Модерн, постмодернизм и современное искусство

метки: Модерн, Искусство, Постмодерн, Стиль, Форма, Влияние, Жизнь, Галерея

1. Модерн

Блистательный взлет стиля модерн длился немно­гим более десятка лет, однако на рубеже Х1Х-ХХ веков его ор­ганичные формы преобладали во всех направлениях изобрази­тельного искусства и дизайна.

В 1895 г. выходец из Германии и торговец картинами Самуил Бинг открыл в Париже художест­венную галерею. Будучи знатоком и ценителем японского искусства, он распахнул ее двери новейшим течениям в станковых и прикладных жанрах и назвал свое детище «LArt nouveau» — «Новое искусство».

На первом же вернисаже было вы­ставлено богатейшее собрание живо­писи, скульптуры, графики, керами­ки, художественного стекла и мебели, поражавшее разнообразием стилей. Однако при всей этой пестроте у многих выставок галереи были две общие черты: отказ от традиций реа­лизма в пользу символической экзо­тики и преклонение перед декора­тивным потенциалом хлестких, слов­но удар бича, линий.

Со времен Возрождения в запад­ном искусстве безраздельно господ­ствовал реализм. Всевластие реализма возвысило станковую живопись до положения «царицы искусств», отодвинув в тень декоративные и прикладные жанры, поэтому самые даровитые художники тяготели именно к ней. Как результат, при­кладные искусства и характерная для них абстрактная орнаментика оказа­лись на задворках, и к середине XIX в. образовалась настоящая пропасть между станковыми живописцами, ко­торых считали истинными художниками, и прозябавшими на положении ремесленников мастерами декора­тивного искусства.

Искусства и ремесла

Перелом в этой тенденции, сыграв­ший решающую роль в становлении модерна, был, по сути, делом рук од­ного человека — Уильяма Морриса (1834-96).

Негодуя на безвкусицу мас­сового «ширпотреба», Моррис пола­гал, что искусства и ремесла неразде­лимы и все окружающие человека предметы должны быть отмечены печатью художника.

Овладев профессиями красноде­ревщика, стеклодува и печатника, Моррис основал в 1860-х гг. мастерские, в изделиях которых прояви­лось творческое слияние искусств и ремесел. Сам Моррис не знал себе равных в создании орнаментов для шпалер и обойных тканей, черпая вдохновение в растительных моти­вах живой природы.

Одним из сподвижников Морриса был Эдвард Берн-Джонс (1833-98), чей декоративный стиль сформиро­вался под влиянием прерафаэлитов. Тонкое изящество линейных плете­ний Берн-Джонс перенял у средневе­ковых иллюминированных ману­скриптов. Будучи прямым следстви­ем работы мастера в черно-белой книжной графике, эта манера ярко проявилась и в его живописных произведениях, орнаментальные эффек­ты которых были совершенно чужды тогдашнему академизму. Движение искусств и ремесел оказало могучее влияние на развитие стиля модерн.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО И ДИЗАЙН» «Деятельность немецкого Веркбунда

... Моррис (, 1834 - 1896). По мнению Морриса и Рескина, основная беда современного им искусства была в его механичности, фабричности, тогда как что может быть приятнее, чем труд, работа, ... лидер югендштиля (модерна) в 1897 году образовывает с коллегами «Объединённые мастерские искусства и ремесел» в Мюнхене ( ... вплоть до первой мировой войны. Хотя для истории искусства и, в частности, архитектуры XX века ...

В других уголках Европы художест­венные устои подверглись атаке с со­вершенно иных позиций. Постав

ив под сомнение эстетические ценно­сти импрессионизма, художники 1880-90 гг. выплеснули на полотно обуревавшие их идеи и чувства. Вы­рвавшись из пут зримой реальности, приверженцы символизма и члены группы «Наби» заполнили подчерк­нуто двухмерное живописное прост­ранство вихревым буйством красок и, подобно Моррису и Берн-Джонсу, широко использовали пластическое богатство линейного рисунка ¹ .

В 1891 г. студию Берн-Джонса посе­тил 19-летний Обри Бердсли (1872-98), чтобы показать мэтру свои рисун­ки. Под впечатлением увиденного Берн-Джоне предложил юноше создать серию из 350 иллюстраций к ро­ману Мэлори «Смерть Артура». В них ярко проявилось не только увлечение автора эстетикой средневековья, но и влияние элегантной простоты япон­ской графики. К 1893 г. Бердсли довел до совершенства свой неповторимо изысканный стиль, выполнив иллюст­рации к трагедии Оскара Уайльда «Са­ломея». В лаконичном жанре черно-белой графики он создал пленяющие утонченным эротизмом образы, взяв на вооружение твердую линию рисун­ка и сложное сплетение форм. Мастер не признавал полутеней — только чер­ные и белые плоскости, разделенные причудливыми изгибами линий.

Творчество Бердсли произвело фу­рор в мире искусства, и его волнооб­разная линейная графика начала проявляться в работах художников, дизайнеров и архитекторов всей Ев­ропы. Именно в такой манере созда­вал свои декоративные полотна гол­ландец Ян Тороп (1858-1928), в т. ч. пронизанных тревожным символиз­мом «Трех невест» (1893), а в Берлине норвежец Эдвард Мунк (1863-1944) сумел выразить всю бездну горя и от­чаяния в картине «Крик» (1893).

В архитектуре одним из ярчайших представителей нового стиля стал бельгиец Виктор Орта (1861-1947), обратившийся к методам дизайна для изучения конструктивных воз­можностей стекла и стали в серии возведенных в Брюсселе особняков, отелей и офисных зданий. Одним из его первых творений был особняк Тассель, где ритмика хлестких, как удар бича, линий превращает про­стую конструкцию жилого дома в гармоничную художественную ком­позицию. Впервые возникающий на фасаде подвижный растительный мотив пробегает через вестибюль на главную лестницу, рассыпается по стенам, потолкам, паркету и перилам, повторяясь отголосками в чугунном литье, лепнине и росписях.

В домах Виктора Орта линейная гра­фика Бердсли превратилась в орга­ничную пластику ползучих лиан. Этот стиль с успехом подхватил париж­ский архитектор Гектор Гимар (1867-1942), снискавший известность про­ектами станций парижского метро. Даже самые простые из них выраста­ют из земли литыми чугунными стеб­лями, смыкаясь арками над входом.

Этот органичный стиль довел до головокружительных высот знамени­тый испанец Антонио Гауди (1852-1926), чьи феерические творения украшают улицы Барселоны. Если его ранним проектам, в т. ч. «Каса Висенс» (1878-80), присущи геомет­ричность декора и отголоски маври­танского стиля, то в позднейших ра­ботах конструктивные и декоратив­ные элементы сплетаются в извивис­тые, текучие растительные формы, и кажется, будто здание выросло за ночь, как сказочный гриб.

Исследование особенностей стиля модерн в Европе, США и России

... волнистости линий природных форм растительного и животного мира. Линии модерна часто напоминают танцующие, волнистые арабески, проникнутые органической энергией и жизненной силой растений. Другой особенность нового стиля стало стремление архитекторов ...

В признанном шедевре Гауди — неза­вершенном соборе Да Саграда Фамилиа — органичная концепция инже­нерной конструкции придает зданию облик живого существа. Возведение собора началось в 1884 г., но при жиз­ни автора был закончен лишь один из четырех фасадов. Гауди был одним из тех немногих зодчих, чье богатое образное видение и неисчерпаемая фантазия позволяли строить здания, от порога до крыши выдержанные в стиле модерн. Другим архитекторам зачастую не хватало воображения на что-то большее, чем фасад особняка.

Другое дело интерьер и мебель. Ма­лые формы и более податливые мате­риалы вдохновляли мастеров модерна на более тщательную и продуманную отделку, и такие дизайнеры, как Хенри Ван де Велде (1863-195″).

создавали эффектные эскизы предметов внут­реннего убранства: письменных сто­лов, подсвечников, светильников и столовых приборов. Столь безудерж­ный полет фантазии был далёко не всем по вкусу. Последователь Морриса Уолтер Крёйн называл модерн «стран­ной декоративной болезнью», и мно­гие находили уродливыми гротеск­ные образы Бердсли, Мунка и Торопа, утрированные формы Гимара и Гауди.

Подобные эстетические проблемы нимало не тревожили Чарльза Ренни Макинтоша (1868-1928).

В его твор­честве нашла выражение скорее изы­сканно-сдержанная японская грань модерна, нежели чувственно-дека­дентские эксперименты Бердсли и его последователей.

Вместе с женой Маргарет Макдональд, ее сестрой Фрэнсис и мужем сестры Гербертом Макнейром Ма­кинтош создал утонченный, холод­ный, прямолинейный стиль в архи­тектуре, декоре и мебели. «Четверка» работала главным образом в Глазго, реализуя такие проекты, как «Ивовые чайные комнаты», стены которых ук­рашены в японском стиле женскими фигурами, вплетенными в стилизо­ванные растительные мотивы на плоском монохромном фоне. Те же изысканные растительные мотивы повторяются в очерченных верти­кальными металлическими пегэепле-тами дверных витражах, мебели и светильниках чайных комнат.

С особой силой этот стиль про­явился в самом крупном творении Макинтоша — здании Школы ис­кусств в Глазго. Вся его конструкция монументально сурова и практична, ничем не напоминая органичные формы Гимара и Гауди. Впрочем, и здесь стилизованные растительные мотивы возникают в очертаниях де­коративного литья.

Прямолинейный стиль Макинтоша и его соратников оказал сильное вли­яние на творчество австрийского жи­вописца Густава Климта (1862-1918), едва ли не самого последовательного живописца стиля модерн. В своем са­мом известном полотне Климт окру­жил созданную «четверкой» вытяну­тую женскую фигуру мерцающим узором абстрактных форм и много­цветьем красок с металлическим отблеском, приводящих на память полихромную стенную керамику Ан-тонио Гауди. Обратившись к технике мозаики, Климт добился ослепитель­ного эффекта в своих фресках для дворца Стокле в Брюсселе (1905-11) ² .

К 1910 г. почти все титаны модерна обратились к другим художествен­ным стилям, и на их место пришли посредственные эпигоны. И все же, несмотря на короткий век, этот динамичный стиль оказал непрехо­дящее влияние на искусство, а его архитектурное наследие по сей день радует наш глаз.

Искусство. Виды и формы искусства

... рельеф), станковую (портрет, жанровые сцены, статуи), скульптуру малых форм (игрушки, медальное искусство, резьба по камню). По форме изображения различают: объемную трехмерную скульптуру, то есть допускающую измерение ... средств и приемов, проявляющаяся в выборе архитектурных форм, их пропорций и декоративных украшений, формирующих архитектурный стиль, характерный для той или иной эпохи или ...

2. Постмодернизм

Понятие «постмодерн», в какой-то мере близко понятию демократия. Демократизация общества есть его постмодернизация: разрушается единый стиль культуры, возникает культурный плюрализм, нарастают процессы усреднения людей и возвышения массовой культуры, уменьшается возможность появления гениев и героев, возвышающихся над толпой. Постмодерн воспринимает эти результаты демократизации как норму и изобретает интеллектуальные и художественные средства их изображения.

Постмодернистские писатели создают художественные произведения, в которых нет ни героев, ни личностей, ни лидеров. Творцы постмодернистского искусства как бы снимают кальку с демократических процессов в своих произведениях, где все направлено на разрушение иерархии ценностей, уравнивание «святого и бесовского», забвение имен и дат, смешивание стилей и времен, ироническое восприятие традиции, истории, авторитетов.

Демократизация общества, возвысив массовую культуру и сделав ее господствующей, поставила перед искусством задачу удовлетворить потребности массового «потребителя». Постмодернистское искусство отреагировало на этот социальный «запрос» идей «двойного кодирования», т.е. совмещения в одном произведении двух адресатов: культурной элиты и человека «с улицы». Но такого рода попытки закончились неудачно, ибо смысловая и тематическая многослойность художественного произведения затруднили процесс его восприятия даже для «высоколобой» элиты.

В конце XX века общественное сознание характеризуется сложностью и многоплановостью. В нем на равных уживается наука, мифология, герметизм, мистериальные религии, воззрения Востока (буддизм и индуизм), гностицизм, архаика и т.д. По сути в культуру конца XX века вернулись все древнейшие формы сознания, начиная с языческих. К чему это может привести? С одной стороны, ситуация мировоззренческого плюрализма активизирует свободу индивидуального начала в человеке, которому теперь как бы разрешено совмещать в своем опыте и мышлении научность и мистику, рациональность и мифологичность. Это, бесспорно, дает человеку возможность быть более восприимчивым ко всему новому, расширяет горизонт для продуктивного творчества. Но, с другой стороны, безбрежный плюрализм делает культуру неустойчивой, неравновесной, хрупкой, создает в ней опасные напряжения, могущие опрокинуть ее в хаос несовместимых друг с другом интерпретации мира, что грозит наступлением эпохи всеобщего разобщения и взаимного непонимания.

Ситуация, когда «все в разладе со всем», когда сосуществуют разнородные, противоречивые культурные и мировоззренческие установки и способы отношения к миру и обществу, может разрешиться двумя способами: или культура не сумеет выбраться из хаоса и неопределенности, что чревато ее гибелью, апокалипсисом, или произойдет синтез языческого, архаического, мистического, научного и т.д. мировоззрений, что обеспечит переход к какому-то новому культурному порядку и мировоззрению, означающему смену культурной парадигмы.

С началом перестройки ситуация в жизни страны изменилась радикальным образом. Культурная жизнь стала несравненно сложнее, разнообразнее, многовариантнее. Театральный репертуар стал также более разнообразным, появилось множество новых театров и студий. К концу XX в. Россия вновь оказалась на перепутье. Но, как бы ни сложилась ее судьба в следующем столетии, русская культура остается главным богатством страны и залогом единства нации.

«Искусство и художники Северного Возрождения

... контекста глубоких духовных перемен привнесенных в европейскую культуру реформацией не может быть правильно понята сущность искусства Северного Возрождения. Нидерланды Новизна ранней нидерландской живописи заключалась, ... нидерландского художника этого периода Иеронима Босха лишь в пейзажных далях сохраняет этот восторг перед божественной красотой мироздания, в его произведениях торжествует ...

Период с 1985 г. оказался для русской литературы сложным и очень плодотворным. Но анализ всего произошедшего в литературе — дело необычайно трудное и потребует временной дистанции.

Подошел к своему завершению большой, разноплановый, не подающийся однозначной оценке период истории культуры XX столетия. Определяющими его развитие являлись три фактора: социально-политический, национальный и интернациональный, идейно-художественный. Именно они заполнили собой историко-художественную ситуацию XX века.

3. Современное искусство

Идя в ногу с изменяющимся ми­ром, художники послевоенных лет обретали новый взгляд на ре­альность. Результатом этих перемен стали весьма спорные произведения, которые многим кажутся совершенно оторванными от искусства и реальной жизни. Но, пристальнее взглянув на послевоенный период и уяснив, что в те годы шло переосмысление самого содержания искусства, мы сумеем понять его современные, пусть даже самые эксцентричные формы.

искусство зародилось еще до начала I мировой войны. Уже в ра­ботах Марселя Дюшана (1887-1968) и его последователей впервые появились обыденные предметы ширпотреба. Так, в 1917 г. Дюшан выставил под име­нем Р. Матт свое скандальное творе­ние — писсуар, — назвав его «Фонтан».

Важная роль в послевоенном ис­кусстве принадлежит и сюрреалис­там, которые в 1920-30 гг. утвердили значение подсознательного и ирра­ционального.

В годы II мировой войны фашистские и коммунистические власти объявили вне закона эту отрешенную от реальности форму искусства. Однако с наступлением мира все препоны рухнули, и абстракционизм расцвел «пышным цветом».

На сей раз он обрел второе дыхание, став символом свободы и авантюрно-героического начала. Абстрактное искусство нередко несло мощный эмоциональный заряд человеческих страданий и бедствий, облекая их в загадочно-притягательные формы. Заново переживая в этих образах минувшие несчастья, зритель черпал в них новые силы и даже эсте­тическое наслаждение. Этот способ выражения в дерзких отвлеченных формах сокровенных эмоций и ощу­щений реальности получил название экспрессивного абстракционизма.

Когда к концу II мировой войны Америка стала сверхдержавой, всемирный центр искусств перемес­тился в Нью-Йорк, и сюда из послево­енной европейской разрухи потянул­ся цвет художественной элиты. Вид­нейшим представителем нью-йорк­ской школы 1940-х гг. был Джексон

Поллок (1912-56), опиравшийся в своем творчестве на искусство индейцев и творения мексиканских художников-монументалистов.

Вскоре Поллок стал пионером «спон­танного формотворчества». Отказав­шись от кисти, он разбрызгивал краску на расстеленный холст импульсивны­ми движениями рук, а затем с помощью разных инструментов — от кельмы или ножа до песка и битого стекла — прида­вал холсту рельефную текстуру. Поллок заявлял: «Я хочу не иллюстрировать свои чувства, а выражать их».

Еще одна группа абстрактных экс­прессионистов практиковала т. н. жи­вопись цветовых пятен. К примеру, Марк Ротко (1903-70) добивался сильного целостного эффекта, поль­зуясь яркими красками и крупными простыми формами, вовлекающими зрителя в глубь картины.

Бок о бок с экспрессивным абстрак­ционизмом развивались и фигуративные течения. После войны, поста­вившей под сомнение смысл челове­ческого бытия, в искусстве появились новые образы человека, зачастую на­веянные фотодокументами эпохи. Так, в «Склепе» Пабло Пикассо (1945) застыли в вечной муке изможденные тела узников концлагерей.

По произведению Война и мир Толстого

... совершенствованием своего внутреннего мира и тогда, можно стать по-настоящему счастливым человеком. Война и мир – к 150-летию великой книги 10 класс По роману Война и мир Несколько интересных сочинений Произведение написано в стиле ... эту тему, автор показывает ее благодаря семьям Болконских и Ростовых. Толстой раскрывает их характер, отношение к жизни, а так же семейный уклад. Например, семья ...

Пожалуй, больше всего споров в послевоенной Англии вызывало творчество Фрэнсиса Бэкона (1909-92), который в погоне за мощными всплесками эмоций тоже обращался к фотографии. Его картины часто по­рождают гнетущую тревогу и даже шокируют зрителя тщательно выпи­санными освежеванными тушами, зияющими ранами и т. д.

Свой неповторимый стиль присущ фигурам швейцарского скульптора и живописца Альберто Джакометти (1901-66).

Художник был одержим про­блемой соотношения массы и прост­ранства в скульптуре, и потому так призрачно тонки его люди и звери, словно изъеденные окружающей пустотой.

В 1950-е годы начался быстрый подъем экономики. Общество богате­ло, совершенствовались технологии кино и телевидения, рекламы и СМИ. На передний план вышла коммерчес­кая и потребительская культура, по­родившая спрос на ширпотреб, и за пределами нью-йоркской школы за­родилось движение к сдержанной точности форм и образов, придавав­шей им облик «машинной работы».

На свой лад попыталось вырваться за рамки живописного холста еще одно художественное течение. Его первопроходец Роберт Раушенберт (р. 1925) сумел сломать своими трех­мерными ассамбляжами извечные барьеры между живописью и скульп­турой. Это течение, охватывавшее зрителя пространственными компо­зициями наподобие реального окру­жения, получило название энвайрон-мент-арт.

выразить собственный взгляд на окружающий мир, послево­енные скульпторы обращались к са­мым обыденным материалам. Так. американец Дэвид Смит (1906-65) сваривал металлические полосы, предоставляя зрителю созерцать пей­заж сквозь просветы в своем творе­нии, а его собратья находили приме­нение всевозможному хламу вплоть до разбитых автомобилей.

На рубеже 1950-60 гг. желание сте­реть границы между искусством и жизнью, сделав зрителя соучастни­ком творчества, было доведено до крайних пределов в т. н. хеппенингах («происходящем»).

В одном или не­скольких помещениях разворачива­лось некое действо, привлекавшее к участию зрителей. В отличие от тра­диционного театрального спектакля, оно не имело связного сюжета, а в его эпицентре находились зрители, непосредственно переживающие не­повторимый творческий процесс.

В условиях дальнейшей коммерциали­зации искусства и отхода от экспрес­сионизма в середине 1960-х гг. в Евро­пе и Америке зародилось новое тече­ние, широко использовавшее объекты массовой культуры, — поп-арт.

Отрицая экспрессионизм, поп-арт оперирует готовыми изображениями. Например, художник и кинематогра­фист Энди Уорхол (1928-87) создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин» (1962) из многократно повторенных трафаретных отпечатков фотопорт­рета Мэрилин Монро.

Многие образы пришли в поп-арт из телевидения, мультфильмов и кра­сочных товарных упаковок. Отлично передает стиль поп-арта созданное в технике коллажа творение Ричарда Гамильтона (р. 1922) «Так что же дела­ет современные дома столь разными и привлекательными?».

Искусство Западной Европы второй половины XIX в

... условий для развития архитектуры как вида искусства. Ведущее место в искусстве второй половины XIX в. занимала Франция. Лучшие художники боролись с рутиной академического искусства, открывали новые направления в живописи. 1. Реализм ...

Сделав своим главным выразитель­ным средством продукты массовой культуры, поп-арт заставляет зрителя признать ее мощное влияние и по своей природе является едва ли не са­мой доступной формой современного искусства, так или иначе находящей отклик в душе любого человека.

Пока художники экспериментиро­вали с новыми техническими при­емами и материалами, у традицион­ных масляных красок появился силь­нейший конкурент — акриловые крас­ки, обладавшие целым рядом преиму­ществ: они могли быть любой густоты, не оставляли мазков и быстро сох­ли. Это помогало добиваться едино­образия в манере письма, придавая всему произведению оттенок ано­нимности, и художники взяли в руки пульверизаторы, которые прежде ис­пользовались оформителями для ров­ного нанесения красочного слоя. Скульпторы тоже активно изучали возможности искусственных матери­алов — пластмасс и стекловолокна.

Между тем американцы Моррис Луис (1912-62), Барнетт Ньюмен (1905-70) и их единомышленники сделали но­вый шаг в развитии абстракциониз­ма. В их картинах доминировали главные элементы живописи — цвет и плоскость холста. Этот стиль, извест­ный как постживописная абстракция, опирался исключительно на зритель­ное восприятие простых форм в со­стоянии контраста или гармонии, ут­верждая право произведения сущест­вовать только в силу его «бытия». В развивавшемся параллельно с поп-артом минимализме художники стре­мились обнажить основы, размытые в концептуальных аспектах поп-арта. К примеру, Карл Андре (р. 1935) взял для своих «Срезов» (1967) одинаковые бетонные блоки и расставил их так, что они сплошь покрыли пол галереи. Грубая материальность блоков не только обеспечила само существование про­изведения, но и возложила некоторую ответственность на его владельца, ибо с каждой перестановкой составных элементов немного изменяется все творение. Любопытно, что сам художник так не обязательно должен приложить к нему руку, ибо зрителю выдаются подробные инструкции по расстановке ³ .

К концу 1960-х гг. в творческих кругах сложилось ощущение, что произведений искусства создано стишком много, и пришло время искусства разума. Так зародился концептуализм исходивший из того, что важен не сам изображаемый предмет, а то. что он означает, и наша реакция на него обусловлена не чувственным воспри­мем, а работой мысли.

Этот образ мыслей подсказал некоторым художникам и вовсе экстравагантные идеи. В 1967 г. американский скульптор Клас Олденберг (р. 1929) вырыл несколько ям в нью-йоркском центральном парке, после чего благополучно их закопал. А Христо Явачев (р. 1935) прославился, упаковывая в ластик то огромные участки земли на австралийском побережье, то известные памятники архитектуры.

Отход от произведения искусства как некоего постоянно существующего объекта нашел выражение в ленд-арте и перформансе. Представитель ленд-арта Роберт Смитсон (1938-73) избрал объектом своего творчества природную среду.

Перформанс — это своеобразное представление художника перед зрителями, которое в оригинале можно запечатлеть толь­ко на видеопленке. В своем перфор­мансе «Койот» (1974) Джозеф Бойс (1921-86) провел целую неделю на отгороженном участке художествен­ной галереи в обществе живого койо­та, исследуя глубины взаимного об­щения, которых в обычной жизни достичь не возможно.

К середине 1970-х гг. в искусстве про­изошел некоторый возврат к традици­онным ценностям, и поводом к созда­нию произведения все чаще служили личные переживания либо интерес­ный образ. Люсьен Фрейд (р. 1922) был в числе тех, кто отказался от акри­ловых красок в пользу масляных, щед­ро покрывая ими огромные полотна.

Оптимальные методы консервации и реставрации произведений станковой ...

... художников и реставраторов. Руководство охватывающее основные виды процессов консервации и реставрации масляных картин. Глава 1. История и состояние памятника 1.1 История создания произведений масляной живописи Применение масляных красок ... метода так называемый социалистический реализм - очередной вариант академического искусства, призванный воспитывать людей в духе коммунистической морали. В 1932 ...

Содержание вновь обрело мощный эмоциональный заряд, проявляясь буйством страстей, как в сцене распя­тия Христа кисти Райнера Феттинга (р. 1949).

Это направление было назва­но новым экспрессионизмом.

Художники послевоенных лет каждый на свой лад старались заявить о своем существовании и окружающем мире. Успех или провал на этом поприще во многом зависит от зрителя, ибо про­изведение зачастую вызывает совер­шенно иные эмоции, нежели те, что были вложены в него автором. Не од­на попытка приблизить произведения искусства к зрителю потерпела крах, ибо их просто не посчитали таковы­ми. Впрочем, не исключено, что имен­но так их творцы достигли цели, дав повод к жарким дискуссиям и спорам ⁴ .