Введение
Танец – это искусство, которое выражает эмоции и передает сообщение через ритмичные и выразительные телодвижения. Человечество занимается танцем уже с древних времен, используя его как средство коммуникации и самовыражения. Танец возник из разнообразных движений и жестов, связанных с трудовыми процессами и эмоциональными впечатлениями человека от окружающего мира. Он постепенно эволюционировал и стал одним из древнейших проявлений народного творчества.
В данной статье будет рассмотрено происхождение танца, его характеристики и развитие в разных культурных традициях. Будут освещены виды, стили и формы танца, а также его демократичный характер и воздействие на творческий и личностный потенциал.
Основная часть
Происхождение танца
Танец, вероятно, является древнейшим из искусств, и его появление связано с потребностью человека передавать свои эмоции и сообщения через движения тела. Изначально танец был тесно связан со словом и песней, сопровождал важные события в жизни первобытного человека – от рождения и смерти до войны и избрания нового вождя. Танцем выражались моления о дожде, защите от вредителей и желание о плодородии. Таким образом, танец стал неотъемлемой частью культуры и традиций человечества.
Характеристики танца
Танец является ритмичным и выразительным искусством, которое выполняется в определенной композиции под музыкальное сопровождение. Существуют основные характеристики танца, включающие в себя:
- Ритм – повторение и варьирование основных движений в определенном темпе;
- Рисунок – сочетание движений в композиции, создающее определенный образ;
- Динамика – варьирование размаха и напряженности движений;
- Техника – уровень владения телом и умение выполнять основные па и позиции. Жестикуляция, особенно движения рук, имеет большое значение во многих танцах.
Развитие танца
Танец существовал и существует в культурных традициях всех народов и обществ. За долгую историю человечества он изменялся вместе с развитием культуры и общества. Сейчас существует огромное множество видов, стилей и форм танца, отражающих многообразие культур и традиций. Танец стал элементом массовой культуры, профессионального и любительского искусства, спорта и развлечений.
Заключение
Танец – это искусство, которое служит средством самовыражения и коммуникации. Он имеет древние корни и эволюционировал вместе с развитием культуры и общества. Танец воздействует на человека, помогая расширить его творческий и личностный потенциал, избавиться от комплексов и страха перед публичным выступлением. Он демократичен и приглашает каждого к разговору через тело.
Влияние культуры на человека
... культурой как культурой элит и «массовой» культурой, подразумевающей товары и произведения, направленные на потребности простых людей. ... труд, танцы, образование, ... культуры как воспитания и образования человека, а термин «культура» стал использоваться для обозначения общего процесса интеллектуального, духовного, эстетического развития человека и общества, выделения мира, созданного человеком, ...
В настоящее время хореографическое искусство охватывает и традиционное народное, и профессионально-сценическое. Танцевальное искусство присутствует в той или иной степени, форме в культуре каждого этноса, этнической группы. И это явление не может быть случайностью, оно носит объективный характер, ибо традиционная народная хореография занимает первостепенное место в социальной жизни общества как на ранних этапах развития человечества, так и сейчас, когда она выполняет одну из функций культуры, является одним из своеобразных институтов социализации людей и, в первую очередь, детей, подростков и молодежи, а также выполняет и ряд других функций, присущих культуре в целом.
В своей работе я хотела бы выяснить, как влияет развитие танцевального искусства на развитие культуры человечества в целом и отдельных стран, проследить зависимость танцевальных направлений друг от друга. Также я хотела бы выяснить, каким образом танец влияет на жизнь человека, его эмоциональное состояние и психологические особенности.
Глава 1. История танца, как вида искусства
Истоки танцевального искусства заложены в глубокой древности. Свидетельство тому – наскальные рисунки с изображением танцующих фигур, созданные предположительно в период неолита (8 – 5 тыс. лет до н.э.).
До сих пор не существует единого мнения о первенстве рождения танца, песни или музыки, неоспоримо одно – появление танца связано с осознанием ритма в качестве сопровождения определённой последовательности телодвижений. Эти ритмические телодвижения могли нести в себе различное содержание, что послужило впоследствии поводом к созданию множества теорий о происхождении танца (его предшественниками называли игру, магические или религиозные ритуалы, эротические инстинкты и т.п.).
Любая из теорий имеет право на существование, а также не может считаться и единственно верной. Их внимательное изучение подтверждает вывод – во все времена танец имел важное значение в общественной жизни человека, в его гармоничном, эстетическом и физическом развитии.
Уже на первом этапе своего существования танец пытался в общественной форме отображать действительность, отбирать наиболее типичные его черты, придавать им определённый образ. Первой музыкой для танцующих были звуки барабанов, шум звенящих браслетов и амулетов, первым гримом служила раскраска лица, имитирующая кровь, а первым опытом актёрской выразительности — подражание различным животным. Всё это довелось увидеть исследователям в начале XX столетия у индейцев Бразилии и некоторых индейских племён Северной Америки.
Кроме подражательной, танец нёс и воспитательную функцию. Американский исследователь запечатлел пример исполнения воинственного танца 33 шеренгами по 33 человека в каждой. Эта огромная масса танцующих, действуя удивительно слаженно, отображала силу и мощь войска.
Искусство вокруг нас. Зачем нужно искусство? Что такое настоящее ...
... одного человека который бы её не любил. Без искусства жизнь не была бы такой, какой мы видим её сейчас. Мы не смогли бы лучше понимать друг друга, передавать ... обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться. Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было ...
1.1 Рождение искусства танца
Первые танцы древности были далеки от того, что в наши дни называют этим словом. Они имели совсем иное значение. Разнообразными движениями и жестами человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывая в них своё настроение, своё душевное состояние. Возгласы, пение, пантомимная игра были взаимосвязаны с танцем. Сам же танец всегда, во всем времена был тесно связан с жизнью и бытом людей. Поэтому каждый танец отвечает характеру, духу народа, у которого он зародился. С изменением социального строя, условий жизни менялся характер и тематика искусства, изменялся и танец. Своими корнями он глубоко уходил в народное творчество.
Пляски были очень распространены у народов древнего мира. Танцующие стремились к тому, чтобы каждое движение, жест, мимика выражали какую-нибудь мысль, действие, поступок. Выразительные танцы имели огромное значение и в быту, и в общественной жизни. Очень часто празднества начинались и сопровождались плясками.
Для человека первобытного общества танец — это способ мышления и жизни. В танцах, изображающих животных, отрабатываются охотничьи приемы; танцем выражаются моления о плодородии, о дожде и о других насущных нуждах племени. Любовь, труд и обряд воплощаются в танцевальных движениях. Танец в этом случае настолько связан с жизнью, что на языке мексиканских индейцев тарахумара понятия «труд» и «танец» выражаются одним и тем же словом. Глубоко воспринимая ритмы природы, люди первобытного общества не могли не подражать им в своих танцах.
Первобытные танцы и их значение
Первобытные танцы являются важной частью культуры и традиций различных племен. Они исполняются группами и имеют определенное значение и цели. Одна из главных целей таких танцев — изгнать злых духов и обеспечить защиту племени от беды. Также они могут использоваться для исцеления больных и привлечения благополучия.
Распространенное движение при первобытных танцах — топанье. Это движение имеет символическое значение, поскольку заставляет землю трепетать и покоряться человеку. Танцующие также предпочитают танцевать на корточках, кружиться, дергаться и скакать. Эти движения помогают достичь экстатического состояния, которое иногда заканчивается потерей сознания.
Одежда при первобытных танцах обычно отсутствует, однако танцующие носят маски, сложные головные уборы и раскрашивают свое тело. Это помогает создать атмосферу и воплотить символику танца. В качестве аккомпанемента используется топанье, хлопки в ладоши, а также игра на различных барабанах и дудках из природных материалов.
У первобытных племен нет регламентированной техники танца, но благодаря великолепной физической подготовке танцующие могут полностью отдаваться танцу и плясать с абсолютной самоотдачей. Такие танцы до сих пор можно увидеть на островах южной части Тихого Океана, в Африке и в Центральной и Южной Америке.
Танец в Древнем Египте
Танец имел особое значение и место в культуре Древнего Египта. Информация о развитии танца в этой цивилизации можно изучить по иероглифическим записям, деревянным рельефам, скульптурам и предметам из древних гробниц.
В Абидосе, месте, где похоронен бог мертвых Осирис, проводились обряды с танцами и музыкой в период летнего солнцеворота. Группы певцов и танцовщиков жили при храмах и участвовали в поклонении богам. Одним из главных праздников был обряд, посвященный быку Апису, с тайными танцами, исполняемыми «служителями» быка.
Сочинение танец как искусство
... не понимала, зачем мне нужно это занятие, вскоре все прояснилось. Ритмичные движения учат человека очень многому. Тот, кто танцует, ... по-другому, да и круг общения становится шире, ведь танцами увлечена практически вся подвижная молодежь. Я мечтаю, добиться в ... где нашу группу учили как правильно нужно слушать музыкальный ритм. А после меня отдали на танцы. И хотя сначала я ...
Люди Древнего Египта имели сильное чувство театральности. Даже храмовые танцовщики выполняли акробатические трюки. На рельефах можно видеть женщину, делающую шпагат, или женщину, которую подбрасывают в воздух и затем подхватывают два партнера. Также можно увидеть мужчину, стоящего на одной ноге и готового сделать пируэт.
История развития танца в Древней Греции
Погребальные и церемониальные танцы в Древней Греции отличались строгостью и простотой, однако с течением времени появились и другие, более декоративные виды этого искусства. Рабы и рабыни также обучались танцам для домашних развлечений, а великая Египетская империя привозила танцовщиков из других стран. Путешествующие труппы профессиональных актеров представляли пантомиму, исполняли акробатические номера под бубны и кастаньеты. Танцы негров-пигмеев также были популярны в свое время.
Множество названий танцев и их участников можно встретить в произведениях древних поэтов, писателей и художников, где описываются правила их исполнения. Например, Гомер, древнегреческий поэт, в своих произведениях «Илиаде» и «Одиссее» описывает хоровод и мужской танец среди танцующих юношей. Другие авторы, такие как Лукиан, Аристотель, Филострат, Аристофан и др., также описывают и комментируют различные виды танцев. Часто на изображениях на барельевах, вазописи и скульптуре представлены танцовщики и танцовщицы. Известны такие произведения искусства, как барельеф «Танцующие молодые гречанки», вазовая живопись «Кордакс» и «Сикиннис», скульптуры «Танцующая гречанка», «Танцующая Менада», а также знаменитые Танагрские статуэтки и «Бегущий Меркурий».
Танцы древних греков можно разделить на несколько типов: священные (обрядовые, ритуальные), военные, сценические и общественно-бытовые. Примерно такое же разделение по характеру можно наблюдать у других древних народов.
Священные танцы, согласно преданию, были перенесены в Грецию из Египта Орфеем, который увидел их во время храмовых празднеств египтян. Однако он адаптировал движения и жесты под свой ритм, чтобы они лучше соответствовали характеру и духу греков. Эти танцы исполнялись под звуки лиры и отличались строгой красотой. Часто праздники и танцы были посвящены различным богам, таким как Дионис, богиня Афродита или Афина. Они также отражали определенные дни трудового календаря.
Влияние военных плясок на воспитание молодежи в Древней Греции
Военные пляски в Древней Греции играли важную роль в формировании мужества, патриотизма и чувства долга у молодежи. Эти пляски, обычно исполняемые парами, имели свои особенности и значительное значение для общества. Массовые пиррические пляски, в которых танцевали только юноши, а иногда и девушки, были особенно популярны.
Военные пляски воспроизводили боевые действия, различные боевые формации, представляя сложные хореографические композиции. Танцующие участвовали в них с реквизитом, таким как луки, стрелы, щиты, факелы, мечи, копья и дротики. Сюжеты этих героических танцев часто основывались на мифах и преданиях о героях.
Танцы в древнегреческом театре
Сценические танцы были неотъемлемой частью древнегреческого театра. Каждому жанру театрального искусства соответствовали свои танцы. Исполнители отбивали такт ногами, для чего надевали особые деревянные или железные сандалии. Иногда такт отбивался руками с помощью специальных кастаньет – устричных раковин, надеваемых на средние пальцы.
Бытовые танцы эпохи Возрождения
... соответствие ритму стиха и музыкальному аккомпанементу. История развития бытового танца в эпоху Возрождения В эпоху Возрождения бытовой танец приобретает большое значение. Без него не обходятся не только ... ведущих. При изучении танцевальной культуры эпохи Возрождения необходимо помнить, что названия отдельных па распространялись на название танца в целом. Так, например, слово "бранль" ...
Общественно-бытовые танцы
Общественно-бытовые танцы сопровождали семейные и личные торжества, городские и общегосударственные праздники. Они были разнообразны по тематике, композиционному рисунку и составу исполнителей. Именно эти танцы оказывали большое влияние на развитие сценического танца.
Танцы в Древней Греции имели глубокие корни в культуре и традициях общества. Они играли важную роль в воспитании молодежи и развитии театрального искусства. Однако, со временем, во время упадка Римской империи, танцы и пантомимы превратились в безнравственные зрелища, что вызвало негативное отношение со стороны почтенных граждан Рима.
1.2 Танец в Средние века
Для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха перед смертью. Символика того времени изображала смерть, как и дьявола, постоянно напоминая людям о неизбежности конца. Образ танцующей смерти возник ещё в древности и встречался в танцах многих первобытных обществ, где играл важную роль в магических ритуалах.
Однако именно в эпоху Средневековья образ смерти приобрел особую силу. Особенно широкое распространение получил «Танец смерти» (danse macabre) в XIV веке в период эпидемии чумы. В социальном плане этот танец соответствовал образу смерти и уравнивал в Игре смерти представителей всех сословий.
«Танец смерти» начинался быстрой пляской, после которой один из танцоров внезапно падал на землю, изображая мертвого. Остальные продолжали танцевать вокруг него, представляя в пародийном виде оплакивание покойника. Если мертвецом стал мужчина, его возвращали к жизни поцелуями девушек, а если женщина, то целовали мужчины. В конце следовал общий хороводный пляс.
От Средневековья дошло множество историй о маниакальной одержимости танцем. Во время христианских праздников народ внезапно начинал танцевать и петь у храмов, мешая проходившей в них церковной службе. Такие безумные танцы наблюдались повсюду. В Германии они назывались «пляска святого Витта», в Италии — «тарантелла».
Танец был не только средством разрядки, но и главным развлечением. Наибольшей популярностью пользовалась Карола, первоначально представлявшая собой танец-шествие. Он возник в Провансе как песня-танец, исполнявшийся только в мае, но быстро распространился в Европе благодаря странствующим менестрелям. В конце в концов стал обязательным атрибутом всех праздников.
Средневековый танец: история и развитие
Средневековый танец во многом был импровизированным и не имел устойчивых правил. Однако народ любил хороводы, и танец был популярной формой ухаживания. Исполнители обычно сопровождали танец пением, а движения были простыми.
В XII веке культ романтической любви и рыцарства преобразил танец, уменьшив его эротические черты. Танец стал частью рыцарского образа жизни и выступал как домашняя параллель к турнирам на открытом воздухе. Обычно танец возглавляла одна пара, к которой присоединялись другие, двигаясь по кругу. Такой тип танца напоминал полонез.
В позднем Средневековье появилось различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. Однако социальное разделение тогда еще не было жестким. Селяне могли подражать придворному танцу, а рыцари иногда присоединялись к сельскому хороводу. Крестьяне танцевали с непосредственностью, а рыцари следовали придворному этикету. Придворный танец становился все более манерным, в то время как народный танец оставался импровизацией.
Историко-бытовой танец
... изучить литературу, посвященную историко-бытовому танцу; познакомиться с особенности историко-бытового танца 16-17 веков; познакомиться с особенностями эпохи и костюма 16-17 веков. 1. Танцы 16 века, эпоха Возрождения 1.1. Основные черты эпохи Эпоха Возрождения заявила о ...
Большое значение в развитии придворного танца имело появление профессиональных учителей танца. Они не только обучали, но и являлись арбитрами в области этикета и манер, оказывая значительное влияние на атмосферу при дворе.
С самых ранних дней цивилизации танец был формой общественного выражения во всем мире, служа различным культурным назначениям. Среди этих назначений были поклонение, празднование особых событий, церемонии, торжественные приемы, физическая подготовленность и военные учения. Танец был регулярной частью религиозных практик в большинстве главных религий, и был общепринят в Христианстве до XIII века. Он считался дополнением к музыкальному прославлению, вокальному или инструментальному. Общественные события и светские праздники, которые часто были связаны с религиозными торжествами, также разнообразились танцами, как и официальные церемонии, такие как королевские визиты и коронации. Но это физическое проявление радости и восхваления не было ограничено особыми поводами. Танец был также частью повседневной жизни. Существует множество сообщений о послеобеденных танцах и использовании танцев для создания здорового тела. Это связывало танцы с военными упражнениями, большинство из которых делалось на ногах и требовало не только физической выносливости, но также резвости и быстрой работы ног.
1.3 Танец в эпоху Возрождения
В эпоху Возрождения большое значение приобретает бытовой танец. Без него не обходятся не только балы, вечера, но и пышные уличные празднества, достигавшие порой необычайной яркости и великолепия. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные интермедии с песнями и танцами. Танцы составляют основу этих роскошных зрелищ.
Развитие театрального танца в эпоху Ренессанса
Развитие театрального танца в эпоху Ренессанса было особенно связано с Северной Италией. Однако в последующем танец распространился по всей Европе, приобретая изысканную стилизацию и барочную красоту, благодаря французским дворцам.
Итальянские правители городов-государств, как, например, Медичи, Сфорца, Эсте и Гонзага, все больше придавали значение пышным зрелищам. Постепенно формировался набор танцевальных приемов и несколько обязательных правил. Живое сельское танцевальное движение не подходило для представителей дворянства. Одежда, залы и сады, где танцевали дворяне, требовали организованного и утонченного движения. Для поддержания порядка и соблюдения дисциплины были назначены специальные танцмейстеры, для которых танец стал воплощением сдержанности и изысканности. Танец утратил свою привязанность к народным корням и стал все больше приобретать театральный характер. Профессиональные танцовщики заранее репетировали па и фигуры с дворянами, придумывая позы и движения для танцующих групп, а зрителями выступали другие дворцовые лица.
Развитие музыкального искусства
Развитие музыкального искусства в эпоху Ренессанса было тесно связано с танцем, так как практически все крупные композиторы ориентировались на танец в своих сочинениях. Традиция контрастного сочетания медленного танца-шествия и живого прыжкового танца породила такую музыкальную форму, как сюита, которая в свою очередь повлияла на становление сонатной формы.
Исторический процесс формирования классического танца
... веков своим мастерством подняли искусство исполнения танца на новую высоту. Их достижения явились тем фундаментом, на котором позднее сформировался классический академический балет. Цель работы: Задачи: 1) изучить литературу по теме ... Структура работы:, Теоретическая основа:, Глава 1. История появления классического танца Первые свидетельства о зарождении искусства хореографии отсылают ...
Маскарады и карнавальные шествия
Маскарады, момерии и карнавальные шествия, популярные развлечения в Средние века, особенно распространились в эпоху Возрождения. В XV-XVI веках такие представления проводились в дворянских домах и по мере развития становились дорогостоящими праздниками. Особенно популярными в Ренессансе были маскарады, где танцы совершались в масках, которые в эту эпоху приобретали особое значение. Люди, желающие сохранить инкогнито, часто путешествовали в масках. Представители враждующих аристократических семей старались скрыть свою личность под масками, как описано, например, в шекспировской трагедии «Ромео и Джульетта», где молодой влюбленный проникает на бал в маске.
Вклад карнавалов и танцев в развлекательную культуру
Карнавалы играли значительную роль в истории развлечений и танца. Особенно приметными из них были триумфы — представления на мифологические темы, с великолепными декорациями искусных мастеров. Карри, или маскарады, организуемые ремесленниками и купцами в итальянских городах, представляли собой скромные торжественные шествия, где участники, одетые в маски, несли символы своих профессий. Триумфы во владениях семьи Медичи были настолько роскошными спектаклями, что для их оформления приглашали лучших художников, включая известного архитектора Филиппо Брунеллески.
В это же время, на придворных приемах и празднествах в Италии и Франции выступали небольшие группы танцоров. Во Франции такие выступления назывались «антреме», а в Италии — «интромесси». Сначала их можно было увидеть только на балах, но позже они вышли на театральные подмостки под названием «интермеццо» или «интерлюдия».
В XVII веке Франция стала лидером в танцевальной моде для всего цивилизованного мира. Танцы, принятые во дворце Версаля, были образцовыми для помещиков европейских дворов. Одной из разновидностей маскарадных танцев стал классический жанр «бале à entrées», где различные фрагменты были объединены общим сюжетом и дополнялись музыкой и поэзией. Этот жанр достиг своего расцвета к середине XVII века.
При короле Людовике XIV танец стал лишен романтического духа и прежней фольклорной природы. Большинство новых танцев, принятых в дворянском обществе, в том числе саробанда, значительно изменилось уже при царствовании Людовика XIII. Сначала саробанда отличалась непосредственностью и откровенностью движений. Однако с приходом в придворную среду она, подобно другим танцам, таким как бранль, курент и гавот (типичная для Версаля танцевальная сюита), потеряла свои сельские корни и приобрела придворную церемониальность. Бурре, паспье и ригодон тоже претерпели схожие трансформации.
Появился специальный учитель танцев при дворе, который обучал танцам и изящным манерам. Большое внимание уделялось правильному исполнению реверансов и поклонов, которые были не только приветствиями, но и частью балетной хореографии, придавая ей торжественность и величие.
Танцы во времена Возрождения и в XVIII веке
Изысканный рисунок рук венчал основные позы танца. Он приобрел особое значение в самом популярном танце того времени — менуэте, где изящные движения рук, утонченные поклоны и реверансы придавали всему танцу необычайную галантность. Танцы стали играть беспрецендентно важную роль — как социальную, так и политическую — на протяжении всей второй половины семнадцатого века. Будучи искусством социальным, танцы лучшим образом иллюстрировали повсеместное распространение принятых правил поведения.
Бытовой танец эпохи Возрождения
... образом, в эпоху Ренессанса можно уже говорит о зачатках балета. Еще один знаменитый автор по «искусству танца» – Туано Арбо – французский писатель, священник. Его вклад в развитие ... постановки, имеющие законченный сюжет, который выявляется через танец, пение, стихотворный речитатив, сложное и пышное декоративное оформление. Опыт молодого итальянского балета, его педагогическая методика и труды по ...
Танец был призван показать человеческое тело, полностью контролируемое танцором. Но кроме этого, танцор теперь представлялся не только как отдельная личность, а как часть группы, присоединяясь к общепринятому, «кодифицированному» языку жестов. Позы и поклоны являлись знаками уважения и одновременно — хорошего происхождения.
В 1663 году в моду вошел менуэт (minuet), получивший имя «короля танцев». Менуэт требовал трехмесячной подготовки из-за достаточно сложной схемы шагов. В эпоху Возрождения светские развлечения капля по капле становятся все, кому не лень больше изысканными и усложненными.
Элементы театра и танца проникали во и стар и млад сферы жизни феодалов — иногда пиры в замках напоминали театральное представление: в перерывах посередке подачей отдельных блюд перед гостями приглашенные артисты и музыканты разыгрывали небольшие танцевальные и пантомимические сценки, пели арии и играли на музыкальных инструментах.
К XV веку танцы немножко изменились — они усложнились, стали сильнее быстрыми и подвижными, сегодня исполнялись прыжки и даже легкие поддержки — рано или поздно дама с помощью кавалера поднималась в воздух.
Появилось много новых танцев, всякий имел определенные движения (па).
Причем знать их — и танцы, и движения — необходимо было действительно тем же образом, как и правила этикета.
История балета в XVIII веке
Уже начиная с XVIII века балет перенесся из Французского Двора в Парижскую Оперу под руководством Жана-Батиста Люлли, который сохранял основные принципы балета, где танец является важным элементом сложной формы. В результате балет распространился по всей Европе и стал самодостаточным искусством исполнения, называемым «действенный балет» или балет d’action.
Была установлена новая концепция, в соответствии с которой искусство должно подражать природе и естеству. В результате костюмы и хореография приобрели большую свободу, что способствовало раскрытию выразительных возможностей танца. Барокко также оказало значительное влияние на танец этой эпохи.
Барокко в танце
Барочный стиль танца, происходивший из ренессанса, ориентировался на сложность, симметрию и различия в исполнении мужской и женской партий. Этот стиль характеризовался тяготением к сцене.
Роль оперы и театра
Помимо балета, важное место занимала придворная опера, где массовые танцевальные сцены использовались как элементы хора, который выполнял определенные роли, например, облака или тени умерших. Опера барокко центрировалась вокруг чувств героев, таких как любовь и страдания, вместо сюжета.
Введение
Барокко – художественный стиль, который процветал в Европе в XVII-XVIII веках. Однако, чтобы понять особенности техники исполнения барочного танца, необходимо обратить внимание на другие области искусства, такие как архитектура, скульптура и гравюра. В данном исследовании мы сосредоточимся на художественных проявлениях барокко в этих областях и рассмотрим их влияние на технику и стиль танца.
Архитектура барокко
Барочная архитектура, представленная работами таких мастеров, как Лоренцо Бернини в Италии и Франческо Борромини в Италии, а также Василий Растрелли в России, отличается пространственным размахом и слитностью. Эти архитекторы искусно использовали криволинейные формы и эллипсы, создавая впечатление непрерывности и текучести. Зеркала и росписи, использованные в оформлении зданий, создавали иллюзию расширения пространства, а художественные композиции на потолках вносили элементы иллюзии разверзшихся сводов.
П.И. Чайковский реформатор русского балета
... Чайковский осуществил реформу балетной музыки, углубил её идейно-образные концепции и поднял до уровня современной ему оперы и симфонии. Балеты Чайковский начал писать, будучи зрелым композитором, хотя склонность к сочинению танцевальной музыки ... танцев, действенно-пантомимные сцены, рисующие ход событий и тончайшие изменения эмоциональных состояний действующих лиц. Балетная музыка Чайковского ... Как ...
Скульптура и живопись
Скульптура и живопись также играли важную роль в эпохе барокко. Произведения мастеров, таких как Джан Лоренцо Бернини, Питер Пауль Рубенс и Энтони ван Дейк обладали эффективными декоративными композициями и парадными портретами. Они создавали работы, которые пышно и богато передавали драматизм и эмоциональность тех времен.
Гравюра в эпоху барокко
Гравюра, важная область искусства барокко, выполнялась при помощи химических реакций и поэтому результат был сложно предсказуемым. Гравюра эпохи барокко представляла собой процесс протравливания портретов и изображений с использованием кислот и красок. В то время вообще шло быстрое развитие науки, и человек часто вступал в отношения с природой, с природными стихиями, неконтролируемыми явлениями. Используя гравюру, мастера барокко могли передать эту стихийность и непредсказуемость в своих произведениях.
Танец барокко
Техника исполнения барочного танца также отражает особенности стиля барокко. В то время, когда человек проводил много опытов и экспериментов с природными стихиями, танцы барокко были отличительными своими жесткими школами и набором движений. Через небольшой набор движений, танцоры могли выразить все чувства и тонкости представляемого сюжета. Барочный танец ставил акцент на элегантность и в то же время эмоциональность исполнения. Техника и стиль танца барокко неразрывно связаны с атмосферой и духом эпохи, где искусство и природа были в постоянном взаимодействии и взаимоотношениях.
1.5 Танец в барокко
В разных странах барочный танец имеет там различную манеру исполнения. Когда барочный танец попадает в страну, он или доминирует там, как таковой, или включает в себя характерные танцевальные движения народа, живущего в этой стране.
Примером может являться Англия. В отличие от Франции, где манера исполнения танца достаточно мягкая, в Англии движения рук более упругие, динамичные и открытые, что, возможно, связано с более строгим воспитанием.
Другой пример — аллеманда. Изначально германский танец, довольно простой по строению. А во что он превратился в барокко.
Еще одним примером может послужить жига — старинный танец кетьтского происхождения. Барочная жига имеет очень мало общего с более древним исполнением танца.
Интересно также посмотреть, как меняются танцы других стран, попадая во время барокко во Францию. Как пример возьмем контрдансы. Это композиционные танцы, изначально появившиеся в Англии. К концу XVII века в них стали попадать барочные движения.
Во Франции буквально случился «бум» на контрдансы, так как они были достаточно несложные по композиции по сравнению с показательными барочными танцами. Они стали очень распространены, их с удовольствием танцевали и сочиняли с использованием различных игровых приемов галантного характера.
Композиционные приемы контрданса попали в другие барочные танцы, такие как менуэт, гавот и др.
Барочный танец просуществовал во Франции вплоть до Великой французской революции (1789 — 1794 гг).
С этого момента самым распространенным танцем во Франции стала фарандола, а затем появилась французская кадриль.
Во второй половине XVIII века менуэт устал публику своими формализмом и излишней изящностью. На смену ему пришел вальс, чьим предшественником был немецкий лендлер, популярный в горных областях Южной Германии и Австрии под названиями веллер или шпиннер. Этот быстрый и плавный крестьянский танец выделялся своей прямотой, естественностью и отсутствием преувеличенной манерности.
Вальс быстро завоевал сердца немецких буржуа и долгое время не получал приглашения на императорские балы в Германии. В Англии вальс был запрещен до 1812 года. В течение XIX века во Франции появилась чисто французская «подпрыгивающая» разновидность вальса, а в Америке в 1880-х годах распространился американский медленный вальс-бостон.
В Европе вальс часто сменялся кадрилью, популярной в начале и середине XIX века, а также другими танцами, такими как полька, мазурка и галоп. На рубеже XIX-XX веков вальс соответствовал романтическому настроению времени и классическому балету, в котором преобладали воздушные движения, сказочные сюжеты и сценическое оформление, а также сталкивались обыденное и сверхъестественное, реальность и вымысел.
Однако, излишнее развитие виртуозности и технической стороны классического балета постепенно привело к его вырождению в формальные стереотипы, с которыми следующему поколению театральных деятелей пришлось бороться.
Глава 2. Развитие танцевального искусства
В конце XIX века европейский танец начал испытывать новые влияния, исходящие из афроамериканских и латиноамериканских источников. Афроамериканский танец, развивавшийся в Новом Свете, воплотил идею свободы. В то время законы запрещали неграм «бить в барабаны, трубить в рога и т.п.», поскольку такие действия могли быть восприняты как подстрекательство к восстанию. Поэтому негры танцевали под удары в ладоши и аккомпанемент банджо. Из шарканья ногами и притопывания родился характерный эстрадный танец типа чечетки (или степа), который исполнялся в представлениях так называемых менестрелей (минстрел-шоу) и позже приобрел художественную форму.
Другим изобретением черных жителей Америки стал кэк-уок, который стал популярным в США к концу XIX века. Это был танец-соревнование, где каждая пара старалась превзойти своих соперников в каскаде высоких замахов ногой, быстрых шагах, захватывающих дух прыжках и изобретательных поворотах. Кэк-уок стал американским аналогом завоевавшего Европу канкана.
Ритмические танцы Латинской Америки привлекали своим экзотическим обаянием. Особенно популярными были бразильский матчиш и кубинская хабанера, которая являлась предшественницей танго.
В начале XX века произошел резкий сдвиг в танцевальном искусстве. Артисты стали уделять большее внимание качествам личности, ритуальным и религиозным аспектам, примитиву, выразительности и эмоциональности. В этой атмосфере произошел бум современного танца. Внезапно появилась новая свобода в том, что теперь считалось приемлемым в танце, и это получило название признанного искусства, которым захотелось заниматься многим людям. Все атрибуты нового искусства стали также ценны, как костюмы балета – или даже ценнее их.
Большинство хореографов и танцоров начала XX века относилось к балету крайне негативно. Исидора Дункан считала его безобразной бессмысленной гимнастикой. Марта Грэм (Грэхем) видела в нем европейщину и империализм, с которыми американцам не было ничего общего. Мерс Каннингэм, несмотря на то, что использовал некоторые основы балетной техники в своем преподавании, подходил к хореографии и выступлениям с позиций, прямо противоположных традиционному балету.
20-й век в мире балета: Революция, постмодернизм и возвращение классики
20-й век определенно стал временем отрыва ото всего, на что опирался балет. Был пик творческого роста танцоров и хореографов, но это была эпоха не только творческой свободы и дикой экспериментирования, но и противоречий, смертей и болезней, которые поставили под угрозу всю отрасль. В течение основной части 20-го века балет преобразовывался, отвоевывая свое место на сцене и в сердцах зрителей и исполнителей.
Постмодернизм в танце
Шестидесятые годы ознаменовали развитие постмодернизма, который изменил курс на простоту, красоту маленьких вещей, нетренированных тел и безыскусственных, простых движений. Знаменитый манифест «Нет», отвергающий все костюмы, сюжеты и «показуху» ради сырого, необработанного движения – это, наверное, ярчайшая крайность этой волны новой мысли.
К сожалению, отсутствие костюмов, сюжетов и бутафории не способствовали успешности танцевального шоу. Спустя несколько лет «декорации», «художественное оформление» и «уровень шока» снова появились в лексиконе хореографов современного танца.
Возвращение классики и современный танец
До 80-х годов классический танец и современный танец представляли два полюса, между которыми был очень большой разрыв. К своей исходной точке вернулся классический танец, а современный танец продолжил свое подъем, превращаясь в contemporary dance – высокотехничный оружие профессионалов.
Две формы танца, contemporary dance и классический балет, мирно сосуществуют бок о бок, испытывая лишь крохотную долю былой неприязни и почти не вступая в соперничество. Сегодня танцевальное искусство проникнуто творческой конкуренцией, и хореографы зачастую стремятся к тому, чтобы их работу назвали самой шокирующей. Однако до сих пор остается красота, и танец современности потрясает своим профессионализмом, силой и гибкостью.
Фольклорный танец
Фольклорный танец подразумевает соучастие зрителей, в нем запечатлеваются основные черты характера и темперамента создавшего его народа. Это обычно танец анонимного происхождения, передающийся от поколения к поколению. Хотя фольклорный танец может исполняться и в городах, истоки его почти всегда связаны с сельской местностью.
Несмотря на исторические различия, фольклорные танцы разных стран имеют много общего в ритмическом строении и рисунке движений. Различия иногда обусловлены географическими условиями. Например, танцы горцев одной страны могут быть в большей степени похожи на танцы горцев других стран, чем на танцы обитателей равнин в той же стране.
Танец рил американского штата Виргиния близок хороводным танцем многих других стран. Мазурка с ее характерной трехдольностью воплощает польский характер, в то время как полька с ее отрывистым ритмом — дух чешского народа. Чардаш, состоящий из двух частей — медленного кругового танца мужчин и огненного парного танца — соответствует общему представлению о венгерском характере, с его безотчетной тоской и бурными страстями. Альпийская форма шуплаттлера, танца ухаживания, распространена в Баварских и Австрийских Альпах. Этот интересный народный танец состоит в притопывании ногами, прищелкивании каблуками и в хлопках по бедрам и коленям; кроме того, в этом танце мужчина перепрыгивает через присевшую партнершу, а та кружится под его рукой.
Некоторые фольклорные танцы являются напоминанием о древних культах плодородия, в рамках которых эти танцы и возникли. Так, хоровод вокруг майского дерева приветствует пробуждение природы. Этот танец характерен для всей Европы — от Испании до Норвегии, и его истоки прослеживаются в греческих дифирамбах во время дионисийских празднеств. Танцы с мечами возникли из языческого обряда, имитирующего борьбу между зимой и летом; они связаны также с древнегреческим военным танцем. Шотландский мужской одиночный танец с мечами — один из самых известных примеров данного типа.
Фольклорные мотивы часто играют большую роль в балете. С 1940-х годов стало распространяться увлечение подлинным, этнографически достоверным танцевальным фольклором. Существует немало профессиональных танцевальных трупп, которые достигли международной известности, демонстрируя сценические формы народных танцев, например российский Ансамбль народного танца Игоря Моисеева, Ансамбль украинского танца, ансамбль «Инбал» в Израиле, «Фольклорный балет» Мексики, «Баянихан» на Филиппинах.
2.2 Балет
Балет — высшая ступень хореографии, в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления, возник как придворно-аристократическое искусство гораздо позже танца, в XV-XVIвеках. Термин «балет» появился в ренессансной Италии в XVIвеке и обозначал не спектакль, а танцевальный эпизод. Балет — синтетическое искусство, в котором танец — главное выразительное средство балета, тесно связан с музыкой, с драматургической основой — либретто, со сценографией, с работой костюмера, художника-осветителя и т.д. Балет многообразен: сюжетный — классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный — балет-симфония, балет-настроение, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным. XXвек принёс в балет новые формы: джаз-балет, модерн-балет.
История балета XXвека характеризуется процессами ассимиляции традиций русского классического балета с европейскими балетными коллективами. Ведущими тенденциями становятся метафоричность, бессюжетность, симфонизм, свободная ритмопластика, танец модерн, элементы фольклорной, бытовой, спортивной, джазовой лексики. Во второй половине XXвека развивается постмодерн, в арсенал выразительных средств которого вошли использование кино и фотопроекций, эффекты освещения, звука, электронная музыка, хэппенинг (участие зрителей в балете) и т.д. Появился жанр контактной хореографии, когда танцовщик «контактирует» с предметами на сцене и самой сценой. Доминирует одноактный балет-миниатюра (новелла, балет-настроение).
Странами наиболее развитой хореографической культуры были Великобритания, США, Франция, СССР. Большую роль в развитии мирового балета сыграли танцовщики второй волны русской эмиграции (Р.Нуреев, Н.Макарова, М.Барышников) и танцовщики русской школы, работавшие на Западе по контракту (М.Плисецкая, А.Асылмуратова, Н.Ананиашвили, В.Малахов, А.Ратманский).
В Германии, Голландии, Швеции развился экспрессионистский, затем постмодернистский балет.
В 1920-1930-х годах центром европейского балетного искусства стала Франция, где до 1929 года работала труппа «Русский балет» Дягилева и выросшие на ее основе коллективы. Во второй половине XXвека Франция дала балету таких самобытных хореографов, как Морис Бежар и Ролан Пети.
В 1930-1959 годах, с перерывом на военные 1944-1947 годы, труппу Парижской оперы возглавлял Серж Лифарь, поставивший там 50 балетов в стиле неоклассицизма, модернизировав классический танец и соединив его с элементами свободного, фольклорного, бытового танца. Наиболее известные балерины того времени: Клод Бесси, ученица Лифаря, а также лирическая танцовщица Иветт Шовире, прославившаяся исполнением партии Жизели.
Хореографические новации развились вне стен Оперы, хотя с 1970-х годов там ставили балеты Баланчин, Д.Роббинс, Г.Тетли, П.Тейлор. В 1983-1989 годах руководителем балетной труппы Парижской оперы вновь стал выходец из России, советский танцовщик Р.Х.Нуриев. Он поставил там ряд классических балетов, а также пригласил к сотрудничеству одного из крупнейших хореографов современности У.Форсайта, что внесло свежую струю в жизнь танцевальной труппы театра, превратившейся к тому времени в балетный музей. Из танцовщиц оперы известность получили Сильви Гийе, Изабель Герен. Выдающийся классический танцовщик Патрик Дюпон руководил труппой в 1990-1995 годах.
Главное достижение американского балета — творчество Джорджа Баланчина, выходца из России, выпускника Петроградского театрального училища. Он создал новое направление в хореографии — симфонический бессюжетный балет неоклассического стиля, самодостаточное хореографическое действо (иногда без либретто, сценографии и костюмов).
На творчество Баланчина большое влияние также оказала датская школа хореографии, стремящаяся к тонкости, живой легкой работе ног (т.н. заноски Бурнонвиля), быстрой смене направлений и нарастающих ритмов движений. Крупнейшие танцевальные театры США — «Нью-Йорк сити балле» и «Американ балле тиэтр» родились в результате взаимодействия русской классической и американских (танца модерн, акробатической, джазовой, бытовой лексики) традиций. Ведущей тенденцией американского балета остается бессюжетность и метафоричность, камерный одноактный балет.
Балет стран с богатым хореографическим прошлым (Австрия, Италия) в настоящее время находится на периферии балетных идей. Музыкальные театры Вены и Милана отдают приоритет опере. Хотя в Италии существует многовековая школа виртуозного танца, но талантливые балерины реализуют себя, как правило, за границей (Карла Фраччи, Алессандра Феруччи), а итальянский балет находится на грани выживания.
Во второй половине XXвека балет проник в страны, где сильны традиции народного танца. В Испании появился «Балет лирико насионал» под руководством бывшего артиста «Нидерландского танцевального театра» Начо Дуато, в Латинской Америке возникли «Национальный балет Кубы», созданный балериной «Американ Балле» Алисией Алонсо, «Аргентинский балет», основанный танцовщиком того же театра Хулио Бокка. Появились балетные труппы в Японии, где популярен и классический балет, и современный танец: Токио-балет, группа «КАРАС» Сабуро Тешидава открыты всем направлениям, от классики до перфоманса.
2.3 Твист
Твист по определению является одним из бальных танцев, которые обычно обязательны в любой танцевальной программе подобного рода.
В переводе с английского языка, слово «твист» буквально означает «кручение». Танец твист распространился только в 60-е годы XXвека, несмотря на то, что существовал он уже достаточно продолжительное время. Родиной твиста считается Америка, что вполне заслужено, так как все наиболее известные исполнители музыки в стиле твист и все наиболее знаменитые танцевальные коллективы родом из разных частей Америки, как Южной, так и Северной. Особенностью танца твист, а также музыки твист, является, несомненно, музыкальный размер, с которым исполняется произведение данного стиля. В том случае, если исполняется твист, важно помнить, что акценты в произведении делаются на все четыре четверти такта. Самым известным исполнителем музыки твист заслуженно считался американский певец по фамилии Чекер.
Несмотря на то, что твист в большей степени являлся в исполнении прерогативой иностранных исполнителей, его ритмика и особенности звучания так же использовались при исполнении и написании композиторами и исполнителями советских стран. Особенно в этом плане отличился композитор Бабджанян, композиции которого до сих пор являются заслуживающими уважения хитами 60-80-х годов. Твист является достаточно быстрым танцем, ритм которого очень легко улавливается. Даже в наше время при проведении танцевальных соревнований в обязательную программу, которую должна исполнить каждая из пар, входит твист. Он включает в себя несколько основных па, которые должны присутствовать в программе танца, а также всевозможные дополнительные движения, соответствующие не только ритму, сколько стилевым особенностям танца.
Все с чего-то начинается, так и музыка и танец твист когда-то начались со стремления молодого талантливого танцора сделать что-то большее, выступать не только в качестве танцора, но и в качестве исполнителя песен, певца.
После того, как этот молодой человек, которого в то время звали Эрнст Эванс, выпустил свой первый хит, пародируя известных личностей мирового класса на поприще исполнения рок-н-ролла, он получил реальный шанс осуществить свою мечту. В начале 60-х годов малоизвестный в то время танцор, начинающий свою карьеру на поприще музыкального искусства в качестве певца привлек к себе внимание одного из самых известных телеведущих Америки. Этот телеведущий отличался не только стремлению соответствовать модным тенденциям, но и изрядной долей консерватизма. И именно по этой причине он решил немного сместить в сторону очень популярный в то время рок-н-ролл, который считал полным эротики, что, опять же, по его мнению, развращало молодое поколение. Он решил заменить его на не менее жизнерадостный и энергичный танец, но при этом изменить как сам танец, так и музыкальное сопровождение.
После того, как схлынула первая волна увлечения твистом практически всего населения мира, внимания большинства обратилось на более новые и неизведанные стили музыки и танцев. Тем не менее, популярность твиста полностью не угасла, и через 10 лет интерес к нему проявился с новой силой. Первого исполнителя и создателя твиста, Чебби Чекера пригласили спеть вместе с одной известной рэп-группой. Композиция, которая обрела второе дыхание, стала снова популярной.
Твист по своему характеру является очень жизнерадостным, веселым, зажигательным и энергичным танцем. Он не похож ни на один из известных нам танцев, и именно эта его отличительная черта когда-то стала чуть ли не решающим моментом в его популярности. Слово «твист» в переводе с английского языка означает «крутить».
Практически этим же словом можно охарактеризовать и основное движение в твисте, а именно небольшие вращательные движения, проводимые ногой, стоящей на носке или на пятке. Очень хорошо для более простого восприятия движений твиста подходит определение, данное в одном из фильмов. Нужно затушить окурок сначала пяткой одной ноги, котом другой. При этом так же нужно выполнять определенные движения руками, которые можно охарактеризовать как вытирание поясницы полотенцем.
Не смотря на всю простоту этих основных движений, в последнее время, когда твист является одним из обязательных танцев профессиональных танцевальных программ, движения в танце в значительной степени разнообразились. Сложность их исполнения состоит в том, что выполняя основные движения нужно с точностью до миллиметра учитывать градус разворота стопы, и при этом так же стоит учитывать и особенности движения рук.
Глава 3. Современные направления в танце
Современные танцы. Haчaлo 21 века — время, в которое мы живём, во многом похоже на начало 20 века — время рождения современного танца. Что сделало возможным рождение современных танцев в начале 20 века.
Современный Танец выбран в качестве взгляда на современного человека, потому, что современые танцы — это возможность самопознания и самовыражения на уровне ума, души и тела. Современные танцы это способ быть гармоничным и свободным в выражении своих мыслей, чувств через движение. Современные танцы — это ощущение красоты и свободы соприкосновения с окружающим миром.
Магия движения современных танцев завораживает, влечёт, трогает сердца. Если бы с самого начала современные танцы ( танец модерн ) не имели прямой связи с классическими традициями, они были бы рождёны разве что, только для невежд. Предшественниками современых танцев были мужчины, а вот пионерами — женщины, не профессиональные танцовщицы, но которые размышляли над основами будущего танца. Предшественники и теоретики современных танцев создавали теории, которые ввиду отсутствия хореографической формы, в сущности, имели важное достоинство объективно рассматривать лишь человеческое движение, и предлагать инструменты для анализа и независимого наблюдения для какой-нибудь простой хореографической эстетики. Они так же внесли свой вклад в оригинальные, хотя, часто очень удалённые, концепции простых форм современных танцев на колоссальной волне свободы тела.
Направление современные танцы — целиком детище 20 века. В дословном переводе модерн-танец — современный танец. В отличие от джазового или классического танца, направление современные танцы создавалось на основе творчества того или иного конкретного лица.
В современных танцах существенным является попытка исполнителя выстроить связь между формой танца и своим внутренним состоянии. Большинство стилей современных танцев сформировалось под влиянием какой-либо четко изложенной философии или определенного видения мира.
Как таковые, современные танцы — это множество стилей танца, которые исполняют в ночных клубах. Не важно что вы танцуете и как, но если это происходит в клубе и вам это нравится, то значит именно клубный современный танец наблюдают окружающие! Это может быть как хаус, так и RnB, так и Latino и тд. Сейчас все стили смешивается, адаптируются под клубную атмосферу и получается клубный современный танец — это целый вид искусства.
3.3 BreakDance
Брейкинг, другими словами би-боинг, значительно отличается от других видов танца. Можно даже было бы сказать, что это прогрессивное развитие предыдущих форм танца: В Нью-Йорке в 1950-1960 годах был большой наплыв иммигрантов. Каждый внес какую-то свою частичку в танец, как например, африканцы, которые внесли в танец ритм. Влияние африканского танца на брейкинг очевидно, не только из-за «танца в кругу». Также выражение би-боинг (b-boing) может быть позаимствовано от африканского слова Boioing, что означает «Hop (танцы), jump (прыжок)».
Отправная точка для би-боинга, которая берет начало в Южном Бронксе в начале 1970-х годов, это хит Джеймса Брауна «Get on the Good Foot»: восхищаясь его энергетическим с акробатическими элементами танцем на сцене люди стали танцевать танец под названием Good Foot. Брейкинг, в начале известный также как Rocking — это прогрессивное развитие танцевального стиля Good Foot. Молодые танцоры выходили на танцпол и «ломали» обыкновенные движения в такт ломанным битам пластинки. Этих ребят стали называть Break-boys, а позже сократили до b-boys. В первое время своего существования би-боинг состоял из Toprocks, Floorrocks и Freezes -вращения тогда еще не были введены.
Когда «танцевальные битвы» упрочили свое положение в то время, и брейкинг стал частью хип-хоп культуры ( «боритесь с помощью творчества, а не с помощью оружия»), он все больше заставлял танцоров использовать свое воображение, чтобы выполнять всевозможные трюки на баттлах. Главной целью на баттлах было побить противника большей изобретательностью всевозможных фризов и движений и выполнением быстрых и четких забежек. Это обстоятельство объясняет также и то, что те люди, которые объединялись в команды и вообще танцевали вместе, разрабатывали свой собственный стиль, чтобы противостоять другим командам. С каждым годом брейкинг становился все более популярным и модным, брейкеры стали появляться в коммерческих проектах (ТВ-шоу, реклама, клипы и т.д.), брейкинг как бы становился частью шоу бизнесса.
Первая би-бой команда называлась The Nigga Twins, и они были пионерами би-бой движения с такими командами как The Zulu Kings, The Seven Deadly Sinners, Shanghai Brothers, The Bronx Boys, Rockwell Association и т.д. После некоторых лет развития этого танца в середине 1970-х годов появились люди со значительным опытом в танце. Онисчиталиськоролями: Robbie Rob (Zulu Kings), Vinnie, Off (Salsoul), Bos (Starchild LаRock), Willie Wil, Lil» Carlos (Rockwell Association), Spy, Shorty, (Crazy Commanders), James Bond, Larry Lar, Charlie Rock (KC Crew), Spidey, Walter (Master Plan) иэтоещедалеконевсе!
В1980-хгодахвНью-ЙоркепоявилисьтакиекомандыкакRock Steady Crew, NYC Breakers, Dynamic Rockers, United States Breakers, Crazy Breakers, Floor Lords, Floor Masters, Incredible Breakers ит.д. ВтовремябольшоесоперничествобыломеждуRSC иNYC Breakers, атакжемеждуRSC иDynamic Rockers. Баттлы между этими командами в начале 1980-х привлекали средства массовой информации. В 1981-ом году шоу RSC было показано ABC в Линкольн Центре .В 1982-ом году баттл между RSC и Dynamic Rockers был записан на пленку для документального фильма «Style Wars».В 1983-ем году на экранах появился фильм «Flashdance» и видеоклип Malcolm McLarens «Buffalo Gals». RSC сыграли главную роль в обеих продукциях, и стали показываться по всему миру из-за огромного успеха и фильма, и клипа. Для многих брейк стал тогда чем-то новым, чего еще никогда не было раньше, чего еще никто никогда не видел, чем-то, что было действительно зрелищно и захватывающе.
В этом же году выходит фильм «Wild Style», и в поддержку этого фильма состоялось турне, которое было первым интернациональным туром хип — хоп культуры — MC, DJ, райтеры и би-бои поехали в Париж и Лондон — и это был первый раз, когда брейкинг увидели «живьем» в Европе. В 1984-ом году вышел фильм «Beat Street», в котором также приняли участие знаменитые Rock Steady, NYC Breakers и Magnificent Force, и на закрытии церемонии LA Olympic Summer Games более ста би-бой и би-герл показали захватывающее шоу. С каждым годом брейкинг становился все более популярным и модным. Но в 1987-ом году брейкданс вдруг потерял свою значимость для большинства людей и в особенности для средств массовой информации. Только немногие продолжали тренироваться и серьезно танцевать, и не только в Нью-Йорке, а по всему миру. Но именно эти немногие и повлияли на дальнейшее развитие брейкинга, на то, что мы видим сейчас, на то, как нам представляется би-боинг сейчас.
Break-dance является одним из самых динамичных, современных и экстремальных танцевальных стилей.
Ни один другой танец так не приковывает к себе внимание людей, как break-dance и это не удивительно, ведь этот танец так не похож на другие стили. Ни в одном другом танце, как в брейке, нет столько акробатических элементов, головокружительных вращений, выпрыгиваний, зависаний и других разнообразных сложных трюков и элементов. Именно поэтому break-dance владеет умами миллионов молодых людей во всем мире.
В отличие от нижнего брейка, верхний брейк не такой экстремальный, но требует хорошей пластичности и танцевальной подготовки, отсюда его привлекательность и необычность.
Благодаря своим изощренным формам, красоте, динамичности и индивидуальности, break-dance является популярным по сей день и еще долгое время будет притягивать своей зажигательностью.
3.4 R ’ n ’ B
Ритм-н-блюз
Сейчас принято отличать современный ритм-энд-блюз от классического ритм-энд-блюза. Под современным R’n’B подразумевается музыкальное направление, берущее начало от симбиоза блюза, соула и других «расовых» жанров. Ритм-энд-блюзом же принято считать музыку на ярко выраженной блюзовой основе. Многие люди относят музыку классического ритм-энд-блюза к року, а под самим понятием «ритм-энд-блюз» подразумевают современный R’n’B. Это очень распространённое заблуждение. Многие критики до сих пор спорят — нужно ли относить творчество ритм-энд-блюзовых групп к року, а самому понятию присвоить его «популярное значение». Некоторые считают — что это проще, а значит, правильно. Иные говорят, что жанр необходимо расценивать, исходя из качеств и особенностей музыки.
Ритм-энд-блюз выделился в контексте блюза на рубеже 1930-х 1940-х годов и был связан с урбанизацией так называемых «деревенских» американских негров Юга, играющих «деревенский блюз» (country blues).
Например, в Лос-Анджелес переселились такие известные блюзмены, как Ти-Боун и Би БИ Кинг; в Нью-Йорк — Луис Джорден и Джо Тернер и т.д.
Переселение этих исполнителей в города было связано со становлением негритянских звукозаписывающих компаний, продукция которых распространялась в «чёрных» гетто больших городов. При этом исполнители кантри-блюза, аккомпанирующие себе на акустический гитаре столкнулись с тем, что в шумных заведениях их просто не было слышно: тогда-то и стали применяться микрофоны, звукосниматели для гитары и электроорганы. В 1939-ом году появилась электрогитара. Электрификация и внедрение новой техники способствовали не только развитию звукозаписи, но фактически стали причиной возникновения нового стиля блюза. Теперь группа из четырех человек стала способна играть громче и мощнее, чем традиционный большой биг-бэнд из восемнадцати исполнителей.
Ритм-энд-блюз стал массовой, коммерческой музыкой, ориентированной на рынок. По сравнению с традиционным блюзом новый стиль стал более громким и агрессивным, утратив некоторые достоинства тихого сельского блюза, его нюансы и интимность. Ритм-энд-блюз стал гораздо более однообразным — на первый план вышла развлекательность и танцевальность. Группа исполнителей стала доминировать над солистом и функция самовыражения последнего, традиционная для «старого» блюза отошла на задний план. Среди классиков раннего ритм-энд-блюза можно отметить таких музыкантов, как Мадди Уотерс, Артур Крадап, Би Би Кинг, Джей Макшенн, Хаулин Вольф и Джо Тернер.
Изначально хип-хопом называлось все то, что делали подростки бедных райнов Нью Йорка (гетто) — Бруклина и Бронкса примерно в конце 60-х — конце 70-х годов XX века. В этих районах существовало множество подростковых группировок, каждая имела свою определённую территорию, границы которой были обозначены рисунками — символами группировки, которые старались сделать как можно краше и привлекательнее на вид (так зародилось граффити).
Эти же подростки ходили развлекаться в местные клубы и на танц-площадки, где играла модная в те времена музыка — то есть соул и фанк. Под эти ритмы рождались самые затейливые танцы, такие например, как брейкданс. Музыку в те времена проигрывали с пластинок, а ставящий пластинки звался Disc Jockey (DJ).
Один из DJ Бронкса — KoolHerc придумал технику игры на двух проигрывателях пластинок, что позволяло накладывать одну мелодию на другую. Под те же ритмы ведущие (Masters of Ceremony, MC’s) развлекали народ, зачастую тем, что с ходу придумывали веселые рифмы (позже они стали читать свои рифмованные произведения).
Первые официальные записи рэп-исполнителей, относящиеся к концу 70-х — началу 80-х годов наложены на музыку соул, фанк и диско, то есть на стили, являющиеся продолжателями ритм-энд-блюза. Таким образом хип-хоп изначально связан с ритм-энд-блюзом, но не относится напрямую к культуре ритм-энд-блюза.
Второй этап взаимодействия ритм-энд-блюза с хип-хопом — период «хип-хоп-соула» (1993—1998) — обозначил более тесное сближение двух музыкальных направлений. Ритм-энд-блюз заимствует у хип-хопа его непредсказуемый ритмический рисунок, композиции становятся менее однородными и более энергичными. Отличительная черта записей этого периода — общая атмосфера телесной чувственности и даже цинизма. Откровенные, на грани фола, тексты многих исполнителей свидетельствовали о взрослении аудитории этого направления: по сравнению с нью-джек-свингом, это были не только подростки старшего школьного возраста, но и более возрастные слои молодёжи. Основные исполнители этого периода — «королева хип-хоп-соула» Мэри Джей Блайдж, его «король» Ар Келли и женское трио «TLC».
Современный этап в развитии ритм-энд-блюза принято характеризовать как «нео соул» (neo soul).
Это отчасти ретроспективное направление состоит в возврате к винтажному звучанию классического соула 1960-х и 1970-х, что особенно очевидно в творчестве D’Angelo, Лорен Хилл и Эрики Баду. Первопроходцем этого течения можно считать трио The Fugees, в творчестве которого наметилась реакция против приземлённой плоскости ритм-энд-блюза середины 1990-х (характерный пример — песня «Killing Me Softly With His Song» 1996 года).
Помимо классического соула, нео соул активно впитывает элементы альтернативного хип-хопа (Лорен Хилл), джаза и даже классической музыки (Алишия Кис).
Необходимо отметить, что нео соул остаётся сравнительно малопопулярным течением в рамках современного ритм-н-блюза. Более коммерчески ориентированное направление, которое представляют такие исполнители, как Ашер и Бейонсе, продолжает развиваться в русле хип-хоп-соула 1990-х.
Заключение
Танец всегда занимал огромное пространство в жизни и повседневной культуре человечества. Ведь предпосылками его возникновения были элементарные потребности человека в труде, игре, охоте.
Прежде всего, особенности танца зависят от религиозных верований, присущих определённому народу. Так как в основном танцы были составной частью обрядовой деятельности. Поэтому политические и социальные изменения также отражались на развитии этого вида искусства.
Стиль танцев в определённые культурные эпохи зависел не только от развития человечества, но и от развития других видов искусства. Так как, например, танец эпохи классицизма можно смело сравнить с архитектурой этого периода. Движения и пластика, танцующих также как и линии зданий чёткие и грациозные.
Возникновение новых видов танцев не зависит лишь от развития культуры в целом. Многие танцевальные направления появлялись вследствие синтеза уже известных танцев, или вследствие преемственности некоторых черт этого искусства у других культур.
Современными учёными уже доказано, что движения танцующего человека могут рассказать о нём многое. В танце неосознанно отражается личность человека и если внимательно приглядеться, то можно очень много рассказать о характере танцующего, его привычках, страхах, особенностях взаимодействия с разными людьми и с самим собой, его фантазии, отношение к себе и к миру, и многое другое.
В последнее время стало модно танцевать. Современная индустрия развлечений, в частности, танцевальная индустрия, стали мощным оружием психологического воздействия. Большое количество взрослых людей пошли в клубы, школы танцев, танцевальные коллективы и др., чтобы научиться танцевать. Многие родители повели детей, чтобы воплотить свои моувидеть повсюду, все чаще танец используют в рекламных роликах, где с помощью движения, экспрессии, музыки передается настроение, эмоции, и даже прививается стиль и вкус современной жизни.
Танец может стать смыслом жизни, ведь он помогает раскрепоститься и приобрести гармонию с самим собой. Это помогает человеку приобщиться не только к определённому виду искусства, но и к определённой культуре в целом. А значит танец – это средство понимание культуры и приобщения к ней.
Список литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/kursovaya/na-temu-tantsyi-narodov/
1.Бореев Ю.Б. Эстетика. – Р-на-Д.: Феникс, 2004.- с. 263-265.
2.Васильева-Рождественская М. Историко-бытовой танец. — М.: Искусство,1987.-384 стр.
3.Захаров Р.В. Записки балетмейстера. — М.:Искусство,1976.-352 стр.
4.Он же. Сочинение танца. Страницы педагогического опыта. – М.: Искусство, 1989. – 240 стр.
5.Зись А. Виды искусства. – М.:Знание, 1979.- с. 67-71.
6.Келдыш Ю.В. Музыкальная энциклопедия. –М.: Советская энциклопедия, 1981. – с.423-424.
7.Косачева Р. О музыке зарубежного балета. Опыт исследования. –М.: Музыка, 1984. – 304 стр.
8.Пасюковская В. Волшебный мир танца. – М.: Просвещение, 1985. — 224 стр.
9.Пуртова Т.В., Беликова А.Н., Кветная О.В. Учите детей танцевать. М.: Владос, 2003. – с.7-19.
10. Стриганов В.М., Уральская В.И. Современный бальный танец. — М.: Просвещение, 1978. – с.5-15.
11. http://dancelovers.ru/other/pr_other/800-istorija-tancev.html
12.iDance http://www.idance.ru/show.php?id_a=271
13.
14.
15. http://totus-floreo.narod.ru
16.
