^
(1814—1841)
В истории культуры известно немало поэтов и писателей, которые не менее ярко проявили себя и в сфере изобразительного искусства. К их числу относится и М. Ю. Лермонтов, который по свидетельству его родственника А. П. Шан-Гирея, начал рисовать едва ли не раньше, чем писать стихи. Рисовал он всю свою недолгую жизнь, и его художественное наследие содержит произведения различных жанров: пейзажи и путевые зарисовки, батальные сцены, портретные миниатюры. Конечно, изобразительное творчество Лермонтова уступает литературному. Тем не менее одаренность писателя очевидна.
Традиции дворянского воспитания предполагали, наряду с уроками фехтования, музыки, иностранных языков с юных лет и занятия живописью и рисунком. Расцвет альбомной культуры связан с повсеместным умением рисовать, и лучшие альбомные рисунки того времени отличаются уверенным владением линией, способностью мгновенным росчерком создать образ, точностью в деталях, композиционным чутьем. Однако из множества грамотно рисующих профессионалами становились единицы: для сословия, к которому принадлежал Лермонтов, более характерен тип художника-дилетанта, не связанного академической выучкой и необходимостью продавать работы. Фиксируя на бумаге свои впечатления и душевные состояния, художник-дилетант постоянно вел своего рода лирический дневник, поскольку романтическое мироощущение требовало обязательного преобразования повседневных чувств из плана обыденного в чрезвычайный.
В ранних опытах Лермонтова привлекают внимание работы, образующие «испанский цикл». Обращение к Испании, традиционное для тогдашнего искусства, связано с драматической историей испанской революции — но в лермонтовском увлечении присутствуют и личные мотивы: в семье бытовало предание о происхождении рода от испанского герцога Лермы. Стремление к свободе — главному романтическому идеалу — молодой поэт выражает на испанском материале. В 1830 году была создана трагедия «Испанцы». Акварели и рисунки «Испанец с кинжалом», «Испанец», «Испанец с фонарем и католический монах», «Испанец в белом кружевном воротнике», портретная миниатюра Эмилии — героини «Испанцев представляют собой зрительные парафразы трагедии. Самое значительное в этом цикле «Портрет герцога Лермы» (1832—1833), первое известное живописное произведение Лермонтова. Своему легендарному предку художник придал автопортретные черты. Резкий боковой свет подчеркивает напряженную скорбь в темных глазах, в складке плотно сомкнутого рта. «Испанская страсть» в соответствии с романтическим каноном — потаенная, сдерживаемая усилием воли, подобно тому, как скрывается тело под глухим покровом одежды.
Живопись М.Ю. Лермонтова в его поэзии и прозе
... Лерма». К этому же периоду относится и портрет Эмилии героини драмы Лермонтова «Испанцы». Этот портрет по манере письма можно сравнить с картиной ... другу Лопухину в Петербург. «Герцог Лерма» или «предок Лерма» был изображён в средневековом ... сочинений, связь между поэтическим даром и художественными склонностями Лермонтова не привлекали внимания. Лермонтов – поэт воспроизводился сам по себе, картины ...
Условно-романтическое видение природы, истории и людей превалирует в ранних работах Лермонтова, будь то пейзажные акварели «Белая береза» и «Парус» (последняя предваряет знаменитое стихотворение) или «Древняя рать», где войско русское, а горы кавказские. Более живыми и не посредственными являются рисунки из так называемой «юнкерской тетради», созданные во время пребывания поэта в юнкерской школе (1832—1834).
Большинство портретных зарисовок и жанровых сценок сделано с натуры; романтическая интонация не подавляет, но, напротив, усиливает остро индивидуальную выразительность рисунка. Та же экспрессия — в духе Орловского — присутствует в кавказских видах и изображениях всадников-черкесов, в иллюстрациях к повести А. Марлинского «Амалат-бек». Характерно, что в это время — по окончании юнкерской школы — Лермонтов берет уроки живописи у художника П. Е. Заболотского.
Поворотным пунктом биографии Лермонтова стал 1837 год — гибель Пушкина. За знаменитым стихотворением «Смерть поэта» последовала ссылка на Кавказ — прежде романтическое восприятие Кавказа было проверено и дополнено фактами собственной судьбы. На Кавказе наиболее полно раскрылся творческий потенциал Лермонтова — и поэта, и художника. Наиболее интересны пейзажи, выполненные маслом: «Вид Пятигорска», «Кавказский вид с саклей», «Военно-Грузинская дорога близ Мцхеты», «Вид горы Крестовой», «Вид Тифлиса», «Окрестности селения Карагач», «Кавказский вид с верблюдами» и другие (все 1837—1838).
Пейзажи эти панорамны: горизонт занижен, пространство строится ритмично развертывающимися в глубину перспективными планами; все они конструктивно упорядочены, причем в качестве созидающего и организующего начала выступает свет. Воздушной среде, нематериальной и переменчивой, свет сообщает богатство тонов, оттенков и цветовых нюансов.
Любая кавказская панорама Лермонтова — это как бы малый фрагмент Вселенной, тем не менее выразивший всю бесконечность мироздания. Руины, монастыри, храмы, лепящиеся на склонах гор, представляются зрителю естественными вкраплениями в природный ландшафт. Вписанные в каждый пейзаж фигурки людей — всадники, погонщики и верблюды, грузинки, набирающие в Куре воду, — подчинены изначально заданному ритму; их малый масштаб подчеркивает космическую безмерность целого. Но несмотря на романтическую интонацию, лермонтовские панорамы, как показал исследователь его творчества Ираклий Андроников, во многом совпадают с реальной топографией изображаемых мест.
В последние годы жизни Лермонтов немало времени уделил портрету изображая друзей и знакомых. Сохранились живописный портрет А. Н. Муравьева, акварельные портреты А. А. Кикина и А. А. Столыпина (Монго) в виде курда, два прекрасных портрета неизвестных (по поводу одного из них существует гипотеза, что здесь изображен поэт-декабрист А. И. Одоевский).
Большое значение для лермонтовской иконографии 1 имеет романтический автопортрет 1837 года, где художник изобразил себя на фоне кавказских гор в облике поэта и воина. Лермонтов — боевой офицер проявил личную храбрость, участвуя в военной кампании против горцев в 1840—1841 годах. Одну из битв этой кампании он запечатлел в замечательном рисунке «Эпизод из сражения при Валерике», раскрашенном позднее его другом, художником Г. Г. Гагариным. Трагическая динамика боя складывается из личных драм, переживаемых по ходу сражения его участниками. Тему «бедствий войны» продолжает акварель, контрастирующая своим изысканным колоритом с той траурной церемонией, которую изображает, — «При Валерике. Похороны убитых». Вообще рисунки и акварели Лермонтова в наибольшей мере выражают романтическую сущность его искусства. Если в картинах романтизм проявился в сюжетном строе, в ориентальных мотивах, то графика запечатлела самый темп и напряженность романтического мирочувствия, романтического переживания натуры. Беглые зарисовки полны динамики: линия двоится и срывается в штрих, спеша зафиксировать увиденное — всадников (карандаш, 1832— 1834), черкеса, стреляющего на скаку (карандаш, 1832—1834), кавалерийскую схватку (сепия2 , 1830—1832).
Романтизм в живописи и литературе русских художников и поэтов ...
... поэтами-романтиками тема в литературе, получила свое развитие и в творчестве художников, а так как я увлеклась живописью, мне захотелось соединить поэтов и художников, ... А.С. Пушкин, молодой М.Ю. Лермонтов). 1.2 Истоки русского романтизма ... сложился к 20-м годам XIX века. Он в отличался ... поэтов-романтиков в сопоставлении с картинами художников; Ø найти точки соприкосновения; Ø обобщить и создать реферат ...
Лермонтов, подобно Байрону, воплотил в себе идеал романтической личности — трагической и гениальной. Трудно сказать, в каком направлении развивалось бы художественное творчество поэта, не оборви его жизнь 15 июля 1841 года дуэльный выстрел у подножия горы Машук. Конечно, в сравнении с литературными произведениями, изобразительные опыты Лермонтова более отвечают привычному романтическому канону. Однако в поздних вещах следы его мятежного гения проявляются все чаще. Возможно, и здесь Лермонтов был на пороге замечательных открытий.
^
Б. М. Неменский — народный художник России, действительный член Академии образования (с 1981 года), руководитель Центра непрерывного художественного образования, лауреат Государственной премии России за создание системы введения детей в художественную культуру.
Б. Неменский родился в Москве 24 декабря 1922 года в интеллигентной семье. Отец Б. М. Неменского — Михаил Ильич до революции числился в «неблагонадежных» и был выслан из Москвы царской полицией. Его имя можно найти среди тех, кто поднимал экономику молодого Советского государства. Мать художника — Вера Семеновна, врач — всю жизнь помогала людям.
С 1939 по 1941 год Б. Неменский учился в Московском областном художественном училище памяти 1905 года. В 1942 году окончил Саратовское художественное училище.
С 1942 по 1945 год участвовал в Великой Отечественной войне в качестве военного художника. Основные военные командировки Б. Неменского: Панфиловская дивизия, сражение за Великие Луки, военные действия на Смоленском на правлении, на Украинском, Белорусском, Ленинградском и других фронтах. Участвовал в боях на реке Одер и штурме Берлина.
Ему было двадцать лет, когда он впервые показал на Выставке грековской студии свои фронтовые зарисовки. В 1945 году пишет первую картину «Мать» и вступает в Московскую организацию Союза советских художников. Как бы далеко ни ушел впоследствии Б. М. Неменский от своего юношеского произведения, оно никогда не утратит заметного места ни в его творческой биографии, ни в истории русской живописи. Маленькая картина никому еще не известного художника не затерялась на большой Всесоюзной выставке, она всех тронула, о ней заговорили. По живописи она была скромной, сюжет — не новый: о многострадальной и многотерпеливой солдатской матери писали и поэты, и прозаики, и живописцы. Мотив может повторяться и каждый раз выглядеть новым. Секрет привлекательности этой картины в том, что она написана очень искренне.
Маковский «в мастерской художника» описание картины, анализ,
... Можно вспомнить картины «В мастерской художника»(которую сам Константин Маковский называл «Маленький вор»), «Маленький антиквар», «Сережа». В мастерской художника Маленький антиквар Сережа В 1879 году у Маковских ... встречавшийся тогда с Константином Егоровичем в клубе художников, вспоминает: «К.Е. Маковский использовал сценою для задуманных им картин так называемые «живые». Здесь собирали лучшую ...
С 1945 по 1951 год учился в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова. В 1950 году создает полотно «О далеких и близких», за которое в 1951 году ему присуждается Государственная премия СССР. С 1951 по 1955 годы работал в Тарусе и на Академической даче» над картиной «Дыхание весны». В 1956 году завершен четвертый вариант картины «Машенька» («Сестры наши»).
С 1954 по 1957 год работал над картиной «Земля опаленная» (окончательный вариант завершен в 1981 году).
Она была показана на Всесоюзной юбилейной выставке 1957 года и означала начало нового, зрелого этапа в творчестве Б. М. Неменского. Большое полотно встречало зрителя цветом, чего раньше не было у художника. Огненно-красный цвет виден издали и он предопределял настроение. С первого взгляда в этом обнаженном цвете поражало что-то чрезмерно резкое: он кричал. Он и должен был кричать — ведь это вопль сожженной земли. В его багровом накале сумрачные фигуры в расщелине окопа получили особую значительность. Сожженные семена в пригоршне — немые свидетели преступления. Художник Неменский предстает здесь и тем же самым и другим. Прежние картины его хочется назвать «милыми»: человеколюбие художника проявлялось в них мягко, элегично, иногда почти сентиментально. В «Опаленной земле» нет ни следа сентиментальности, появляется драматизм, чувство сдержанно, собранно, и тем сильнее действует. Впервые художник в полный голос сказал о трагедии. Вот как Б. М. Неменский сам говорит о своем полотне: «Это картина о земле, созданной для пашни, радости и труда, и о войне, превращающей ее в адское подобие чужой, мертвой, непригодной для жизни планеты, в зону пустыни…
Я хотел, чтобы зритель не сразу даже увидел притаившихся среди этого ада на дне окопа солдат. А увидев, почувствовал бы всю меру усталости и всю меру стойкости этих обожженных, как сама земля, людей. Мне хотелось через них передать всю ту спокойную моральную силу, которая сделала их сильнее камней, живучее их.
Мне хотелось, чтобы зритель вместе с солдатом-крестьянином нашел уцелевший в этом пекле колосок, вместе с ним растер его на своей ладони и… задумался».
Если проследить до конца собственно фронтовую тему в его дальнейшей работе, то в этом плане самое значительное, что им сделано после «Земли опаленной», — картина «Это мы, Господи». (1960—1995 годах Первый вариант — «Безымянная высота».) На ней изображены плечом к плечу два убитых молодых солдата, русский и немец. Картина вызвала бурные дискуссии. Полотно вызывает нечто большее, чем ненависть к врагу, — ненависть к тем силам, которые превращают людей во врагов. Ведь немецкий парень — тоже жертва фашизма.
В 1957 году Б. М. Неменский начинает педагогическая деятельность в МГПИ им. В. И. Ленина заведующим кафедрой изобразительного искусства.
Василий Владимирович Пукирев — картина “Неравный брак”
... рисунок, сделанный художником Владимиром Суховым в 1907 году. Он подписан: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В. В. Пукирев написал свою известную картину «Неравный брак». Госпожа Варенцова ... том, что в Третьяковской галерее хранится эскиз к картине «Неравный брак». И что мы видим? За спиной невесты по-прежнему стоит сурового вида мужчина со скрещенными руками. ...
С 1962 по 1969 год работает над вариантами цикла о женщинах, в котором остро прозвучала тема женского одиночества, тесно связанная с военной темой: «Вечер» (1967), «Женщины» (1968), «Память» (квадриптих, 1969), «Судьбы (Женщины моего поколения)» (1969).
С 1969 по 1971 год собирает материал и завершает работу над картиной «Солдаты» (варианты: «Год 1941», «Отцы», «Солдаты»).
Более 25 лет художник нес в себе страшное воспоминание о голодном ребенке, найденном бойцами среди руин города Великие Луки. И вот, спустя много лет, из альбомной зарисовки родилась картина. Среди обгоревших руин, на тусклом пепелище как бы вспыхивает «огонек» будущей жизни — чудом уцелевший ребенок. Найденную бойцами девочку Неменский изобразил такой, какой он ее увидел — истощенной, тихой, похожей на крошечную старушку. Каждый из плотно обступивших ребенка солдат теплом своего сердца стремится согреть его.
В 70-е—80-е годы художник создает картины: «Счастье детей» (1971), «Радости» (1972), «Стихи» (1972), «Здесь твой сын» (1975—1980), серию портретов «Поколение» (1976— 1978), «Собеседники» (1981—1984), «Память Смоленской земли» (1983—1984), «Дом друга моего» (1985) и др. Среди них много лирических работ, посвященных теме материнства, детства.
В 90-е годы мастер обращается к вечным общечеловеческим проблемам. Такова «Притча об инакомыслии» (1995), состоящая из пяти картин. Это раздумья о наших днях. Одна из картин цикла изображает большой костер, в котором легкомысленно, с веселым азартом юности толпа карнавальных мальчишек сжигает книги: свои книги, свою историю. Темные пляшущие фигуры, свет огня, дерганый ритм рук, бросающих книги в костер. Лишь одно лицо обернулось к нам — в нем блеск глаз, опьяненных азартом, — не ведают, что творят.
В 2001 году была организована выставка, представляющая творчество учителя и 25 его учеников, из которых многие стали признанными мастерами. Художник посчитал необходимым показать обществу плоды своего педагогического труда, подчеркнуть общность творческих позиций со своими учениками разных поколений.
Творчество Б. М. Неменского — это реализм смысловой, философский. Это всегда размышление, диалог со зрителем. Это доброе искусство.
^
(1832—1890)
Василий Владимирович Пукирев, русский художник, мастер живописи, один из непосредственных предшественников искусства «передвижников», крестьянин по происхождению, родился в 1832 году в с. Лужники Тульской губернии. Учился он у довольно посредственного иконописца в Могилеве. Во второй половине 1840-х годов Пукирев переезжает в Москву и через некоторое время, в 1847 году поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Успешно занимается живописью под руководством профессора С. Зарянко.
Избран вначале специальностью портретную живопись, прислал в 1853 году два образца своих работ в Академию Художеств и получил за них звание неклассного художника. В 1860 году Пукирев В. В. получает звание академика за большой портретный этюд «Девушка».
На академической выставке 1863 года была выставлена его картина «Неравный брак», которая своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером (фигуры изображены почти в натуральную величину) и мастерским исполнением сразу выдвинула художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев. Имя Пукирева узнает вся Россия: картина вызвала бурную полемику в прессе. Позицию ее сторонников наиболее точно вы разил В. В. Стасов: «Наконец-то». Наконец-то появилось крупное произведение на тему, взятую из современной жизни. Действительно, Пукиреву удалось создать картину, которая была буквально обречена на успех. Сюжет картины «Неравный брак» хорошо знаком зрителям. Художественное полотно остро воссоздает драму «бесприданницы», насильственно выдаваемой за богатого сановника. Явно обличительный, в духе времени, и настрой автора. Выразительность и ясность психологических характеристик. Классическая в своей простоте композиция, великолепный рисунок, виртуозная, доведенная почти до иллюзорности живопись.
Времена года в поэзии Бунина живописи Левитана и музыке Чайковского
... приходился на два известнейших века русской культуры, однако они были представителями одной школы – реализма, которая развивалась и в музыке и в живописи и в поэзии. Все они обращались к теме «Времена года», да ...
Следуя классической ренессансной традиции, художник изобразил в картине и самого себя (фигура шафера справа), сделавшись таким образом не просто свидетелем, но участником происходящего. Это было неожиданно и ново для русского искусства того времени. Картина приобрела обостренно-личное звучание: правый шафер явно выделяется среди персонажей второго плана, его фигура образует композиционный и смысловой треугольник с фигурами невесты и старого жениха. Вероятно, поэтому «Неравный брак» был воспринят как трагическая история любви самого художника. Легенда эта дожила до наших дней. Однако существуют и другие, документально подтвержденные версии о замысле картины: история несчастной любви друга Пукирева С. М. Баренцева, сюжет одного из рассказов украинского писателя Е. П. Гребенки. Так или иначе, идея буквально носилась в воздухе и в Пукиреве нашла своего выразителя. Картину купил П. М. Третьяков, Академия художеств присвоила Пукиреву звание «профессор живописи народных сцен».
После этой картины Пукирев выставлял еще другие: «Ревность женщины», «Несостоявшийся брак», «Приемная концессионера», «Дьячок, объясняющий картину Страшного Суда», «Размолвка», однако все эти картины значительно уступали в достоинстве «Неравному браку».
Обращался Пукирев и к жанру исторической живописи («Иван Грозный и митрополит Филипп в Успенском соборе»), и к книжной графике (иллюстрации к произведениям Н. В. Гоголя и И. С. Тургенева), и к пейзау, был незаурядным рисовальщиком.
«В мастерской художника» (1865), «Прием приданого по росписи» (1873), «Прерванное венчание» (1877) — такого рода произведения, с их резким переносом акцента с романтических идеалов на внутренний авторско-зрительский «суд», стали своеобразным введением в эстетику «передвижников», переходную от романтизма к символизму.
С 1861 по 1873 год Пукарев служил преподавателем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.
В 1873 году художник тяжело заболел и был вынужден оставить преподавание. В 1879 году коллеги добились для него скромной пенсии. Но денег не хватало, живопись не удавалась. Пукирев распродал свою коллекцию картин, менял квартиры. Менялся и его характер, прежде доброжелательный и мягкий. В 1890 году полузабытый художник умер в бедности.
