Введение
Двадцатый век ознаменовался множеством нововведений в искусстве и литературе, связанных с катастрофическими изменениями в общественном сознании в период революций и мировых войн. Новые условия социальной действительности оказали воздействие на всю художественную культуру в целом, с одной стороны, дав новое дыхание классической традиции, а с другой — породив новое искусство — авангардизм (от фр. «авант» — передовой и гард-отряд), или модернизм (от лат. «модернус» — новый, современный), наиболее полно отражавшее лицо времени. По существу, термином «модернизм» обозначаются тенденции, течения, школы и деятельность отдельных мастеров ХХ века, провозгласивших свободу выражения основой своего творческого метода.
Ощущение общей дисгармонии современного мира; нестабильность положения в нем отдельной человеческой личности; ее отчуждение от общества (независимо от того, о каком обществе идет речь — «капиталистическом» или «социалистическом»); растущая роль в жизни людей абстрактного мышления и одновременно бунт против рационализма в искусстве и стремление отразить в нем некие трансцендентальные и неуловимые стороны действительности — все это и обусловило переход мирового или, по крайней мере, «западного» искусства в новое качество, объединяемое понятием «модернизм».
Выступая против многих норм и традиций предшествующей эстетики, стремясь к новаторству любой ценой, модернизм — порождение эпохи войн и революций — сам нередко претендует на революционность и демонстрирует ее в художественной практике. В своих крайних проявлениях в литературе он покушается на саму осмысленность художественной речи; в музыке — на ее звуковую организованность, отрекаясь прежде всего от мелодии и гармонии; в театре — на предметность декораций и логику развертывания действия; в живописи — на композицию, визуальную верность оригиналу, «правду» цвета и линий; в скульптуре — на реальные пропорции и объемы изображаемых объектов и т.д. Тем не менее в своих лучших образцах, несмотря на все издержки, современные течения в искусстве значительно обогатили художественную культуру человечества за счет новых, неизвестных нашим предкам выразительных средств.
1. Музыка ХХ века
Музыкальное искусство ХХ века наполнено новаторскими идеями. Оно знаменует собой коренной перелом во всех аспектах музыкального языка. В ХХ столетии музыка часто служила источником отображения страшных эпохальных исторических событий, свидетелями и современниками которых были большинство великих композиторов этой эпохи, ставших новаторами и реформаторами. Знаменосцами этих новаторских направлений стали такие композиторы, как Арнольд Шенберг, Пауль Хиндемит, Оливье Мессиан, Пьер Булез, Антон Веберн, Карлхейнц Штокхаузен. Одной из особенностей музыкального языка 20-ых гг. нового века стало обращение к принципам музыкального мышления и жанрам, характерным для эпохи барокко, классицизма и позднего Возрождения. Неоклассицизм стал одним из противопоставлений романтической традиции ХТХ века, а также течениям, связанным с ней (импрессионизму, экспрессионизму, веризму и т.д.).
Художественная культура ХХ века модернизм и постмодернизм
... искусстве мы постоянно сталкиваемся с дальнейшим углублением качеств, модернизмом не порожденных, но унаследованных от романтизма эпохи Великой Французской революции и радикального сентиментализма И. Гердера и ... мира. Духовная революция, как новое качество сознания, новое жизнепонимание, требовала для себя новой идейной платформы. Эта платформа была сформулирована на базе интуитивизма А. Бергсона и ...
Кроме того, усилился интерес к фольклору, который привел к созданию целой дисциплины — этномузыкологии, занимающейся изучением развития музыкальной фольклористики и сравнением музыкально — культурных процессов у различных народов мира.
Падение эстетических принципов ХТХ века, политический и экономический кризис начала нового столетия, как ни странно способствовали образованию нового синтеза, обусловившего проникновение в музыку других видов искусств: живописи, графики, архитектуры, литературы и даже кинематографии. Однако общие структурные и ладогармонические законы, главенствовавшие в композиторской практике со времен И.С. Баха, были нарушены и преобразованы.
ХХ век был веком разнообразия. Но не все произведения этого столетия имели ярко выраженный авангардный характер. Многие композиторы стремились в своем творчестве к продолжению романтических традиций прошлого (С.В. Рахманинов, Рихард Штраус) или искали вдохновение в эпохах классицизма и барокко (Морис Равель, Пауль Хиндемит, Жан Луи Мартине).
Некоторые обращаются к истокам древних культур (Карл Орф) или всецело опираются на народное творчество (Леош Яначек, Бела Барток, Золтан Кодай).
Вместе с тем композиторы активно продолжают экспериментировать в своих сочинениях и открывают новые грани и возможности гармонического языка, образов и структур.
Воплощение новых идей в музыке не всегда воспринималось публикой с энтузиазмом. Классическая традиция вводила слушателя в потрясающий мир великолепия, гармонии с совершенной системой тональности. Появление альтернативы звучания, отражаемое в манере удивительной инструментальной комбинации и тембров, не всегда воспринималось адекватно. Несомненными предшественниками новых течений современной музыки были Рихард Вагнер, Густав Малер и Клод Дебюсси, заложившие в своем творчестве практически все основные принципы музыки ХХ века. Игорь Федорович Стравинский, Бела Барток и Арнольд Шенберг — вот триада композиторов-новаторов, чье творчество стало основой для всей музыкальной культуры столетия и в первую очередь для их учеников — Альбана Берга, Антона Веберна, С.С. Прокофьева, Д.Д. Шостаковича, Пауля Хиндемита.
Краткая характеристика ведущих музыкальных направлений и их ярких представителей.
Поздний романтизм.
Начало 20-го века (1900-1910-е гг.) прошло под знаком последнего расцвета и одновременно кризиса романтической музыкальной культуры. Признаки его особенно заметны в австро-немецкой культуре, историческом центре музыкального романтизма. Рихард Штраус (1864-1949), Густав Малер (1860-1911).
В музыке Р. Штрауса и Г. Малера мы видим последнее проявление возвышенного, героического стиля, тесно связанного с традициями 19 века: симфониями Л. ван Бетховена, песнями и инструментальными сочинениями Ф. Шуберта, симфоническими поэмами Ф. Листа, музыкальными драмами Р. Вагнера. И Штраус, и Малер прославились мастерским, изобретательным использованием огромного позднеромантического симфонического оркестра. Творчество этих композиторов начала века представляет блестящую галерею романтических героев — ярких, немного самовлюбленных. Вместе с тем, Р. Штраус в своей опере «Саломея» по одноименной пьесе Оскара Уайльда открывает целую галерею откровенно порочных персонажей — героев музыки начала ХХ столетия.
Многообразие музыкальных направлений зарубежной музыки первой половины XX века
... драмами Р. Вагнера. И Штраус, и Малер прославились мастерским, изобретательным использованием огромного позднеромантического симфонического оркестра. Творчество этих композиторов начала века представляет блестящую галерею ... МНОГООБРАЗИИ СТИЛЕЙ Музыкальное искусство ХХ века наполнено новаторскими идеями. Оно знаменует собой коренной перелом во всех аспектах музыкального языка. В ХХ столетии музыка ...
По старой романтической традиции Р. Штраус и Г. Малер в своих произведениях противопоставляют идеализированный мир своей души (и мир души своих героев) пошлости и косности мещанского быта и буржуазной эстетики, лицемерию общественной морали. Однако вера в высшие идеалы дается многим из художников этого времени с большим трудом — в душевном мире героев вместо чистых и возвышенных чувств обнаруживаются низменные страсти, болезненные страхи и фантазии, ужас, безысходность. Музыкальный образ окружающей действительности приобретает откровенно гротесковый характер (за счет введения «фальшиво» звучащих гармоний, примитивно-пошловатых ритмов, неблагозвучных, резких инструментальных тембров и т.п.).
Идеализированная откровенность романтической музыки сменяется пугающими и шокирующими откровениями, часто эротического характера. Художник выставляет напоказ тайны своей внутренней жизни, которые обычно принято скрывать.
Музыка подобного рода не случайно процветает в Вене начала ХХ столетия. Именно здесь приобрела большую популярность психоаналитическая теория Зигмунда Фрейда. Психоаналитический сеанс становился способом познания истины, сокровенных тайн души и бытия. Позднеромантический художник — фигура мистическая, он претендует на то, чтобы быть пророком, и пророчества его часто носят мрачный, апокалиптический характер. Увлечение спиритизмом, оккультными учениями, в том числе восточными, мистической философией также весьма свойственно художникам этого исторического типа.
Отмеченные особенности по-разному и в разной мере проявились в творчестве композиторов старшего поколения (Р. Штраус, Г. Малер) и младшего (так называемая нововенская школа: А. Шенберг и его ученики А. Берг и А. Веберн).
Экспрессионизм.
Арнольд Шенберг (1874-1951) стал одним из композиторов, кардинально повлиявших на музыкальные направления ХХ века. Его первые произведения — струнный секстет «Просветленная ночь» (1899) и симфоническая поэма «Пеллеас и Мелизанда» (1903) — еще несут в себе тенденции постромантизма.
Прошедший век, несчастный и прекрасный, подверг человечество тяжелейшим испытаниям, но и одарил его потрясающими сокровищами. ХХ столетие — эпоха научно-технической революции. ХХ век — это также великолепный взлет искусства, блистательный расцвет многих национальных школ, целая плеяда гениальных художников.
Многие произведения, написанные в ХХ веке, весьма сложны. Их полноценное восприятие требует от слушателя высокой музыкальной и шире того — художественной культуры. Проникнуть в замысел современных произведений, понять, что волновало их авторов, к чему они стремились, можно только познакомившись с эволюцией, которую претерпело музыкальное искусство на протяжении своей долгой истории, изучив различные направления и школы, стили и техники композиции.
Жизнь простых людей в творчестве художников 18 века 4 класс
... жизни, разные характеры. Интимные портреты Левицкого эпохи расцвета его творчества, который приходится на 1770-1780-е годы, представляют вершину достижений художника. В ... 18 столетия. Классицизм как направление в русской художественной культуре приобретает теперь мощное гражданское звучание. В научной литературе этот период VIII века. Обзор далее >>> В ... на лицах. Люди в его портретах ...
Музыкальная культура конца 19-го — начала 20-го века — один из так называемых переломных моментов в истории. Рассматривая этот период в истории зарубежной музыки, вновь убеждаешься в том, что действительно различные культурно-исторические ряды сосуществуют в ней.
С одной стороны, в конце 19-го столетия продолжалось творчество композиторов, выдвинувшихся в середине или в последней трети века, опиравшихся на традиционные основы музыкального искусства и тесно связанных с наследием своих предшественников. Такими композиторами были Венсан д, Энди и Габриэль Форе, итальянец Джакомо Пуччини, немец Макс Регер, англичанин Воан-Уильямс, чех Леош Яначек, норвежец Эдвард Григ, финн Ян Сибелиус, датчанин Карл Нильсен…
Все названные композиторы развивали — естественно каждый по-своему — традиции великих предшественников. Одни продолжали линию национально-романтическую, тесно связанную с новым претворением фольклора, народного эпоса. У других преобладал углубленный психологизм, обращение к духовному миру современного человека.
Порой художников такого склада пытались охарактеризовать как «консерваторов», «традиционалистов». Однако, как сказал поэт, «лицом к лицу лица не увидать. Большое видится на расстоянье…». На расстоянии прошедших десятилетий все явственнее вырисовываются черты музыкального новаторства композиторов, принадлежащих к этой «ветви» в искусстве на рубеже 19 -20 столетий. Их поиски нового не носили радикального характера, но тем не менее они ощущаются в образном строе сочинений, в средствах музыкальной выразительности. Новаторские устремления органически сочетаются у таких авторов с неизменным тяготением к традиционной крупной музыкальной форме, к традиционной логике функционально-гармонических связей.
С другой стороны, в те же самые годы выдвигаются неизвестные дотоле молодые музыканты, и благодаря им часто возникают новые, поражающие современников своей необычностью художественные течения, сложившиеся именно на рубеже столетий. Во Франции такими музыкантами были Клод Дебюсси и Морис Равель, в Германии — Рихард Штраус, в Австрии — Густав Малер, в Польше — Кароль Шимановский, в Испании — Мануэль де Фалья. Новизна и свежесть мысли порождали новую систему образов, новые формы и средства музыкальной выразительности.
Важным фактором в развитии музыкальной культуры оказались величайшие завоевания технического прогресса. Некоторые из них — радио, кино, грамзапись — открыли богатейшие возможности для развития искусства и его широкого распространения в обществе.
Заметное воздействие на эволюцию музыкального искусства оказывало и интенсивное развитие философской мысли. Одним из властителей дум европейской художественной интеллигенции стал немецкий философ Артур Шопенгауэр.
Модерн в искусстве стран Западной Европы. проект по мхк
... и ковкой стали у Виктора Орта, дизайн первых стульев Хенри Ван де Велде). Но если быть конкретными, то в архитектуре модерна выделилось несколько направлений: - национально – романтическое - ... не достаточно, чтобы создать настоящие произведения искусства. Нужно было найти художественный эталон, подчеркивающий пластичность растительных форм. Такими образцами послужили японская гравюра и китайская ...
Мир, с его точки зрения, являлся порождением всевластной «мировой воли», против которой не в силах бороться отдельный индивид. В своей книге «Мир как воля и представление» Шопенгауэр подчеркивал особое значение музыки, которая более независима от жизненных реалий, нежели другие виды искусства.
Несколько позже огромное влияние приобрели идеи другого немецкого философа — Фридриха Ницше. В противовес Шопенгауэру, полагавшему, что «воля к жизни» отдельного индивида бессильна против всевластной «мировой воли, Ницше проповедовал «волю к власти», которой должны быть наделены избранные люди, возвышающиеся над толпой. Творческий индивидуализм, аристократическое избранничество — вот основные постулаты Ницше, героем учения которого является «сверхчеловек», лишенный чувств, присущих обыкновенным людям.
Культ интуиции, внутреннего созерцания характерен для философских концепций того времени.
Философские концепции такого толка, безусловно, оказывали влияние на творчество писателей, художников, музыкантов и способствовали возникновению на рубеже веков различных художественных течений, причисляемых к модернизму. Термин этот произошел от французского слова модерн — новый, современный. Порой новые направления в искусстве конца 19 — начала 20 века называли декадентством (от французского слова декаданс — упадок), в чем отражалось нередко встречавшееся негативное отношение к ним.
По образному строю, стилистике, по названиям — символизм, импрессионизм, экспрессионизм — это быстро сменявшие друг друга, а порой и существовавшие одновременно направления были различны, иногда даже полярно противоположны друг другу. Однако между ними имелись и некие общие черты, что естественно, ведь они являлись порождением одной эпохи.
Обычно новые направления возникали сначала в литературе или изобразительном искусстве, а потом обретали своеобразное преломление в музыкальном. Одним из таких направлений был оперный веризм. А едва ли не самым влиятельным среди новых направлений рубежа веков оказался импрессионизм, родиной которого стала Франция. Название «импрессионизм» происходит от французского слова импрешн — впечатление. Датой его возникновения считают 1874 год, когда состоялась первая выставка группы художников, открыто противопоставивших себя Академии живописи и скульптуры в Париже. В эту группу входили Эдуард Мане, Эдгар Дега, Камилл Писсаро, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Жорж Сера, Винсент Ван-Гог, Альфред Сислей, Поль Гоген и Анри Тулуз-Лотрек. Но название свое новое направление получило благодаря картине Клода Моне «Впечатление».
К чему стремились эти художники? К тому, чтобы отобразить окружающий мир во всей его первозданности, изменчивости, подвижности. К тому, чтобы возможно полнее, достовернее передать свои непосредственные, порой даже мимолетные впечатления и ощущения от восприятия явлений природы, архитектурных сооружений, людей, животных.
В последнее десятилетие 19 века композиторы обратились к жизненным сюжетам, взятым из реалистической литературы эпохи. До появления на сцене Джакомо Пуччини (1858-1924) веризм еще не достиг своей зрелости. Его оперы, такие как «Манон Леско» (1893), «Богема» (1896), «Тоска» (! 900), «Мадам Баттерфляй» (1904), — одни из самых проникновенных и трогательных опер итальянского веризма.
Искусство эпохи модерна
... то модерн повсюду способствует распространению форм легких, мягких и нежных. Его наступление не ограничилось только направлениями чистого искусства - живописью и скульптурой, - но распространилось и на декоративное искусство - архитектуру, прикладное искусство, ...
В музыкальном искусстве ярчайшим представителем этого направления стал Клод Дебюсси (1862-1918).
Несомненно, огромное воздействие на него оказали художники-импрессионисты, с замечательным мастерством запечатлевшие на своих полотнах изумительные пейзажи, движение облаков, игру света и тени, переливы воды, сам воздух Франции, то прозрачный и ясный, то окутывающий туманом ее прекрасные соборы и набережные.
В не меньшей мере его захватили стихи французских символистов — Шарля Бодлера, Поля Верлена, Стефана Малларме. На стихи Верлена написан вокальный цикл Дебюсси «Забытые ариетты» с подзаголовком, обнажающим связь музыки этого композитора не только с поэзией, но и живописью: «Песенки, бельгийские пейзажи и акварели». В цикл вошли такие сочинения, как «Экстаз», «Слезы моего сердца», «Тень деревьев», «Зелень», «Деревянная лошадка», «Сплин». В те же 80-ые годы им созданы «Пять стихотворений» на стихи Шарля Бодлера: «Балкон», «Вечерняя гармония», Игра воды», «Задумчивость», «Смерть влюбленных».
Утонченность, поэтичность, изысканность, — вот основные черты стиля Дебюсси. Его нередко называют мастером полутонов.
Испытав влияние русских композиторов (особенно Мусоргского, Римского-Корсакова), и Вагнера, Дебюсси пришел к созданию оригинального, самобытного стиля. В своих оркестровых произведениях — «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны». «Образы», «Море», в опере «Пеллеас и Мелизанда», в фортепианных пьесах, среди которых центральное место занимают две тетради прелюдий, композитор выступил как яркий новатор, который ввел слушателей в новый, непривычный для них мир тончайших оттенков звуковых красок, неожиданных звуковых «пятен». Ошеломляющих тембровых находок, естественной вокальной декламации.
Необычность музыкального стиля Дебюсси заключалась во многом в новизне его гармонического языка. В его произведениях очень часто встречаются оригинальные, далекие от традиционных аккордовых последовательностей созвучия и их сочетания. Нарушая складывашиеся на протяжении столетий законы тяготения неустойчивых звуков и созвучий в устойчивые, они словно «повисают» в воздухе.
Столь же необычна и оркестровка его сочинений — прозрачная, «кружевная». Для Дебюсси очень типичны «чистые» тембры, когда мелодию исполняет какой-либо один инструмент — скажем, флейта или кларнет. Композитор часто прибегает к причудливым, приглушенным звучаниям, на фоне которых особенно рельефно становятся неожиданные яркие «всплески», появляющиеся и исчезающие буквально в одно мгновение.
И возникает удивительная, характерная для Дебюсси звуковая атмосфера, вызывающая ассоциации с картинами Клода Моне, Альфреда Сислея… Недаром одна из фортепианных прелюдий Дебюсси так и называется — «Звуки и ароматы в вечернем воздухе реют».
Кстати, фортепианная музыка композитора также изобилует находками и открытиями — это и прелюдии, названия которых на редкость поэтичны (к примеру, «Девушка с волосами цвета льна», «Терраса, освещенная лунным светом», «Феи — прелестные танцовщицы»), и «Детский уголок», и «Эстампы», и «Бергамская сюита», и «Остров радости», и «Образы», и многие другие
Как и Дебюсси, Морису Равелю (1875-1937) много раз присваивали ярлык музыканта-импрессиониста. Несмотря на то, что влияние одного на другого существовало стиль Равеля становится полностью личным и оригинальным.
Просвещение и наука, литература и изобразительное искусство, ...
... древнерусской и византийской архитектуры. Другое направление в архитектуре приняло стилизацию деревенского декора изб, орнаментов народного прикладного искусства, вышивок. Третье направление было основано на подражании нарядному московскому ... малой золотой медали «За успехи в рисовании» должен был представить картину на тему «Мир в Валгалле», однако, молодые бунтари во главе с Иваном Крамским ...
Слушая оркестровые сочинения Равеля — «Испанскую рапсодию», хореографическую поэму «Вальс», гениальное, прославившееся на весь мир «Болеро», балет «Дафнис и Хлоя», восхитительный фортепианный цикл «Отражения» и пьесу «Игра воды», понимаешь, что гармонический язык их создателя стал гораздо более острым и терпким по сравнению с тем, что характерен для создателя «Моря» и «Пеллеаса и Мелизанды».
Равеля отличает и особая любовь к испанской музыке, что не случайно. Рожденный в 1875 году в Сибурево французской части Испании, Равель унаследовал от своего отца, швейцарского инженера, любовь к музыке и различным механическим устройствам, воплощенную в его пристрастии к часам, а от своей матери (басконки) — свое влечение к Испании, источнику вдохновения многих будущих произведений. В его наследии недаром и уже называвшаяся «Испанская рапсодия» для оркестра, и опера «Испанский час», и пьеса для двух ф-но «Хабанера», и вокальный цикл «Дон Кихот Дульцинее».
Вместе с тем Равель испытал воздействие и русской музыки — творчества Мусоргского. Балакирева, Бородина и, быть может, особенно Римского-Корсакова. Среди тех, с кем общался композитор были Стравинский и Дягилев, Нижинский и Фокин, Именно Фокин побудил Равеля к созданию балета на античную тему. Так возник балет «Дафнис и Хлоя», ставший одним из высших достижений композитора.
Есть у Равеля и написанные для фортепиано в 4 руки, а затем переложенные для оркестра музыкальные иллюстрации к сказкам для детей под общим названием «Сказки матушки Гусыни»: «Павана Спящей красавицы», «Мальчик-с-пальчик», «Принцесса Дурнушка», «Волшебный сад».
Новаторский дар Равеля ярко проявил себя и тогда, когда он обращался к классическим жанрам, ведь в его наследии есть и сонатина, и квартет, и трио, и два прославленных фортепианных концерта, которые свидетельствуют о том, что их создатель был блестящим пианистом. Безукоризненное владение композитора всеми тайнами фортепианного искусства проявило себя и в сюите «Ночной Гаспар», где получили музыкальное воплощение образы одноименного произведения Алоизия Бертрана, и в фортепианном цикле «Могила Куперена», в котором Равель отдал дань уважения не только Куперену, но всей французской музыке 18 века.
2. Архитектура ХХ века
Говоря об основных характеристика архитектуры XX в. и об основных тенденциях в ее развитии, необходимо упомянуть главное: архитектура не знала кризиса, подобного живописи. Это объясняется, во-первых, бурным развитием техники, ростом городов, потребностью в строительстве, решении художественно-планировочных задач и, во-вторых, интенсивными послевоенными восстановительными работами. Архитектурный облик стран и восстанавливался, и создавался заново. Архитектуру XX в. характеризуют не только новые строительные технологии, но и новые строительные материалы и конструкции их них: железобетон, цемент с различными наполнителями, сталь, бетон, пенобетон, стекло, полиматериалы, применение которых привело к поиску новых стилей. Эклектика конца XIX в. как архитектурный стиль теряет свое значение. На смену ей пришел модерн, суть которого состоит в соединении рациональных конструкций, с применением современных строительных материалов. В Германии этот стиль называется югендстиль, или сецессион, во Франции — ар нуво.
Японские мотивы в искусстве модерна
... Японские мотивы”. Задачи исследования: Изучить историю возникновения книжной закладки; Выявить особенности японской гравюры; Проанализировать художественную и методическую литературу; Методической основой являются труды по изобразительному искусству, ... современных книг. Свитки папируса были ещё распространены, когда в первом столетии нашей эры появились старинные рукописи. Постепенно их ...
Модерн как стиль появился в конце XIX в. Его суть — в противопоставлении старой архитектуре новой, оригинальной и по-своему логичной архитектурной формы. Модерн явился средством преодоления эклектизма и преследовал цель создания современного, нового, универсального синтетического стиля. Архитекторы модерна при формировании планов и композиций зданий смело шли на применение ассиметричных решений в группировке объемов и архитектурных деталей. Применялись манерные, абстрактные и растительные мотивы, среди которых отдавалось предпочтение вьющимся цветам, болотным растениям, водорослям. В раннем модерне легко утрируется форма, применяется порой чрезмерная декорировка. В то же время проявляется тенденция к постепенному переходу от надуманных и усложненных форм к более логичным, простым и четким конструкциям. Модерн периода декаданса переходит в свою позднюю стадию. Главное внимание переносится на эстетическую выразительность основных конструктивных элементов, пропорции фасадных плоскостей, окон, простенков, дверей, отдельно стоящих опор. Обнаруживается стремление к простоте и экономии композиционных эстетических средств, выявлению назначения здания и особенностей стройматериалов. Модерн ознаменовал собой новый подход к проектированию утилитарных сооружений — мостов, складов, цехов, магазинов, вокзалов, выставочных залов и т.п. Применение железного каркаса в строительстве (сборных стальных конструкций) и железобетона совершило переворот в архитектуре. Патент на выработку железобетонных изделий был получен Ж. Монье в 1867 г. Эта дата открыла эру железобетона, позволила проектировать системы гигантских пролетов при минимальных сечениях, делать летящие навесы и уменьшать до предела размеры и сечения опорных элементов — стен и столбов. Провозвестником нового этапа в архитектуре стала Эйфелева башня (высота 312 м.), построенная их стальных сборных конструкций инженером Г. Эйфелем. Первый жилой дом, в котором были применены новые строительные принципы и материалы, был сооружен в Париже в 1903 г. Вершиной архитектуры довоенного времени стали огромные сводчатые ангары парижского аэропорта Орли: тонкостенный «гофрированный» железобетон, придавший сооружению выразительность и прочность.
Наиболее известными архитекторами, работавшими в стиле модерн, были О. Вагнер, И. Ольбрих, Ванде Вельде, Ч. Макинтош, Л. Салливэн, О. Перре, Ф.-Л. Райт.
Мировая война приостановила развитие модерна, но технический уровень архитектуры продолжал повышаться. Подъем строительства начался с 1924 г., когда в капиталистических странах начался период относительной экономической стабилизации. Новая архитектурная школа — баухауз — стала центром архитектурной деятельности в Германии. Ее творческой основой был «функционализм», т.е. «то хорошо, что хорошо функционирует». Архитекторам баухауза свойственны геометризация форм и контрастные сочетания гладких стен с большими плоскостями зеркального стекла, черты экспрессивности и романтики в архитектуре. Одно из главных достижений архитектуры этого времени — попытки решения проблемы «минимального жилья», дешевого жилья, соединявшего особую экономичность с комфортом буржуазной квартиры, что не могло не сказаться на решении жилищной проблемы в капиталистических городах. Широкую известность и руководящее положение в архитектуре в эти годы приобретает Ле Корбюзье, который видел истинную красоту в четкой ясности геометрических объемов, в простоте и логике современных железобетонных конструкций: «Дом — это машина для жилья». Единственным источником архитектурно-эстетической выразительности, по его мнению, является архитектурная конструкция. Он создавал оригинальные, элегантные и красивые здания. В качестве лидера «новой архитектуры» Ле Корбюзье выдвинул пять тезисов, определяющих современный стиль:
Синтез искусств в театре, кино, на телевидении
... шоу на телевидении, в которых для вовлечения зрителя в пространство, в атмосферу, задуманные по сценарию, используют ослепительные цветомузыкальные и световые эффекты, часто агрессивную звуковую среду. Синтез искусств сегодня можно наблюдать в архитектуре музеев, театров, ...
1. Столбы (здание на столбах, которые заменяют первый этаж);
2. Плоская крыша (с использованием ее в качестве сада),
3 Свободное оформление плана (свайная каркасная система, доходящая до крыши, что дает возможность располагать внутренние стена в любых местах);
4. Удлиненное окно (вследствие каркасной конструкции горизонтальные ленточные окна могут располагаться по всему фасаду).
5. Свободное оформление фасада (каркас дает возможность распределять окна «без прямого отношения к внутреннему членению здания»).
В своей книге «Урбанизм» он предложил проект идеального многонаселенного города с деловой частью, индустриальной зоной и зоной садов. Именно ему принадлежит идея домов-небоскребов.
Небоскребы раннего периода обладали чертами ретроспек-тивизма, но со временем их облик приобрел черты геометризации, конструктивизма, а потом приблизился и к ультралаконичному. Кроме Ле Корбюзье и Ф. Райтта крупнейшими архитекторами были К. Мельников, О. Нимейер, В. Гропиус, осуществившие многие оригинальные проекты. Развитие архитектуры в послевоенное время осуществлялось подлозунгом «новой архитектуры», вобравшей в себя передовые направления предыдущих лет, как универсального «интернационального» стиля, стандартизации и утилитарности. Технические возможности обеспечивали высокий уровень строительства, позволяли прибегать к самой широкой фантазии. Для оценки качества архитектурных сооружений была выработана специальная категория «хайтек» — высококачественная технология. Пришедший в архитектуру постмодернизм, предполагал использование новых необычных конструкций и материалов.
3. Кино в ХХ веке
музыкальный кино архитектура искусство
Одной из отличительных черт культуры XX в. является расширение сфер ее воздействия на людей через средства массовой коммуникации, такие, как радио, кино, телевидение, которые явились продуктами научно-технической революции. Их значение в усилении информационного обмена трудно переоценить. Кинематограф как вид искусства отличается от других своей синтетичностью. В нем синтезированы эстетические свойства литературы, театра, изобразительного искусства, фотографии, музыки, достижения в оптике, механике, химии, физиологии. Популярность кинематографа заключается в свойственной только ему совокупности и многообразию выразительных средств. Кино, зародившись на рубеже XIX-XX вв., возникло под влиянием потребностей общества осмыслить свою историю, жизнь и деятельность и развивалось в русле культуры XX в., поэтому его стили и направления отвечают основным стилям искусства XX в.
Киноискусство исторически подразделяется на виды. В нем сложились четыре основных вида:
1) Художественный (игровой) кинематограф, воплощающий средствами исполнительского творчества замысел кинодраматического произведения, или адаптированного произведения поэзии или прозы.
2) Документальный, являющийся особым видом образной публицистики.
3) Мультипликация или анимация, «одушевляющая» графические или кукольные персонажи (людей, животных, растения, вещи, даже стихии).
4) Научно-популярный кинематограф, использующий средства всех трех жанров для пропаганды знаний.
Киноискусство многогранно по жанрам, но для современного кино характерна тенденция к их взаимопроникновению, реализующаяся в основном посредством новаторских устремлений и приемов. Степень новаторства зависит от уровня творчества кинорежиссера и всех участников творческого коллектива, от качества и совершенства технических средств.
Первые десятилетия после своего возникновения кино как вид искусства лишь завоевывало свою популярность. В 20-е г. кинематограф становится не только популярным и модным видом искусства, но и киноиндустрией: формируются множество киностудий, сеть кинопроката. В это время создаются шедевры раннего, пока еще немого кино — «Броненосец Потемкин» С. Эйзенштейна, «Большой парад» К Видора с Ч. Чаплином, «Алчность» Э. Штрогейма. Творчество режиссеров Д. Вертова, Я. Протазанова, Л. Трауберга, В. Пудовкина, Г. Козинцева складывается именно в это время Третье десятилетие XX в входит в историю кинематографа как начало эпохи звукового кино, что делает его еще более массовым. Господствующее положение в мировой киноиндустрии занимают США. Коммерческие фильмы — экранизации бродвейских мюзиклов — в тот период очень популярны. Но создаются и настоящие произведения искусства: «Новые времена» Ч. Чаплина, «Гроздья гнева» Дж. Форда, «Хлеб наш насущный» К — Видора. В СССР на экраны выходят шедевры отечественного кино «Веселые ребята», «Волга-Волга» и «Цирк» Г. Александрова, «Чапаев» братьев Васильевых и др.
В послевоенный период кинематографический мир потрясли ленты итальянских мастеров неореализма: Л. Висконти, В. де Сика, Р. Росселини, Ф. Феллини, М. Антониони и др. За последние десятилетия мировой кинематограф обогатился не только новыми художественными направлениями, но региональными, национальными школами, которым присущи и прогрессивный взгляд на мир, и глубокий гуманизм, и тонкая лирика. Конкурировать с кинематографом может только телевидение, и по доступности к зрительской аудитории, и по комплексу выразительных средств.
В целом культуре XX в. присуще многообразие ликов, различие способов отношения к миру и к себе подобным, но при этом она едина в своем многообразии, так как развитие культуры как целостности — необходимое условие ее существования.
4. Театр ХХ века в России
Два великих события в театральной жизни знаменуют собой конец 19 века — рождение драматургии Антона Павловича Чехова и создание Художественного театра. В первой же пьесе Чехова «Иванов» обнаружились новые черты: отсутствие деления персонажей на героев и злодеев, неспешный ритм действия при огромной внутренней напряженности. В 1895 году Чеховым была написана большая пьеса «Чайка». Однако спектакль, поставленный по этой пьесе Александрийским театром провалился. Драматургия требовала новых сценических принципов: Чехов не мог прозвучать на сцене без режиссуры. Новаторское произведение было оценено драматургом, театральным педагогом Немировичем-Данченко. Который вместе с актером режиссером Станиславским создали новый Художественный театр. Подлинное рождение Художественного театра состоялось в октябре 1898 года при осуществлении постановки чеховского «Царь Федор Иоаннович». На сцене увидели не актеров, играющих в «публику», а подлинных живых людей, говорящих между собой самым обыкновенным, не приподнятым тоном, словно у себя дома. Людей свободно двигающихся и даже поворачивающихся спиной к зрителю (что казалось особо дерзким).
Душевность и простота игры, естественность полутонов и пауз трогали всех правдивостью. Причем даже те, кто играл выходные и бессловесные роли, не были манекенами, а создавали свой маленький художественный образ. Члены коллектива, создавшего спектакль, направляемые режиссерской волей, были проникнуты и спаяны единой задачей. И это создало небывалый до тех пор в русском театре ансамбль, поражавший общей согласованностью. В декабре состоялась премьера «Чайки», которая с тех пор является эмблемой театра. Спектакль был весь построен на настроении, на едва заметных во внешнем выражении душевных движениях, необычные образы, которые нельзя было показать, изобразить, с ними надо было слиться, их надо было прожить. Постановка «Чайки» содействовала рождению знаменитой формулы: «не играть, а жить на сцене». К спектаклю Станиславский придумал мизансцены, которых никогда в театре не было. Так совместно с Чеховым создавалось то многообразие, которое во многом определило дальнейшие пути развития театра. Это требовало новой техники актерского исполнения. Ведь жить на сцене во много раз труднее, чем представлять. И Станиславский создает свою систему психологического реализма, направленную на воспроизведение «жизни человеческого духа». А Немирович-Данченко разрабатывает учение о «втором плане» когда за высказанным угадывается многое невысказанное.
В 1902 году на средства крупнейшего российского мецената С.Т. Морозова было выстроено известное в Москве здание Художественного театра. Станиславский признал, что «главным начинателем и создателем общественно-политической жизни» их театра был Максим Горький. В спектаклях его пьес «Трое», «Мещане», «На дне» была показана тяжелая доля рабочих и «низов общества», их права, призыв к революционной перестройке. Спектакли проходили при переполненных залах. Дальнейший вклад в сценическую постановку горьковской драматургии связан с именем близкой революционным кругам Веры Федоровны Комиссаржевской. Изнывая от казенщины, которая душила императорскую сцену, она покинула ее и создала В Петербурге свой театр. В 1904 году здесь состоялась премьера «Дачники». Пьесы Горького стали ведущими в репертуаре театра Комиссаржевской.
В начале 20 века появился новый театральный жанр. В 1908 году в Петербурге В.А. Казанским был открыт первый в России театр одноактных пьес. Театр на Литейном был третьим театром антрепренера (после «Невского фарса» и Модерна»).
Афиша театра пестрила страшными названиями: «Смерть в объятиях», «На могильной плите» и так далее. Критики писали, что в театре занимались антихудожественным, раздражительным делом. Зрители валили валом. У Литейного театра был предшественник — парижский театр «сильных ощущений», во главе которого стоял создатель и автор пьес Андре де Лорд. Ему русский театр подражал от репертуара до специфических средств воздействия на публику. Но дух русской жизни не напоминал атмосферу парижских обывателей. Влечение к ужасному, отталкивающему захватывало различные слои российской публики. Через два месяца интерес к театру увял. Главная причина в том, что театр ужасов не мог состязаться с ужасами русской современности. Программы театра сильно менялись, через три года за театром закрепилось жанровое обозначение «Театр миниатюр». Количество театров миниатюр после 1910 года заметно увеличилось. Актеры, ради выгоды, переходят из драмы в театры миниатюр, многие драматические театры кое-как сводили концы с концами, а театры миниатюр росли, как грибы после дождя. Несмотря на разные названия и жанровые обозначения вновь возникших театров, характер их представлений был одинаков. Программы строились из одноактных комедий, опер, оперетт, балета.
