В средние века в Европе происходили быстрые изменения в сферах экономической, социальной и религиозной жизни, которые могли повлечь за собой только изменения в искусстве. Во всякое время перемен человек пытается заново переосмыслить окружающий мир, идет мучительный процесс «переоценки всех ценностей», пользуясь крылатым выражением Ф. Ницше.
Эти исследования проявляются в основном и более выразительно в творчестве людей искусства, которые, как лучшие камертоны, перекликаются с окружающим их нестабильным миром и вплетают в свои произведения симфонию чувств.
Итальянское Возрождение — это не пан-итальянское движение, а серия одновременных или чередующихся движений в разных центрах Италии. Раздробленность Италии служила здесь не последней причиной. Наиболее полно черты Возрождения проявились во Флоренции, Риме. Милан, Неаполь и Венеция также пережили эту эпоху, но не так интенсивно, как Флоренция.
возрождения античности
В дальнейшем содержание термина эволюционировало. Возрождение стало означать освобождение науки и искусства от теологии, охлаждение к христианской этике, рождение национальных литератур, борьбу человека за свободу от ограничений католической церкви. То есть Возрождение, в сущности, стало означать гуманизм.
Почему в культуре и эстетике Возрождения была такая четкая ориентация на человека? С социологической точки зрения причиной самостоятельности человека, его растущего самоутверждения была городская культура. В городе человек больше, чем где-либо еще, открывает для себя достоинства нормальной, обычной жизни.
Это потому, что горожане были более независимыми людьми, чем крестьяне. Изначально в городах жили настоящие ремесленники, мастера, ведь, отказавшись от крестьянского хозяйства, они надеялись жить только своим ремесленным мастерством. Пополняли число городских жителей и люди предприимчивые. Реальные обстоятельства заставляли полагаться только на себя, формировали новое отношение к жизни.
Самое обращение к классической
Итак, эпоха Возрождения — это обращение к античности. Но вся культура этого периода лишний раз доказывает, что Возрождения в чистом виде, Возрождения как такового не существует. Мыслители-возрожденцы видели в античности то, что хотели. Бог становится ближе к человеку. Он мыслится пантеистически (бог слит с миром, он одухотворяет мир).
Поэтому-то мир и влечет человека. Понимание человеком мира, полного божественной красоты, становится одной из главных идеологических задач Возрождения.
Возрождение в Италии
... итальянских художников к природе, в стремлении полнее раскрыть гармоничные закономерности бытия. Эпоха Возрождения в культуре Италии - тема моей курсовой работы. Изучение наследия и достижений эпохи Возрождения ... актуально во все времена для любого образованного человека. ... образа жизни и ...
Истоки трагизма творчества художников Возрождения убедительно показаны русским философом Н.Бердяевым. Столкновение античных и христианских начал послужило причиной глубокого раздвоения человека, подчеркивал он. Великие художники Возрождения были одержимы прорывом в иной, трансцедентальный мир. Мечта о нем была уже дана человеку Христом. Художники были ориентированы на создание иного бытия, ощущали в себе силы, подобные силам Творца; ставили перед собой по существу онтологические задачи. Однако эти задачи были намеренно непрактичными в земной жизни, в мире культуры. Художественное творчество, которое отличается не онтологическим, а психологическим характером, не решает и не может решить этих проблем. Доверие художников к достижениям античной эпохи и их стремление к высшему миру, открытому Христом, не совпадают. Это и приводит к трагическому мироощущению, к возрожденческой тоске. Бердяев пишет: «Тайна Возрождения в том, что оно не удалось. Никогда прежде в мир не посылались такие созидательные силы, и никогда прежде трагедия общества не раскрывалась так».
2. Леонардо да Винчи
Среди великих художников, предложенных для этого задания, я решил выбрать Леонардо да Винчи. Так как мне посчастливилось побывать в Лувре и увидеть оригиналы его работ. Зрелище очень впечатляющее, но за один день, точнее, за несколько часов просто невозможно охватить даже малую часть всей этой необыкновенной красоты. Удалось лишь слегка прикоснуться. Хочу сказать о своих впечатлениях, что ощущение картин было другим рядом с некоторыми полотнами, на которые я хотел часами сидеть и смотреть, а некоторые почти не вызывали эмоций, просто уважение к их автору и времени. Я думаю, что для того, чтобы понять, чтобы услышать картины и мысли художника, нужно смотреть так, как будто сквозь время, в эпоху и в истории тех лет картины таких великих мастеров как бы скрывают в себе великие тайны.
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (Leonardo da Vinci) (15 апреля 1452, Винчи близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Клу, близ Амбуаза, Турень, Франция), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый, инженер.
Объединив развитие новых средств художественного языка с теоретическими обобщениями, Леонардо да Винчи создал образ человека, воплощающего гуманистические идеалы Высокого Возрождения . В росписи «Тайная вечеря» (1495-1497, в трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие в Милане) высокое этическое содержание выражено в строгих закономерностях композиции, ясной системе жестов и мимики персонажей. Гуманистический идеал женской красоты воплощен в портрете Моны Лизы («Джоконда», около 1503).
Многочисленные открытия, проекты, экспериментальные исследования в области математики, естествознания, механики. Отстаивал решающее значение опыта в познании природы (записные книжки и рукописи, около 7 тысяч листов).
Леонардо родился в семье богатого нотариуса. Он сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо в 1467-1472 годах. Методы работы во флорентийской мастерской того времени, где труд художника был тесно сопряжен с техническими экспериментами, а также знакомство с астрономом П. Тосканелли способствовал возникновению научных интересов молодого Леонардо. В ранних произведениях (голова ангела в «Крещении» Верроккьо, после 1470, «Благовещение», около 1474, оба в Уффици, «Мадонна Бенуа», около 1478, Эрмитаж) обогащает традиции живописи кватроченто , подчеркивая плавную объемность форм мягкой светотенью, оживляя лица тонкой, едва уловимой улыбкой. В «Поклонении волхвов» (1481-82, не закончена; подмалевок — в Уффици) превращает религиозный образ в зеркало разнообразных человеческих эмоций, разрабатывая новаторские методы рисунка. Фиксируя результаты бесчисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях (итальянский карандаш, серебряный карандаш, сангина, перо и другие техники), Леонардо добивается редкой остроты в передаче мимики лица (прибегая порой к гротеску и карикатуре), а строение и движения человеческого тела приводит в идеальное соответствие с драматургией композиции.
Титаны эпохи возрождения» по курсу «История науки и техники
... искусство Леонардо, на котором лежит печать тайны. Леонардо да Винчи родился в 1452г. в селении Анкиано, около города Винчи, у ... выводы можно сделать. Прежде всего, вне всякого сомнения, Леонардо — титан науки, каким провозгласили его наиболее восторженные почитатели. Кстати, ... Винчи, Рафаэль и Микеланджело и все сразу станет ясно. Именно о этих людях я и хочу вам рассказать в своем реферате. ...
На службе у правителя Милана Лодовико Моро (с 1481) Леонардо выступает в роли военного инженера, гидротехника, организатора придворных празднеств. Свыше 10 лет он работает над монументом Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро; исполненная пластической мощи глиняная модель памятника в натуральную величину не сохранилась (разрушена при взятии Милана французами в 1500) и известна лишь по подготовительным наброскам.На этот период приходится творческий расцвет Леонардо-живописца. В «Мадонне в скалах» (1483-94, Лувр; второй вариант — 1487-1511, Национальная галерея, Лондон) излюбленная мастером тончайшая светотень («сфумато») предстает новым ореолом, который идет на смену средневековым нимбам: это в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство, где скалистый грот, отражая геологические наблюдения Леонардо, играет не меньшую драматическую роль, чем фигуры святых на переднем плане.
Во Флоренции Леонардо работает над росписью в Палаццо Веккьо («Битва при Ангьяри», 1503-1506; не закончена и не сохранилась, известна по копиям с картона, а также по недавно обнаруженному эскизу — частное собрание, Япония), которая стоит у истоков батального жанра в искусстве нового времени; смертельная ярость войны воплощена тут в исступленной схватке всадников. возрождение хронологический художник испания
В наиболее известной картине Леонардо, портрете Моны Лизы (так называемой «Джоконды», около 1503, Лувр) образ богатой горожанки предстает таинственным олицетворением природы как таковой, не теряя при этом чисто женского лукавства; внутреннюю значительность композиции придает космически-величавый и в то же время тревожно-отчужденный пейзаж, тающий в холодной дымке.
Мадонна в гроте
Первая полностью зрелая работа Леонардо — подтверждает торжество нового искусства и дает полную картину исключительного мастерства Леонардо. Икона была заказана монахами церкви имени святого Франциска в 1483 году.
Идеальная согласованность всех частей, создающая плотно сваренное целое. Это целое, т. е. совокупность четырёх изображённых фигур, очертания которых чудесно смягчены светотенью, образует стройную пирамиду, плавно и мягко, в полной свободе вырастающую перед нами. Все фигуры неразрывно объединены взглядами и расположением, и этот союз полон чарующей гармонии, ведь даже взгляд ангела, направленный не на другие фигуры, а на зрителя, словно усиливает неповторимый музыкальный аккорд композиции. Этот взгляд и улыбка, слегка освещающая лицо ангела, заряжены глубоким и загадочным смыслом. Свет и тени создают в картине некое неповторимое настроение. Наш взгляд переносится в ее глубины, в манящие пустоты среди темных скал, в тени которых нашли убежище созданные Леонардо фигуры. И тайна Леонардо раскрывается в их лицах, в голубоватых ущельях и в сумерках нависающих над ними скал. Все элементы образа, казалось бы, противоречивы, сливаются воедино, создают целостное и сильное впечатление.
Рафаэль «мадонна конестабиле» описание картины, анализ,
... пожара, и все остались живы. В центре верхней части картины — Мадонна с младенцем, она парит в воздухе на фоне золотого круга, символизирующего святость Богоматери и Христа, а ... Божественной воли. 5 «Мадонна Грандука» (1505) Сюжет картины Рафаэля является традиционным для изображения Мадонны. Полотно написано под воздействием работ Леонардо. Рафаэль использовал в этой картине технику сфумато — некую ...
“Мадонна в гроте” показывает овладение художником тем реалистическим мастерством, которое так поражало его современников.Картина предназначалась для украшения алтаря (оправой для картины являлся резной деревянный алтарь) в капелле Иммаколата церкви Сан Франческо Гранде в Милане. 25 апреля 1483 года члены братства Святого Зачатия заказали картины (центральная композиция — Мадонна с младенцем, боковые — Музицирующие ангелы) Леонардо, которому поручили выполнение самой важной части алтаря, а также братьям Амброджо и Эванджелиста де Предис.
Поздние картины
К поздним произведениям Леонардо принадлежат: проекты памятника маршалу Тривульцио (1508-1512), роспись «Святая Анна с Марией и младенцем Христом» (около 1500-1507, Лувр).
В последней как бы подводится итог его поискам в области свето-воздушной перспективы, тонального колорита (с преобладанием прохладных, зеленоватых оттенков) и гармонической пирамидальной композиции; вместе с тем это гармония над бездной, поскольку группа святых персонажей, спаянных семейной близостью, представлена на краю пропасти. Последняя картина Леонардо, «Святой Иоанн Креститель» (около 1515-1517, там же) полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель. В серии рисунков с изображением вселенской катастрофы (цикл с «Потопом», итальянский карандаш, перо, около 1514-1516, Королевская библиотека, Виндзор) раздумья о бренности и ничтожестве человека перед могуществом стихий сочетаются с рационалистическими, предвосхищающими «вихревую» космологию Р. Декарта представлениями о цикличности природных процессов.
«Трактат о живописи»
Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи служат его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов), написанные на разговорном итальянском языке. Сам мастер не оставил систематического изложения своих мыслей. «Трактат о живописи», подготовленный после смерти Леонардо его учеником Ф. Мельци, оказавший большое влияние на теорию искусства, состоит из отрывков, во многих отношениях произвольно взятых из контекста его заметок. Для самого Леонардо искусство и наука были связаны неразрывно. Отдавая в «споре искусств» пальму первенства живописи как наиболее интеллектуальному, по его убеждениям, виду творчества, мастер понимал ее как универсальный язык (подобный математике в сфере наук), который воплощает все многообразие мироздания посредством пропорций, перспективы и светотени. «Живопись, — пишет Леонардо, — наука и законная дочь природы…, родственница Бога». Таким образом, изучая природу, совершенный художник-натуралист познает «божественный разум», скрытый под внешним аспектом природы. Участвуя в творческом соревновании с этим божественно разумным принципом, художник таким образом подтверждает свое подобие Всевышнему Создателю. Поскольку «сначала у него в душе, а затем в руках» «все, что существует во вселенной», он также является «своего рода богом».
Леонардо — ученый. Технические проекты
Как ученый и инженер Леонардо да Винчи обогатил почти все области знаний того времени проницательными наблюдениями и догадками, рассматривая свои заметки и рисунки как наброски для гигантской натурфилософской энциклопедии. Он был ведущим представителем нового естествознания, основанного на экспериментах. Особое внимание Леонардо уделял механике, называя ее «раем математических наук» и видя в ней ключ к тайнам мироздания; он попытался определить коэффициенты трения скольжения, изучал сопротивление материалов, увлеченно занимался гидравликой. Многочисленные гидротехнические эксперименты привели к новаторским конструкциям каналов и ирригационных систем. Страсть к моделированию приводила Леонардо к поразительным техническим предвидениям, намного опережавшим эпоху: таковы наброски проектов металлургических печей и прокатных станов, ткацких станков, печатных, деревообрабатывающих и прочих машин, подводной лодки и танка, а также разработанные после тщательного изучения полета птиц конструкции летальных аппаратов и парашюта.
Описание по картине Сикстинская Мадонна Рафаэля
... году полотно было отдано в Дрезден, в картинную галерею. Глядя на картину Рафаэля « Сикстинская мадонна» мы видим, как внезапно распахнувшийся занавес открыл нашим глазам силуэт, четко ... с ребенком. Картина пропитана болью, пониманием и смирением. Вариант 2 В годы Второй мировой войны полотно Рафаэля Санти «Сикстинская мадонна», вместе с другими награбленными художественными ценностями, по особому ...
Оптика
Собранные Леонардо наблюдения о влиянии прозрачных и полупрозрачных тел на цвет предметов, отраженных в его живописи, привели к утверждению принципов воздушной перспективы в искусстве. Универсальность оптических законов была для него связана с идеей однородности Вселенной. Он был близок к созданию гелиоцентрической системы, считая Землю «точкой во Вселенной». Он изучал строение человеческого глаза, делая предположения о природе бинокулярного зрения.
Анатомия, ботаника, палеонтология
В анатомических исследованиях, обобщая результаты вскрытий, в подробных чертежах он заложил основы современной научной иллюстрации. Изучая функции органов, он рассматривал организм как образец «естественной механики». Он первым описал серию костей и нервов, уделив особое внимание проблемам эмбриологии и сравнительной анатомии, стремясь внедрить экспериментальный метод в биологию. Установив ботанику как независимую дисциплину, он дал классические описания расположения листьев, гелия и геотропизма, давления корней и движения сока растений. Явился одним из основоположников палеонтологии, считая, что окаменелости, находимые на вершинах гор, опровергают представления о «всемирном потопе»
Картины Леонардо да Винчи:, Дева и ребенок с младенцем Джоном Баптистом и св. Анной
“Мона Лиза” 1503 г
“Голова молодой женщины» “Мадонна с младенцем”
“Тайная вечеря” 1495-1497
3. Рафаэль Санти
Рафаель Сын художника Джованни Санти. По свидетельству Вазари, учился у Перуджино. Впервые упомянут как самостоятельный мастер в 1500. В 1504-08 работал во Флоренции. В конце 1508 по приглашению папы Юлия II переехал в Рим, где наряду с Микеланджело занял ведущее место среди художников, работавших при дворе Юлия II и его преемника Льва X.
Флорентийский период (1504-08)
Переезд сыграл огромную роль в творческом становлении Рафаэля. Принципиально важным для него было знание метода Леонардо да Винчи. Вслед за Леонардо он стал много работать с натуры, изучал анатомию, механику движений, сложные позы и взгляды, в поисках компактных, ритмически сбалансированных композиционных формул. В последних флорентийских работах Рафаэля («Положение во гроб», 1507, галерея Боргезе, Рим; «Св. Екатерина Александрийская», ок. 1507-08, Национальная галерея, Лондон) появляется интерес к сложным формулам драматически-взволнованного движения, разработанным Микеланджело.
Микеланджело Буонарроти
... новый этап творчества Микеланджело. Его произведения этого периода ознаменованы новой масштабностью, размахом, подъемом к вершинам мастерства. Здесь им были исполнены первые крупные заказы – статуя «Вакх»(1489-1497, Флоренция, национальный ...
Основная тема живописи флорентийского периода — Мадонна с младенцем, которой посвящено не менее 10 работ. Среди них выделяются три близких по композиционному решению картины: «Мадонна со щегленком» (ок. 1506-07, Уффици), «Мадонна в зелени» (1506, Музей истории искусств, Вена), «Прекрасная садовница» (1507, Лувр).
Варьируя в них один и тот же мотив, изображая на фоне идиллического пейзажа юную мать и играющих у ее ног маленьких детей — Христа и Иоанна Крестителя, он объединяет фигуры устойчивым, гармонически уравновешенным ритмом Композиционный пирамиды, излюбленной мастерами Возрождения.
Римский период (1509-20)
Переехав в Рим, 26-летний мастер получает должность «художника апостольского Престола» и поручение расписать парадные покои Ватиканского дворца, с 1514 руководит строительством собора св. Петра работает в области архитектуры церквей и дворцов, в 1515 году он был назначен комиссаром по древностям, отвечая за изучение и защиту древних памятников и археологические раскопки.
Росписи Ватиканского дворца
Центральное место в творчестве этого периода занимают фрески парадных залов Ватиканских дворцов. Росписи Станцы делла Сеньятура (1509-11) — одно из самых совершенных творений Рафаэля. Величественные многофигурные композиции на стенах (объединяющие от 40 до 60 персонажей) «Диспута» («Спор о причастии»), «Афинская школа», «Парнас», «Основание канонического и гражданского права» и соответствующие им четыре аллегорические женские фигуры на сводах олицетворяют богословие, философию, поэзию и юриспруденцию.
Не повторяя ни одной фигуры и позы, ни единого движения, Рафаэль плетет их в гибком, свободном, естественном ритме, перетекающем от фигуры к фигуре, от одной группы к другой.
К числу лучших работ Рафаэля-монументалиста относятся также выполненные по заказу банкира и мецената Агостино Киджи росписи сводов капеллы Киджи (ок. 1513-14, Санта Мария делла Паче, Рим) и полная языческой жизнерадостности фреска «Триумф Галатеи» (ок. 1514-15, вилла Фарнезина, Рим).
Римские Мадонны
В римские времена Рафаэль гораздо реже обращался к образу Мадонны, находя новое и более глубокое решение. В «Мадонне делла Седия» (ок. 1513, Питти, Флоренция) юная мать в одежде римской простолюдинки, маленькие Иоанны Креститель и Христос связаны воедино круговым обрамлением (тондо); Мадонна как бы старается укрыть в своих объятиях сына — маленького Титана с недетски серьезным взглядом. Новая, полифонически сложная трактовка образа Мадонны нашла наиболее полное выражение в одном из самых совершенных творений Рафаэля — алтаре «Сикстинская Мадонна» (ок. 1513, Картинная галерея, Дрезден).
Портреты
Первые портреты относятся к флорентийскому периоду («Аньоло Дони», ок. 1505, Питти, Флоренция; «Маддалена Строцци», ок 1505, там же; «Донна Гравида», ок.1505, там же).
Однако только в Риме Рафаэль преодолел сухость и некоторую жесткость своих первых портретов. Среди римских работ выделяются портрет гуманиста Бальдассаре Кастильоне (ок. 1514-15, Лувр) и т. н. «Донна Велата», возможно — модель «Сикстинской мадонны» (ок. 1516, Питти, Флоренция), с их благородным и гармоническим строем образов, композиционным равновесием, тонкостью и богатством цветового решения.
«Афинской школой»
Картины Рафаэля Санти:
“Мадонна с младенцем”
Искусство эпохи Возрождения в Италии
... ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъёме и расцвете искусства Возрождения большую ... живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя. Феррара, Генуя, Милан и позже ... конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал ...
“Святой Георгий сражается с драконом”
МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонарроти (Michelangelo Buonarroti) (1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт. С величайшей силой он выразил глубоко человеческие идеалы, наполненные героическим пафосом Высокого Возрождения, а также трагическим ощущением кризиса гуманистического мировоззрения в период позднего Возрождения . Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях («Оплакивание Христа», ок. 1497-98; «Давид», 1501-04; картон «Битва при Кашине», 1504-06).
Роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-12), статуя «Моисей» (1515-16) утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности. Трагические ноты, вызванные кризисом ренессансных идеалов, звучат в ансамбле Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции (1520-34), во фреске «Страшный суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы, в поздних вариантах «Оплакивания Христа» (ок. 1550-55) и др. В архитектуре Микеланджело господствуют пластическое начало, динамический контраст масс (библиотека Лауренциана во Флоренции, 1523-34).
С 1546 руководил строительством собора св. Петра, созданием ансамбля Капитолия в Риме. Поэзия Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом.
Юность. Годы учения
Первоначальное образование получил в латинской школе во Флоренции. Он изучал живопись у Гирландайо, скульптуру у Бертольдо ди Джованни в художественной школе, основанной Лоренцо Медичи в садах Медичи. Он копировал фрески Джотто и Мазаччо, изучал скульптуру Донателло, а в 1494 году в Болонье познакомился с работами Якопо делла Кверчия. В доме Лоренцо, где Микеланджело прожил два года, он познакомился с философией неоплатонизма, которая впоследствии оказала сильное влияние на его видение мира и его творчество. Тяготение к монументальной укрупненности форм сказалось уже в первых его работах — рельефах «Мадонна у лестницы» (ок. 1491, Каза Буонарроти, Флоренция) и «Битва кентавров» (ок. 1492, там же).
Первый римский период (1496-1501)
В Риме Микеланджело продолжил изучение античной скульптуры, начатое в садах Медичи, ставшее одним из источников его богатой пластики. К первому римскому периоду относятся антикизированная статуя Вакха (ок. 1496, Национальный музей, Флоренция) и скульптурная группа «Пьета» (ок. 1498-99), свидетельствующая о начале творческой зрелости мастера.
Флорентийский период (1501-06).
Статуя Давида
Вернувшись в 1501 во Флоренцию, Микеланджело получил от правительства республики заказ на создание 5,5-метровой статуи Давида (1501-04, Академия, Флоренция).
Установленная на главной площади Флоренции рядом с ратушей Палаццо Веккио (ныне заменена копией), она должна была стать символом свободы республики. Микеланджело изобразил Давида не в виде хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали мастера 15 в., а как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы (современники называли ее terribilita — устрашающая).
В то же время, в 1501-05 годах Микеланджело работал над другим государственным заказом: карикатурой на фреску «Битва при Качине», которая вместе с «Битвой при Ангиари» Леонардо да Винчи должна была украсить зал Палаццо Веккьо. Фрески не были расписаны, однако сохранился эскиз из мультфильма Микеланджело, который прорисовывает динамику поз и жестов сикстинской росписи потолка.
Второй римский период (1505-16)
В 1505 году папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим, доверив ему работу над надгробием. Проект Микеланджело заключался в создании, в отличие от традиционных стенных надгробий Италии того времени, величественного мавзолея, украшенного 40 статуями больше человеческого роста. Быстрое охлаждение этого этажа Юлием II и прекращение финансирования работ вызвали ссору между мастером и папой и демонстративным отъездом Микеланджело во Флоренцию в марте 1506 года. Он вернулся в Рим только в 1508 году, получив от Юлия II заказ на фреску Сикстинской капеллы.
Росписи Сикстинской капеллы
Фрески Сикстинского плафона (1508-12) — самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Отказавшись от предложенного ему проекта с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и орнаментальным наполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписи, которая до сих пор вызывает различные интерпретации. Роспись громадного свода, перекрывающего обширную (40,93 х 13,41 м) папскую капеллу, включает в себя 9 больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа», 12 огромных фигур сивилл и пророков в боковых поясах свода, цикл «Предки Христа» в распалубках и люнетах, 4 композиции в угловых парусах на темы чудесного избавления иудейского народа. Десятки величественных персонажей, населяющих эту грандиозную вселенную, наделенную титаническим аспектом и колоссальной духовной энергией, демонстрируют необычайное богатство жестов, поз, контрастов и сложнейших ракурсов, пронизанных мощным движением.
Капелла Медичи
В 1516 папа Лев X Медичи поручил Микеланджело разработать проект фасада церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, построенной в 15 в. Брунеллески. Микеланджело хотел сделать фасад этой церкви Медичи «зеркалом всей Италии», но работы были прерваны из-за нехватки средств. В 1520 году кардинал Джулио Медичи, будущий папа Климент VII, поручил Микеланджело превратить Новую ризницу церкви Сан-Лоренцо в грандиозную гробницу семьи Медичи. Работа над этим проектом, прерванная восстанием против Медичи 1527-30 (Микеланджело был одним из руководителей трехлетней обороны осажденной Флоренции), не была завершена к моменту отъезда Микеланджело в Рим в 1534; выполненные им статуи были установлены только в 1546.
Часовня Медичи представляет собой сложный архитектурно-скульптурный ансамбль, образное наполнение которого вызывает различные интерпретации. Статуи герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи, сидящие в неглубоких нишах на фоне античной архитектуры и одетые в доспехи римских императоров, не похожи на портреты и, возможно, символизируют активную жизнь и созерцательную жизнь. С графически легкими очертаниями саркофага контрастирует пластическая мощь огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, лежащих на покатых крышках саркофага в мучительно-неудобных позах, как бы готовых соскользнуть с них. Драматический пафос этих образов Микеланджело выразил в четверостишии, написанном им как бы от имени Ночи:
мне сладко спать, а еще — быть камнем, Когда вокруг стыд и преступление:, Не слыша, не видя — облегчение., Умолкни ж, друг, к чему меня будить? (Пер. А. Эфроса)., Библиотека Лауренциана
В годы работы во Флоренции в 1520-34 сложился стиль Микеланджело-архитектора, отличающийся повышенной пластичностью и живописным богатством. Смело и неожиданно решена лестница библиотеки Лауренциана Монументальная мраморная лестница, почти целиком заполняя обширный вестибюль, начинаясь прямо у порога расположенного на втором этаже читального зала, как бы вытекает из дверного проема узким маршем крутых ступеней и, стремительно расширяясь, образуя три рукава, столь же круто спускается вниз; динамический ритм больших мраморных ступеней, направленный навстречу поднимающимся в зал, воспринимается как некая сила, требующая преодоления.
Третий римский период. «Страшный суд»
Переезд Микеланджело в Рим в 1534 открывает последний, драматический период его творчества, совпавший с общим кризисом флорентийско-римского Возрождения. Микеланджело сближается с кружком поэтессы Виттории Колонна идеи религиозного обновления, волновавшие участников этого кружка, наложили глубокий отпечаток на его мировоззрение этих лет. В колоссальной (17 х 13,3 м) фреске «Страшный Суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы Микеланджело отступает от традиционной иконографии, изображая не момент свершения Суда, когда праведники уже отделены от грешников, а его начало: Христос карающим жестом поднятой руки обрушивает на наших глазах гибнущую Вселенную. Если в Сикстинском плафоне источником движения были титанические человеческие фигуры, то теперь их увлекает, словно вихрь, внешняя, превосходящая их сила; персонажи утрачивают свою красоту, их титанические тела как бы вспухают буграми мышц, нарушающими гармонию линий; полные отчаяния движения и жесты резки, дисгармоничны; увлекаемые общим движением праведники неотличимы от грешников.
Собор св. Петра
В 1546 Микеланджело был назначен главным архитектором собора св. Петра, строительство которого было начато Браманте, успевшим возвести к моменту смерти (1514) четыре гигантских столба и арки средокрестия, а также частично один из нефов. При его преемниках — Перуцци, Рафаэле, Сангалло, частично отошедших от плана Браманте, строительство почти не продвинулось. Микеланджело вернулся к центрическому плану Браманте, одновременно укрупнив все формы и членения, придав им пластическую мощь. Микеланджело успел при жизни закончить восточную часть собора и тамбур огромного (42 м в диаметре) купола, возведенного после его смерти Джакомо делла Порта.
Ансамбль Капитолия
Вторым грандиозным архитектурным проектом Микеланджело стал завершенный только в 17 в. ансамбль Капитолия. Он включает перестроенный по проекту Микеланджело средневековый дворец Сенаторов (ратушу), увенчанный башенкой, и два величественных дворца Консерваторов с одинаковыми фасадами, объединенными мощным ритмом пилястров. Установленная в центре площади античная конная статуя Марка Аврелия и широкая лестница, спускающаяся к жилым кварталам города, довершили это ансамбль, который связал новый Рим с расположенными по другую сторону Капитолийского холма грандиозными руинами древнего Римского форума.
Работы Микеланджело Буонарроти:
“Давид”
“Отделение света от тьмы”
“Сотворение Солнца и Луны”
“Сотворение»
5.Своеобразие Возрождения в Венеции
В Венеции Возрождение началось позднее, было дольше, своеобразнее. Венецию называли «царицей Адриатики», «владычицей морей». Она была торгово-олигархической республикой. К ней стекались огромные богатства. Венеция поражала великолепием, пышностью, праздничностью, красотой. Два главных творения Венеции — Собор Сан
Марко и дворец дожей. Крупнейшие художники венецианского Возрождения: Джованни Беллини (1430-1516 гг.), «Мадонна со святыми» и Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, 1477/78 — 1510 гг.).
Джованни Беллини был учителем великих мастеров Джорджоне и Тициана.
С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности. Известно, что он, красивый и обаятельный человек, обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорждоне сформировался в среде венецианских гуманистов.
Одна из ранних работ Джорджоне «Юдифь» (ок.1502 г.) — посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Независимо от сюжета, Джорджоне создает в своих картинах идеал чистой и прекрасной женщины. Картины Джорджоне удивительно поэтичны и музыкальны, от них веет задумчивой мечтательностью, безмятежной умиротворенностью и некоторой меланхолией.
В 1508-10 гг. Джорджоне создал «Спящую Венеру» (Дрезден) — самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан дописал в ней пейзаж. Целомудренный и прекрасный образ спящей Венеры — одно из поэтичных изображений обнаженного тела в мировом искусстве. Джорджоне для Венеции был как Леонардо да Винчи для Средней Италии. Художник впервые пишет картины на светские темы и впервые сделал равноправными человека и пейзаж.
Тициан
(Тициан Вечелио, 1477 или 1485/90 — 1576 гг.) — знаменует собой полный расцвет, зенит венецианского Ренессанса. Его творчество отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в XVII столетии. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве. Идеалы Тициана земные, полнокровные, жизнерадостные, величавые, торжествующие. Он вдохновенно воспевал радостную красоту женщины в своих «Венерах», «Данаях». Им создана галерея портретных образов — императоры, короли, папы, прекрасные женщины, гуманисты, воины. В картинах, написанных Тицианом в последние годы его жизни, звучит уже подлинный трагизм — «Святой Себастьян», (1570-е гг.).
Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.
Самым ярким певцом праздничной, нарядной и богатой Венеции был Паоло Веронезе (Паоло Кальяри, 1528-88 гг.).
Последним великим живописцем этой эпохи был Тинторетто (Якопо Робусти, 1519-94 гг.).
6. Эпоха Возрождения в Испании
Расцвету испанской культуры непосредственно предшествовал самый прославленный период в истории страны. В конце XV века ранее раздробленная Испания объединилась под властью Фердинанда Арагонского и Изабеллы Кастильской. В 1492 году, Испания, объединившаяся под центральной властью, завершила реконкисту — многовековую борьбу испанцев против арабов за отвоевание Пиренейского полуострова. Характерной чертой испанского искусства, в отличие от остальных европейских стран, является мизерная доля светских произведений, создаваемых в этом государстве в течение очень долгого периода после окончания Средних веков и наступления Нового времени. В то время, когда итальянцы и фламандцы с радостью использовали богатство сюжетов из античной истории или мифологии, а также окружающего их быта, сфера деятельности испанских художников ограничивалась исключительно христианскими темами. Вначале единственным оазисом среди этой гегемонии идеологии стали изображения монарших особ и их семей — придворный портрет, первый светский жанр в испанской живописи, из которого испанские искусствоведы порой выводят дальнейшее развитие нерелигиозной живописи.
Линия развития придворного портрета проходила особняком от магистральной тематики испанского искусства, и мастерам этого направления приходилось решать в своем творчестве особые задачи, создавая произведения, в которых отражался их своеобразный подход к проблеме изображения человека. Решение этой проблемы должно было сочетать и идеальные представления о модели, и ее реалистическое видение — при этом без опрощения. И испанское придворное портретное искусство на основе нескольких различных составляющих создало свою неповторимую манеру. Рассмотрение разнообразных импульсов, повлиявших на испанский портрет, помогает глубже оценить его специфику.
Для формирования его отличительных черт чрезвычайно важными стали собственно местные испанские вкусы, влияние итальянского Ренессанса, а также, в значительной степени, воздействие Северного Возрождения, в особенности — нидерландской школы живописи.
Испанская живопись уникальна и ни на что не похожа. Испанские художники внесли очень большой вклад в мировую культуру. Испанская живопись берет свое начало в росписи церковных фресок и алтарей, которые были созданы итальянскими, немецкими и голландскими мастерами. Правда испанцы переняли только технику, а страстность и фанатичность, которыми обладают их произведения, являются их собственными, ни у кого не заимствованными. Имя Доменикос Теотокопулос (1541 — 1614) известно, как имя первого знаменитого живописца Испании, обучавшегося в Италии у Тициана и приглашенного в Испанию Филиппом II. Расцвет испанской культуры: литературы и театра (освященных именами Сервантеса и Лопе де Бега), а затем живописи — не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. Золотым веком испанской живописи является XVII век, а точнее — 80-е годы XVI — 80-е годы XVII столетия.
Для испанского искусства 16-18 века было характерно существование традиций не классических, а средневековых, готических. Роль мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании несомненна для всей испанской культуры, сумевшей необычайно интересно переработать мавританские черты, сплавив их с исконно национальными.
У испанских художников было два основных заказчика: первый — это двор, богатые испанские гранды, аристократия, и второй — церковь. Роль католической церкви в сложении испанской школы живописи была также очень велика. Под ее влиянием формировались вкусы заказчиков. Но суровость судьбы испанского народа, своеобразие его жизненных путей выработали специфическое мировоззрение испанцев. Религиозные идеи, которыми, по сути, освящено все искусство Испании, воспринимаются очень конкретно в образах реальной действительности, чувственный мир удивительно уживается с религиозным идеализмом, а в мистический сюжет врывается народная, национальная стихия. В испанском искусстве идеал национального героя выражен, прежде всего в образах святых.
Понятие «придворного портрета
Изображение верховного правителя, в отличие от прочих портретов, создаваемых при дворе даже теми же самыми художниками, неизменно было наполнено определенными уникальными качествами. Они были порождены идеологией, ставящей божьего помазанника отдельно от всех прочих, даже самых близких ему по крови. Портрет короля, в отличие от изображений его родственников, сосредотачивал в еще более утрированном виде все качества, присущие этому придворному искусству, а также использовал некие приемы, предназначенные исключительно для него — связанные с особенным, единственном в своем роде положением монарха на земле. Умонастроение подданных, в том числе и художников, характеризуется, к примеру, известным постулатом права «Imago regis, rex est» — изображение короля и есть сам король, и преступления или клятвы, совершенные в присутствии этого изображения, равносильны совершенным в личном присутствии монарха.
Таким образом, король и его изображения благодаря вере подданных становились родственными по функциям небожителям и их образам, что, несомненно, отражалось в портретах.
В конце XV в. завершилась Реконкиста (война за освобождение Пиренейского полуострова от арабского владычества, длившаяся почти восемь веков) и образовалось единое Испанское королевство. В XVI в. активная военная политика, и прежде всего захват огромных территорий в недавно открытой Америке, превратила Испанию в одну из богатейших европейских монархий. Однако процветание длилось недолго — уже в конце столетия страна переживала экономический упадок, а в войнах с Англией XVI—XVII вв. она утратила господство на море.
В культурном же развитии именно к XVII в. Испания достигла наивысшего расцвета, в первую очередь в литературе и живописи. Поскольку Испания обрела независимость и единство довольно поздно, создание национального художественного стиля представлялось особенно важным. Для страны, не имевшей прочно укоренившихся традиций, это было непросто.
Развитие испанской живописи и скульптуры осложнялось также позицией Католической Церкви: инквизиция установила жёсткую цензуру в отношении искусства. Однако, несмотря на целый ряд строгих ограничений, испанские мастера работали практически во всех жанрах и охватили в своём творчестве тот же круг тем, что и их современники из других стран Европы.
В архитектуре традиции средневекового европейского и арабского зодчества (особенно в декоративном оформлении зданий) соединились с влиянием итальянского Возрождения, а с XVII в. — барокко. В результате испанская архитектура так до конца и не освободилась от эклектизма — сочетания в одном произведении черт разных стилей. Гораздо ярче национальное своеобразие проявилось в скульптуре, в частности в деревянной пластике. В живописи сочетание европейского влияния и национальных особенностей оказалось наиболее гармоничным и получило глубоко оригинальное воплощение.
Говоря о культуре Испании, необходимо отметить, что при всём внимании к искусству со стороны королевского двора наиболее яркие мастера работали всё же в провинции. Именно их творчество определяло главные художественные направления того времени.
Инквизиция (от лат. inquisitio — «розыск») — в Католической Церкви в ХIII-ХIХ вв. независимые от светской власти суды, учреждённые для борьбы с ересями (религиозными течениями, отклонявшимися от официальных положений Церкви).
Испанский живописец, скульптор и архитектор Эль Греко
Творческий почерк сформировался главным образом под воздействием Тинторетто и Микеланджело. В 1577 г. Эль Греко переехал в Испанию и обосновался в Толедо, где работал с 1577 вплоть до самой смерти (7 апреля 1614), создав ряд замечательных алтарей. Для его произведений характерны невероятная эмоциональность, неожиданные ракурсы и неестественно вытянутые пропорции, создающие эффект стремительного изменения масштабов фигур и предметов («Мученичество св. Маврикия», 1580-1582 гг.).
Мастерски написанные Эль Греко картины на религиозные сюжеты с большим числом персонажей своей ирреальностью родственны поэзии испанских мистиков. Такова, например, торжественно-величавая композиция «Погребение графа Оргаса» (1586-1588 гг.).
Оказавшись сначала в орбите влияния Тициана и Микеланджело, а затем вступив на путь маньеризма, Эль Греко стал провозвестником искусства барокко. Стремление выйти за пределы обыденного человеческого опыта роднит его с испанскими мистиками — поэтом Хуаном де ла Крусом, св. Терезой и св. Игнатием Лойолой. Именно поэтому Испания стала благодатной почвой для творчества Эль Греко, которое, в свою очередь, было с готовностью усвоено испанским искусством. Со временем научные знания и занятия математикой стали приобретать все большее значение в его творчестве.
Эмоциональность свойственна и портретам Эль Греко, отмеченным порой психологической и социальной проницательностью. Черты ирреальности наиболее отчётливо проступают в поздних произведениях мастера («Снятие пятой печати», «Лаокоон», 1610-1614 гг.).
Острым поэтическим восприятием природы, трагизмом мироощущения овеян «Вид Толедо» (1610-1614 гг.).
Творчество Эль Греко после смерти художника было забыто и заново открыто лишь в начале 20 века, с появлением экспрессионизма.
Умер Эль Греко в 1614г.
Заключение.
В заключении данного вопроса хочется отметить, свои впечатления по данной теме.
Самое основное в эпохе Возрождения ,на мой взгляд это то, как меняется картина мира.
Краткая сравнительная парадигма, отражающая картину мира двух эпох.
|
Средние века |
Эпоха Возрождения |
|
|
1.Теоцентризм 2. Бог -трансцендентная величина («Запредельная, над человеком») Изображается « лик » Бога 3.Идеал — «Царство Небесное» (потустороннее).
4.Человек- грешен и несовершенен. 5.Собороность,человек часть целого, часть церкви. 6.Умозрительное восприятие Бога |
1.Антропоцентризм 2. Бог имманентная величина(«Доступен человеку, в самом человеке») Изображается лицо Бога. 3.Идеал-земной мир. 4.Человек- Божественен. 5.Индивидуализм ,человек Божественен, когда действует по своей воле. 6.Эстетизм чувств.Эмоциональное восприятие Бога. |
|
Смена в мировоззрения влечет за собой и смену художественного стиля.
Так в эпоху Возрождения мы видим прямую перспективу на картинах, в отличие от картин средних веков, где перспектива обратная. Также в Средние века картина словно бы взгляд из вечности. В эпоху же Возрождения картина- это открываемое , для нас художником, окно в мир.
