Музыка (от греч. musikе, буквально — искусство муз), вид искусства, который отражает действительность и воздействует на человека посредством осмысленных и особым образом организованных звуковых последований, состоящих в основном из тонов.
Музыка — специфическая разновидность звуковой деятельности людей. С другими разновидностями (речь, инструментально-звуковая сигнализация и т. д.) её объединяет способность выражать мысли, эмоции и волевые процессы человека в слышимой форме и служить средством общения людей и управления их поведением.
В наибольшей степени музыка сближается с речью, точнее, с речевой интонацией, выявляющей внутреннее состояние человека и его эмоциональное отношение к миру путём изменений высоты и других характеристик звучания голоса. Это родство позволяет говорить об интонационной природе музыки.
Вместе с тем она существенно отличается от всех остальных разновидностей звуковой деятельности людей. Сохраняя некоторое подобие звуков реальной жизни, музыкального звучания принципиально отличаются от них строгой высотной и временной (ритмической) организованностью. Эти звучания входят в исторически сложившиеся системы, основу которых составляют тоны, отобранные музыкальной практикой данного общества. В музыке используются и звуки неопределённой высоты (шумы) или такие, высота которых не принимается во внимание, однако они играют побочную роль.
В каждом музыкальном произведении тоны образуют свою систему вертикальных соединений и горизонтальных последований — его форму. В ее содержании главенствующую роль играют эмоциональные состояния и процессы (а также волевые устремления).
Их ведущее место в музыкальном содержании предопределяется звуковой (интонационной) и временной природой музыки, позволяющей ей, с одной стороны, опираться на многовековой опыт внешнего выявления людьми своих эмоций и передачи их другим членам общества прежде всего и главным образом посредством именно звуков и, с другой — адекватно выражать эмоциональное переживание как движение, процесс со всеми его изменениями и оттенками, динамическими нарастаниями и спадами, взаимопереходами эмоций и их столкновениями.
Для раскрытия темы поставим следующие задачи:
Игоря Федоровича.
1. Музыка начала 20 века
Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) — период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом: лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90-м годам XIX и к первому деcятилетию XX века.
Жанр ноктюрна в европейской инструментальной музыке XIX–XX веков
... ИНСТРУМЕНТАЛЬНОЙ МУЗЫКИ XIX ВЕКА НА ПРИМЕРЕ ЖАНРА НОКТЮРНА 1.1 История жанра ноктюрна Слово «ночной» имеет несколько значений, оно происходит от французского nocturne - «ночь». Как название отдельного жанра музыкальных ... образами, утонченной игрой музыкальных нюансов. История ночного образа жизни в 19 веке ускоряется и усложняется, история этого периода полна событий и фактов. Профессор А. К. ...
Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.
Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире.
Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого-начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, поставленные во время «Русских сезонов» в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда — Прокофьев.
Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева — известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-х годах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени; Н. А. Римский-Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке.
В течение нескольких десятилетий своего существования новое издательство, основанное Беляевым, издало огромное количество произведений русских композиторов. Беляев не только щедро оплачивал труд композиторов, но и организовал ежегодные конкурсы на лучшее камерное сочинение, а затем и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русской музыки любого жанра. Он также способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали.
Организованные Беляевым в течение многих сезонов «Русские симфонические концерты» и «Русские камерные вечера» заслуживают особого упоминания. Целью этих мероприятий было знакомство русской публики с произведениями национальной музыки. В концертах и вечерах руководили Н.А. Римский-Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А.К. Лядов. Они разрабатывали планы каждого предстоящего сезона, составляли программы и приглашали исполнителей. В рамках этих мероприятий исполнялись исключительно произведения русской музыки, многие из которых были ранее забыты или отвергнуты русским музыкальным обществом. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского «Ночь на лысой горе» впервые прозвучала именно на «Русских симфонических концертах» почти через двадцать лет после создания.
Пейзажная хоровая лирика русских композиторов
... и Уильям Тернер, погружали зрителя в удивительные миры. Пейзажи индустриализации стали отражением промышленного развития общества, где заводские трубы и железные конструкции стали неотъемлемой частью картины природы. Импрессионисты и ... чувства и восприятие природы. Композиторы, вдохновленные этими текстами, создали музыкальные шедевры, включая романсы и песни Михаила Глинки, Петра Чайковского и ...
Трудно переоценить роль этих концертов. В годы, когда царская цензура наложила вето на такие гениальные оперы, как «Борис Годунов» и «Хованщина», и когда в РМО было засилье западноевропейского репертуара, «Русские симфонические концерты» стали единственным местом, где звучала отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов. Даже песни Мусоргского, названные им «народными картинками» и запрещенные цензурой, нашли своих исполнителей на этих концертах. Знаменательно, что через год после смерти А.П. Бородина был устроен концерт из его произведений, большинство из которых прозвучало впервые.
Таким образом, организация Беляева в лице нового издательства и проведение «Русских симфонических концертов» и «Русских камерных вечеров» сыграли значительную роль в популяризации и восстановлении русской музыки, предоставив отвергнутым и забытым произведениям возможность быть исполненными и услышанными.
В данном исследовании будет рассмотрена музыкальная ситуация в России на рубеже XIX-XX веков. Особое внимание уделено двум значимым музыкальным центрам — Беляевскому кружку и Мамонтовской опере, а также появлению интереса к старинной музыке и органной музыке в России.
Беляевский кружок
В 80-90-е годы XIX века Беляевский кружок стал музыкальным центром, где сходились наиболее активные музыканты, стремящиеся найти новые пути развития искусства.
Мамонтовская опера
Особое явление в русской музыкальной жизни конца XIX века была частная опера С. И. Мамонтова в Москве. Савва Иванович Мамонтов, предприниматель и организатор оперной труппы, первым поставил русские оперы «Русалки» А. С. Даргомыжского и «Снегурочку» Н. А. Римского-Корсакова, которые пользовались успехом у московской публики. Труппа также выступила с оперой «Псковитянка» Н. А. Римского-Корсакова в Петербурге.
Возрождение интереса к старинной музыке и органной музыке
На рубеже XIX-XX веков возник интерес к старинной музыке, и началось строительство органов в России. На тот момент количество органов было незначительным, но появились исполнители, представляющие органную музыку предыдущих эпох.
История скрипки
Важным этапом в истории скрипки было время конца XIX и начала XX века. В этот период появилась группа виртуозов-композиторов и исполнителей, которые раскрыли новые возможности скрипки как сольного инструмента. Также были созданы замечательные произведения советских композиторов, таких как Прокофьев и Хренников, которые позволили почувствовать удивительное искусство скрипки.
Музыка на рубеже XIX-XX веков и предреволюционная атмосфера
На рубеже XIX-XX веков, особенно в предоктябрьском десятилетии, весь русский музыкальный мир пронизывалась темой ожидания великих перемен. В музыке искались выражения неизбежности и необходимости революции. Большинство музыкантов не принимали непосредственного участия в революционных событиях, но ощущали предреволюционное напряжение.
Рахманинов Сергей Васильевич родился 20 марта 1873 года в дворянской семье в имении Онег, принадлежащем его матери, под Новгородом. Здесь прошло раннее детство будущего композитора. В детские и отроческие годы зародилась привязанность к поэтической русской природе, к образам которой не раз в своём творчестве он обращался. В те же годы Рахманинов имел возможность довольно часто слушать русские народные песни, которые очень любил всю свою жизнь. Посещая вместе с бабушкой новгородские монастыри, Сергей Васильевич слушал прославленные новгородские колокола и древнерусские обрядовые напевы, в которых он всегда отмечал национальные, народопесенные истоки. В дальнейшем это отразится в его творчестве (поэма-кантата «Колокола», «Всенощное бдение»).
Музыковедческое «Рахманинов и его время» Республиканский конкурс ...
В 1893 году Сергей Васильевич окончил Московскую консерваторию по классам фортепиано и композиции с золотой медалью. Сергей Рахманинов Имя этого великого музыканта известно во всем мире, и его смело можно ... (сумма составляла около 4 тыс. долларов) он передал для поддержки советской армии. Его примеру тут же последовали другие известные музыканты. Необычайный талант Рахманинова передался ему от ...
Рахманинов рос в музыкальной семье. Дед его, Аркадий Александрович, учившийся у Джона Фильда, был пианистом-любителем и композитором. Несколько его сочинений было издано в 18-м столетии. Отец великого композитора, Василий Аркадьевич Рахманинов, был человеком исключительной музыкальной одарённости. Мать была его первым педагогом по фортепиано, хотя, по воспоминаниям самого композитора, уроки доставляли ему «большое неудовольствие». Но к четырём годам он уже мог играть в четыре руки со своим дедом.
Когда будущему композитору было 8 лет, его семья переехала в Петербург. К тому времени его музыкальные способности были достаточно заметны, и в 1882 году его приняли в Петербургскую консерваторию, в младший фортепианный класс В. В. Демянского. В 1885 году Рахманинова прослушал в то время очень молодой, но уже известный музыкант, двоюродный брат Сергея Васильевича, А. И. Зилоти. Убедившись в даровании своего кузена, Зилоти увозит его в московскую консерваторию, в класс Николая Сергеевича Зверева. Проучившись у Зверева, а затем у Зилоти (т.к. Зверев занимался только с детьми), на старшем отделении консерватории Рахманинов начинает заниматься под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского композицией. Здесь Сергей Рахманинов впервые встретился с П. И. Чайковским. Знаменитый композитор заметил способного ученика и внимательно следил за его успехами. Через некоторое время П. И. Чайковский сказал: «Я предсказываю ему великое будущее».
Сергей Васильевич Рахманинов был одним из самых выдающихся композиторов и пианистов XX века. Он родился 1 апреля 1873 года в семье земского врача в селе Онега Гдовского уезда Псковской губернии. Рахманинов начал занятия музыкой уже в пять лет и проявил свой талант сразу же. В 1885 году его семья переехала в Петербург, где он продолжил заниматься музыкой, вступив в Петербургскую консерваторию.
Одарённый необычайным музыкальным слухом и памятью, Рахманинов в 18 лет блестяще завершил занятия по классу фортепьяно. А через год, в 1892 году, когда он окончил Московскую консерваторию по классу сочинения, его наградили большой золотой медалью за выдающиеся исполнительские и композиторские успехи.
Вместе с ним закончил консерваторию и Скрябин, который получил малую золотую медаль, т.к. большую присуждали только студентам, окончившим консерваторию по двум специальностям (Скрябин закончил как пианист).
На выпускной экзамен Рахманинов представил одноактную оперу «Алеко» (по поэме Пушкина «Цыганы»), которую написал всего за 17 дней! За неё присутствовавший на экзамене Чайковский поставил своему «музыкальному внуку» (Рахманинов учился у Танеева, любимого ученика Петра Ильича) пятёрку с тремя плюсами.
Изучение творчества С. В. Рахманинова в школе
... Курсовая работа состоит из введения, двух глав, заключения и списка использованной литературы. ГЛАВА I. ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ ИЗУЧЕНИЯ ТВОРЧЕСТВА С. В. РАХМАНИНОВА В ШКОЛЕ С. В. Рахманинов, С. В. Рахманинова, ...
Спустя год опера 19-летнего композитора была поставлена в Большом театре. Музыка оперы, покоряющая юношеской страстностью, драматической силой, богатством и выразительностью мелодий, получила высокую оценку крупнейших музыкантов, критиков и слушателей. Музыкальный мир отнёсся к «Алеко» не как к школьной работе, а как к творению высочайшего мастера.
Особенно высоко оценил оперу П. И. Чайковский: «Эта прелестная вещь мне очень понравилась»,- писал он своему брату. В последние годы жизни Чайковского, Рахманинов часто с ним общается. Он высоко ценил творца «Пиковой дамы». Ободрённый первым успехом и моральной поддержкой Чайковского, Рахманинов после окончания консерватории сочиняет ряд произведений.
Среди них — симфоническая фантазия «Утёс», первая сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», до-диез минорная прелюдия, романсы: «Не пой, красавица, при мне», «В молчанье ночи тайной», «Островок», «Весенние воды». Под впечатлением смерти Чайковского в 1893 году создано «Эллегическое трио».
Сергей Васильевич Рахманинов был выдающимся русским композитором и пианистом. Его творчество оказало значительное влияние на развитие музыкальной культуры не только в России, но и во всем мире. Однако его творческий путь не был усыпан розами.
В 1895 году Рахманинов заканчивает свою первую симфонию, которая в начале 1987 года была исполнена в одном из «Русских симфонических концертов» под управлением А. К. Глазунова. Однако симфония потерпела фиаско, ее не поняли. Это сильно расстроило Рахманинова, и он несколько лет не писал музыку. Он впал в депрессию и даже пришлось обратиться к психиатру.
Однако музыка оказалась лучшим лекарством для композитора. В 1900 году Рахманинов возвращается к композиторской деятельности и начинает писать свои великолепные произведения. В это время он также женится на своей двоюродной сестре Наталье Алексеевне Сатиной.
Успешное исполнение его Второго концерта для фортепиано с оркестром в 1901 году полностью восстановило силы Рахманинова и помогло вернуть уверенность в своих творческих возможностях. Второй концерт для фортепиано с оркестром — одно из знаменитейших произведений Рахманинова, в котором сочетаются колокольность и стремительное бурное движение.
Вторым концертом открывается плодотворнейший период в композиторской деятельности Рахманинова. Он создает прелюдии, этюды-картины, лучшие романсы, такие как «Сирень», «Вокализ», «У моего окна». Также в это время появляются крупнейшие симфонические сочинения, такие как Вторая симфония и симфоническая поэма «Остров мертвых».
В эти же годы Рахманинов создает поэму-кантату «Колокола», прекрасное произведение для хора a cappella «Всенощное бдение» и оперы «Скупой рыцарь» по А. С. Пушкину и «Франческа да Римини» по Данте.
Сергей Рахманинов — известный русский композитор, пианист и дирижер. Он получил широкую известность своими музыкальными талантами и виртуозным исполнением на фортепиано. Начиная с 1900 года, Рахманинов регулярно выступал в концертах как в России, так и за рубежом. Его выступления во Франции в 1899 году и в Америке в 1909 году получили большой успех. Слушатели были поражены его блестящим и виртуозным исполнением, которое отличалось огромной внутренней силой. Он играл не только технически сложные произведения, но и привносил в них особую певучесть.
Рахманинов не только был выдающимся пианистом, но и талантливым оперным и симфоническим дирижером. Его дирижерская карьера началась в 1893 году, когда ему было всего 20 лет. Он дебютировал в Киеве, и его оперу «Алеко» получила положительные отзывы. В 1897 году он начал работать в Московской частной русской опере и приобрел необходимый опыт и практику. В течение года, проведенного в опере, Рахманинов встретился с известными художниками и артистами, что сыграло важную роль в его жизни и карьере.
Творчество Рахманинова
... Шаляпиным. К началу 1900-х годов Рахманинову удалось преодолеть творческий кризис. Первое крупное произведение этого периода - Второй концерт для фортепиано с оркестром (1901), за который ... золотую медаль, т.к. большую присуждали только студентам, окончившим консерваторию по двум специальностям (Скрябин закончил как пианист). Наиболее значительное из ранних произведений - его дипломная работа ...
Рахманинов обладал природной одаренностью, исключительным вкусом, феноменальной памятью и безупречным слухом, что позволяло ему успешно заниматься дирижированием. Его дирижерский дебют состоялся в Большом театре 3 сентября 1904 года. Он руководил спектаклями, в основном операми русских композиторов. Под его руководством были осуществлены новые постановки опер «Иван Сусанин» М. И. Глинки и «Пиковая Дама» П. И. Чайковского.
С 1899 года Рахманинов начал выступать как дирижер с гастролями в других странах. В мае 1907 года он провел один из четырех исторических концертов русской музыки в парижской «Гранд Опера». В рамках своих концертов в США он не только дирижировал своими собственными произведениями, но и предлагал интересные трактовки произведений Чайковского и Моцарта.
Фортепьянная музыка Рахманинова занимает особое место в его творчестве. Он написал лучшие произведения для своего любимого инструмента — фортепиано. Среди них 24 прелюдии, 15 этюдов-картин, 4 концерта для фортепиано с оркестром, а также «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром (1934) и другие. Эти произведения охватывают широкий диапазон чувств и состояний — от тихого покоя до сильной взволнованности, от светлой радости до сумрачной печали.
Рахманинов следовал лучшим традициям классической музыки, особенно русской. Он был проникновенным певцом русской природы. В его музыке можно услышать влияние П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки», особенно А. П. Бородина. Музыка Рахманинова обладает неистощимыми мелодическими богатствами и впитала в себя русские народно-песенные истоки, а также некоторые элементы знаменного распева.
В 1915 году умер Александр Скрябин — товарищ и соученик Рахманинова по классу. Он был великим русским композитором и пианистом. В память о нем Рахманинов дал несколько концертов, исполнив его произведения, в том числе для поддержки его семьи.
В годы, предшествующие Первой Мировой войне, русское искусство проникнуто предчувствиями назревающих мировых потрясений. Рахманинов также ощущал неизбежность неслыханных перемен. В этот период в его музыке, например, во Втором и Третьем фортепианных концертах, а также в поэме «Колокола», все чаще звучали мятежные и тревожные звуки. Образ колокольного звона в двух последних частях «Колоколов» стал особенно трагичным и мятежным.
В годы Первой Мировой войны Рахманинов создал «Всенощную» — большой цикл для хора без сопровождения на темы древних церковных напевов. Это стало его последним крупным сочинением, созданным на родине.
Московский период Рахманинова закончился в 1917 году. Когда произошла Великая Октябрьская социалистическая революция, Рахманинов не понял её значения. В конце 1917 года его пригласили дать несколько концертов в скандинавских странах. Он поехал вместе с семьёй и больше в Россию не вернулся. Он покинул Родину, оторвался от той почвы, на которой выросло его творчество. Рахманинов до конца своих дней переживал глубокую внутреннюю драму. «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя…» — говорил он.
С.В. Рахманинов — композитор и пианист «Серебряного века»
... редкость интенсивную и разностороннюю работу композитора, пианиста и дирижера. Первые творческие успехи Громадные успехи С.В. Рахманинова и по классу фортепиано, и по специальной теории с каждым годом все ярче ... А.К. Толстому, 1991). В 1891 Рахманинов окончил консерваторию с большой золотой медалью как пианист, а в 1892 как композитор. Дипломной работой Рахманинова стала одноактная опера «Алеко» по ...
Сначала Рахманинов жил в Дании, где много выступал с концертами, зарабатывая на жизнь, потом, в 1918 году, переехал в Америку. С первого концерта в маленьком городке Провиденс в штате Род-Айленд началась концертная деятельность Рахманинова, которая продолжалась без перерыва почти 25 лет. В Америке Сергей Рахманинов добился ошеломляющего успеха, который когда-либо сопутствовал здесь иностранному исполнителю. Слушателей привлекало не только высокое исполнительское мастерство Рахманинова, но и манера его игры, и внешний аскетизм, за которым скрывалась яркая натура гениального музыканта. «Человек, способный в такой манере и с такой силой выражать свои чувства, должен прежде всего научиться владеть ими в совершенстве, быть им хозяином…» — было написано в одной из рецензий.
Живя за границей, Рахманинов не забывал о Родине. Он очень внимательно следил за развитием советской культуры. Отношение Рахманинова к большевистскому режиму было непоколебимо отрицательным
В течение ряда лет Рахманинов не создал ни одного произведения. Когда же он вернулся к творчеству, то обратился к воспоминаниям о родной земле и народным русским песням («Три русские песни для хора с оркестром», 1926).
Наиболее известными из творений композитора, написанных в эмиграции, являются четыре концерта для фортепиано, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром, три симфонии, «Симфонические танцы». Самое замечательное произведение, созданное им в конце жизни, — Третья симфония (1936) — русская по духу и музыкальным образам. Но все эти поздние сочинения отмечены глубоким трагизмом, пронизаны любовью к России. Рахманинов до конца жизни оставался русским композитором.
В эмиграции Сергей Рахманинов почти перестал выступать в качестве дирижера. В Америке ему предлагали занять пост руководителя Бостонского симфонического оркестра и оркестра города Цинциннати, но он отказался, и только иногда выходил на сцену в качестве дирижера при исполнении своих собственных произведений.
В России мало известны другие произведения Рахманинова, связанные с возрождением русской духовной музыки. В конце XIX — начале XX века в России возникло национальное движение «Новое русское возрождение», которое проявляло интерес к художественному наследию русского средневековья, включая зодчество, иконы и фрески. Многие композиторы обратились к древнерусской музыке, в том числе и Рахманинов. В этот период он создал хоровые циклы «Литургия Иоанна Златоуста» (1910) и «Всенощная» (1915).
К моменту создания «литургии» Рахманинов уже был известным автором трех фортепианных концертов, трех опер и двух симфоний. Однако, он признался, что работал над «литургией» с особым удовольствием. В своем произведении он основывался на традициях русской литургии, но практически не использовал подлинные распевы. Он смело сочетал интонации народного и профессионального искусства, создавая впечатляющий образ древнего культового пения.
КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТА «ТВОРЧЕСТВО СКРЯБИНА» — МУЗЫКА ...
... симфонических произведениях наиболее ярко проявились философские взгляды Скрябина? _____________________________________________________________________________ 10.Назовите основные жанры фортепианной музыки Скрябина. _____________________________________________________________________________ 11.Какие фортепианные пьесы Скрябина ... С.В. Рахманинов ...
В своем творчестве Рахманинов стремился отразить духовную жизнь России во взаимосвязи прошлого и настоящего. Поэтому он обращался к хоровым произведениям, которые позволяли передать глубину народной психологии. Примерами таких произведений могут служить его кантаты «Весна» и «Колокола».
Интересна история создания романсов Рахманинова. Она началась с переписки композитора с писательницей М. Шагинян. Шагинян хотела, чтобы Рахманинов начал писать музыку на стихи настоящих поэтов, и подготовила для него целый сборник. Начально она подписывала свои письма музыкальной нотой ре, а потом раскрыла свой псевдоним. Эта увлекательная история была рассказана Шагинян в своих воспоминаниях. До сих пор особой популярностью пользуются романсы Рахманинова «Сирень», «Здесь хорошо», «Маргаритки».
В годы Второй Мировой войны Сергей Васильевич Рахманинов дал несколько концертов в США и всю полученную прибыль перечислил в фонд Советской Армии, оказав ей значительную помощь. Он верил в полную победу и считал свой вклад важным. Вероятно, это повлияло на лояльное отношение советского правительства к памяти и наследию великого композитора.
За шесть недель до своей смерти Рахманинов выступал с первым концертом Бетховена и со своей знаменитой «Рапсодией на тему Паганини». Однако, из-за приступа болезни, вызванной молниеносной формой рака, он вынужден был прервать свою концертную поездку. Рахманинов скончался 28 марта 1943 года. Перед своей смертью он получил телеграмму от советских композиторов, поздравляющих его с семидесятилетием. Великий русский композитор ушел из жизни, но его музыка осталась с нами. Благодаря грампластинкам, на которых запечатлено его собственное и неповторимое исполнение, мы можем наслаждаться его прекрасными произведениями.
Жизнь Сергея Рахманинова совпала с периодом великих исторических потрясений, которые сказались на его собственном жизненном и творческом пути. Он был свидетелем двух мировых войн и трех русских революций. Рахманинов приветствовал крушение русского самодержавия, но не принял Октябрьскую революцию. Проведя большую часть своей жизни за рубежом, он всегда оставался русским человеком. Его миссию в истории мирового искусства нельзя оценить иначе, как миссию певца России.
Музыка Рахманинова и сегодня затрагивает сердца и радует миллионы слушателей. Его произведения привлекают силой и искренностью выраженных в них чувств, красотой и подлинно русской широтой мелодий.
Александр Николаевич Скрябин (1872-1915) — великий русский композитор и пианист. В его музыке Россия слышала свое настоящее, прозревала свое будущее… Его современникам казалось, что он ушел слишком рано, бросив их на пути, который сам же предначертал, не завершив задуманного, не дойдя до цели. Жизнь его действительно коротка, но это жизнь гения, и тут обычные мерки не годятся. Музыка Скрябина самобытна и глубоко поэтична. В ней ослепительное ликование и хрустальная лирика, утонченный артистизм и порыв к свету, радости, счастью.
Он родился в Москве 6 января 1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тетушка Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепьяно. А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве — маленькие игрушечные рояли… Антон Рубинштейн, некогда обучавший матушку Скрябина, кстати, блестящую пианистку, был поражен его музыкальными способностями.
Тема работы: Музыка конца XІX и начала XX века
... музыки начала 20 века.2.Охарактеризовать творчество великих композиторов данного времени: Рахманинова Сергея Васильевича, Скрябина Александра Николаевича,Стравинского Игоря Федоровича. 1. Музыка начала 20 века Конец XIX и начало XX века ... дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, ...
Когда мальчику исполнилось десять лет, его по семейной традиции отдали в московский кадетский корпус в Лефортове. Тогда же параллельно начались и его регулярные музыкальные занятия в классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору уже учился Сережа Рахманинов. Два этих мальчика составят славу русской музыки, хотя поклонники их творчества будут разводить композиторов по разные стороны баррикады, окрестив Рахманинова архаиком и традиционалистом, а Скрябина — новатором, открывателем новых путей. Да и сами композиторы перестанут общаться. Это ведь только в школьных учебниках гении прошлого живут как одна большая дружная семья…
Музыку Скрябин стал сочинять рано — в семь лет он написал свою первую оперу, назвав ее именем девочки, в которую был тогда влюблен. В ранней юности его любимый композитор — Шопен, позднее — Бетховен. Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую консерваторию закончил в 1892 году по классу фортепьяно, получив малую золотую медаль.
В 19 лет он испытал большое чувство любви. Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На свое предложение он получил отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше не повторилось. Скрябин начинает рано и успешно гастролировать. Первая поездка за границу — Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя. Затем Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему. «Он — весь порыв и священное пламя», — пишет один. «Он раскрывает в своей игре неуловимое и своеобразное очарование славян — первых пианистов в мире», — утверждает другой. Параллельно Скрябин много пишет, и его произведения немедленно входят в репертуар других пианистов. В 1897 году закончены его знаменитая Вторая соната (всего их будет 10) и Концерт для фортепьяно с оркестром. В том же году он женится на В. И. Исакович, блестящей пианистке, тоже выпускнице Московской консерватории. Они давно знакомы, у них общие интересы, но брак будет неудачен и через семь лет кончится разрывом.
Наступал новый век, а вместе с ним — новый порядок в жизни. Многие предчувствовали настupление социальных бурь и исторических подвигов, которые принесет с собой XX век. Каждый из гениев того времени искал своего пути. Кто-то увлекался учениями из Индии, кто-то отдавал предпочтение мистике, кто-то создавал символизм, а кто-то — революционный романтизм. Но Александр Скрябин остался самим собой и верным своим принципам в искусстве. Он отстаивал идею того, что музыка должна быть праздничной, вдохновляющей и ошеломляющей.
Несмотря на все свои убеждения, его музыка была сильна, нова и дерзка. Его вторая симфония, исполненная 21 марта 1903 года в Москве, вызвала настоящий скандал. Публика поделилась на две части: одна половина зала свистела и шумела, а другая встала возле эстрады и бурно аплодировала. Но композитор не был смущен такой реакцией на свою музыку. Для него искусство было новой религией, которую он проповедовал с привлечением всех своих сил. Он верил в то, что творческая личность способна создать новый мир и творчество способно преобразить мир в прекрасный.
При таких высоких идеалах Скрябин написал свою четвертую сонату для фортепиано, которая символизирует неудержимый полет к светящейся звезде. Произошло это в 1903 году. В Третьей симфонии, написанной годом ранее и названной «божественной поэмой», композитор утверждает, что преодолев трагизм бытия, человек становится богоравным и открывается перед ним мир торжествующей красоты.
Эпизод, описанный в воспоминаниях о Скрябине, представляет собой насыщенную эмоциями историю, происходившую в 1905-1906 годах, когда композитор со своей второй женой проживал в маленьком итальянском городке Больяско. Во время прогулок в окрестностях их часто сопровождал русский философ Г. В. Плеханов, который находился в эмиграции и был известным пропагандистом марксизма. В то время Скрябин трудился над своей «Поэмой экстаза», и его вера в неограниченные возможности творческого человека достигла своего пика.
Однажды, во время одной из прогулок, когда они шли по высокому мосту через высохшее каменное русло, Скрябин вдруг сказал своему спутнику: «Я могу броситься с этого моста и не упасть головой на камни, а повиснуть в воздухе благодаря силе воли…». Философ внимательно выслушал Скрябина и спокойно ответил: «Попробуйте, Александр Николаевич…». Однако Скрябин не решился проверить свои слова на деле.
Помимо этого грандиозного, почти сверхчеловеческого стремления, присутствовала и нежная, интимная сторона в музыке Скрябина. Его творчество проникнуто тонкой лирикой, поэзией чувств и настроений, их хрупкими нюансами, вечной тревогой и поисковым беспокойством. Скрябин писал много произведений, которые издавались и исполнялись, но несмотря на это, он оставался на грани нужды, и постоянное желание улучшить свое финансовое положение приводило его в различные города и поселения, включая США, Париж и Брюссель.
«Поэма экстаза» прославилась в европейских столицах, а Скрябин, охваченный лихорадкой новой работы, писал своего «Прометея» (или «Поэму огня») в 1910 году. Знаменитый композитор считал этот образ центральным для всей своей музыки, ведь Прометей, похитивший у богов Олимпа огонь и даровавший его людям, был похож на самого Скрябина, стремившегося придать своей музыке трансцендентальные качества. Для исполнения своей музыкальной феерии, Скрябину потребовалось расширить оркестр, ввести хор и фортепиано, а также добавить в партитуру нотную строку, обозначающую цветовое сопровождение, для чего он разработал специальную клавиатуру.
Премьера нового симфонического произведения стала главным событием российской музыкальной жизни. Она состоялась 9 марта 1911 года в Петербурге, в зале Дворянского собрания, который на данный момент принадлежит Петербургской государственной филармонии. Знаменитым дирижером на этом концерте был Кусевицкий.
Исследование об искусстве Александра Скрябина
Александр Скрябин был выдающимся композитором и пианистом, который привнес в музыку новаторские идеи и эксперименты. Одним из его наиболее известных достижений было изобретение светомузыки, которая заворожила многих слушателей.
После успешного выступления на фортепьяно, где Скрябин исполнил свою композицию «Прометей», его успех не ограничился только одним городом. Через неделю произведение было повторено в Москве, а затем прозвучало в Берлине, Амстердаме, Лондоне и Нью-Йорке. Многие были заворожены светомузыкой и начали создавать новые свето-проекционные аппараты, открывая новые горизонты для синтетического звуко-цветового искусства.
Однако с течением времени, цветовое сопровождение музыки стало обычным явлением, и уже никого не удивляет. Более того, оказалось, что цветовое сопровождение идеально подходит для эстрадных песен и танцев в стиле «диско».
В то время многие относились к новации Скрябина с недоверием. Например, Рахманинов, который присутствовал при исполнении «Прометея» иронично спросил, какой цвет здесь присутствует. Это обидело Скрябина, но не помешало ему продолжать свои эксперименты.
Александр Скрябин был хрупким, но талантливым человеком, который всегда стремился к большему. Он обладал редким обаянием и привлекал к себе людей своей простотой и детской непосредственностью. У него были свои маленькие чудачества, например, он долгие годы поглаживал пальцами кончик носа, веря, что так избавится от курносости. Он был мнительным и боялся инфекций, всегда носил перчатки на улице и не брал в руки деньги.
Из современных композиторов, Скрябина интересовали единицы. Он считал себя мессией и считал, что его главное произведение еще впереди. Он написал «Мистерию» под впечатлением философии Е. П. Блаватской, в которой предполагалось участие всего человечества. Он мечтал о новом синтетическом жанре, где звуки, цвета, запахи и пластика танца соединятся воедино.
Скрябин понимал, что его работа была огромной и трудоемкой, но он был готов к этому вызову. Возможно, он стоял на пороге открытия новой эры искусства, где такое слияние разных элементов еще никому не удавалось.
Похоже, что сочинение «Мистерия», которое, казалось бы, было создано, так и не было записано. Остались только нотные фрагменты из так называемого «Предварительного действа» к «Мистерии». 27 апреля 1915 года в самом расцвете сил и таланта Скрябин умер от общего заражения крови. Ему было сорок три года. В пределах, пяти лет до и после него умерло еще несколько гениев того больного поколения России: сорокалетние Врубель и Блок, тридцатишестилетний Чюрленис.
Пустяк, нарыв на верхней губе, инфекция, которой Скрябин так боялся. Странная смерть, как наказание за гордыню, за попытку превзойти Творца. Разве он не помнил, как обошлись с Прометеем боги Олимпа?
4. Стравинский Игорь Федорович
Игорь Федорович (1882-1971) — русский композитор. Родился 5 (17) июня 1882 в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга. Вырос в музыкальной семье — отец его был оперным певцом. Пробовал сочинять музыку, не имея специального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым — прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур — балет по русской сказке Жар-птица (1910).
В следующем году был завершен еще один балет — Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык Жар-птицы и Петрушки еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете — Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. Премьера Весны священной, поставленной «Русским балетом» Дягилева в Париже 29 мая 1913, сопровождалась бурным выражением негодования со стороны части публики. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке.
Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Добровольное изгнание стало причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. Русские темы еще присутствуют в партитуре Истории солдата (L’Histoire du soldat) для семи инструментов, созданной в годы Первой мировой войны, а также в кантате Свадебка (Les Noces, 1920) — стилизации деревенского свадебного гулянья — для солистов, 4 роялей и 17 ударных. Но в более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром (1924), балет Аполлон Мусагет (Apollon Musagete, 1927) и в особенности кантата Симфония псалмов (A Symphony of Psalms, 1930).
В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла (Pulcinella, 1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (Le Baiser de la fйe, 1928, на темы Чайковского).
Его Симфония в трех частях (Symphony in Three Movements, 1945) — синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля Весны священной.
Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдипе (Oedipus Rex, 1927), опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма. В 1951 Стравинский написал оперу Похождения повесы (The Rake’s Progress, по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта) — сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое.
Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В т. н. русский период (1908 — начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка — «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения).
Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления).
При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру
Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже перешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон (Agon, 1957) для 12 танцовщиков и духовная кантата на библейский текст Плач пророка Иеремии (Threni, 1958) для солистов, хора и оркестра. Неповторимая манера Стравинского отчетливо проявилась в ритмике, полифонии и тембровой палитре этих додекафонных сочинений.
Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку 20 в.-огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной репертуар оркестров многих
Заключение
Из различных видов эмоций музыка воплощает главным образом настроения. Широко представлены в музыкальном содержании также эмоциональные стороны интеллектуальных и волевых качеств личности Это позволяет ей раскрывать не только психологические состояния людей, но и их характеры. В максимально конкретном, весьма тонком и «заразительном» выражении эмоций музыка не знает себе равных. Именно на этом основано широко распространённое определение её как «языка души»
В музыкальное содержание входят также «художественные мысли», тесно связанные с эмоциями, «прочувствованные». При этом, однако, собственными средствами, без помощи слов и др. внемузыкальных факторов музыки может выразить не все виды мыслей. Ей не свойственны предельно конкретные мысли-сообщения, содержащие информацию о каких-либо фактах, и предельно абстрактные, не вызывающие эмоциональных и наглядно-образных ассоциаций. Однако музыке вполне доступны такие мысли-обобщения, которые выражаются в понятиях, относящихся к динамической стороне социальных и психических явлений, к нравственным качествам, чертам характера и эмоциональным состояниям человека.
Литература
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/mnogoobrazie-stiley-zapadnoevropeyskoy-muzyiki-veka/
1. Бескоровайная В.М., М. П. Павлович. Музыкальные странствия современного подростка. — М., 1996
2. Васина-Гроссман В. Книга о музыке и великих музыкантах. — Санкт -Петербург., 1984
3. Газарян С. Рассказ о гитаре. — М., 2002
4. Даттель Е.Л. Музыкальное путешествие.- М., 1993
5. Зильберквит М.А. Музыка и ты 1,3,4,6,7 части. — М., 2001
6. Оржеховская Ф. Пять портретов. — М., 1986
7. Смирнова Э. Русская музыкальная литература. — М., 2001
8. Третьякова Л.С. Страницы русской музыки./ Русская музыка XIX века. — М., 1998
9. Тарасов Л. Музыка в семье. — М., 2003
