесе. Сегодня ювелиры уже не стремятся создавать навеки вечные ценности, играя по жёстким правилам: каждый год приносит новые формы, новые камни, огранки, новые сочетания камней. Ювелирная мода меняется строго по часам один раз в год, в апреле, когда в Швейцарии проходят BaselWorld и Salon International de la Haute Horlogerie (SIHH).
Именно на них часовщики и ювелиры оглашают моду на предстоящий год. Однако эта быстрая по меркам ювелиров старого поколения смена ювелирных тенденций не означает, что украшения и часы прошлого сезона с наступлением нового немедленно отправляются в утиль. Лучшие остаются в частных коллекциях, самые лучшие выставляются на аукционы, а лучшие из лучших попадают в музеи.
Диктующим стилем в ювелирных украшениях по-прежнему остается ар-деко. Большинство марок сегодня отдают предпочтение 1920-1930-м годам.
Ар-деко — период, когда ювелирные часы окончательно утвердились в статусе важного женского украшения, снабженного (что прогрессивно) точным механизмом. Не безделица, а функциональная вещь, но в то же время, конечно, игрушка.
В ар-деко сложились и главные формы ювелирных часов. Маленькие корпуса (только, пожалуйста, не круглые, не «мужские» — а квадратные, прямоугольные, можно «бочкой»), очень сложные, но всегда симметричные браслеты, состоящие из звеньев, цепей и цепочек, витых «нитей», плюс определенные сочетания камней — не больше двух цветов в одном украшении.
Сегодня марки не устают не только вдохновляться ар-деко, но и делать реплики украшений тех лет. В ар-деко особенно важны две вещи — красота и функциональность, все остальное должно быть подчинено этой гармонии. К ювелирным часам и сейчас предъявляются те же требования: часы должны показывать время, а бриллианты — сверкать.
Такая устойчивость моды на украшения ар-деко объясняется еще и тем, что в fashion сегодня как раз процветает гламур, роковой голливудский шик 1930-х. Шик Гарбо, Дитрих, Хейворт. Не банальная буржуазность, а продуманный шик, решенный, идейный, графичный образ. Правда, дизайнеры, будь то Миуччия Прада, Нарциско Родригес или Кельвин Кляйн, выпустившие на подиум моделей, одетых в стиле «золотого века» Голливуда, не снабдили их в дорогу драгоценностями. Одни только голые атласные платья, голые ноги, гладко зачесанные волосы; без бриллиантов, без меха, без шляп.
Этот обнаженный шик и не думает скрывать своей цены. Это никак не скромность. То ар-деко, которое предлагают и fashion-дизайнеры, и ювелиры, выглядит и стоит баснословно дорого. Просто такая минималистская версия гламура — попытка выглядеть осмысленно, правдиво, а не театрально. К тому же обнаженный шик лучше продается, быстрее покупается. Его и носят легче, с удовольствием, без особой позы.
Стало быть, сегодня украшений на теле нужно меньше. Можно носить их по-особенному (например, два крупных кольца на одном пальце).
Или просто выбрать что-то одно. Например, только ювелирные часы или только подвеску. Еще можно надеть что-нибудь совсем необычное — часы-кольцо. Или поместить часы на сумочку, или надеть браслет с часами на плечо. Можно выбрать что-нибудь сложное — часы с браслетом в виде длинной витой змейки. Или серьги-трансформеры, жемчужную цепочку, из которой можно сделать как кулон, так и небольшое колье.
Никаких гарнитуров (оставим их куртизанкам эпохи Второй империи), рубиново-сапфировых боекомплектов и даже, не побоимся этого модного слова, сетов. И речь здесь идет вовсе не об аскетизме и не о пресности. Просто в моде строгое дозирование украшений. Не пикник, а лаконичный десерт. Короче говоря, украшение сегодня — только точка, а не сложносочиненное предложение и уж никак не целый абзац.
Тенденции в формах ювелирных украшений таковы. Приветствуются геометрические формы, законченные, ничем не украшенные — квадраты, круги, прямоугольники, четкие, акцентированные углы. Наблюдается стремление к симметрии, лаконичности, к ясной и при этом самостоятельной и крупной форме.
Украшения как бы облегают тело, делают его более вытянутым, тонким, графичным. По-прежнему очень популярны вертикальные линии — колье непременно заканчиваются длинной «нитью», ведущей вниз к линии груди. Очень популярны кулоны на длинных (почти до пояса) цепочках или матерчатых шнурках. Серьги тоже удлиненные — как правило, это трансформеры. Природные — как флористические, так и анималистические — мотивы заретушированы, смягчены, спрятаны. Почти нет этники и дорогого хипповства, стилей, столь популярных в конце 1990-х годов.
Белое золото, которое с середины 1990-х называли металлом будущего, так и осталось самым привлекательным, самым умным, интеллектуальным из всех драгоценных металлов. Платина — редкость, особый случай, ее используют либо в украшениях haute joallerie, либо в коллекционных сложных часах. Старомодное, вечно любимое русскими желтое золото — удел классицистов или буржуа. Розовое — поклонников гламура и любителей вечеринок, его, кстати, тоже используют при создании часов с усложнениями. Есть еще и серое золото, оно очень редкое, дорогое. Черное золото — совсем специфическое. Золото черного, мерцающего оттенка применяют только к особым камням — например, к серому или белому жемчугу.
Осталась демократичная сталь. Не усилил позиций легкий титан. Знает свое место и спортивный каучук. Из совсем новых материалов можно отметить «галюшу», пупырчатую кожу ската, пережившую расцвет популярности именно в период ар-деко. Эксперименты отдельных марок, представивших кольца из высококачественной пластмассы, украшенные белыми бриллиантами, пока выглядят как типичный limited edition (то есть «ограниченный тираж»).
Период повального увлечения цветными камнями, в частности разноцветными бриллиантами, закончился. Еще в прошлом году марки наперебой показывали бриллианты коньячные, бриллианты шоколадные, розовые и оранжевые сапфиры. Сегодня вернулась классика: если бриллиант, то лучше, если он будет белым, а если сапфир, то — синим. Полудрагоценные камни пока остаются в моде, самые популярные — желтые и фиолетовые. Сочетания стали, титана, каучука с драгоценными камнями и металлами уже не дерзость, а, скажем так, старина, бабушкино искусство.
Почти все марки представили в этом году уменьшенные копии своих ювелирных часов. В то время как производители модных часов, часов, выпускаемых под логотипами fashion-марок, наоборот, стремятся к очень крупным, почти спортивным формам или асимметричным приемам.
Как и прежде, в модных часах очень важен элемент игры и даже такого диссидентства, пренебрежения, насмешки по отношению к часам ювелирным. Мода здесь — изнанка дорогого гламура. Все болтается, перемещается, все перекошено, перевернуто, смещено. Масса дополнительных интриг — вторых циферблатов, декоративных креплений, закрытых циферблатов.
Считается, что именно такие дизайнерские часы, производство которых, в отличие от ювелирных украшений, стоит совсем недорого, определяют моду будущего. Если придерживаться этой теории, то в ближайшем будущем нам предстоит носить на руке либо что-то вроде бубенцов, либо брутальные хронографы с круглыми массивными корпусами вместо нынешних изящных прямоугольников и «бочек», либо часы с корпусами, измененными до неузнаваемости. Вот такое deco.
Кружева плетут известно из чего — из тонких ниток. Однако неплохо плести кружева умеют и ювелиры, и они научились этому давно — в середине XIX века. С тех пор ювелирный кутюр является одной из важных тем в ювелирном искусстве.
Кутюр (la couture) в переводе с французского значит «пошив одежды». С некоторых пор под кутюром подразумевается не просто пошив, а пошив одежды высшего класса. На ювелирном языке слово «кутюр» обозначает специальные виды украшений. Это могут быть галстуки, воротники, манжеты, рюши, кружева, банты, бахрома, завязки, плетение, пуговицы и даже молнии.
Главными специалистами по ювелирному кутюру считаются старые французские ювелирные дома. Мода изготовлять украшения, которые напоминали бы отдельные элементы одежды или специальную фурнитуру, появилась во времена Второй империи. Подчеркнем, что это была именно мода, поскольку ювелиры, скажем, эпохи Людовиков XV и XVI также могли создавать бриллиантовые воротники, банты и манжеты, но на это обычно требовался специальный заказ. Более того, оплатить и носить столь сложные по технике предметы могли лишь единицы. После Великой французской революции с роскошью в стране было довольно напряженно — в утопавшем в крови Париже порой нечего было есть.
Императорство Наполеона Бонапарта потребовало новой роскоши — для величия блеска империи. В моду вошел мощный и победоносный ампир, которому было вовсе не до каких-то там сентиментальных бантов и милых рюшек.
Следующая эпоха — правление Луи-Филиппа Орлеанского де Бурбона — считалась эпохой «серых буржуа». Вкусы были очень осторожные, так сказать, средние, «фарфоровые», аккуратные, лишь буйные романтики еще как-то пытались фраппировать публику, но денег у них хватало разве что только на экзотический жилет (мы имеем в виду знаменитый красный жилет Теофиля Готье, которым он пытался пугать французских буржуа; на экзотические драгоценности у Готье денег не было).
Ресторации, гастрономия, путешествия, величественные интерьеры, горные и озерные виллы, городские и загородные особняки, наряды (тут, к счастью, в Париже оказался английский портной Ворт — первый в мире кутюрье, создатель модной модельной одежды, а не просто талантливый портной; Ворт быстро стал любимцем императрицы Евгении) и, конечно, бриллианты. Вторая империя — это время греха и разврата. Вновь появляются дамы полусвета, куртизанки всех мастей, малолетние хорошенькие провинциалки, стремящиеся сорвать куш с толстеньких банкиров или попытать счастья на сцене. Слава мадам де Монпансье, мадам де Ментон, мадам де Помпадур не давала им покоя. Слава, которая должна была выражаться не только в деньгах, но и в образе жизни: чтобы непременно были особняк, наряды, парфюмерия, кареты, цветы каждые три часа. Должны были измениться и драгоценности: долой государственный ампир, долой серенькие и скучные побрякушки эпохи «короля-буржуа» с громкой фамилией — Луи-Филиппа Орлеанского де Бурбона. Искали всего необычного, сложного, удивительного, запредельного. Актрисы, содержанки, куртизанки и дамы обширного императорского двора старались перещеголять друг друга.
Надо сказать, время роскоши Второй империи было удивительным. При всей жизни во грехе, при всех ветрах и вихрях удовольствий не наблюдалось никакого упадка, никакого излома или декаданса — все это придет потом, после восстания коммунаров в 1871-м. А пока все удовольствия, доступные или недоступные, считались — парадоксально — знаками прогресса, развития, движения вперед. Это было, если можно так выразиться, совершенное позитивистское грехопадение.
Как мы уже сказали, в Париж приезжает Ворт и открывает свое портновское бюро на rue de la Paix. Так появляется мода на модного портного, вернее — уже кутюрье. Внимание к костюму закономерно порождает внимание к его деталям и отделке. Такое пристальное внимание приводит к тому, что некоторые детали костюма заказывают уже не портным, а именно ювелирам (например, пуговицы, застежки, замки, элементы шнуровки для корсета).
А следом за всем этим возникает и светлая мысль сделать драгоценные детали костюма самостоятельными ювелирными украшениями. И вот дамы начинают заказывать колье в виде воротников, подвески в виде завязанных бантов и «мягкие» браслеты в виде манжет.
Мода на ювелирный кутюр продержалась довольно долго. В 1890-х годах ее сменил ар-нуво — стиль, который сконцентрировал свое внимание на новых формах и на отказе от форм старых.
Попыткой возродить кутюрные украшения можно считать возникновение стиля «гирлянда». В 1902 году его создал Луи Картье. Стиль «гирлянда», который Картье противопоставил размытым и зыбким формам украшений ар-нуво, в первую очередь ювелирным вещам Рене Лалика, знаменит двумя вещами. Первая: было предложено считающееся сегодня абсолютно классическим сочетание платины и белых бриллиантов. Под творческим знаменем «гирлянды» выходили исключительно и подчеркнуто белоснежные украшения. Второе нововведение: с помощью «гирлянды» Луи Картье пытался возродить стиль Людовика XVI — стиль украшений дореволюционной эпохи, стиль дворцовый, нежный и женственный. Ювелир придумывает как бы новые формы — вновь появляются банты, гербы, вензеля, подвески, ленты. Ювелиры вновь делают воротники и манжеты. Ювелиры вновь плетут кружева. Стиль «гирлянда» позволил ювелирам обратиться к старой доброй классике, заглянуть в книги по ювелирному искусству и в архивы старых парижских мастерских.
В эпоху ар-деко — прежде всего в 1920-е годы — о ювелирном кутюре порядком подзабыли. В моде были экзотика, этнические стили, геометризм, умеренная декоративность, ценились в первую очередь четкие линии и функциональность предмета. Однако в 1930-е, когда наступила неоклассическая эпоха и стали популярны крупные, монументальные формы, на кутюр вновь обратили внимание.
И в конце 1930-х годов ювелиры Van Cleef & Arpels начинают разработку совершенно экстравагантных украшений. Например, колье «Галстук», ставшего позднее знаменитым. В период войны работа над технической документацией колье была приостановлена и возобновилась лишь в 1947-м. «Галстук» — это две переплетенные между собой ленты из рубинов, прикрепленные к подвижной платиновой ленте. Несмотря на массивность и невероятную сложность по части ювелирной техники, колье выглядит очень легким, почти невесомым. В начале 1950-х украшение было куплено герцогиней Виндзорской. Ей же досталось и другое легендарное кутюрное украшение — слегка громоздкое колье Zip («Молния»), представлявшее собой самую настоящую молнию из золота, украшенную белыми бриллиантами. На разработку и изготовление Zip у ювелиров Van Cleef & Arpels ушло около восьми лет.
Сегодня старые французские марки продолжают следовать традициям предков — и Cartier, и Van Cleef & Arpels, и Boucheron, и Chaumet предлагают множество кутюрных вещей. Ювелирные галстуки есть у американцев — Tiffany & Co. и Эльзы Перетти, ювелирные манжеты — у итальянцев Buccellati и Bvlgari. А вот итальянская же молодая марка Calgaro, которой едва исполнилось десять лет, понимает словосочетание «ювелирный кутюр» буквально. Ювелиры Calgaro сочетают золото, серебро и полудрагоценные камни с тканями самыми настоящими — газом и шелком.
Свои первые часы-Instrumento Uno-Фаваз Груози представил спустя шесть лет после основания своей марки в 2000 году. Сегодня ювелирно-часовой ландшафт уже невозможно себе представить без часов de Grisogono. Instrumento Uno заложили фирменный стиль всех последующих моделей. Это часы авангардные и сложные по конструкции и по восприятию. Instrumento Uno не буквально следуют идеям ар-деко, но, безусловно, развивают их, можно сказать, что это театральная, карнавальная, восточно-средиземноморская вариация на тему ар-деко. Кстати, для ремешка часов Груози использовал один из главных материалов ар-деко-кожу ската, или «галюшу». По словам самого ювелира, он нашёл «галюшу» в журналах мод 1920-х годов. Instrumento Uno-это ар-деко эпохи постмодернизма. главные ювелирные часы 2003 года, пожалуй, больше, чем часы: это и ювелирное украшение, и даже дизайнерский объект. В своём роде это новейший часовой манифест ар-деко, эпохи, когда часы стали полноценным ювелирным и одновременно функциональным предметом. Declaration-предмет необычный, однако его неординарность остаётся в рамках фирменного стиля Cartier. Устроены часы замысловато: чёрный ремешок-браслет переходит в продолговатый корпус, выполненный из полированного титана (кстати, дизайнеры Cartier были первыми, предложившими титан для корпусов именно ювелирных часов).
На корпусе размещено два квадратных окошка-с маленьким, но ясно читаемым циферблатом и крупным белым бриллиантом-солитёром. Десять колец из белого золота свободно перемещаются вдоль корпуса, позволяя открыть или закрыть циферблат и бриллиант.
Первые часы из коллекции Piaget Miss Protocole были сделаны ещё в 1997 году. Они полностью отвечали девизу: «Piaget-horloge et joaillerie», «точные часы и украшение». Позднее к первым, строгим часам в стиле ар-деко были добавлены драгоценные часы, которые, если бы не их крайне высокая стоимость, можно было бы отнести скорее к разряду fashion. Дизайнеры Piaget не боялись предлагать очень дорогие Miss Protocole на легкомысленных ремешках из кожи змеи, ящерицы, аллигатора, страуса, а также льна, денима, муара, тафты, белого или коричневого меха норки. В 2004 году была представлена большая версия-Miss Protocole XL, в которой были сохранены главные приметы всей коллекции: двухчастный корпус, который стал широким, и »вытянутые» арабские цифры. Miss Protocole XL выполнены из белого золота, корпус и цифры декорированы 385 белыми бриллиантами. Часы имеют кварцевый механизм калибра 57Р, который, что немаловажно в данном случае, полностью разработан и выполнен на мануфактуре Piaget в Ко-до-Фе.
КОКТЕЙЛЬНЫЕ ЧАСЫ TIFFANY & CO.
У Tiffany & Co.-давняя часовая история. Она началась в 1851 году, когда компания стала продавать в Северо-Американских Штатах часы Patek Philippe. Спустя двадцать лет Tiffany & Co. начала уже самостоятельно делать часы в женевских часовых мастерских. Ставка была сделана на лаконичный американский дизайн. Часы Tiffany & Co. неоднократно имели успех на международных ярмарках-так, на Парижской всемирной ярмарке 1889 года часы American Wild Rose Lapel с бриллиантами и эмалью, сделанные Полдингом Фарнхамом, получили золотую медаль. Ар-деко-стиль, в котором выполнены современные часы Tiffany & Co.,-один из самых любимых мастерами компании. И неслучайно: Луи-Комфорт Тиффани, изобретатель витражной техники марки, был одним из главных художников американского ар-деко. Коктейльные часы Tiffany & Co., сделанные в 2002 году, графичны и предельно лаконичны: у них простой прямоугольный корпус из белого золота, бриллиантовое pave, обрамляющее циферблат, и чёрный атласный ремешок.
Все без исключения предметы коллекции Baiser Dracon уже стали культовыми. Трудно сказать, какое именно украшение-подвеска в виде иероглифа или кольцо в форме пагоды является более популярным. Китайская тема впервые была затронута ювелирами Cartier ещё в середине 1920-х годов-»китайские» предметы, сделанные в стиле ар-деко, вошли в учебники по ювелирному искусству. В качестве основной темы для кольца «Пагода» была взята характерная форма крыши древнего китайского храма. Так называемая «крыша» выложена контрастными по цвету камнями — это чёрный оникс, с которым так любят работать дизайнеры Cartier, а также огранённые в форме квадрата белые бриллианты и рубины. Отполированные оникс и рубины в виде бусинок свисают с »крыши». Кольцо «Пагода» исполнено в двух вариантах-белом и жёлтом золоте.
ПОДВЕСКА BAMBOO CARRERA Y CARRERA Carrera y Carrera-первый эксперимент испанского ювелирного дома в стиле ар-деко. Украшения коллекции напоминают, в первую очередь, о декадентском Шанхае 1920-1930-х гг. Необычность Bamboo заключается в некоторой изломанности и чувственности, здесь нет привычного для «шинуазри» оптимизма. Одно из самых совершенных украшений Bamboo-подвеска в виде фирменной для Carrera y Carrera круглой бляхи. Подвеска носится либо на длинной массивной цепочке, либо на »ошейнике», сделанном из агата ярко-зелёного цвета. Сама бляха выполнена из белого золота. Внутри золотого круга расположены острые бамбуковые ветки с pave из белых бриллиантов или розовых сапфиров.
2 Украшения в стиле Ар Деко и антверпенский музей бриллиантов
Русские сезоны Дягилева — балеты «Жар-птица» и «Петрушка» И.Ф.Стравинского, «Шехеразада» Н.А.Римского-Корсакова — опять на устах, на этот раз у восхищенных посетителей антверпенского Музея бриллиантов.
На сегодняшний день Музей бриллиантов — крупнейшее в мире собрание драгоценностей. И это логично — Антверпен был и остается по сей день «бриллиантовой столицей мира». Здесь работают самые искусные и известные гранильщики алмазов.
Проект «Ювелирные украшения Ар Деко» — исследование в области декоративного искусства одного из самых эклектичных и незабываемых периодов в мировой истории 1920-1939 годов.
В этот короткий промежуток, четко очерченный двумя мировыми войнами, ювелирное искусство достигло своего расцвета.
Новые эстетические идеалы, провозглашенные в Париже Сергеем Дягилевым и его гениальными соавторами: художниками А.Н.Бенуа и Л.С.Бакстом, в раз перекроили все существовавшие представления о красоте. Ведущие художники-ювелиры Парижа — Луи Картье и Фредерик Бушерон, Лаклош Фрэр, Мобуссэн — как завороженные последовали за этой новой, дерзкой эстетикой: русские сказочные мотивы, заключенные в геометрические формы, стали прочитываться в дизайнах ожерелий и браслетов, сережек и перстней. Тогда это казалось вызовом, авангардом. Геометрический рисунок, яркие сочетания цветов, использованные в декорациях балетов Дягилева, привлекали художников силой и яркостью образов. Декоративное искусство всецело оказалось под их магией.
Выставка в антверпенском Музее бриллиантов оформлена на манер шкатулки для драгоценностей: посетитель вступает в темное, таинственное пространство, обитое черным бархатом, где единственный источник света — витрины с ювелирными изделиями, собранными из различных музеев Европы и частных коллекций.
В одной из витрин — женский силуэт, задрапированный в черное кружево, чрезвычайно богато украшенный брошками и браслетами Ар Деко. Кто она, эта «незнакомка»? В воображении возникают женские образы 20 — 30-х: курящие сигареты коротко остриженные дамы, независимые, впервые ставшие на равных с мужчинами. Это женщины, которые умеют водить автомобили и самолеты, но при этом не отказавшиеся от изысканных украшений и нарядов.
Среди экспонатов выделяются изделия ювелирного дома Бушерон — самого верного последователя эстетики Русских сезонов. Одна из брошей — стилизованные в геометрические формы цветы, вырезанные из красного коралла, зеленой яшмы, желтого агата и ляпис-лазури, заключенные в прямоугольник из бриллиантов, напоминает родной павловопосадский платок; с другой — бриллиантовым глазом смотрит сияющая самоцветами жар-птица…
Вторая мировая война оборвала блистательный период Ар Деко. Канули в небытие прекрасные видения дягилевских балетов. Однако, видимо, они были слишком чудесны, чтобы исчезнуть без следа: их образы засверкали в ярких самоцветах ювелирных украшений, чтобы можно было бесконечно любоваться ими — «остановить прекрасное мгновенье». Возможно, именно в этом и заключается ювелирное искусство.
Заключение
Современное ювелирное искусство более, чем когда-либо, подвержено влиянию моды, пусть и не такой стремительной и сезонной, как в fashion бизнесе. Сегодня ювелиры уже не стремятся создавать навеки вечные ценности, играя по жёстким правилам: каждый год приносит новые формы, новые камни, огранки, новые сочетания камней. Ювелирная мода меняется строго по часам один раз в год, в апреле, когда в Швейцарии проходят BaselWorld и Salon International de la Haute Horlogerie (SIHH).
Именно на них часовщики и ювелиры оглашают моду на предстоящий год. Однако эта быстрая-по меркам ювелиров старого поколения смена ювелирных тенденций не означает, что украшения и часы прошлого сезона с наступлением нового немедленно отправляются в утиль. Лучшие остаются в частных коллекциях, самые лучшие выставляются на аукционы, а лучшие из лучших попадают в музеи.
С начала XXI века прошло пять лет. Подводя итоги первой ювелирной пятилетки века, можно с уверенностью сказать одно: роскошь процветает, становясь ещё более откровенной и вызывающей. Никто больше не боится выглядеть одновременно модным и роскошным. В ход идёт всё-цветные драгоценные камни и забытые полудрагоценные, китайский и тропический стили. Мы носим украшения с джинсами и бикини. Мы меняем не только часы, но и ремешки, подбирая их под цвет перламутра циферблата. Мы носим не только концептуальную одежду, но и концептуальные кольца и колье. Мы вспоминаем ар-деко, великую ювелирную эпоху века прошлого. И нам нравится, что современное ювелирное искусство-это, прежде всего, мода. Пусть она без правил, зато благодаря её изменчивости и непостоянству мы можем так легко меняться, храня при этом верность непреходящим ценностям драгоценным камням и металлам.
Список использованной литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/kursovaya/etnicheskiy-stil-v-yuvelirnom-iskusstve/
1. Введенская А. Шкатулка для драгоценностей: бриллианты Ар Деко в Антверпене // Культура. — 2003. — № 45 (26 ноября).
— С. 6.
.Золото мира / вед. ред. Е. Ананьева, отв. ред. А. Журавлев. — М.: Аванта+, 2003. — 184 с. : ил. — (Самые красивые и знаменитые).
.Зуйкова Т. Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования / Т. Зуйкова, В. Радченко. — №10, октябрь 2005 (+ CD-ROM).
.Истомина Е. Плетеные бриллианты // Коммерсантъ-Власть. — 2007. — С. 17-22.
.Макаров Л.П. Ювелирные украшения / Л.П. Макаров. — 2-е изд., перераб. и доп. — М. : Сашко, 2003. — 332,[3] с., [16] л. цв. ил. : ил. — Библиогр.: с. 331-332 (34 назв.).
.Малинина И.А. XX век. Стилевые черты искусства и стилевые критерии искусствознания / И.А. Малинина // Художественная культура XX века : развитие пластических искусств : сб. ст. / под ред. В.В. Ванслова, В.П. Толстого, Д.О. Швидковского. — М. : ООО «ТИД «Русское слово — РС», 2002. — С. 176-199.
.Малинина Т.Г. Стилевой проект века. Об истоках и природе Ар Деко / Т.Г. Малинина // Художественные модели мироздания. Кн. 2. XX век. Взаимодействие искусств в поисках нового образа мира. — М. : Наука, 1999. — С. 175-207.
.Петухов А.В. Ар Деко и художественная жизнь Франции первой четверти XX века / Алексей Петухов. — М. : МАКС-пресс, 2002. — 173 с.
.Русские ювелирные украшения XVI — XX века : альбом. — М. : АСТ-Пресс, Галарт, 2002. — 400 c.
.Хилльер Б. Стиль Ар Деко / Бибис Хилльер, Стивен Эскритт; [пер. с англ. В.И. Самошкин]. — Москва : Искусство XXI век, 2005. — 239, [1] с.: ил., цв. ил. Библиогр.: с. 234-235. Указ. имен и названий: с. 236
.Шаталова И.В.Стили ювелирных украшений [Электронный ресурс]. — Электрон. дан. (1 файл).
— Режим доступа: http://www.bibliotekar.ru/yuvelir/9.htm. — Загл. с экрана.
