Постмодернизм (постмодерн, поставангард) — совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда, отражающее современное состояние западного общества в целом. Подчас довольно трудно провести четкое разграничение между модернизмом и постмодернизмом. К отличительным признакам искусства постмодерна относят предельный эклектизм и полифонию стилей и жанров, децентрацию композиции, разорванность сюжетных линий, дискретность повествования. Для постмодернистских произведений характерны цитатность, постоянная игра смысла, многоуровневые отсылки. Постмодерн возводит в принцип иронию и самоиронию, скептически относится к какой бы то ни было самотождественности, стремится к уничтожению всяческих иерархий, ограничений и границ, в том числе различий между «высоким» («элитарным») и «низким» («массовым») искусством, между автором и потребителем, между произведением искусства и зрителем, активно использует новейшие технологии в творческом процессе (Интернет).
Интеллектуальное ядро постмодернизма образует философия постструктурализма, развивающаяся со времен студенческой революции (1968) главным образом во Франции и США и направленная на преодоление ограниченности структуралистского анализа текста, языка, смыслообразования, на вскрытие «неструктурных» моментов структуры (Ж. Деррида, М. Фуко, Ж. Делез, Ж. Бодрийар).
Нередко философия постструктурализма смыкается с литературной критикой (Р. Барт, Ф. Джеймисон, «Йельская школа») и политическими течениями.
1. Постмодернизм в искусстве
Исследователи отмечают двойственность постмодернистского искусства: утрату наследия европейских художественных традиций и чрезмерную зависимость от культуры кино, моды и коммерческой графики, а, с другой стороны, постмодернистское искусство провоцирует острые вопросы, требуя не менее острых ответов и затрагивая самые насущные проблемы морали, что полностью совпадает с исконной миссией искусства как такового.
Постмодернистское искусство отказалось от попыток создания универсального канона со строгой иерархией эстетических ценностей и норм. Единственной непререкаемой ценностью считается ничем не ограниченная свобода самовыражения художника, основывающегося на принципе «всё разрешено». Все остальные эстетические ценности относительны и условны, необязательны для создания художественного произведения, что делает возможным потенциальную универсальность постмодернистского искусства, его способность включить в себя всю палитру жизненных явлений, но также зачастую приводит к нигилизму, своеволию и абсурдности, подстраиванию критериев искусства к творческой фантазии художника, стиранию границ между искусством и другими сферами жизни.
Постмодернизм в изобразительном искусстве
... своеобразия и роли постмодернизма в художественно-эстетических процессах современной культуры, анализ постмодернистской теории и практики. Задачи: Обобщить результаты и выводы научных трудов о постмодернизме как направлении в искусстве; Из собранного ...
Существование современного искусства Бодрийяр видит в рамках противопоставления разума и стихии бессознательного, порядка и хаоса. Он утверждает, что разум окончательно потерял контроль над иррациональными силами, которые стали доминировать в современной культуре и обществе. Согласно Бодрийяру, современные компьютерные технологии превратили искусство из сферы символов и образов, имеющих неразрывную связь с подлинной реальностью, в самостоятельную сферу, виртуальную реальность, отчужденную от подлинной реальности, но не менее эффектную в глазах потребителей, чем подлинная реальность и построенную на бесконечном самокопировании.
В настоящее время уже можно говорить о постмодернизме как о сложившемся стиле искусства со своими типологическими признаками.
Использование готовых форм — основополагающий признак такого искусства. Происхождение этих готовых форм не имеет принципиального значения: от утилитарных предметов быта, выброшенных на помойку или купленных в магазине, до шедевров мирового искусства (всё равно, палеолитического ли, позднеавангардистского ли).
Ситуация художественного заимствования вплоть до симуляции заимствования, ремейк, реинтерпретация, лоскутность и тиражирование, дописывание от себя классических произведений, добавившаяся в конце 80—90-х годов к этим характеристическим чертам «новая сентиментальность», — вот содержание искусства эпохи постмодерна.
Постмодернизм обращается к готовому, прошлому, уже состоявшемуся с целью восполнить недостаток собственного содержания. Постмодерн демонстрирует свою крайнюю традиционность и противопоставляет себя нетрадиционному искусству авангарда. «Художник наших дней — это не производитель, а апроприатор (присвоитель) со времен Дюшана мы знаем, что современный художник не производит, а отбирает, комбинирует, переносит и размещает на новом месте… Культурная инновация осуществляется сегодня как приспособление культурной традиции к новым жизненным обстоятельствам, новым технологиям презентации и дистрибуции, или новым стереотипам восприятия».
Эпоха постмодерна опровергает казавшиеся ещё недавно незыблемыми постулаты о том, что «…традиция исчерпала себя и что искусство должно искать другую форму» (Ортега-и-Гассет) — демонстрацией в нынешнем искусстве эклектики любых форм традиции, ортодоксии и авангарда. «Цитирование, симуляция, ре-апроприация — все это не просто термины современного искусства, но его сущность», — (Ж. Бодрийяр).
Концепция Бодрийяра основывается на утверждении о необратимой порочности всей западной культуры (Baudrillard, 1990).
Бодрийяр выдвигает апокалиптический взгляд на современное искусство, согласно которому оно, став производным от современных технологий, безвозвратно потеряло связь с реальностью, стало независимой от реальности структурой, перестало быть подлинным, копируя свои собственные произведения и создавая копии копий, симулякры симулякров, как копии без оригиналов, становясь извращенной формой подлинного искусства.
Смерть современного искусства для Бодрийяра происходит не как конец искусства вообще, а как смерть творческой сущности искусства, его неспособность создавать новое и оригинальное, в то время как искусство как бесконечное самоповторение форм продолжает существовать.
Философия искусства
... философского знания и вместе с тем особая дисциплина в системе наук об искусстве. Философия искусства содержит анализ художественного творчества и объясняющих это творчество теоретических концепций, она рассматривает искусство как ... в чувственной форме как непосредственное явление истины. «Искусство призвано раскрыть истину в чувственной форме». Тем самым искусство выступает как образное воплощение ...
Аргументом для апокалиптической точки зрения Бодрийяра служит утверждение о необратимости технического прогресса, проникшего во все сферы общественной жизни и вышедшего из-под контроля и освободившего в человеке стихию бессознательного и иррационального.
В постмодерне слегка видоизменяется заимствованный материал, а чаще извлекается из естественного окружения или контекста, и помещается в новую или несвойственную ему область. В этом состоит его глубокая маргинальность. Любая бытовая или художественная форма, в первую очередь, есть «…для него только источник стройматериала» (В. Брайнин-Пассек).
Эффектные произведения Мерсада Бербера с включениями копированных фрагментов полотен Ренессанса и барокко, электронная музыка, представляющая собой сплошной поток соединённых «диджейскими сводками» готовых музыкальных фрагментов, композиции Луизы Буржуа из стульев и дверных полотен, Ленин и Микки Маус в произведении соц-арта — все это типичные проявления повседневной реальности постмодернистского искусства.
Парадоксальная смесь стилей, направлений и традиций в постмодернистском искусстве позволяет исследователям увидеть в нем не «свидетельство агонии искусства, а творческую почву для формирования новых культурных феноменов, жизненно важных для развития искусства и культуры».
Постмодерн в общем и целом не признает пафоса, он иронизирует над окружающим миром или над самим собой, тем самым спасая себя от пошлости и оправдывая свою исконную вторичность.
Ирония — ещё один типологический признак культуры постмодерна. Авангардистской установке на новизну противопоставлено устремление включить в современное искусство весь мировой художественный опыт способом ироничного цитирования. Возможность свободно манипулировать любыми готовыми формами, а также художественными стилями прошлого в ироническом ключе, обращение ко вневременным сюжетам и вечным темам, ещё недавно немыслимое в искусстве авангарда, позволяет акцентировать внимание на их аномальном состоянии в современном мире. Отмечается сходство постмодернизма не только с массовой культурой и китчем. Гораздо более обосновано заметное в постмодернизме повторение эксперимента соцреализма, который доказал плодотворность использования, синтеза опыта лучшей мировой художественной традиции.
Таким образом, постмодерн наследует из соцреализма синтетичность или синкретизм — как типологический признак. Причем, если в соцреалистическом синтезе различных стилей сохраняется их идентичность, чистота признаков, раздельность, то в постмодернизме можно видеть сплав, буквальное сращение различных признаков, приемов, особенностей различных стилей, представляющих новую авторскую форму. Это очень характерно для постмодернизма: его новизна — это сплав старого, прежнего, уже бывшего в употреблении, использованного в новом маргинальном контексте. Для любой постмодернистской практики (кино, литература, архитектура или иные виды искусства) характерны исторические аллюзии.
Игра — основополагающий признак постмодернизма как его ответ на любые иерархические и тотальные структуры в обществе, языке и культуре. Будь то «языковые игры» Витгенштейна или игра автора с читателем, когда автор появляется в своем собственном произведении как, например, герой романа Борхеса, «Борхес и я» или автор в романе «Завтрак для чемпионов» К. Воннегута. Игра предполагает многовариантность событий, исключая детерминизм и тотальность, а, точнее, включая их как один из вариантов, как участников игры, где исход игры не предопределен. Примером постмодернистской игры могут служить произведения У.Эко или Д.Фаулза.
Эпоха постмодернизма
Наиболее ярко постмодернизм проявил себя в искусстве. Этимология термина «постмодерн» восходит к 1917 году. Впервые его употребил немецкий философ Рудольф Паннвиц в работе «Кризис европейской культуры». Речь шла о новом ...
Неотъемлемым элементом постмодернистской игры служит ее диалогичность и карнавальность, когда мир представляется не в качестве саморазвития Абсолютного Духа, единого принципа как в концепции Гегеля, а как полифония «голосов», диалог «первоначал», принципиально несводимых друг к другу, но взаимодополняющих друг друга и раскрывающих себя через другого, не как единство и борьба противоположностей, а как симфония «голосов», невозможных друг без друга. Ничего не исключая, постмодернистская философия и искусство включают гегелевскую модель в качестве одного из голосов, равный среди равных. Примером постмодернистского видения мира может служить концепция диалога Левинаса, теория полилога Ю.Кристевой, анализ карнавальной культуры, критика монологичных структур и концепция развертывания диалога М.Бахтина.
Критика постмодернизма носит тотальный характер (несмотря на то, что постмодернизм отрицает любую тотальность) и принадлежит как сторонникам современного искусства, так и его неприятелям. Уже заявлено о смерти постмодернизма (подобные эпатирующие высказывания после Р. Барта, провозгласившего «смерть автора», постепенно принимают вид расхожего штампа), постмодернизм получил характеристику культуры second hand.
Принято считать, что в постмодерне нет ничего нового (Гройс), это культура без собственного содержания (Кривцун) и потому использующая как строительный материал все какие угодно предшествующие наработки (Брайнин-Пассек), а значит синтетическая и больше всего по структуре похожая на соцреализм (Эпштейн) и, следовательно, глубоко традиционная, исходящая из положения, что «искусство всегда одно, меняются лишь отдельные приемы и средства выражения» (Турчин).
Современное искусство потеряло связь с реальностью, потеряло свою репрезентативную функцию и перестало отражать хоть в малейшей степени окружающую нас реальность. Потеряв связь с реальностью, современное искусство обречено на бесконечное самоповторение и эклектику.
В силу этого некоторые исследователи утверждают о «смерти искусства», «конце искусства» как целостного феномена с общей структурой, историей и законами. Отрыв современного искусства от реальности, классических эстетических ценностей, замыкание его внутри самого себя, стирание его границ — приводит к концу искусства как самостоятельной сферы жизни. Выход из смыслового тупика некоторые исследователи видят в работах «новых старых мастеров», соединяющих в своем творчестве художественную традицию с новаторскими приемами реализации художественного замысла.
Принимая во многом обоснованную критику такого культурного феномена, как постмодернизм, стоит отметить его обнадеживающие качества. Постмодернизм реабилитирует предшествующую художественную традицию, а вместе с этим и реализм, академизм, классику, активно отрицаемые на протяжении всего ХХ века, служит универсальной экспериментальной творческой площадкой, открывая возможность создания новых, часто парадоксальных стилей и направлений, делает возможным оригинальное переосмысление классических эстетических ценностей и формирование новой художественной парадигмы в искусстве.
Современное искусство: хеппенинг, перформанс, инсталляция, концептуальное ...
... Как интердисциплинарная форма постмодернизма хэппенинг объединяет пластические искусства, театр, музыку, вне художественные феномены; предполагает ликвидацию границ искусства ... не могут сохраниться. Картина, объект, перформанс, инсталляция - основные сферы реализации концептуализма. ... зале. Существует два вида инсталляций: 1. Инсталляцию можно охарактеризовать как самоценную символическую декорацию, ...
Постмодернизм доказывает свою жизненность, помогая воссоединению прошлого культуры с её настоящим. Отрицая шовинизм и нигилизм авангарда, разнообразие форм, используемых постмодернизмом, подтверждает его готовность к общению, диалогу, к достижению консенсуса с любой культурой, и отрицает любую тотальность в искусстве, что несомненно должно улучшить психологический и творческий климат в обществе и будет способствовать развитию адекватных эпохе форм искусства, благодаря которым «…станут видимы и далекие созвездия будущих культур» (Ф. Ницше).
2. Этапы постмодерна
Отдельные предвестия постмодернизма не раз возникали в среде прежнего авангарда (например, в дадаизме), но первым этапным стилистическим рубежом явился постмодернизм в архитектуре (который противопоставил чистому функционализму разнообразные иронические диалоги с традицией), а также поп-арт.
Функционализм — направление в архитектуре 20 в., требующее строгого соответствия зданий и сооружений протекающим в них производственным и бытовым процессам (функциям).
Функционализм возник в Германии (школа Баухауз ) и Нидерландах (Я. Й. П. Ауд); во многом сходны искания конструктивизма в СССР. Используя достижения строительной техники, функционализм дал обоснованные приемы и нормы планировки жилых комплексов (стандартные секции и кварталы, «строчная» застройка кварталов торцами зданий к улице).
Поп-арт — модернистское художественное течение, возникшее во 2-й пол. 1950-х гг. в США и Великобритании. Отказываясь от обычных методов живописи и скульптуры, поп-арт культивирует якобы случайное, часто парадоксальное сочетание готовых бытовых предметов, механических копий (фотография, муляж, репродукция), отрывков массовых печатных изданий (реклама, промышленная графика, комиксы и т. д.).
Здесь, а также, несколько позднее, в видео-арте и фотореализме были сняты все остатки прежних эстетических табу, все разграничения между «высоким» и «низким», привычно прекрасным и привычно безобразным.
Видеоарт — направление в изоискусстве последней трети 20 в., использующее возможности видеотехники. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видеоарт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а производит также экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. С помощью современной электроники показывает как бы «мозг в действии», наглядный путь от художественной идеи к ее воплощению. Главным основоположником направления считается американец корейского происхождения Нам Юнь Пайк.
Гиперреализм (фотореализм), направление в изобразительном искусстве последней трети 20 в., сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Живопись и графика тут зачастую уподобляются фотографии (отсюда его второе название), скульптура представляет собой натуралистические тонированные слепки с живых фигур. Многие мастера гиперреализма (например, живописцы Ч. Клоуз и Р. Эстес, скульпторы Дж. де Андреа, Д. Хэнсон в США) близки поп-арту с его пародиями на фотодокумент и коммерческую рекламу; другие же непосредственно продолжают линию магического реализма, сохраняя более традиционные структуры станковой композиции.
Изобразительное искусство XX века. Основные направления
... в. для реалистического направления характерна непрерывная линия развития при всем том, что и оно знало и знает формалистические субъективно-эстетические течения. В изобразительном же искусстве Франции, особенно ... Его нормандские и средиземноморские пейзажи и натюрморты начала века, веселые и яркие, очень близки фовистским. Но в 20--30-е годы он обретает свое неповторимое лицо. ...
Старые средства выражения (то есть традиционные виды живописи, графики, ваяния и т. д.) вошли в беспрецедентно плотное общение с новыми техническими средствами творчества (помимо фотографии и кинематографа, видеозапись, электронные звуко-, свето- и цветотехника), проявившись прежде всего в поп-арте и кинетизме. Этот электронно-эстетический синтез достиг особой сложности в «виртуальных образах» компьютерных устройств последнего поколения.
Искусство хэппенинга обновило взаимосвязь изобразительных искусств с театром.
Хэппенинг — направление в постмодернизме, перешедшее от создания эстетических объектов к произведениям-процессам, то есть к «художественным событиям», осуществляемым либо самим художником, либо помощниками и зрителями, действующими по его плану; так называют и само это произведение-событие или «акцию» (англ. action).
Его предвестиями были нарочито загадочные, «заумные», порой скандальные акции художников и поэтов футуризма, дадаизма, группы ОБЭРИУ, которыми часто сопровождались их публичные выступления.
Хэппенинги, по духу своему тесно связанные с театром абсурда, могут быть своеобразными микроспектаклями с элементами сюжетности и сложным реквизитом либо более отвлеченными ритмическими, динамичными или стабильными композициями. В них неизменно акцентируется свободное «пространство игры», которое должен прочувствовать зритель-соучастник. Особую популярность они обрели с периода возникновения поп-арта и концептуального искусства, нередко включая элементы видеоарта, феминизма, примыкая к разного рода социально-политическим и экологическим движениям в качестве наглядной пропаганды. К хэппенингу тесно примыкают часто с ним отождествляемые боди-арт и перформанс.
Наконец, концептуальное искусство как важнейший наряду с поп-артом этап постмодерна, представ творчеством «чистых» идей, открыло новые возможности диалога зрительных и словесных форм художественной культуры.
3. Влияние постмодернизма на искусство
Время появления литературного постмодерна некоторые исследователи связывают с выходом в свет книги Дж. Джойса «Поминки по Финнегану» (1939).
Характерные черты постмодернизма проявляются в произведениях Д. Бартелма («Вернитесь, доктор Калигари», «Городская жизнь»), Р. Федермана («На Ваше усмотрение»), У. Эко («Имя розы», «Маятник Фуко»), М. Павича («Хазарский словарь»).
К явлениям российского постмодернизма можно отнести, например, сочинения А. Жолковского, «Бесконечный тупик» Д. Галковского, «Идеальную книгу» Макса Фрая.
Постмодернизм оказал большое влияние на искусство кино. Массовый зритель знаком с постмодернистским кинематографом, в частности по работам американских кинорежиссеров В. Аллена («Любовь и смерть», «Разбирая Гарри»), К. Тарантино («Криминальное чтиво», «От заката до рассвета»).
Фильмы позднего Ж. Л. Годара («Страсть», «История кино») представляют собой образец «интеллектуального» постмодернизма.
Постмодернизм и его влияние на художественную культуру
... искусстве постмодерна процветают разнообразные акции («экшн»): перформанс, хэппенинг и др. Дух постмодернизма ... или художник ... постмодернизма. В изобразительном и театральном искусстве влияние постмодернизма ... постмодернизма можно отнести, например, сочинения ... постмодернизма. Изобразительное творчество постмодернизма (ранним рубежом которого стал поп-арт) провозгласило лозунг «открытого искусства», ...
В изобразительном и театральном искусстве влияние постмодернизма выражается в ликвидации дистанции между актерами (художественным произведением) и зрителем, в максимальной вовлеченности зрителя в концепцию произведения, в размывании грани между реальностью и вымыслом. В искусстве постмодерна процветают разнообразные акции («экшн»): перформанс, хэппенинг и др.
Дух постмодернизма продолжает проникать во все сферы человеческой культуры и жизнедеятельности. Утопические устремления прежнего авангарда сменились более самокритичным отношением искусства к самому себе, война с традицией — сосуществованием с ней, принципиальным стилистическим плюрализмом. Постмодернизм, отвергая рационализм «интернационального стиля», обратился к наглядным цитатам из истории искусства, к неповторимым особенностям окружающего пейзажа, сочетая все это с новейшими достижениями строительной технологии.
«Интернациональный стиль» в архитектуре сер. 20 в., направление, восходящее к строгому рационализму Л. Мис ван дер Роэ. Геометричные, из металла, стекла и бетона структуры «интернационального стиля» отличаются элегантностью, высоким техническим совершенством, однако, в особенности при массовом копировании его образцов, игнорировали своеобразие местных пейзажей и исторической застройки (напр., безликие параллелепипеды отелей «Хилтон», одинаковые в любой точке земного шара).
Критика интернационального стиля явилась важнейшим стимулом формирования архитектурного постмодернизма.
Изобразительное творчество постмодернизма (ранним рубежом которого стал поп-арт) провозгласило лозунг «открытого искусства», которое свободно взаимодействует со всеми старыми и новыми стилями. В этой ситуации прежнее противостояние традиции и авангарда утратило свой смысл.
4. Перфоманс и хэппенинг
Перформанс и хэппенинг зарождаются в рамках модернизма. Именно в этот период благодаря художественным экспериментам появляются синкретичные виды и формы творчества. Изобразительное искусство сближается с театром, музыкой, поэзией. Эксперименты таких художественных направлений как дадаизм, футуризм, сюрреализм могут трактоваться как начало истории перформанса и хэппенинга.
При всём разнообразии эстетических программ многочисленных направлений, появившихся в первой половине XX века и экспериментировавших с театральными формами, процессуальное искусство модернизма обладает рядом общих черт, таких как:
- развитие во времени;
- провокационность, эпатаж, экспериментальность;
- социальность, направленность на зрителя, на его реакцию;
- примат действия, жеста;
- соединение различных видов искусства;
- единичность зрелища;
- нелогичность, случайность, нереальность.
Определение перформанса и хэппенинга в качестве жанров подвергается критике, так как жанр предполагает наличие определённой тематики, набор содержательных особенностей произведения. Этим условиям ни перформанс, ни хэппенинг не отвечают, так как каждый художник в рамках этих форм выбирает волнующую именного его тематику. И уже внутри перформанса и хэппенинга можно выделить определённые жанры, например, социальный, бытовой, политический.
Перформанс, хэппенинг становятся одними из способов самовыражения: живопись, графика, скульптура, театр, музыка и т.д., являя собой соединение всех этих видов творчества. Эти формы художественной активности определяются как виды искусства. Подобное сопоставление позволяет определить перформанс и хэппенинг как новый синтетический вид искусства, который соединяет в себе все практики.
Искусство и современные информационные технологии
... сетевого и медиа) искусства. Наиболее прогрессивным из направлений современного искусства сегодня является видео-арт, который заметно прогрессировал благодаря цифровым технологиям. Он является наиболее демократичным в производстве видом искусства, где кроме камеры, ...
Основная объединяющая линия перформанса и хэппенинга — это отношения зритель-творец. В обоих случаях зритель превращается из стороннего наблюдателя в со-творца, влияющего на становление произведения и испытывающего при этом эффект обратной связи. И перформанс, и хэппенинг являются интерактивными формами искусства. В перформансе и хэппенинге большую роль играет импровизация и случайность. Но в хэппенинге спонтанности и непредсказуемости больше, так как развитие действия движется благодаря участию публики.
Проведённый анализ дает возможность выработать следующие определения:
Перформанс — синтетический вид современного искусства, в котором искусством считается прежде всего сам процесс создания произведения, не требующий активности зрителей.
Хэппенинг — синтетический вид современного искусства, в котором важен процесс совместного творчества публики и художника.
5. Поп-арт
Зарождение и Расцвет
Поп-арт — направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления. Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926-1990).
В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».
Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.
Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство.
Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург и Энди Уорхол.
Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ.)русск. из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.
Направление в искусстве «оп-арт»
... 1997г. работал во Франции), основоположник оп-арта. Рис.1. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, ... в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления -- Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и ...
Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Куниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».
Представители поп-арта: Том Вессельман, Ричард Гамильтон, Ред Грумз, Аллан ДАрканджело, Джим Дайн, Джаспер Джонс, Ален Джоунс, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Питер Блейк, Мел Рамос, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист, Эд Руша, Джордж Сегал, Уэйн Тибо, Энди Уорхол, Питер Филлипс, Кейт Харинг, Дэвид Хокни, Марисоль Эскобар.
Зарождение
После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами.
Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Множество создателей поп исскуства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов (общество «Dada»), когда форма не моделирована из материала, но составленна из искуственных обьектов. Так ассамбляж стал трамплином для многогранного мышления, которое становятся всё важнее для художника — для искусства окружающей среды и хепеннинга. Он так же ведёт и к новым формам реализации творчества: объединение пространственных обьектов, в которое может воити и сам зритель — в инсталяции.
Поп исскуство так же имело влияние и для искусства среды без хэппенинга. Художники вступали в эксперименты с реальными объектами. Уже абстрактный экспрессионизм противоречил идее произведения искусства, как законченного объекта. Хотя его представители не стремились превратить живопись в публичную акцию и сам живописец был зрителем своих действий, публике было предложено в мыслях воссоздать то, как работа получала форму.
Другой шаг — переход к действию, который был бы не только частью творческого процесса, но и частью самого творчества. Это воплощено в хэппенинге- переходит к пустому действию, которое становится частью художественного действия. Первооткрывателем этого считался Ив Клейн. Именно он взялся за нетрадиционные образы искусства. Действуя под влиянием стихий созданные работы он назвал «космогонией». В 1960 в галерее искусства в Париже, для музыкантов, играющих различные произведения, он создал картины «живой кисточкой»- покрашенными в голубой цвет обнажёнными моделями. Они прижимаются к полотнам всем телом оставляя отпечаток. Эти действия поражали зрителей. Им было показанно прямое действие, вернее множество происходящих дейсвий без комментария, логики. И действующий человек, и предмет, и сам зритель- это художественная совокупность одинаковых действий. Такие акции не были пригодны для галерей, музеев, они воплощали художественные и интеллектуальные настроения того времени.
Классики хэппенинского поп исскуства также как Диво «Аварии» или Ольденбурга «Магазинные дни», происходили в создании среды самих художников. Художественной среды ощущения хепининг выплёскивает в ситуацию, в которой значатся звуки, жесты, ощущения и даже запахи. Зрителю не предоставлялась никакой схемы сюжета и понять ощущения было заботай его самого. В Европе авторами хеппенинга были В. Фостел с Й. Бойк. Англичане Гелберт и Георг прославились своим произведением «Поющая скульптура»- оба участника с позолоченными лицими стояли на возвышении и имитировали песню. Их задачей было выразить идею стиля и стилизации. Они представили себя как живую скульптуру, таким образом в подтексте было ясно: всё, что они делали, должно было быть принято как искусство. Новую волну течений возглавил поп-арт (популярное искусство, точнее «ширпотреб-искусство»), который зародился в США. Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенберг, Джеспер Джонс. Эндри Уорхол распространили это направление во многих странах мира. С поп-артом в музейные и выставочные залы хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой культуры» низшего разбора,- рекламные плакаты и этикетки, муляжи и манекены, увеличенные репродукции и комиксы, а кроме того наборы любыз предметов, попавшихся под руку, — одеяла и консервные банки, разбитые часы и раскрашенные чучела.
Расцвет
С конца 1950-х годов во многих странах началось бурное развитие так называемого поп-арта (популярного искусства).
Его образный язык был непривычен, парадоксален. В нем будто таилась насмешка над всем, что люди привыкли называть красотой, духовностью, художественным творчеством.
Поп-искусство создавалось вне норм, образцов и традиций, любым способом и из любых материалов. Художник мог заимствовать мотивы и образы из рекламы, модного журнала, комиксов — банальные и безвкусные. Не думая, он «дополнял» живописное полотно разными предметами, приставленными, приклеенными или привешенными к нему (очки, деньги, окурки, костюм на вешалке, лестница-стремянка).
До сих пор продолжается спор, кому — англичанам или американцам — принадлежит первенство в изобретении поп-арта, хотя именно в США он приобрел наибольшее значение.
Расцвет поп-арта пришелся на бурные 1960-е годы, когда в странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи, исполненной решимости взорвать устоявшиеся порядки общества. Молодежное движение не имело ни теории, ни цели — его объединял пафос отрицания. Не успев накопить опыта и знаний, не обремененные чувством ответственности, молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Анархический бунт без ясной цели, отрицание всего без четкой идейной программы — все это нашло отражение в новом искусстве.
Отличительная черта поп-арта — сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации гвозди и мадонну Рафаэля, пудру и фугу Баха. Точно так же поступает и поп-художник.
Поп-арт в современном мире
Стиль поп-арт относится к ретро искусству XX века. Это движение зародилось в Англии в конце 50-х годов, а в последствие продолжило развитие в США в начале 60-х. Поп-арт открыл множество талантливых художников и творителей современного искусства. С ним неразрывно связан американский поп-художник Энди Уорхол. Его работы, в настоящее время, используются в дизайне интерьера и одежды. Это смелая, выделяющаяся яркая графика. Она часто выражается в сочетании четырех, шести, двадцати и т.д. объектов в одной картине. Я думаю все помнят знаменитую работу Уорхола, на которой изображена несравненная Мерилин Монро. Также к этому искусству относятся комиксы, это британский стиль. Изображения поп-арт художников очень популярны и часто используются в рекламе, клипах, например Рианны Rude Boy, и конечно же в модной индустрии. Следование выбранному стилю предъявляет определенные требования к жилому пространству. Поп-артовский интерьер категорично требует освободить помещение от лишней мебели. Допускается лишь необходимый минимум — пластиковые полки, простая округлая мебель без вычурных изгибов. Да и те должны быть обращены в «религию» поп-арта: поверхность мебели украшена яркими наклейками, граффити, вырезками из комиксов, портретами мультяшных персонажей.
Поп-арт приветствует смелые эксперименты с цветами: не сочетающиеся друг с другом оттенки, «кислотно-ядовитые» и резко контрастные цвета, экстремально яркие расцветки спокойно соседствуют с белыми или бледными пастельными тонами. Главное — соблюсти меру, чтобы весь этот цветной хаос не начал действовать на нервы.
Ещё одна яркая примета стиля поп-арт — использование множества одинаковых изображений. Рисунок повторяется на мебели, текстильных элементах, обоях, шторах, напольной плитке. Изображения буквально перепрыгивают одно в другое, меняют размеры и окраску. Они могут вливаться в общую цветовую гамму, а могут резко контрастировать с ней. Дополняют эпатажный стиль шторы и огромное количество мелких аксессуаров, отражающих модные веяния: постеры, статуэтки, часы, посуда. Завершающий штрих, примета эпохи и настоящий «контрольный выстрел» в здравомыслие — шкурка «игрушечного тигра» в роли напольного ковра.
Это искусство перевелось с холста на ткань. Появляется множество футболок, мини-платьев с рисунками в стиле поп- арт. К подобным принтам относятся большие аппликации в виде сердец, бабочек, губ, различных ягод и фруктов. Очень важно, чтобы цвета были яркими и насыщенными, тогда рисунок будет бросаться в глаза, и Вы не останетесь незамеченной. Популярны на майках фотографии в нескольких цветных вариациях, рекламы, комиксы, психоделические и экзотические принты.
Таким образом к одежде в стиле поп- арт 60-х относятся мини-юбки, мини-платья, заканчивающиеся на 6-7 см выше колена, разноцветные колготки, колготки с узорами, в том числе и геометрическими. Также прямой свитер-платье из шерсти с широким поясов в стиле 60-х. Из аксессуаров актуальны пластиковые серьги, браслеты, бусы, украшения для волос броских цветов, ободки, заколки, повязки. Очень стильно смотрятся маленькие яркие перчатки с небольшим вырезом на тыльной стороне ладони. Иконами стиля из 60-х годов являются знаменитая модель Твигги и, муза Энди Уорхола, несравненная Эди Седжвик. Эти девушки воплащают образ, о котором мы говорим. Макияж в стиле поп-арт тоже должен быть ярким.
6. Эндри Уорхол
Эндри Уорхол (настоящее имя Андрей Вархола; 6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник украинского (лемковского) происхождения, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Родоначальник идеологии «homo universale», а также автор работ, которые стали синонимом понятия коммерческий поп-арт.
В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.
Сведения о том, когда родился Эндрью Вархола (впоследствии Энди Уорхол), противоречивы. Разные источники называют разные годы — 1927, 1928 и даже 1930, а также разные даты — 6 августа и 28 сентября. Сам художник отмечал день своего рождения 6 августа.
Уорхол родился в США, в городе Питтсбурге, штат Пенсильвания. Родители, Юлия и Ондрей Вархола, происходили из деревни Микова на северо-востоке бывшей Чехословакии. Они эмигрировали в Америку до рождения Эндри и двух его старших братьев. Семья рано потеряла отца.
Творческая карьера Энди Уорхола
В 1949 г. Эндрью Вархола закончил Технологический институт Карнеги (графический дизайн) с присуждением степени бакалавра искусств. В этом же году отправился в Нью-Йорк, где первые годы занимался графическим оформлением коммерческой рекламы — в основном он выполнял рисунки женской обуви для журналов мод и рекламного приложения «Нью-Йорк Тайме».
Работа в коммерческой рекламе принесла Вархоле известность и изменила его имя. Однажды подпись под его рисунком была набрана неправильно — Апоу Иагпо!. Он решил оставить это написание имени и стал Энди Уорхолом.
Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании.
Другая работа, признанная впоследствии рекламой года, изображала юношу, вкалывающего себе шприц в предплечье. Несмотря на скандальность сюжета, заказчики — владельцы радиостанции — остались довольны: повысился рейтинг их передач о проблемах молодежи.
Кстати, первый урок саморекламы дал ему не кто-нибудь, а Сальвадор Дали. Мэтр получил заказ на оформление витрины салона красоты в Нью-Йорке. В качестве элемента декора он решил выставить в окне второго этажа большую железную ванну, которую рабочие благополучно уронили вниз. Ванна чуть не прибила случайного зеваку, Дали попал за решетку (правда, ненадолго), а результатом разразившегося скандала стало то, что выставка Дали, проходившая в это время в Нью-Йорке, отлично продалась.
Очень скоро Энди стал самым высокооплачиваемым рекламщиком Нью-Йорка, выполняя заказы для всех модных журналов, Vogue и Harper’s Bazaar.
В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».
Вклад в развитие стиля поп-арт
К 1968 году Уорхол был уже признанным мастером поп-арта. Его выставки с успехом проходили по всему миру, в Америке не было художника популярнее — за одну из его картин на аукционе заплатили $ 60 тысяч. Это был рекорд: никто из его современников столько не получал. Однако не меньше, чем картинами или фильмами, Уорхол прославился своими скандальными интервью, которые он раздавал направо и налево. «Я не хотел рождаться. Это было ошибкой. Все равно как меня выкрали и продали в рабство, — объяснял он в интервью журналу «Time». — Меня никогда не трогали собственные работы. Я делаю дешевую писанину и нравлюсь обычным людям. Весной Энди отправился в Лос-Анджелес на открытие своей большой ретроспективы. Успех был грандиозным: переполненные залы, толпы студентов, скандирующих: «Мы любим Энди Уорхола!», фотографии в газетах. В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».
Все искусство Уорхола превратилось в систематизированный бизнес-процесс, производящий добавленную стоимость… Его поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искусственное искусство.
Однако скандальную известность Уорхолу принесла серия карандашных рисунков, изображающих долларовые банкноты, и раскрашенных банок из-под супа Сampbell. Выставка этих работ в нью-йоркской галерее Стабл, состоявшаяся в 1962 году, стала настоящей сенсацией. Уорхол наносил краску на консервные банки мазками кисти. Однако уже к 1963 году он стал использовать шелкографию, и с этих пор большинство его работ выполнялось именно в этой манере. Совершенно безликие, приспособленные к массовому производству, шелкографские оттиски идеально подходили для данных целей. Искусствовед Роберт Хьюз писал: «Разрисовывать консервную банку само по себе не значит заниматься настоящим искусством. Но подлинным в Уорхоле остается то, что уровень производства супа в консервной банке он поднял до уровня создания картин, придав ему характер массового производства, — потребительское искусство имитирует процесс, а также облик потребительской культуры».
Техника шелкографии стала определяющий в творчестве Уорхола. Монотонное повторение истирает псевдо-образы, предлагаемые окружающим миром в качестве исключительных: бесконечные ряды бутылок кока-колысменяются портретами Мерилин Монро, Лиз Тейлор, Элвиса Пресли.
Одним из основных занятий Уорхола была, по его собственному выражению, «регистрация и каталогизация жизни вокруг». Он собирал ощущения, результатом чего стали изданный посмертно «Дневник» и «Философия Энди Уорхола (от Э к Ъ и обратно)». Из второй книги ясно, что Уорхол на самом деле шел не «впереди планеты всей», а стоял «сбоку»: отставшим, опоздавшим, сошедшим с «поезда современности». Он не создавал «второй реальности». Он панически расчищал пространство вокруг первой, а потом резервировал ее и укрупнял. Отсюда — бесконечный жанр портрета в эпоху перепроизводства, когда единицу можно заметить в толпе только в том случае, если она увеличена в десять раз. В книге Уорхола есть несколько высказываний, определяющих понимание творчества художника: «Бизнес-искусство — следующий шаг после Искусства. Я начинал как коммерческий художник, иллюстратор, а закончить я хочу как художник-бизнесмен. После того, как я сделал то, что называется «искусством» или как там это еще называется, я занялся бизнес-искусством. Я хотел быть Художественным Бизнесменом или Бизнес Художником».
И наконец, в «Философии» Уорхол рассказывает о самом творческом процессе создания работ: «Я смотрю на холст и думаю: «Ну, вот здесь, в этом углу эта краска выглядит вроде как на своем месте». Потом я смотрю снова и говорю: «Вот здесь, в этом углу, нужно немного синего, и я кладу там синюю краску. А затем беру зеленую краску и добавляю зеленый цвет, отхожу назад и смотрю, все ли правильно. И если неправильно — я беру краски, делаю еще несколько мазков зеленым в нужном месте, и, наконец, если нет сомнений, я оставляю все как есть».
Ярким примером творчества Уорхола является работа «Flash» (1963-1968).
Это серия из 11 отпечатков, представленных как повествование и сопровожденных текстом, взятым из новостных заметок в день убийства президента Кеннеди. Это не было иллюстрацией события. Уорхол представил серию изображений, связь между которыми не так важна, как их способность передавать драматический пафос события. Кроме того, способность Уорхола выбирать фотоснимки усиливает значение освещения событий средствами массовой информации, формируя общественное мнение. Уорхол использовал несколько разных изображений Кеннеди. К тому же он использовал очень известные портреты — стилистический прием, редко встречающийся в его работах. Отпечатки в «Flash» показывают способность автора манипулировать найденными изображениями, изменяя их масштаб и четкость, используя цвет для создания мощного экспрессивного эффекта диссонирующих контрастов.
«Flash» — это наименее известная группа работ, отмеченная серьезной увлеченностью автора созданием портретов и находящаяся в числе его лучших работ. Другие — «Marilyn Monroe» (1967), «Campbell’s soup» I, II (1968-1969), «Flowers» (1970), «Electric Chaine» (1971), «Mao» (1972) — каждая из которых содержит 10 отпечатков, основаны на ключевых изображениях, созданных Уорхолом в начале карьеры. В противоположность своим первым работам, построенном на повествовании, эти статичные изображения избавлены от какого-либо повествовательного контекста. Каждое из них передает сильный образ, расширенный повторением. Эти работы — пересказ предыдущих обращений Уорхола к его главным темам 1960-х годов: портретные изображения, потребление, украшение, смерть. Эти темы часто повторялись в его работах и стали центральными в его творчестве.
Итак, именно благодаря творчеству Уорхола в плакате и рекламе стали использоваться особым образом обработанные фотоиллюстрации, яркие психоделические цвета и многократно повторенные изображения. Техническое тиражирование во многом породило ироническое отношение к самому объекту рекламы, этого нельзя не признать. И здесь Уорхол добился своей цели: он бросил вызов обществу массового потребления, которое как раз поддерживало Уорхола. И, наконец, Уорхол избавил общество от лицемерия. Он стал первым человеком, который публично признал, что деньги являются ничуть не менее важной составляющей профессии, чем творчество.
В 1963 г. Уорхол открыл в центр Манхэттена студию, которую назвал «Фабрика». Студия была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих и была налажена работа по «массовому производству» портретов знаменитостей. Работы Энди Уорхола стали настоящим символом коммерческого поп-арта и американской художественной культуры XX столетия.
Исследователи особо отмечают значительный вклад Энди Уорхола в кинематограф, журналистику и фотографию. Всю свою жизнь Энди посвятил художественной фотографии, ее обработке и «массовому» распространению. Искусствоведы отмечают такие его работы, как The Andy Warhol Museum, Christies, Picture Alliance, AP, Stern Magazine, Cinetext и многие другие.
В 1970-е гг. Уорхол приобрел «Полароид», начал самостоятельно фотографировать и потом переводить полученные фото на холст.
К этой серии относятся портрет матери (1974), портрет исследователя творчества Пикассо Джона Ричардсона, портрет галерейщика Лео Кастелли (все — шелкография), а также цветные гравюры (на основе собственноручно снятых фотографий) с изображениями Джейн Фонды (1982) и Ингрид Бергман (1983).
В 1963 г. Уорхол начал снимать фильмы, в основном немые, и на протяжении пяти лет (с 1963 по 1968 г.), во время которых Уорхол занимался «кинопроизводством», он создал несколько сотен фильмов, включая 472 трехминутные кинопробы или портреты персонажей, десятки короткометражек и более 150 фильмов с определенным сюжетом (60 из них были выпущены в свет), переходя от черно-белых немых работ к сценарным цветным фильмам, по своей продолжительности напоминающим обычное кино.
Первый его фильм назывался «Поцелуй» и длился 50 минут, затем были фильмы «Танец», «Стрижка», «Еда», «Сон».
В 1964 г. были созданы двухчасовой немой фильм Batman Dracula и восьмичасовой немой фильм Empire, «13 самых красивых женщин» , «13 самых красивых мальчиков», «Питье», «Лицо», «Одинокий ковбой» и др. В середине 1960-х гг. Уорхол перешел от черно-белых немых работ к сценарным цветным фильмам (чаще всего эротического содержания), по продолжительности напоминающим обычное кино. В 1968 г. Уорхол вместе с Полом Морисси создал первый игровой фильм «Плоть».
В июне 1968 г. психически неуравновешенная писательница, феминистка Валери Соланас, снявшаяся в его фильме «Я — мужчина», серьезно ранила его выстрелом из пистолета. После покушения Уорхол стал постоянно посещать ближайшую церковь, исповедоваться и причащаться. Валери Соланас получила три года тюрьмы и принудительное лечение в психиатрической больнице.
На протяжении всей жизни Уорхол коллекционировал живопись, мебель, драгоценности, предметы декоративно-прикладного искусства. Пресытившись поп-культурой, в 1980-е гг. он стал покупать антиквариат и украшать свое жилище шедеврами классического искусства.
На аукционе «Сотбис» его пеструю коллекцию продали за $ 25,3 миллиона. В ней, кстати, не было ни одной картины самого Уорхола, за исключением маленького портрета Мао Цзэдуна: Энди не хранил дома своих работ. Некролог в «Нью-Йорк Таймс» начинался словами: «Лучшее произведение Уорхола — это сам Уорхол».
Энди Уорхол умер в Нью-Йорке 22 февраля 1987 г. Братья перевезли тело художника в Питтсбург, где похоронили его на территории католической церкви византийского обряда (церковь Св.Духа).
Свое состояние, оценивающееся в 100 млн долларов, художник завещал своему фонду для помощи художественным организациям.
Итак, Энди Уорхол — один из крупнейших художников современности. Его творчество неотделимо от такого понятия как «массовая культура». Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути.
Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным.
Энди Уорхол — «человек мира», сумевший показать нам этот мир во всем его великолепии и разнообразии. Творчество художника до сих пор привлекает внимание многих миллионов людей. Следует отметить тот факт, что работы художника являются одними из наиболее продаваемых произведений искусства на сегодняшний день.
Заключение
На основании анализа опыта дефиниции постмодернизма, его истоков, концепции и конкретной художественной практики можно сказать, что постмодернизм — это направление искусства и архитектуры в развитых капиталистических странах 70-начала 80-х годов, которое отражает разочарования художественной интеллигенции в идеалах, догмах и приемах модернизма и, в отличие от других течений буржуазного искусства, в поисках понятности языка и новых средств выразительности открыто ориентируясь на обыденные вкусы, взгляды и настроения массового сознания, обратилось к привычным и традиционным художественным формам, как правило, в соединении с иронией, гротеском, отстранением. Возможно, жизнь самого постмодернизма не будет долгой: слишком велики центробежные силы входящих в него разнородных по своей сути элементов. Но даже сегодня видно, что он знаменует завершение искусства «классического» модернизма и уже выполнил миссию, подорвав устои «современного движения» и открыв тем самым путь отличным от его доктрины концепциям творчества.
Литература
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/anarhizm-v-iskusstve-strit-art-postmodernizma/
1. Обухова А., Орлова М. Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму. 1960-1970-е. История живописи. ХХ век. М., Галарт, 2001г.
2. Маковский С.: Силуэты американских художников. — М.:Республика, 1999 г.
3. Динамика культуры: Теоретико — методологические аспекты. -М., 2002.
