Изобразительное искусство XX века. Основные направления

Развитие искусства XX века было связано с рядом существенных изменений. Одно из главных направлений, которые прослеживались в изобразительном искусстве этого времени, было модернизм. Искусство модернизма отличалось отказом от традиции и придания основного значения формальному эксперименту. Авангардистские движения этого времени, такие как кубизм, фовизм, сюрреализм и дадаизм, занимались открытием новых путей в искусстве и отрицанием изобразительности и познавательных функций искусства.

Однако, эта дегуманизация искусства в результате отрицания форм и замены реального предмета картины привела к тупику авангарда. Несмотря на все формальные эксперименты, обращение к архаическому искусству Древнего Востока, Азии или Америки, и даже на влияние наивности детского творчества, эти поиски не могут заменить ценности самого человека в искусстве. Именно поэтому художники часто вновь обращались к человеческой жизни и ее проблемам.

Становление и развитие искусства XX века не можно описать как противопоставление реализма и модернизма, так как многие художники, начав свои творческий путь с авангарда, в конечном итоге находили интерес в поисках реалистических форм искусства, и наоборот. Это обычно было характерно для художников, жизнь которых была связана с выдающимися событиями, такими как мировые войны, борьба прогресса и реакции или социальные проблемы.

Особенности развития искусства в XX веке наиболее ярко проявились во французской культуре. В литературе Франции XX века реализм продолжал развиваться в направлении, которое характеризовалась непрерывным развитием, несмотря на наличие формальных и эстетических течений. В изобразительном искусстве Франции, особенно в живописи, уже с самого начала XX века проявился отход от реализма. Французской живописи были присущи различные направления модернизма, такие как фовизм, кубизм, сюрреализм. Франция также стала родиной таких движений, как Дадаизм и абстракционизм. Относительно меньшее влияние получили футуризм и экспрессионизм.

В 1905 году на выставке в Париже артисты Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Альбер Марке, Жорж Руо, Ван Донген и другие представили свои произведения, которые за резкое противопоставление ярких цветов и упрощенных форм были названы «дикими» критикой, а само направление стало известно как «фовизм». У фовистов с их пониманием соотношения пятен чистого цвета и лаконичного рисунка были огромные возможности для решения декоративных задач. Самым талантливым из фовистов был Анри Матисс.

Художественная культура ХХ века модернизм и постмодернизм

... на, отчасти О. Бальзака и др.), и перспективно, оставляя поле для экспериментов в будущем (постмодерн). Модернизм, борясь за рас­крепощение и обновление форм в искусстве, ... правдоподобная картина жизни, ... века и ... мира. Духовная революция, как новое качество сознания, новое жиз­непонимание, требовала для себя новой идейной платформы. Эта платформа была сформулирована на базе интуитивизма А. Бергсона и ...

Матисс учился в Академии Жюльена и в мастерской Гюстава Моро, изучал работы старых мастеров в Лувре, что влияло на его пластическую форму. Пережив увлечение импрессионистами, он в поисках интенсивности цвета пришел к упрощенности форм и отказался от сюжетной повествовательности.

Предметом его изображений стали простые мотивы: пестрые ткани, кресла, цветы, обнаженное тело. В его работах почти нет объема, пространство лишь намечено. Например, в «Севильском натюрморте» плоскость пола и стены нарочито слиты вместе, сохраняя лишь намек на пространственность.

Введение

Искусство Матисса является одним из наиболее выдающихся примеров монументально-декоративной живописи первой половины XX века. Характерной чертой его работ является контраст цветов, который используется для создания композиции. В данном исследовании мы рассмотрим основные выразительные средства и художественное мировоззрение Матисса, а также его подход к использованию цвета в живописи.

Основная часть

Контраст цветов

Композиция в работах Матисса строится на контрасте цветов. В натюрморте, который мы рассматриваем, можно выделить зеленую обивку дивана, синий узор драпировки, розовый фон, дополненные киноварью и зеленью цветка в белом горшке. Эти контрастные цвета создают впечатление яркости и живости.

Линии рисунка

Линии рисунка у Матисса всегда очень лаконичны и изысканно ритмичны. Они создают гармоничные композиции и передают характерные позы, жесты и состояния изображенных объектов. Например, в работе «Семейный портрет» можно увидеть передачу особенностей поз и выражений лиц.

Декоративные работы

Матисс также известен своими декоративными работами, где он использует повышенную звучность цвета, крупные красочные плоскости и условность формы и пространства. Примером таких работ являются панно «Танец» и «Музыка», созданные для особняка собирателя новой живописи П.И. Щукина.

Заключение

Матисс не является символистом и не навязывает цвету символический смысл. Его работы полны спокойствия, созерцательности и ясности. Цвет является основным выразительным средством в его работах, и он использует его в сложных градациях, чтобы создать поэтические и гармоничные образы природы. Человеческая фигура в его работах рассматривается только как часть изысканного узора и орнаментальной вязи.

Искусство фовизма — мастера и течения

Фовизм как художественное течение зародился в начале 20 века в студии Гюстава Моро в Париже. Фовисты были сильно затронуты световыми и яркими цветами получаемыми с помощью диссонансов. Группа художников разделяла общее стремление к новым экспериментам в изобразительном искусстве.

Анри Матисс

Один из главных представителей художественного течения фовизм — Анри Матисс (1869–1954).

Его творчество завладело сердцами коллекционеров со всего мира и запечатлело его имя в великих делях накануне Первой Мировой Войны.

Тяготение к искусству монументальному было характерно для всей творческой жизни Матисса. Декоративное оформление «Капеллы четок» в Вансе (юг Франции, 1948-1951) стало одной из последних его работ. Свет проникающий через синие, желтые, зеленые витражи создает сложную, таинственную атмосферу. Это напоминает о ювелирном мастерстве Матисса. Лучшие традиции графического искусства, идущие от знаменитых карандашных портретов французского Ренессанса через Энгра и Дега, Матисс пронес в XX веке (портрет Бодлера, офорт, 1930-1932).

Не нашей работы, так что осветим важнейшие события, которые развили ...

... мира. Движения постепенно подвергались художественному обобщению, в результате чего сформировался танец, одно из древнейших проявлений народного творчества. Первоначально связанный со словом и песней, ... частью различных таинств, мистерий, начиная от первобытных обществ, заканчивая Египтом, Китаем, Грецией. Во что же вылился танец? Как систематизировался? Образовались «па». Танцевальные па (фр. pas ...

Жизнерадостностью мироощущения, солнечностью палитры близок Матиссу Рауль Дюфи(1877-1953) со сценами скачек, морскими пейзажами, парусными регатами, которые он создает на полотне звучным, подвижным мелким мазком («Лодки на Сене», 1925).

Рауль Дюфи был знаком с Морисом Дени и принадлежал к группе ныне называемой фовистами. Сначала он копировал один из стилей времени — импрессионизма. Его нормандские и средиземноморские пейзажи и натюрморты начала века, веселые и яркие, очень близки фовистам. Но в 20-е и 30-е годы он обретает свое неповторимое лицо. В декоративизме его картин нет матиссовского монументализма, почерк Дюфи, его богатейшие переходы синего от почти черного к акварельно-прозрачной голубизне, его почти детский рисунок не спутаешь ни с чем. Как верно замечено исследователем, за этой наивной простотой и веселой непринужденностью чувствуется высочайший артистизм, изощренное понимание формы.

Альбер Марке

Близок Матиссу и Альбер Марке (1875-1947) воспевавший, как и импрессионисты, современный Париж с его Сеной, баржами, церквами, Лувром, небом, и людьми. Но это уже взгляд на город не Писсарро или Моне, а человека XX столетия.

Морис Де Вламинк

Другие художники, экспонировавшиеся в 1905 г. вместе с Матиссом, тем не менее, имели с ним мало общего. Это, прежде всего, Морис де Вламинк (1876-1958), для которого характерна повышенная экспрессивность в воспроизведении мира. Напряженным цветом, резкими цветовыми аккордами создает он образ хмурой, мрачной природы, передает ощущение тоски и одиночества («Наводнение в Иври», 1910).

Еще более экспрессивно, нервозно искусство Жоржа Руо, тяготеющее к гротеску (серия «Клоуны»).

Жорж Руо (1871-1958)

Жорж Руо был учеником Г. Моро, однако он быстро отошел от фовистов и развил свой собственный стиль. Особенностью его композиций было использование мерцающих сине-фиолетовых и вишнево-красных цветов, при этом фигуры в его работах были резко оконтурены черным. Этот стиль некоторым образом напоминал позднеготические витражи. По настроению его работы были ближе к экспрессионистам, например, к картине «Мы сошли с ума».

Андре Дерен (1880-1954)

Андре Дерен, который также испытал влияние Ван Гога, на раннем этапе своей карьеры был также сильно повлиян Сером и Синьяком. Позднее, через знакомство со Сезанном, он открыл для себя кубизм. Примером его кубистической работы может служить картина «Субботний день» (1911-1914).

Амедео Модильяни (1884-1920)

Амедео Модильяни имел особое место среди французских художников начала XX века. В его творчестве есть много общего с Матиссом, такой как лаконизм линии, четкость силуэта и обобщенность формы. Однако, у Модильяни нет такого монументализма, как у Матисса, его работы имеют более камерный и интимный характер. Особенностью линии Модильяни является ее необычайная красота. Используя обобщенные контуры, художник передает хрупкость и изящество женского тела, гибкость длинной шеи и острую характерность мужской позы. Несмотря на то, что Модильяни использовал повторяемые приемы письма и рисунка, каждый его образ оставался уникальным и индивидуальным.

Курсовая работа влияние музыки на человека

... Михайлович Бехтерев В нашей стране, ещё в начале ХХ века наш знаменитый соотечественник В. М. Бехтерев стал изучать влияние музыки на организм человека с точки зрения медицины. В результате своих ... Я узнала, что пение помогает при сердечных заболеваниях, способствует долголетию. В ходе работы над данной темой мы с моей младшей сестренкой решили поставить эксперимент. Я ...

Искусство XX века

Искусство XX века характеризуется множеством направлений и течений, которые отличались своей оригинальностью и самобытностью. В этот период появились художники-одиночки, которые не примыкали к какому-либо определенному направлению, создавая свои уникальные произведения. Один из таких художников-одиночек — Морис Утрилло, известный певец парижских улиц.

Еще одним заметным художником-одиночкой XX века был Анри Руссо. Несмотря на то, что он поздно пришел в живопись и получил признание только в конце своей жизни, его работы стали вехой в развитии нового направления искусства, названного примитивизмом.

Анри Руссо — мастер примитивизма

Анри Руссо, известный также как «Таможенник» из-за своей профессии, создавал уникальные произведения, в которых присутствовала «наивность» изображаемого. Его полотна были либо фантастическими и экзотическими, с изображением тропической растительности и хищных зверей, либо повседневными сценами парижских улиц, где изображались странные и смешные человечки.

Однако, работы Руссо прекрасно подчинялись декоративной плоскости и обладали острым взглядом художника. Его стиль был настолько искусным, что нельзя лишь отнести его к «воскресным» самоучкам. Примером того, являются его произведения «Заклинательница змей» (1907) и «Двуколка месье Жюне» (1910).

Анри Руссо оставил неизгладимый след в искусстве XX века, своими оригинальными и уникальными работами, которые отличались яркостью и декоративностью. Он стал одним из ключевых представителей примитивизма, с успехом сочетавшим реализм и фантазию.

Экспрессионизм в искусстве начала XX века

Среди авангардистских направлений начала XX столетия, возможно, одним из самых сложных и противоречивых является экспрессионизм. Экспрессионизм сложился в Германии и стал результатом творческой эволюции многих художников разных национальностей.

Предшественники экспрессионизма

Одним из предшественников экспрессионизма был бельгийский художник Джеймс Энсор, который известен своим восхищением масками и скелетами. В своих работах он выражал ужас перед действительностью и неполноценностью человека.

Также на формирование экспрессионизма повлияли картины норвежского художника Эдварда Мунка, которые критики назвали «криками времени». Как и Энсор, Мунк изображал драматические внутренние состояния человека.

Швейцарец Ф. Ходлер, представитель символизма, также считался предшественником экспрессионизма. Его работы отличались геометрической упрощенностью, что стало характерной чертой экспрессионистического стиля.

Голландский художник Ван Гог также оказал влияние на экспрессионистов своими несглаженными тонами и деформированными формами на своих полотнах.

Основание идеологии экспрессионизма

В 1905 году было организовано объединение «Мост», которое стало отправной точкой экспрессионизма как художественного направления. Создателями «Моста» были студенты архитектурного факультета Высшего технического училища в Дрездене: Э. Л. Кирхнер, Э. Хеккель и К. Шмидт-Ротлуф.

Русская культура XIX века: литература, искусство, музыка, наука

... литература второй половины XIX века Во второй половине XIX века литература приобретает огромное значение в общественной и культурной жизни России. В литературе ... Чехова, Николая Алексеевича Некрасова, Ф. И. Тютчева 3. Развитие искусства и архитектуры Орест Адамович Кипренский, Алексей ... оказали бы сильнейшего влияния на последующий ход развития культуры, XIX век в России можно назвать самым ярким ...

К ним присоединились и другие художники, такие как Э. Нольде, М. Пехштейн, Ван Донген и другие. Вместе они стремились выразить драматическую подавленность человека в мире через геометрически упрощенные формы и использование несгармонированных тонов.

Экспрессионисты чувствовали ужас перед действительностью и будущим, они ощущали свою неполноценность, безнадежность и беззащитность в этом мире. В своем творчестве они использовали деформацию, острый рисунок и внешнюю эмоциональность.

Результатом их творческих усилий стал стиль, который, несмотря на свою экзальтированность, оказался холодным и проникнутым рационализмом.

Выставки и влияние

C 1906 по 1912 год члены «Моста» устраивали выставки в Дрездене и Кельне, на которых продемонстрировали свои работы и привлекли внимание публики.

Экспрессионизм и его художественные представления произвели сильное впечатление на молодое поколение творческих личностей, они стали источником вдохновения для многих художников и культурных движений.

В работах экспрессионистов четко прослеживается их стремление к самовыражению, к выражению внутреннего состояния, чувств и эмоций, что делает экспрессионизм одним из самых характерных и особенных направлений искусства начала XX века.

Экспрессионизм: от «Синего всадника» к послевоенному размежеванию

В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марк создали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году организовали выставку под тем же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов «Синий всадник» (1911— 1914).

Его главными фигурами были Василий Кандинский и Франц Марк, К «Синему всаднику» примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. К началу Первой мировой войны оба объединения распались. Как верно сказал один исследователь (В. Власов), нервно и изломанно «они искали рай на земле, а нашли Первую мировую войну».

После войны экспрессионисты резко размежевываются. Одни ушли полностью в абстракционизм, Пехштейн и Нольде уехали на острова в Океанию, соблазнившись Гогеном, Кирхнер увлекся африканским скульптурным примитивом. В творчестве других отчетливо зазвучали социальные ноты, как например, у Гроса (1893—1959), не причислявшего себя, правда, к экспрессионизму, и Дикса. Отго Дике (1891—1969) выразил весь ужас войны в знаменитой, уничтоженной фашистами в 1933 г. картине «Окоп» и в 50 офортах серии «Война».

Наиболее верными позициям экспрессионизма остались австриец Альфред Кубин (1877—1955) с произведениями, близкими к Кафке,— полными галлюцинаций, пронизанными мистицизмом, в которых призрачность, ирреальность образов уживается с натуралистическими деталями (иллюстратор Достоевского, Гофмана, Стриндберга, Эдгара По), и Оскар Кокошка (1886—1980) с его драматическими композициями — «портретами городов», образами, навеянными философией Фрейда, в которых человек рассматривается как нечто зыбкое, неуловимое, расплывчатое (портрет доктора-психиатра Фореля, 1908).

Экспрессионизм и кубизм

Полный отказ от иллюзорного пространства, плоскостная трактовка предметов, негармоничные сочетания, излюбленные персонажи—проститутки, преступники, душевнобольные — такова мрачная поэтика экспрессионистов. Для членов «Моста» характерны исступленная мистика, почти отталкивающая деформация, угнетающий пессимизм, свидетельствующий о растерянности и душевной опустошенности. «Синий всадник» был еще более антиреалистическим объединением, стремившимся опрокинуть еще живые традиции импрессионизма; он пошел дальше в сторону абстрактного искусства. К нему естественно потом пришли Кампендонг, много работавший над церковными витражами в Гамбурге, Мюнхене, Амстердаме; Фейнингер, автор архитектурных пейзажей с геометрическими формами холодно-серых домов, умствующий рационалист в искусстве; Поль Клее, талантливый стилизатор детского рисунка. Экспрессионизм имел своих выразителей и в скульптуре (Эрнст Бардах. «Памятник павшим», 1931, Магдебург).

Литература и искусство в годы Великой Отечественной войны

... искусства и литературы тех лет включал в себя кинематограф, где немало из видов и жанров боевого искусства переплавлялось в зримые, пластические образы. В годы войны ... за отечество и беспощадная ненависть к врагу, горечь утрат и сознание жестокой необходимости войны. В дни войны обострилось ... огромное влияние на все жанры литературы военных лет, и прежде всего на очерк. Из очерков мир впервые узнал ...

Экспрессионизм оказал влияние на многих художников, и влияние его продолжается и в наши дни на мастеров, которые хотят выразить свое неприятие уродливого современного мира, «пафос отрицания», вопль боли, по-своему понимая возможности искусства.

Становление другого направления авангардизма — кубизма — благодаря творчеству французских художников Брака и Пикассо. В 1907 г. в Париже была устроена посмертная выставка Сезанна, имевшая огромный успех. Схематизация форм, которую увидели будущие кубисты в Сезанне, и геометризация, привлекшая их внимание в только что открытой европейцами африканской скульптуре, были толчком для создания этого направления. Как и экспрессионисты, кубисты отказались от иллюзорного пространства, от всякого намека на воздушную перспективу, фетишизировали конструкцию картины, поставив во главу угла строгую построенность предмета, представленного на плоскости открытым для обзора со всех сторон. Кубисты любили подчеркивать, что они пишут не как видят, а как знают, причем в соответствии с современным развитием естественных наук. Считается, что кубизм в своем развитии прошел несколько фаз: сезаннистская (1907—1909), аналитическая (когда именно предмет и стал представляться с разных точек зрения, 1910—1912) и синтетическая (период, когда связь с объектом изображения совершенно порвана, 1913—1914).

На последнем этапе из кубизма вычленился «орфизм» (термин Г. Аполлинера).

Кубизм: истоки и развитие

Искусство кубизма считается одним из наиболее революционных направлений в искусстве XX века. Его появление связано с произведением Пабло Пикассо «Авиньонские девушки» (1907-1908).

На этой картине уже присутствуют некоторые особенности кубизма, такие как отсутствие воздушной перспективы и деформированные фигуры. Форма правой части картины моделируется направлением штриха, в то время как левая часть создается с помощью теней и растушевки. Композиция основана на различной моделировке разных частей картины, что позволяет создавать новую изобразительную форму.

В мастерскую Пикассо с успехом приходят другие художники, такие как Жорж Брак и Этьен Дерен. Вокруг них собираются молодые талантливые художники, именно здесь закладываются основы искусства кубизма. В этом направлении формы предметного мира разрушаются, а человеческая фигура превращается в сочетание вогнутых и выгнутых плоскостей. Изображения становятся статичными, что можно увидеть на работах Пикассо, например, в картинах «Женщина с веером» и «Танец с покрывалами».

Общие признаки искусства модернизма. Основные направления модернизма в живописи

... рассмотрение основных его направлений. При написании реферата были поставлены следующие задачи: Рассмотреть общие признаки искусства модернизма; Рассмотреть историю возникновения модернизма; Рассмотреть основные направления модернизма в живописи, их особенности, а так же ...

В 1908 году группа поэтов и художников, включая Пикассо, Брака, Жоржа Лорансена и Хуана Гриза, а также поэтов Гильома Аполлинера, Поля Жакоба, Андре Сальмона, Гертруду и Лео Стайн, а также историка искусства Даниэля Анри Канвейлера, создали объединение под названием «Бато-Лавуар». Вначале программные идеи кубизма еще не были ясны, о чем свидетельствует предисловие Г. Аполлинера к каталогу персональной выставки Брака в 1908 году. Критик Вексель использовал термин «кубические странности» («bizarreries cubiques»), чтобы описать произведения Брака, и этот термин стал широко использоваться для описания кубизма.

Кубизм и его развитие

Кубизм был одним из самых влиятельных художественных направлений начала XX века. Он характеризовался использованием геометрических форм, разложенных на грани и поверхности, что создавало ощущение объема и пространства.

Наиболее последовательным представителем кубизма был французский художник Жорж Брак. В своих работах он использовал изысканную гамму серых, желтых, зеленых и коричневых тонов, добавляя аппликации, настоящие куски материала, чтобы внести элементы реального мира в абстрактную композицию.

Во многих работах Брака, например в его произведении «Ария Баха» (1914), черные и коричневые геометрические формы плоско интерпретировались и слабо напоминали скрипку, клавиши рояля и ноты. Эти формы должны были вызывать ассоциации с музыкальными образами.

Сюрреализм как направление в искусстве и литературе

... общих чертах, характер сюрреалистического направления, составляющего наряду с абстракционизмом основу современного буржуазного искусства. В странах капитализма сюрреализм пользовался широкой поддержкой буржуазии: полотна художников-сюрреалистов, ... период, а в особенности в 60-70-е годы, был выпущен ряд книг, посвященных истории сюрреализма. В них, как правило, мало уделяется внимания ...

Сохранение предметности формы в этих работах стало последним шагом кубизма в сторону абстрактного искусства. Кубисты всегда подчеркивали свою аполитичность, но интересно отметить, что их группировка распалась именно в 1914 году, после Первой мировой войны.

После войны многие кубисты переключились на декоративное искусство. Некоторые, например, Глез занялись стенописью, Люрса и Леже — созданием ковров и керамических изделий. Продолжатели кубизма, такие как пуристы, разрабатывали более рационалистические и конструктивистские тенденции.

Особую роль в развитии кубизма сыграли скульпторы. Александр Архипенко внес значительный вклад, включая изобретение контрформы, комбинирование различных материалов и раскраску скульптур. На позициях кубизма также находились художники А. Лоран, Ж. Липшиц, О. Цадкин и А. Джакометти.

Футуризм — это художественное движение, которое заявило о себе в первую очередь через свои манифесты. Отличительной особенностью футуризма является его враждебность к реализму. В 1909 году в парижской газете «Figaro» были опубликованы 11 тезисов Маринетти, в которых провозглашался бунт, движение, энергичность и красота быстроты. Манифест получил большой успех среди молодежи и был повторен в 1910 году.

Футуристы отрицали искусство прошлого, призывали к разрушению музеев, библиотек и классического наследия. Они считали, что художник должен интересоваться не страданиями человека, а скорее скорбью электролампы. Ведущие футуристы были итальянскими художниками, такими как У. Боччони, К. Карра, Л. Руссоло, Дж. Северини, Дж. Балла и другие. Они стремились создать искусство, посвященное городской жизни и машинной индустрии.

Футуризм отдаленно напоминает кубизм, однако он отличается динамикой ритмов, деконструктивностью и алогичностью композиции, а также дисгармонией цвета. Примерами футуристических полотен являются работы Боччони «Состояние души» (1911 год), Северини «Норд—зюд» (1912 год) и Балла «Выстрел из ружья» (1915 год).

Выставки футуристического искусства вызывали непрерывные скандалы. В 1910 году футуристы организовали выставку в Париже. Они активно вмешивались в общественную жизнь и нередко играли реакционную роль. Маринетти, лидер футуризма, в годы фашизма приблизился к Муссолини. Однако в 20-е годы движение футуризма исчерпало себя. Карра вернулся к изобразительным формам, а Северини стал главой и теоретиком итальянской неоклассики.

В конце 20-х годов появляется новая волна футуристов с немного измененной программой.

Наиболее крайняя школа модернизма — абстракционизм — сложилась в 10-х годах XX века. Художники этого течения отказываются от показа предметного мира, что привело к его называнию «беспредметничеством». Теоретики абстракционизма выводят его от Сезанна через кубизм. Именно такой путь — от изобразительности через «идеальную реальность» синтетического кубизма к полной неизобразительности — проследил Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872-1944), основоположник «неопластицизма». Он считал, что «чистая пластика создает чистую реальность». В 10-е годы Мондриан был связан с кубизмом, принципы которого он довел до простого черчения на плоскости. В Голландии у Мондриана появилась группа последователей, объединившихся вокруг журнала «Стиль». Программа журнала провозглашала создание универсального образа мира посредством прямоугольников разного цвета, отделенных друг от друга жирной черной линией. Так появились бесчисленные композиции без названия, под номерами или буквами. Мондриан был буквально одержим культом равновесия вертикалей и горизонталей и порвал с журналом «Стиль», когда тот ввел в 1924 г. как компонент выразительного языка угол в 45°. Программные установки Мондриана в 40-е годы были подхвачены итальянскими «конкретистами». Опираясь на утверждение Мондриана, что «нет ничего конкретнее, чем линия, цвет, плоскость», они стали создавать «новую действительность» из линий и плоскостей открытого желтого, красного, синего цвета (так называемый «конструктивный геометризм» Мондриана).

Творчество Сальвадора Дали

... Сон разума рождает чудовищ», - утверждал великий Гойя, любимый художник С.Дали. Искусство сюрреализма, зачинателем которого в на чале 1920-х годов был наряду с А. Бретоном, Л. Арагоном и другими С. Дали, ... С. Дали. Внешняя экстравагантность поведения Дали в жизни обычно противопоставляется глубинной загадочности его творений. Думается, что художник создал свою биографию и произведения искусства ...

Василий Кандинский: основоположник абстракционизма

Василий Кандинский (1866—1944) стал одним из основоположников абстракционизма, представив свои первые «беспредметные» произведения еще до кубистов. Родом из Москвы, Кандинский изначально готовился к юридической карьере, но в 1896 году отправился в Мюнхен, где познакомился с творчеством Гогена и фовистов, а также народным лубком. Он стал одним из организаторов альманаха «Синий всадник». В своей работе «О духовном в искусстве» Кандинский провозгласил отход от натуры к «трансцендентальным» сущностям явлений и предметов, а также занимался проблемами сближения цвета с музыкой. Он также испытал влияние символизма, что отразилось в его понимании цвета как символических элементов.

Картины этого периода Кандинского представляют собой красочные полотна, на которых бесформенные пятна интенсивного цвета переплетаются кривыми или извилистыми линиями, иногда напоминающими иероглифы. Это вызывало сопротивление со стороны Мондриана, но возвещало детскую непосредственность полотен Клее. Работы Кандинского также напоминают зафиксированные в красках фотографические эффекты света.

В начале 20-х годов Кандинский увлекался геометрическим абстракционизмом, в противовес живописному абстракционизму предыдущего периода. Позднее, после эмиграции во Францию в 1933 году из-за наступления фашизма в Германии, его работы начали совмещать принципы живописного и геометрического абстракционизма.

Абстракционизм в искусстве XX века

Абстракционизм — это искусство, направленное на создание произведений без отображения предметов и объектов реального мира. Это выразительный стиль, использующийся художниками для передачи эмоций, чувств и идей с помощью форм, линий и цветов.

Живопись абстракционизма

Первыми представителями абстракционизма в живописи стали Василий Кандинский и Пьет Мондриан. В своих произведениях они использовали геометрические фигуры и яркие цветовые сочетания, чтобы выразить чувства и эмоции.

Казимир Малевич создал супрематизм — новый стиль абстракционизма, объединив импрессионизм Кандинского и геометрический абстракционизм Мондриана. Его система была выражена в картинах черного квадрата, который стал символом экстремального модернистского искусства.

Лучизм Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой представляет собой способ восприятия мира как суммы лучей. Цель художника — найти и зафиксировать точки пересечения лучей на холсте.

Скульптура абстракционизма

В скульптуре абстракционизм выразился менее ярко, но все же можно выделить две тенденции: объемное направление, которое использовало отвлеченные объемы, и пространственное направление, которое реализовывало новые пространственные отношения. Представителями объемного направления стали Константин Бранкузи и Жан Арп, а новое пространство было создано Наумом Габо и Антоном Певзнером.

Заключение

Абстракционизм — это важный стиль искусства XX века, который использовался художниками для выражения эмоций, чувств и идей. Этот стиль был представлен в живописи, скульптуре и дизайне, и оставил яркий след в истории мирового искусства.

Абстракционизм послевоенных лет

С приходом к власти фашистов центры абстракционизма перемещаются в Америку. В 1937 г. в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гугенхейма, в 1939 г.— Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй мировой войны и после ее окончания в Америке собрались вообще все ультралевые силы художественного мира.

В послевоенный период новая волна абстракционизма была поддержана огромным размахом рекламы, организованным успехом. Произведения абстрактной живописи становились объектами инвестирования капитала. Ценители искусства видели в этом направлении язык знаков, абстрактную каллиграфию, который выражал дисгармонию, беспорядочность и вымещение критики на существующую ситуацию. Экзистенциалистский театр, литература и живопись становились реакцией на мир после войны.

Творчество абстракционистов, таких как Ганс Гофман, Арчия Горький и прочие, установило их как лидеров американского абстракционизма в послевоенный период. Главной «звездой» американского абстракционизма эпохи был Джексон Поллок (1912—1956).

Поллок придумал термин «дриппинг», под которым подразумевалось разбрызгивание красок на холст без использования кисти. Это направление живописи также называют абстрактным экспрессионизмом в Америке, во Франции — ташизмом (от слова tache—пятно), в Англии — живописью действия, в Италии — ядерной живописью (pittura nucleare).

Во Франции первая половина 40-х годов была неким затишьем в сфере абстрактного искусства, из-за усиления реалистического направления после войны. C конца 40-х годов абстракционисты снова объединились и издали специальный журнал «Aujourd’hui art et architecture», выступая под защитой Леона Дегана и Мишеля Сейфора, теоретиков этого направления. Еще в 1930 г. Мишель Сейфор был организатором журнала «Круг и квадрат», куда входили такие художники-абстракционисты, как Кандинский, Арп, Ле Корбюзье, Мондриан, Озанфан и другие.

Абстракционизм и дадаизм как авангардные течения

В 50-е годы XX века во Франции наблюдалось широкое распространение интереса к абстракционизму. Один из его представителей, американский художник Поллок, соперничал с французским художником Жоржем Матье. Публичные «сеансы творчества» Матье сопровождались маскарадными переодеваниями и музыкой, а его огромные произведения имели сюжетное название, несмотря на их абстрактность. Согласно теории абстракционизма, предложенной Л. Вентури, искусство считается абстрактным, когда оно абстрагируется от предметов внешнего мира, а не от личности художника.

Абстракционизм не был последним авангардным течением, возникшим в начале XX века. В 1916 году в Цюрихе эмигрантская богема создала артистический «Клуб Вольтера», основателем которого стал поэт Тристан Тзара. Он придумал название «дадаизм» для этого объединения, найдя слово «дада» в словаре, означающее игру в лошадки. После переезда центра дадаистов в Париж к ним присоединились другие поэты, художники и писатели. В Германии дадаизм стал сливаться с послевоенным экспрессионизмом и приобрел политическую окраску. Дадаизм был самым хаотичным и кратковременным авангардным течением, лишенным четкой программы. Художники демонстрировали разнообразные коллажи, включая «ready made» объекты, такие как опилки, окурки и газеты. Все это сопровождалось «музыкой» битья в ящики и банки, а также танцами в мешках. Дадаисты отрицали духовные ценности, законы морали, этику, религию, пропагандировали хаос и безраздельный нигилизм, стремились шокировать буржуазию и разрушать основы нравственности. К 1922 году дадаизм утратил свою актуальность и «выдохся».

На основе дадаизма возникло другое авангардное течение — сюрреализм. Этот термин впервые появился в 1917 году в предисловии Аполлинера к его произведению, хотя сам Аполлинер не являлся поэтом или теоретиком сюрреализма.

В 1919 г. журнал «Litterature», вокруг которого группировались дадаисты во главе с Андре Бретоном, становится центром сюрреализма. После распада группы дадаистов все их журналы были заменены одним журналом «La Revolution surre’aliste», первый номер которого вышел 1 декабря 1924 г. В этом же году появился «Первый манифест сюрреализма». Из литературы сюрреализм переходит в живопись, скульптуру, кино и театр.

Сюрреалистическое направление в искусстве родилось как философия «потерянного поколения», чья молодость совпала с Первой мировой войной. Его представляла в основном бунтарски настроенная художественная молодежь, близкая по мироощущению к дадаистам, но понимающая, что дадаизм бессилен выразить волновавшие их идеи. Теория сюрреализма строилась на философии интуитивизма Анри Бергсона (интуиция — единственное средство познания истины, ибо разум здесь бессилен и акт творчества имеет иррациональный, мистический характер), на философии идеализма Вильгельма Дильтея, проповедующего роль фантазии и случайного в искусстве, и на философии австрийского психиатра Зигмунда Фрейда с его учением о психоанализе, с культом «бессознательного» и с культом полового инстинкта — «либидо», которые, по Фрейду, сопутствуют человеку с детства и сублимируются в творческий акт. Именно Фрейда сюрреалисты считают своим духовным отцом. В первом манифесте сюрреалистов говорилось о том, что творчество строится на «психологическом автоматизме, это нечто вроде фиксации сверхреальных алогичных связей предметного мира, получаемых в состоянии бессознательном: сна, гипноза, болезни и т. д. В манифесте провозглашалась безоговорочная вера «во всемогущество сна». Провозглашая «свободные ассоциации» в творчестве, сюрреалисты ввели свое основное «правило несоответствия», «соединения несоединимого». В их искусстве, по словам одного исследователя, «дали ростки все «цветы зла» наихудших сторон фрейдизма: культ фатальной предрешенности социального зла, агрессивных влечений, низменных побуждений, разрушительных инстинктов, извращенной эротики, патологической психики». Ненавидящие буржуазный мир, ищущие новые острые средства выражения в искусстве, к сюрреализму примкнули в 20-е годы такие большие мастера, как Элюар, Арагон, Пикассо, Лорка, Неруда (отмежевавшиеся от него, впрочем, уже в 30-е).

Своими предшественниками сюрреалисты объявили испанского архитектора Антонио Гауди, выходца из России живописца Марка Шагала и итальянского художника и поэта Джордже ди Кириков—создателя «метафизической живописи» (последний был участником первой выставки сюрреалистов в 1925 г., но затем резко порвал с ними).

Первыми сюрреалистами в живописи были: Андре Масон (быстрые наброски животных, растений, каких-то фантастических декоративных форм); Хоан Миро (подражание детскому рисунку, мир, увиденный как сквозь микроскоп), скоро перешедший к абстракционизму; Макс Эрнст, бывший дадаист, принесший в сюрреализм основной его принцип — «обман глаз»; Ив Танги, художник-самоучка, с его пейзажами, напоминающими мертвую пустыню, оживляемую фантастическими растениями или животными. Этот иррациональный мир, написанный, однако, всегда с подчеркнутой объемностью, и «обман глаз» — натуралистические детали, переданные с фотографической точностью в сочетании с абстрактными неизобразительными формами — с целью показать реальность подсознательного, мистического, болезненного, воздействовать на зрителя кошмарными ассоциациями,—наиболее типичные черты сюрреализма. В картинах сюрреалистов «тяжелое повисает», «твердое растекается», «мягкое костенеет», «прочное разрушается», «безжизненное оживает», а живое гниет и превращается в прах.

В 30-х годах в среде сюрреалистов появляется художник, который воплотил в своем творчестве кульминацию этого направления. Имя этого художника—Сальвадор Дали (1904—1989).

Художник огромного дарования, исключительной гибкости манеры, позволяющей ему копировать и подражать множеству великих старых мастеров, «создатель больших полотен и массы рисунков, автор кинофильмов и либретто балетов, а также книг о себе самом, безбожник и богохульник в прошлом, затем как будто бы правоверный католик, человек с мировой славой, мультимиллионер, но всегда и во всем циник и мистификатор» — таким предстает этот художник в характеристике одного из исследователей (Т. Каптерева).

Ранние вещи Дали, уже сюрреалистического толка, очень многословны. Это сказывается даже на их названии («Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон», 1932).

Алогичность должна действовать на психику зрителя, уводя его в мир бредовых ассоциаций. Этим устрашающим многозначительным ассоциациям Дали придает иногда определенный политический смысл. В 1936 г. он, испанец по происхождению, так откликается на события у него на родине: в картине «Предчувствие гражданской войны» изображена какая-то ужасающая конструкция из разлагающейся головы на костяной ноге и с двумя огромными лапами, одна из которых сжимает грудь с окровавленным соском. Все это «покоится» на маленьком, иллюзорно написанном ящике-шкафчике и размещается на фоне безжизненного, мертвого, типично сюрреалистического пейзажа. Такой же мертвый пейзаж с идиллическим мотивом белого домика является фоном другого, не менее ужасного действа в картине «Осеннее каннибальство» (1936—1937).

Автор поясняет, что оно должно изображать, как два иберийца, вооружившись ножами и вилками, пожирают, «черпают» друг друга,— в этом и видит он «пафос гражданской войны».

В 30-х годах сюрреализм выходит за европейские рамки. В 1931 г. устраивается первая выставка в Америке. Нью-йоркская выставка 1936 г. называется «Фантастическое искусство, дада, сюрреализм». Рядом с произведениями сюрреалистов и дадаистов на ней экспонировались произведения душевнобольных, «естественные объекты сюрреалистического характера», вроде ложки из камеры смертника, и «научные объекты», вроде поперечного среза лишая.

Во время Второй мировой войны центр сюрреализма перемещается в Америку. Сюда переезжает Дали, Бретон, Массон, Эрнст, Танги и др. Деятельность Дали в Америке в эти годы необычайно разнообразна: он пишет полотна, которые продает по баснословным ценам, ставит балеты, сотрудничает в журналах, оформляет магазины и даже выступает консультантом по дамским прическам. Исследователи отмечают два метода в его творчестве: либо он вводит в абсолютно нереальный пейзаж, нереальную среду предметы нарочито будничные, либо искажает знакомое и реальное до какого-то чудовищного образа. Так, грудь, живот, колени копии Венеры Милосской он превращает в какие-то выдвинутые ящики шкафа с ручками-присосками. В 50-е годы в зените своей славы он делает абсолютно точную копию в Лувре с «Кружевницы» Вермера и одновременно рисует в зоопарке носорога. Плодом таких занятий явилось произведение, изображающее искромсанное рогом носорога тело вермеровской «Кружевницы».

После Второй мировой войны Дали пишет такие картины: «Три сфинкса бикини» (вырастающие из земли три головы с перманентом), «Атомный Нерон» (расколотая статуя императора) и «Атомная Леда» (почти академически правильная штудия обнаженной женской натуры и лебедь с огромными лапами).

В 40—50-е годы в Америке сюрреалисты имели наивысший успех. Исследователи сюрреализма объясняют это тем, что публика, уставшая от абстракционизма, устремляется к картинам, в которых «что-то все-таки изображено». В 1947 г. с выставки в Нью-Йоркском музее современного искусства начался новый этап сюрреализма Дали — так называемый католический сюрреализм. Эскиз картины «Мадонна порта Льигат» (1949) был послан на утверждение Папе — очередной рекламный трюк Дали. Произведения 50-х годов не имеют никакой деформации, выполнены на высоком профессиональном уровне («Христос св. Иоанна на кресте», 1951;«Тайная вечеря», 1955; «Св. Иаков», 1957).

Помимо картин на религиозные темы Дали пишет такие, в которых пытается примирить религию и науку («Атомистический крест», 1952 — изображение атомного реактора и куска хлеба как символа святого причастия).

В 60-е годы сюрреализм стал уступать свои позиции новой волне абстракционизма и, главное, новым направлениям авангардизма, прежде всего искусству поп-арта.

Термин «поп-арт» (народное, популярное искусство, а точнее — «ширпотреб-искусство») возник в 1956 г. и принадлежит критику и хранителю Музея Гугенхейма Лоуренсу Элоуэйю. Поп-арт возник в Америке как реакция на беспредметное искусство и представляет собой коллажи, комбинации из бытовых вещей на холсте. Высшая точка развития этого направления — 60-е годы, венецианская бьеннале 1962 г. Правда, на территорию выставки «поп-артисты» допущены не были, они устроили экспозицию в американском консульстве. Именно здесь экспонировались «произведения», составными частями которых были ведра, лопаты, рваные ботинки, грязные штаны, афиши, части автомобилей, муляжи, манекены, одеяла, комиксы и даже чучело курицы. «Изобретатели» поп-арта — Роберт Раушенберг, получивший на венецианской бьеннале даже золотую медаль, и Джэспер Джонс. То, что использовали художники поп-арта, такие, как Джеймс Розенквист, Рой Лихтенберг, Чемберлен, Ольденбург, Дайн и др., делали еще дадаисты, иногда даже с иронией, во всяком случае не без юмора. Тем не менее поп-арт из Америки прошел по всей Европе. Французская разновидность поп-арта — «новый реализм» (А. Эрро).

(Иногда этих художников называют «новые дикие»).

Близок к поп-арту «боди-арт» с демонстрацией самого художника в сопровождении нелепых атрибутов и «акционизм» — смесь абстракционизма, дадаизма, поп-арта в сочетании с перфомансом — целым театральным представлением (70-е годы).

«Рэдимейд» М. Дюшана превращается в целое направление, отмежевывающееся и от Дюшана, и от поп-арта и претендующее на самобытность — так называемое концептуальное искусство, где «концептами», «атрибутами цивилизации» именуются вполне реальные предметы.

К середине 60-х годов поп-арт сдает свои позиции искусству оп-арт, оптическому искусству, считающему своим предтечей геометрический абстракционизм Баухауза и русский, и немецкий конструктивизм 20-х годов (его основоположником считается работавший во Франции Виктор Вазарелли).

Смысл оп-арта — в эффектах цвета и света, проведенных через оптические приборы на сложные геометрические конструкции. В полную силу это авангардистское крыло продемонстрировало себя в Нью-Йорке на выставке «Чуткий глаз», в которой участвовало 75 художников из 10 стран. Оп-арт имел некоторое воздействие на художественную промышленность, прикладное искусство, рекламу.

Под кинетическим (кинематическим) искусством подразумеваются «изобретения» с разного рода гудящими, вращающимися и прочими механизмами, композиции с магнитами и т. п. Начало ему было положено в 1931 г. в США: А. Кольбер создал конструкцию из жести и проволоки, приводимую в движение то мотором, то ветром. Успех в 50-е годы кинетическое искусство имело, в основном, в интерьере. Гюнтер Юкер получил прозвище «кинетик гвоздей», ибо его произведение искусства представляло движущуюся ткань, на которую набивались гвозди. Наиболее прославленный «кинетик» — швейцарец Жан Тингели, создатель саморазрушающихся машин, сочетающий процесс «саморазрушения» со световыми эффектами. В кинетическом искусстве и в оп-арте зритель может быть автором и соучастником, если он пускает в ход конструкцию, что-то перекладывает или даже входит внутрь «произведения», желая в этом случае, к примеру, на нем отдохнуть. Но художник, который как «высшее существо» призван творить эстетические и моральные, этические ценности, уже перестает существовать, ибо к искусству, которое в образной художественной форме осмысляет и истолковывает жизнь, все это уже отношения не имеет. Оп-арт и кинетическое искусство существуют и поныне, как и гиперреализм (от английского hyperrealism — сверхреализм), а вернее, фотореализм, возникший в 70-х годах в Америке и в Европе. Использующий цветную фотографию или муляж для воспроизведения действительности, гиперреализм, по сути, является разновидностью натурализма (другое название — «магический реализм», «радикальный реализм»).

Отсюда уже прямой путь к китчу —квинтэссенции массовой культуры —с его штампами, пошлостью, трюизмами, отсутствием чувства меры, победой мещанского вкуса — свидетельство вытеснения великой европейской культуры с ее духовными традициями —цивилизацией, гуманистических ценностей и идеалов — прагматизмом и материализмом технократического века.

На протяжении всего XX столетия живет и развивается искусство, не порывающее с реалистическим видением, заставляющее думать над судьбами мира и общества и продолжающее лучшие традиции мирового искусства.

Новый реализм, которому еще не найден точный термин и который именуется исследователями чаще всего «реализмом XX века», начал складываться с первых лет столетия в революционной графике Кете Кольвиц, швейцарца Теофиля Стейнлена, бельгийца Франса Мазереля (1889—1972), в офортах и росписях англичанина Фрэнка Брэнгвина и в лирических пейзажах французов Мориса Утрилло и Альбера Марке (хотя последний и начал свой путь вместе с фовистами), в классически ясных скульптурных образах Аристида Майоля и в скульптурных портретах Шарля Деспио, в полных напряженной динамики композициях Антуана Бурделя.

Однако даже среди перечисленных мастеров трудно найти одинаково понимающих образную систему выражения реализма. Наиболее экспрессивный характер реализм обрел в творчестве Кете Кольвиц (1867—1945).

Одна из ранних работ Кете Кольвиц — серия из трех литографий и трех офортов «Восстание ткачей». В 1903— 1908 гг. ею создана серия офортов «Крестьянская война», явившихся вершиной европейской графики начала XX в. Это суровые и трагические образы народной борьбы. Соединение монументальности и острой экспрессивности характерно для многих сдержанных и скорбных произведений К. Кольвиц.

В пронзительных по обостренности чувства, напряженно-эмоциональных гравюрах Франса Мазереля (1889—1972) представлена целая летопись современного мира, ужасы войны, страдания бесконечно одинокого в этом расколотом мире человека (серии «Крестный путь человека», 1918; «Мой часослов», 1919; «Город», 1925).

Среди английских художников реалистического направления нужно назвать прежде всего Фрэнка Брэнгвина (1867—1956), работавшего в декоративном искусстве (ковроткачество), в прикладной графике сотрудничавшего в журнале «Грэфик». Ему принадлежат такие произведения монументально-декоративного искусства, как панно «Современная торговля» для лондонской биржи (1906), росписи Дома кожевников в Лондоне (1904—1909).

Но в каком бы виде искусства ни работал Брэнгвин, главной темой его работ является труд, главным героем — простой человек. В его офортах и литографиях показан мир докеров и лесорубов, сплавщиков леса, строителей. Графические листы Брэнгвина необычно велики по размеру. Помимо линии и штриха мастер широко пользуется большим черным пятном. Лаконизм выразительных средств Брэнгвина органичен с величавостью и монументальностью его образов. В традициях реализма работает в начале века Огастес Джон (1878—1961).

Его портреты, как живописные, так и графические, крепко построены, избавлены от всякой деформации, дают многогранную характеристику модели (портрет Бернарда Шоу, 1913—1914).

Верной реалистическим традициям остается французская пластика. В начале XX в. во французской скульптуре появляются три выдающихся мастера, три яркие творческие индивидуальности, объединенные роденовским пониманием формы, особенно его позднего периода, и стремящиеся вернуть скульптуру в русло строгих законов пластики.

Аристид Майоль (1861—1944) учился в Школе изящных искусств в Париже, в мастерской живописца Кабанеля и пришел в скульптуру уже в сорокалетнем возрасте. Его основной материал — камень, основная тема — обнаженная женская модель, основная идея творчества — красота и естественность здорового прекрасного тела, сильного и крепкого. Майолъ никогда не занимался формалистическим трюкачеством. Он верен классически ясным и цельным формам, его монументальность и подлинная пластичность строятся на строго отобранных деталях, четком силуэте, на отсутствии какой-либо деформации. («Присевшая на корточки», 1901; «Иль де Франс», 1920—1925).

В 10—20-х годах Майоль работает над памятником Сезанну, но знаменательно, что он обращается не к конкретной модели, к изображению самого Сезанна, а олицетворяет творчество в облике прекрасной женщины (1912—1925, Париж, сад Тюильри).

Майоль мало занимался портретом, но среди его портретов невозможно не отметить высокоодухотворенное изображение старого Ренуара (1907).