Введение
1. На рубеже веков
2. Русский авангард
3. Живопись советской эпохи. Социалистический реализм
История отечественной культуры — наше духовное богатство. В культуре заключена память народа, через культуру каждое новое поколение, вступая в жизнь, ощущает себя частью этого народа. Культура развивается непрерывно, и каждое поколение людей опирается на то, что было создано предшественниками. Время и пренебрежение потомков привели к утрате многих памятников культуры. Но история отечественной культуры свидетельствует о том, что кроме потерь были и находки, и открытия. Так, спустя много веков в нашу культуру вернулось “Слово о полку Игореве”, возродилось духовное значение русской литературы. Так, восстанавливались древнерусские иконы, открытые под несколькими слоями поздней живописи. Вновь осваивается отечественная немарксистская философия, и приходя в нашу культуру литература и искусство русского зарубежья 20 в. История отечественной культуры не ограничивается национальными рамками. Громадный вклад в русскую культуру внесли представители других народов, так же как и русские по происхождению деятели отдавали свои силы и талант культурному развитию народов СССР и других стран. Русская культура формировалась как одна из ветвей могучего дерева мировой общечеловеческой культуры. Ее вклад в мировой культурный прогресс бесспорен: это и культурные научные открытия, и шедевры литературы и искусства, и, может быть самое важное, верность гуманистическим идеалам.
Одна из самых ярких страниц истории культуры России — живопись первой половины 20 века.
1. На рубеже веков
В истории русской культуры конец XIX — начало XX в. получил название “серебряного века” русской культуры, который начинается “Миром искусства” и заканчивается символизмом. “Мир искусства” — это организация, возникшая в 1898 г. и объединившая мастеров самой высокой художественной культуры, художественную элиту России тех времен. В этом объединении участвовали почти все известные художники — А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, А. Головин, М. Добужинский, М. Врубель, В. Серов, К. Коровин, И. Левитан, М. Нестеров, Н. Рерих, Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, Ф. Малявин, М. Ларионов, Н. Гончарова и др.
С. Дягилев – личность, которая оказала огромное влияние на развитие русского искусства. Он был меценатом и организатором выставок, а затем – импресарио гастролей русского балета и оперы за границей. Именно благодаря его деятельности русское искусство получило международное признание, а “Русские сезоны”, организованные Дягилевым в Париже, стали этапным событием в истории русской музыки, живописи, оперы и балета.
Культура русской речи
... точность и выразительность. «Надо вдумываться в речь, в слова», — говорил Чехов. «Надо воспитывать в себе вкус к хорошему языку; как воспитывают вкус к гравюрам, хорошей музыке», — ... родного языка. Чтобы воспитательная работа в области культуры русской речи была действительно действенной и плодотворной, надо определить, ... — нe только творец языка, но и двигатель его истории. Народ, вместе с тем, ...
Важным моментом в деятельности С. Дягилева была организация выставки “Два века русской живописи и скульптуры”. Представленная экспозиция, которая экспонировалась затем в Берлине и Венеции, стала первым актом всеевропейского признания “Мира искусства” и триумфом русского искусства.
В период с 1899 по 1904 г. С. Дягилев издавал журнал “Мир искусства”, который состоял из художественно-литературных отделов. Этот журнал сыграл значительную роль в развитии русской культуры, помогая организовывать грандиозные выставки русской живописи за границей, от иконописи до современности.
Еще одним важным направлением русского искусства начала XX в. был символизм – многогранное явление, которое не вмещалось в рамки “чистой” доктрины. Представители символизма внесли важный вклад в развитие русской культуры своими произведениями, которые стали вехами в истории русской литературы и живописи.
Таким образом, С. Дягилев и символизм стали основоположниками нового периода в русском искусстве, который получил название “серебряный век”. Этот период представляет собой синтез старой дворянской и разночинной культур и знаменует воспоминание предшествующей отечественной культуры.
Развитие русского искусства в конце XIX — начале XX века
Период конца XIX — начала XX века является важным временем в развитии русского искусства. Он совпал с тремя революциями — 1905-1907 гг., февральской буржуазно-демократической и революцией 1917 года, которые привели к крушению старого мира. Эти события и окружающая жизнь оказали огромное влияние на судьбы искусства, которое столкнулось с множеством сложностей и противоречий.
На протяжении этого периода продолжали активно работать ведущие мастера реализма, такие как И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский. В 1890-е годы их традиции нашли свое развитие в творчестве молодых художников-передвижников, в числе которых был Абрам Ефимович Архипов (1862-1930 гг.).
Его работы тесно связаны с жизнью и трудом крестьян. Ранние картины Архипова были лиричными и простыми, такими как «По реке Оке» (1890) и «Обратный» (1896), а его поздние работы отличались яркой живописностью и буйной жизнерадостностью, например «Девушка с кувшином» (1927).
К молодому поколению передвижников также относятся Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930).
Коровин работал над своей центральной картиной «На миру» (1893), в которой отразил сложные процессы расслоения крестьянства в современной деревне. Касаткин также выявил важные аспекты жизни России в своих работах, особенно в изображениях шахтеров, которые предвещали будущее разрушение старого мира.
Однако в искусстве этого периода проявилась и другая тенденция. Многие художники стремились найти поэтические стороны жизни, поэтому даже жанровые картины включали в себя пейзажи. Также было популярно обращение к древнерусской истории. Эти направления искусства ярко выражены в творчестве художников, таких как А.П. Рябушкин, Б.М. Кустодиев и М.В. Нестеров.
«Серебряный век» русской поэзии
... ценным искусством и говорили, что поэзия должна быть эстетичной. Главными образами становятся образ мечты, образ поэта, образ вечной женственности, образ совершенного мира. ( Николай Гумилев ) Второе течение Серебряного века – акмеизм. ...
Исследование русского художественного направления
Излюбленным жанром Андрея Петровича Рябушкина (1861-1904) был исторический жанр, но он писал и картины из современной ему крестьянской жизни. Однако художника привлекали лишь отдельные стороны народной жизни: обряды, праздники. В них он видел проявление исконно русского, национального характера (“Московская улица XVII века”, 1896, ГРМ).
Большинство персонажей не только для жанровых, но и для исторических картин были написаны Рябушкиным с крестьян — художник почти всю свою жизнь провел в деревне. В свои исторические полотна Рябушкин привносил некоторые характерные черты древнерусской живописи, как бы подчеркивая этим историческую достоверность изображений (“Свадебный поезд в Москве (XVII столетие)”, 1901, ГТГ).
Другой крупный художник этого времени — Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.
В раннем творчестве Михаила Васильевича Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: художник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы. Он любил изображать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов.
К этому времени относится творчество пейзажиста и анималиста Алексея Степановича Степанова (1858-1923).
Художник искренне любил животных и безупречно знал не только внешний вид, но и характер каждого зверя, его навыки и повадки, а также специфические особенности различных видов охоты.
Глубокой лирической поэзией проникнуто и искусство Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова (1870-1905).
Прекрасны и поэтичны его образы задумчивых женщин — обитательниц староусадебных парков — и вся его гармоническая, похожая на музыку живопись (“Водоем”, 1902, ГТГ).
К сожалению, идеалы «Мира искусства» не сочетались с боевым духом и социальным анализом, присущими передвижникам, их главными конкурентами. Художники этой группы стремились приобщить зрителей к достижениям национального и мирового искусства через активную творческую деятельность, издание художественного журнала «Мир искусства» и организацию интересных выставок.
Александр Николаевич Бенуа, считавшийся идеологом «Мира искусства», был широко образованным человеком с большими познаниями в области искусства. Главным образом занимался графикой и работал для театра. Также, как и его коллеги, в своем творчестве он часто выбирал темы из прошлых эпох, вдохновляясь историческими местами и событиями.
В своих исторических композициях Бенуа тщательно и любовно воспроизводил памятники искусства и отдельные детали быта, что придавало его работам особую атмосферу и аутентичность.
В целом, деятельность «Мира искусства» способствовала широкому распространению художественной культуры в русском обществе, хотя и не вписывалась в рамки боевого духа и социального анализа, присущих другим художественным группировкам.
История развития русской живописи начала 20 века
Одной из ярких художественных группировок начала 20 века была “Мир искусства”. В ее состав входили такие мастера, как Константин Сомов. Его произведения отличались романтическими пейзажами и галантными сценами, а также умением создавать портреты представителей художественной интеллигенции, среди которых были поэты Андрей Блок и Михаил Кузмин.
Русское изобразительное искусство XIX – XX веков
... складе его творчества в этот период. Русское искусство во II половине XIX – начале ХХ века. Пути развития русского искусства II половины XIX века во многом совпадают с движением развития ... И. Шишкина, знаменитого коллекционера, мецената, создателя галереи русской живописи П. М. Третьякова. Большую популярность приобрела «Незнакомка», написанная художником в 1883 году. Батальный жанр был представлен ...
Одной из наиболее значимых группировок стала “Союз русских художников”, в которую входили такие мастера, как Константин Коровин, Архип Архипов, Сергей Виноградов и другие. Главным жанром, которым занимались эти художники, был пейзаж, и они являлись преемниками живописи второй половины 19 века.
Некоторые из наиболее выдающихся художников России начала 20 века были Илья Репин, Константин Коровин и Михаил Врубель. Их искусство отражало художественные достижения эпохи, в том числе, картинами на библейские сюжеты и из жизни рабочих.
Развитие натюрморта в русской живописи
В конце прошлого века в русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюрморту. Расцвет натюрморта наступил в 1910-х годах. Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт — сюжетно и живописно — с окружающей средой.
«Мертвую натуру» выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. Одно из ранних полотен Коровина “За чайным столом” прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К.А. Коровина и Э. Грабаря.
И.Э. Грабарь — художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем К. Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти целиком «увидено» им в реальной бытовой обстановке. Там были созданы «Цветы и фрукты на рояле» (1904, Русский музей), «Сирени и незабудки» (1904, Русский музей).
Очень интересны полотна «Утренний чай» (1904, Национальная галерея, Рим).
«За самоваром» (1905, ГТГ).
Тесное соединение специфически натюрмортных задач с задачами пленэрной живописи, наметившееся, как нечто новое, еще в коровинском полотне «За чайным столом», находит место в «Дельфиниуме» (1908, Русский музей).
Характерно, что даже созданное в закрытом помещении большое полотно «Неприбранный стол» (1907, ГТГ) кажется написанным в саду — так много в нем света и воздуха.
Один из наиболее значительных натюрмортов Грабаря — «Хризантемы» (1905, ГТГ).
Здесь внутренняя объединенность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с блестящим мастерством. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы «На синей скатерти», «На голубом узоре» (обе 1907).
Натюрморты этого года вообще отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в борьбе за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.
В искусстве натюрморта существует несколько различных подходов и видений, и одним из них является творчество Грабаря и Коровина. Однако они не являются единственными представителями этого направления. Следует отметить творчество П. Боннара, который в начале 1900-х годов воплотил в своих работах заключительную фазу импрессионистического предметного видения.
Анализ проблемы искусства и художника на примере Гофмана ‘Житейские ...
... рассматриваться на страницах нашей работы. Целью работы является изучение проблемы искусства и художника в западноевропейской романтической литературе на примере романа Э. Т.А. Гофмана "Житейские воззрения кота ... как воплощения представлений Гофмана об "идеальном художнике". Работа состоит из введения, четырёх разделов, заключения и списка литературы. 1. Проблема искусства и художника в эстетике ...
Мир Врубеля занимает особое место в истории не только русской, но и мировой культуры. За свою жизнь он создал более 200 произведений, включающих в себя портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения и проекты зданий. Творческий диапазон Врубеля впечатляет своим размахом и широтой.
Врубель находил вдохновение в памятниках прошлого и создавал свои произведения в собственном стиле, порой сравнимым с великими мастерами прошлого. Он не придерживался официального церковного канона, что придал его работам особую одухотворенность и близость к подлинным произведениям византийского искусства. В его религиозных композициях возвращается подлинная внутренняя сущность древних прототипов, отличающаяся большим человеческим содержанием и эмоциональной выразительностью.
Сравнивая изображения Моисея Врубеля с фрагментом древней фрески, найденной в Киеве, мы можем обнаружить их внутреннюю, духовную близость. Моисей Врубеля не просто библейский пророк, а существо, полное затаенной страсти и зарождающегося сомнения. Он является мятежником в потенции и вызывает ассоциации с его Демоном, символизирующим своим существованием вызов людям.
Врубель проявил свой редчайший дар колориста в картине «К ночи», созданной в 1900 году. Лирическое откровение пейзажа, окружающего зрителя своим красочным маревом, особенно впечатляет в «Сирени» 1901 года.
Анализ художников в рамках русского модерна
Русский модерн был периодом революционных изменений в искусстве, когда художники стремились выразить новые идеи и концепции с помощью своих произведений. В данной статье рассмотрим нескольких художников, чье творчество тесно связано с женским образом и уникальным стилем работы.
Борисов-Мусатов
Борисов-Мусатов был одним из художников, чей стиль возвышался над традиционными направлениями петербургского графического и московского — преимущественно живописного. Его прекрасно известные картины, такие как «Водоем», «Призраки», «Изумрудное ожерелье», «Реквием», воплощали не только модерн, но и желание художника передать гармонию и красоту природы и женской души. Он работал не только в стиле, но и в настроении, что делало его произведения особенными и уникальными.
Билибин
Билибин был иллюстратором русских народных сказок и произведений А.С. Пушкина. Он был продолжателем дела Васнецова и Поленовой, и его художественное направление находилось в национальных духовных традициях, в мире сказок и былин. Влияние японской цветной гравюры сказалось на его работе, особенно в иллюстрациях к «Сказке о царе Салтане» в 1905 году.
Рерих
Рерих также был одним из художников, увлеченных национальными духовными традициями. Для него они связывались с историческими событиями древности, тайнами природных сил и верованиями. Рерих стремился выразить все это через свои картины, декоративные панно, сценическое оформление спектаклей и мозаики. Он так же, как и Врубель, видел путь к решению своих художественных проблем в синтезе различных видов искусства. Примером его работ стало монументальное произведение в Талашкине, которое являлось иллюстрацией его творческих помыслов и компромиссных решений, достигнутых в рамках модерна.
Русское искусство в XIX веке
... и познакомимся. Цель работы - проанализировать русское искусство XIX века. Задачи: дать общую характеристику данной эпохи; кратко охарактеризовать русское искусство XIX века в его видах. Работа состоит из ... России XIX века: общая характеристика Русское искусство дооктябрьской эпохи занимает важное место в истории мировой художественной культуры. Развитие русской культуры в 19 веке опиралось ...
Русский модерн был формирован произведениями художников, в которых отразились его характерные черты. Для Врубеля, одного из творцов русского модерна, новый стиль стал средством выражения своей художественной индивидуальности и обретения свободы в творчестве. В то же время Серов, в своих поздних работах, шел к модерну, видя в нем дисциплинирующие стилевые установки и способ «самообуздания» личности.
Врубель оказал сильное и устойчивое влияние на почти всех крупных русских художников XX века. Его манера писать «разноцветными кубиками» была некоторыми трактована как предвестие кубизма. Однако Врубель, своим творчеством доказавший, что глубокое постижение натуры предполагает переход за ее внешние видимости, стоял у истоков практически всех авангардных поисков русского искусства XX века.
2. Русский авангард
Путь в XX век был противоречивым. Модерн принадлежал и прошлому, и будущему. Авангард, как и предшествующий модернизм, стремился к радикальному преобразованию человеческого сознания с помощью искусства, к эстетической революции, которая разрушила бы духовную застойность существующего общества. Однако стратегия и тактика авангарда были более решительными и анархически-бунтарскими.
Авангард не ограничивался созданием изысканных «очагов» красоты и тайны, противопоставляемых низменной материальности бытия. Он включал в свои образы грубую материю жизни, «поэтику улицы» и хаотическую ритмику современного города. Природа, обладающая мощной созидательно-разрушительной силой, также входила в его произведения. Авангард декларативно подчеркивал принцип «антиискусства», отвергая не только прежние, более традиционные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом.
Авангард и его роль в искусстве XX века
Спектр направлений велик. Преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно выступало инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литературы, музыки, театра, фотографии и кинематографа).
В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком географическом диапазоне от России до Нового Света (с Москвой, Берлином, Нью-Йорком и другими центрами, которые все решительнее оспаривают ведущую роль Парижа как законодателя художественных мод).
Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили иррациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля.
В период войн и революций 1910-х годов политический и художественный авангарды активно взаимодействуют. Левые силы в политике пытались использовать авангард в своих агитационно-пропагандистских целях, позднее тоталитарные режимы (прежде всего, в Германии и СССР) стремились подавить его строгой цензурой, загоняя авангард в подполье.
В условиях же политического либерализма авангард с 1920-х годов утрачивает прежний пафос противостояния, вступает в союз с модерном, устанавливает контакт с массовой культурой. Кризис авангарда, к середине 20 века в значительной мере растратившего свою былую “революционную” энергию, явился стимулом для формирования постмодернизма как основной ему альтернативы.
Импрессионизм во французском искусстве второй половины XIX века
... единого направления, распадается, дав импульсы для последующей эволюции искусства. Цель данной работы изучение импрессионизма во французском искусстве второй половины XIX века. Для раскрытия данной цели автором определены следующие задачи: ...
Один из самых ярких представителей авангарда, Василий Кандинский, принадлежит к числу открывателей нового художественного языка XX столетия и не только потому, что именно он “изобрел” абстрактное искусство — он смог придать ему масштаб, цель, объяснение и высокое качество.
Введение
Художественный авангард начала XX века представляет собой интересную страницу в истории изобразительного искусства. В России к этому времени формировалось новое направление — «супрематизм», названное таким образом художником Казимиром Малевичем. Эта тема вызывает интерес и по многим другим причинам, таким как мировой контекст художественного развития, основные идеи и принципы движения, а также влияние на будущие течения.
Глава 1. Казимир Малевич: биография и краткая характеристика
Казимир Малевич (1878-1935) — российский художник, работавший в различных направлениях, включая кубизм и футуризм, но ставший более всего известным как основатель супрематизма. Он был одним из столпов русского, а затем и советского авангарда.
Малевич родился в Киеве в семье литовского происхождения. Глядя на то, как его отец, живший на возвращенных землях, преуспевал в бизнесе, он унаследовал усердие и энергию по отношению к своим творческим и экспериментальным усилиям.
Глава 2. Супрематизм: основные идеи и принципы движения
Супрематизм — это художественное направление, основанное на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета. Знаменитый «Черный квадрат» (1913) стал манифестом беспредметного, нонфигуративного искусства, отправной точкой абстракционизма.
Идея супрематизма заключалась в том, чтобы переместить изображение изображаемого вне рамок холста, а участивший этот процесс духовность придвинуть на передний план. Художник должен бы был игнорировать способы представления реального мира и увидеть абстрактизм во всем.
Глава 3. Влияние и значение супрематизма и работы Казимира Малевича
Супрематизм имел огромное влияние на живопись в XX веке, относя себя к главным направлениям развития вашего искусства. Работы Казимира Малевича остались классическими образцами не только для тех, кто выбрал супрематизм путем своей творческой жизни, но и для тех, кто просто изучал историю искусства.
Малевич заложил основы формы геометрической абстракции в живописи, которая затем стала основой беспредметного ракурса более поздних годов. Как идеальный образец беспредметной живописи, работы Казимира Малевича и значительную роль в потреблении палитры в России находят широкий отклик в других странах.
Заключение
Таким образом, свидетельство художественного развития XX века охватывает большую часть жизни и творчества Казимира Малевича. Супрематизм не был просто художественным движением, он стал идеологией нового типа мышления. Исчезновение Малевича в том числе нередко осуждали, однако его огромные заслуги перед мировым изобразительным искусством твердо стоят. Насколько значимы были его творения и какое значение его работам притирают различные толки исследователей, однако очевидно, что Малевич стал бессмертным русским художником и одним из именитых уроженцев Российской империи.
Малевич казимир «черный квадрат» описание картины, анализ,
... Художник взял геометрические фигуры, ограниченную палитру и создал особый акцент на окрашенных формах, существующих на холсте в чистом виде, без сцен, пейзажей и людей. Картина «Черный квадрат» Малевича ... в его жизни. Черный квадрат — это чувство Это не просто пустой квадрат, это, по мнению автора, скорее чувство необъективности. Супрематизм является переоткрытием чистого искусства, которое с ...
Творчество русских художников-авангардистов начала века
В начале века творения русских художников-авангардистов вызвали настоящий шок в художественном сознании. Особое место в этом движении занимает супрематизм Малевича, который представляет собой закономерную стадию в развитии русского и мирового искусства. Казимир Малевич ввел понятие супрематизма на основе кубизма. На выставке, где впервые были представлены его супрематические картины, Малевич распространил брошюру под названием «От кубизма к супрематизму». Позже он стал обращать внимание на еще более ранние искусственные истоки этого направления. Малевич считал, что супрематизм является кульминацией этого мирового движения искусства геометрической абстракции.
Важное влияние на развитие супрематизма оказали И.А. Пуни, И.В. Клюн и другие художники. Клюн, в отличие от Малевича, не только осознал эстетические принципы новой эпохи символизма и модерна, но и вынес из нее значительно больше: тяготение к линейности, к декоративной организации плоскости, к ритму. В композициях Клюна формы никнут, как цветы, царит покой или элегическая печаль; по-восточному изогнутые, замедленно движущиеся фигуры, точно пребывают в состоянии медитации («Семья»).
В то время как Малевич кажется грубым и неловким, его символистические произведения иногда выглядят нелепо. У Клюна они вполне вписываются в общие тенденции живописи общества «Московский салон», одного из учредителей которого он был.
В начале 1910-х годов, сблизившись с кругом М. Ларионова, Малевич создает свои варварские, резко деформирующие натуру жанровые картины, в то время как Клюн остается в стороне от неопримитивизма. Период кубофутуризма можно считать наивысшей точкой в творчестве Клюна. Его кубистические картины, представленные на выставке «Союз на молодежи» в 1913 году, являются своего рода «правоверными» кубизмом. Малевич часто пользовался открытиями других художников, но умел преобразовывать их до неузнаваемости. Так он поступил и с кубизмом, сочетая его с иконной традицией, а затем с футуризмом, и в конце концов вступив на путь супрематизма. В отличие от Малевича, Клюн с новой концепцией работал как с незнакомым механизмом: он разбирал его устройство, изучал, что находится внутри, и вновь собирал, заставляя работать.
Исследование композиций Клюна и Кандинского
Композиции Клюна и Кандинского являются яркими примерами художественного выражения в начале XX века. Оба художника экспериментировали с кубизмом и супрематизмом, но в их работах присутствуют определенные отличия.
Композиции Клюна
Композиции Клюна, посвященные бытовым приборам и посуде, отличаются тщательной отделкой и проработкой деталей. Художник уделял особое внимание построению и слаженности своих произведений. Предметы в его работах расчленены, однако это делается бережно и деликатно, сохраняя их узнаваемость. Иногда композиции Клюна вступают в несложный сюжет, что придает им дополнительную выразительность. Кубизм в работах Клюна прежде всего эстетичен, а цель художника заключается в создании качественного произведения искусства.
Однако, несмотря на качественность и проработку композиций Клюна, его работы никогда не превосходят творчества Малевича. В кубизме Малевича преобладает идея, а его работы излучают значительность и «энергетику». Формы Малевича, такие как прямоугольники и овалы, обладают особым ощущением знаковости. Художник сам утверждал, что в его натуре преобладает аналитическое начало, в то время как у Малевича мистическое начало.
Об искусстве и художниках
... их из виду. С другой стороны, художники лишь изредка обращались к тем категориям красоты и выразительности, которыми определяется отношение к искусству наших современников. Конечно, так было не ... фильмы, забыв о предрассудках, но почему-то тащат их за собой на выставку современного искусства. иллюстрация 11 Он хотел показать ее вздорную агрессивность, наглую дурь. Иначе ...
Композиции Кандинского
В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для создания ярких красочных пейзажей с романтически-символической нагруженностью сюжетов. В середине и второй половине 1900-х годов художник проявлял увлечение русской стариной, что отразилось в его работах. Кандинский сочетал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок.
В некоторых работах Кандинский развивал ретроспективные фантазии, схожие с тем, что присуще мастерам круга «Мир искусства». Однако, его работы также отличаются от творчества Малевича. Кандинский использовал геометрические акценты и экспериментировал с супрематическими элементами, что делает его работы неповторимыми и уникальными в своем роде.
На рубеже десятилетий супрематизм становится заметным увлечением в художественных кругах. Многие художники, стремясь сделать что-то «супрематическое», вносили геометрические элементы в свои работы. Таким образом, можно утверждать, что искусство того времени легко обнаружить где угодно, будь то черные квадраты или обязательные геометрические акценты.
Ранний период творчества Василия Кандинского оказал значительное влияние на его художественное развитие. Парадоксально, но сам художник рассматривал свое искусство как продолжение великих традиций прошлого. Символизм и теософия помогли ему открыть романтическую традицию, что нашло свое отражение в его картине «Романтический пейзаж», написанной в 1911 году.
Кандинский связывал свои представления о синтетичности искусств с романтической традицией «совокупного художественного продукта» («gesamtkunstwerk»), которую он редактировал позже в духе поисков синтеза искусств эпохи модерна. Он считал, что искусства должны глубоко взаимодействовать и проникать друг в друга. Примером такого синтеза стали его знаменитые «Звуки» (1913) — это серия из 38 поэм с 12 цветными и 54 черно-белыми гравюрами, в которой соединились поэтическое, музыкальное и живописное искусство.
Живописные работы Кандинского в предреволюционные и революционные годы отличались широким стилистическим диапазоном. Он продолжал создавать экспрессивно-абстрактные полотна, такие как «Смутное» (1917, Третьяковская галерея), «Сумеречное» (1917, Русский музей), «Белый овал» (1920, Третьяковская галерея) и другие. Одновременно он создавал обобщенно-реалистические натурные пейзажи, такие как «Москва. Зубовская площадь» и «Зимний день. Смоленский бульвар» (оба ок. 1916, Третьяковская галерея).
Также он занимался живописью на стекле, создавая картины, такие как «Амазонка» (1917) и «Дамы в кринолинах» (ок. 1918, обе в Третьяковской галерее).
Он также сочетал фигуративные элементы с декоративно-беспредметным началом, как на картинах «Москва. Красная площадь» (Третьяковская галерея) и «Москва II» (частное собрание, Мурнау, Германия, обе 1916).
Как и другие великие художники своего времени, Кандинский был универсален в своей художественной деятельности. Он занимался не только живописью и графикой, но и музыкой (с ранних лет), поэзией, теорией искусства. Он также оформлял интерьеры, создавал эскизы росписей по фарфору, проектировал модели платьев, создавал эскизы аппликаций и мебели, занимался фотографией и интересовался кинематографом. Удивительной была его организаторская деятельность на протяжении всей жизни. Он уже в начале своей карьеры организовал первое объединение — «Фаланга» в 1901 году.
Искусство начала XX века было периодом активного развития новаторских движений, которые стремились изменить традиционный взгляд на искусство и привнести в него новые идеи и формы. В этом контексте выделяются два выдающихся российских художника — Павел Филонов и Владимир Татлин.
Павел Филонов
Павел Николаевич Филонов (1883-1941) был российским живописцем и графиком, чье творчество было направлено на выражение общих духовно-материальных закономерностей хода мировой истории. В его работах, таких как «Пир королей» (1913), он стремился к символическому и драматическому выражению этих идей.
С середины 1910-х годов Филонов отстаивал принципы «аналитического искусства», основанного на создании сложнейших композиций, способных к бесконечному развертыванию. Он разработал свою уникальную методику, которая была передана его ученикам, и они вместе образовали группу «Мастера аналитического искусства».
Философско-культурологические размышления Филонова определили художественно-пластический строй его картин, таких как «Запад и Восток», «Восток и Запад» (обе 1912-13), «Пир королей» (1913) и других. Он представил современную городскую цивилизацию как источник зла, уродующий людей, и выразил свои антиурбанистические идеи в работах, таких как «Мужчина и женщина» (1912-13) и «Рабочие» (1915-16).
Однако в других своих работах Филонов воплотил свои утопические мечты о будущем воцарении справедливости и добра на земле. В картине «Крестьянская семья (Святое семейство)» (1914), «Коровницы» (1914) и цикле «Ввод в мировый расцвет» он изобразил свою веру в лучшее будущее.
Владимир Татлин
Владимир Евграфович Татлин (1885-1953) был российским художником, дизайнером и сценографом, являющимся одним из крупнейших представителей новаторского движения в искусстве XX века и родоначальником художественного конструктивизма.
Самыми значительными работами Татлина стали его холсты «Матрос (Автопортрет)» (1911) и «Продавец рыб» (1911).
Он быстро стал известным в среде русских авангардистов и участвовал в иллюстрировании футуристических книг. В 1912 году он организовал собственную студию в Москве, где занимался живописью вместе с другими «левыми художниками» и проводил аналитические исследования формы.
С 1920-х годов Татлин стал одной из центральных фигур русского авангарда, вместе с К.С. Малевичем. Вместе они развивали свои художественные открытия, которые заложили основу будущего движения конструктивистов.
Развитие направлений в искусстве рубежа XIX-XX вв.
На рубеже XIX-XX веков в искусстве возникли предпосылки для становления многих крупных художественных направлений, таких как фовизм, экспрессионизм, кубизм, абстрактное искусство и сюрреализм. В России новые течения в живописи начали развиваться с формирования группировки «Голубая роза», которая определялась идеями символизма.
Один из характерных представителей московского символизма, М.С. Сарьян, нашел свою «землю обетованную», путешествуя по странам Ближнего Востока. Его работы отражали идеи символизма и музыкальное звучание колорита.
Еще одним представителем символизма был Н.Д. Милиоти, который также тяготел к музыкальной стилистике и создавал картины на мотивы эпохи романтизма в стиле «лубочного гротеска».
В.И. Денисов внес свои особенные краски в русский живописный символизм, а мастера группировки «Бубновый валет» (И. Машков, П. Кончаловский, А. Лентулов, В. Рождественский, А. Куприн) и их друзья и оппоненты М. Ларионов и Н. Гончаров сделали следующий шаг в развитии поэтики искусства нового времени.
В 1920-е годы возникло много новых художественных группировок, объединяющих как молодых художников, так и опытных мастеров. Многие художники старшего поколения переосмыслили свои приоритеты. Например, П.В. Кузнецов, ведущий мастер группировки «Голубая роза», отошел от отрешенной гармонии ранних работ, но сохранял свое стремление к поэтизации сцен простого труда. Одной из таких работ стала картина «Табачницы» из цикла «Крымские табачницы», написанная в 1926 году.
Мастера «Бубнового валета» организовали объединение «Московские живописцы», которое поддерживало идею синтеза современного содержания и современной реальной формы. В их декларации было заявлено, что в социалистическом обществе искусство должно сохранять лучшие традиции и культурные завоевания. Классическое наследие русской и европейской культуры стало новой чертой творчества Кончаловского, Лентулова, Куприна и других художников, которые не отказывались от «сезанизма».
В России на рубеже 1910-х и 1920-х годов происходили значительные изменения в художественной сфере, которые привели к возникновению Русского авангарда — движения, охватившего различные направления искусства.
Конструктивизм
Одним из главных направлений Русского авангарда являлся конструктивизм, созданный в 1921 году рабочей группой, состоящей из Казимира Малевича, Александра Родченко, Варвары Степановой и Густава и Владимира Стенбергов.
Конструктивизм развивался в тесном взаимодействии с левыми течениями в изобразительном искусстве, такими как супрематизм и кубофутуризм. Основной задачей конструктивистов было революционное преобразование жизни через создание новых принципов конструирования жизненной среды на основе эстетических идеалов простоты и утилитарной целесообразности.
А.Н. Самохвалов
А.Н. Самохвалов — ученик К.С. Петрова-Водкина — активно принимал участие в художественной жизни после революции. В середине 1920-х годов его творческий почерк находился в поиске между системой живописи его наставника и древнерусской монументальной живописи.
Русский авангард
Феномен Русского авангарда объединил различные тенденции художественного направления, начавшиеся в 1910-х годах: от сезаннизма и фовизма до кубофутуризма и супрематизма. Общей идеей было освобождение от предметности и приверженность к самовыражению творческой личности.
Русские художники Казимир Малевич, Василий Кандинский, Александр Родченко стали известными в мировом искусстве и были приравнены к Пабло Пикассо или Винсенту ван Гогу.
1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет — героическое пятилетие 1917-1922 — еще оставляли почву для надежд. Но вскоре иллюзии рассеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, созданного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно известных мастеров. К рубежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были запрещены полностью; некоторые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый Союз художников..
3. Живопись советской эпохи. Социалистический реализм
До 30-х гг. сохранялись еще некоторые различия между направлениями и эстетическими системами. После 1932 в СССР разделение искусства на “официальное” и “неофициальное” окончательно закрепилось после разгона всех художественных группировок и началом образования единого Союза художников, поставленного под строгий идеологический контроль. В “подполье” оказались все направления, не отвечающие канонам социалистического реализма: как авангардистские, так и более традиционные, но неприемлемые в “идейно-тематическом” отношении.
“Тихое искусство”, тенденции в искусстве 20 в., подверженных строгой цензуре и идеологическому давлению, когда изо-творчество, оставаясь “легальным”, участвуя в выставках, намеренно сужало круг мотивов, предпочитая помпезным официальным темам лирические пейзажи, сцены семейного быта, незаказные портреты друзей и близких. От собственно “неофициального искусства” отличается обычно своей стилистической “умеренностью”, относительным традиционализмом. Эти тенденции характерны для многих художников советского периода, таких, как Л.А. Бруни, Л.Ф. Жегин, Н.П. Крымов, М.К. Соколов, Н.А. Тырса, В.А. Фаворский, Р.Р. Фальк, А.В. Фонвизин и др.
Бруни Лев Александрович (1894-1948), российский художник, в 1910-начале 1920-х гг. примыкал к футуризму и конструктивизму, создавая контррельефы и беспредметные композиции. Виртуоз рисунка, легкого цветового пятна, позднее перешел к более традиционной живописи и графике (в т.ч. пейзажам Оптиной пустыни) в духе “тихого искусства”. Был также мастером монументальной живописи (в 1935-48 возглавлял соответствующую студию при Академии архитектуры), развивая и здесь принципы чуждого официозу вольного, ритмически-изысканного творчества.
Жегин (настоящая фамилия Шехтель) Лев Федорович (1892-1969), российский художник и теоретик искусств. Сын Ф.О. Шехтеля. Активный член общества “Маковец”. В своей живописи и графике предпочитал простые пейзажные и жанровые мотивы в духе “тихого искусства”, насыщая их философски созерцательным настроением.
Крымов Николай Петрович (1884-1958), российский живописец, народный художник России (1956), член-корреспондент АХ СССР (1949).
Мастер синтетического, гармонично построенного пейзажа-картины (“Утро”, 1916; “Речка”, 1926).
Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947), российский художник, замечательный мастер русского “тихого искусства” 1920-30-х гг., своеобразный “поздний романтик”. Создавал артистически экспрессивную живопись и графику, полную исторических реминисценций, тонкой, созерцательной поэзии (проявившейся, в частности, в цикле пейзажей-миниатюр, написанных в 1939-43 на станции Тайга в Сибири, где Соколов находился в концлагере).
Фальк Роберт Рафаилович (1886-1958), российский живописец. Член “Бубнового валета”. Натюрморты, пейзажи (“Бухта в Балаклаве”, 1927), портреты отмечены насыщенностью цвета, образной выразительностью.
Лианозовская группа, группа российских художников и поэтов, первоначально собиравшаяся, в барачном доме на станции Лианозово, где в 1950-е гг. жил О.Я. Рабин. Ее духовным центром была семья Е.Л. Кропивницкого он сам, а также его жена, сын и дочь, тоже художники (О.А. Потапова, Л.Е. Кропивницкий, В.Е. Кропивницкая).
В группу, ставшую одним из самых значительных очагов русского “неофициального искусства” периода “оттепели”, входили также художники В.Н. Немухин, Л.А. Мастеркова, Н.Е. Вечтомов, поэты В. Некрасов, Г.В. Сапгир, И. Холин. Их творчество, разное по стилю, соединяло лирическую откровенность “черного юмора”, резкой социальной сатиры с веяниями возрождавшегося авангардизма.
Рабин Оскар Яковлевич (р. 1928), российский художник. Член лианозовской группы, один из лидеров русского “неофициального искусства”. В 1978 эмигрировал из СССР, обосновавшись в Париже. Для него наиболее характерны минорные по настроению и колориту городские и сельские мотивы, написанные в тусклой гамме, а также натюрморты, сочетающие черты “черного” гротеска с задушевным лиризмом. Эти произведения стали своеобразным связующим звеном между “тихим искусством” и соц-артом.
Кропивницкий Евгений Леонидович (1893-1979), российский художник и поэт. Патриарх “неофициального искусства”, духовный лидер лианозовской группы. Для его творчества середины 20 в., как и для стихотворного, так и живописно-графического, характерны простые мотивы, задушевно-лирический экспрессионизм с вкраплениями печального гротеска.
С момента запрета группировок социалистический реализм был объявлен обязательным методом отражения реальности, хотя во всех его описаниях невозможно было обнаружить признаков структуры художественного языка. Социалистический реализм, термин, употреблявшийся в советском литературоведении и искусствоведении с 30-х гг. для обозначения “основного метода” литературы, искусства и критики, который “требует от художника правдивого, исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии”, сочетающегося “с задачей воспитания трудящихся в духе социализма”. Эстетическое понятие “реализм” было соединено с определением “социалистический”, что на практике вело к подчинению литературы и искусства принципам идеологии и политики. Главным постулатом социалистического реализма стала партийность, социалистическая идейность. Попытки расширить “теоретическую базу” социалистического реализма идеями “народности” (в кон. 30-х гг.), “социалистического гуманизма” (с 50-х гг.) не изменили официальный статус и идеологическую природу понятия.
Все художники были обязаны состоять в Союзе художников. Отдельные художники отказались вступить в Союз. Их творчество осталось за бортом выставочной, музейной и какой-либо иной официальной жизни. Некоторые состояли в Союзе лишь формально, зарабатывая на хлеб копированием или оформительской работой. Некоторые из них получили международное признание.
Яркойпример — Родченко, в 1925 участвовал в Международной выставке декоративного искусства и художественной индустрии в Париже по четырем разделам и по каждому из них получил серебряную медаль. Но уже в 1930-е гг., после декретирования социалистического реализма в качестве единственного стиля и метода, творчество Родченко все чаще и чаще подвергалось шельмованию. Травля закончилась исключением мастера из членов Союза советских художников в 1951, восстановлен в 1954. В середине 1930-х гг. возвратился к живописи, написав серию картин на тему цирка и циркачей, со второй половины 1930-х гг. и на протяжении 1940-х гг. создавал декоративно-беспредметные работы. С 1934 оформлял совместно со Степановой репрезентативные альбомы и фотоальбомы, выпускаемые по случаю юбилеев и торжественных мероприятий (“10 лет Узбекистана”, 1934; “Первая Конная”, 1935-37; “Красная Армия”, 1938; “Советская авиация”, 1939, и др.).
Существует мнение, что: «Высшее достижение русского искусства ХХ века — это не революционный авангард, как считалось на протяжении многих лет, а искусство социалистического реализма». Таково мнение британского ученого Мэтью Куллерна Боуна, который является общепризнанным авторитетом в области русского и советского искусства.
Приведем несколько цитат из статей зарубежных искусствоведов, посвященных этому периоду. «Искусство эпохи социалистического реализма можно разделить на две составляющие: искусство официозной иконографии, прославляющее режим и его вождей, и параллельное искусство, которое выше по качеству, поэтичнее, свободнее и ближе к повседневной жизни обычного человека. Оно гармонично и свободно от схем, особенно в пейзажной живописи». «Эуропео» (Испания) — «Лица славянской души».
«В политическом государстве, которое требует единообразия, схожесть картин показалась бы неудивительной. Но вы будете, тем не менее, удивлены разнообразием, заключенным внутри этой схожести, мастерством художников, которые, несмотря на диктуемые государством ограничения, в своих произведениях по генерируемой ими энергии и степени выразительности выходят далеко за пределы предписанной им тематики».
Академия Художеств СССР была основана в 1947 году, когда могущество сталинской империи достигло зенита. Сталин лично назначил первых 28 членов Академии, выбрав их из более чем полутора тысяч советских художников того времени. Членство в Академии являлось последним и наиболее почетным этапом профессиональной карьеры художника и обеспечивало множество финансовых и общественных привилегий. Советские академики образовывали художественную элиту на протяжении всего советского периода. Они создали славу советскому искусству. Их картины входят в золотой фонд многих российских государственных музеев, включая Третьяковскую Галерею в Москве и Русский Музей в Петербурге. Однако картины прославленных мастеров эпохи, сталинских академиков: таких как Дмитрий Налбандян, некоторое время пребывали в забвении.
Дмитрий Налбандян известный в 30-гг художник. В 1933 году художник получает приглашение поехать в Ленинград для работы над картиной «Выступление С.М. Кирова на XVII съезде партии». Осенью1935 года картина экспонировалась на выставке московских живописцев в Государственном музее Изобразительных искусств и вызвала широкий общественный резонанс: она воспроизводилась в газетах «Правда» и «Известия», распространялась в репродукциях. Первый серьезный успех окрылил художника. Однако трагическая смерть Кирова несколько приостановила поступательный ход его карьеры. В конце 1930-х и в начале 1940-х годов Налбандян много работает в основном в жанре портрета, пейзажа и натюрморта и создает множество прекрасных лирических работ. В 1944 Дмитрий Налбандян начинает работать над своим знаменитым «Портретом И.В. Сталина», который стал его трамплином к головокружительной славе.
В наши дни возрождается интерес к произведениям той поры. Эксперты уверены, что «Искусство эпохи Ленина и Сталина становится новой областью инвестиций. Одно из ставших наиболее популярных имен — Налбандян. Как только это искусство станет хорошо известно на Западе, цены на работы удвоятся или утроятся в течение нескольких лет».
Новейшие течения русского искусства 1910-х годов вывели Россию в авангард интернациональной художественной культуры того времени. Уйдя в историю, феномен великого эксперимента так и был назван — Русский авангард. Это понятие подразумевает и более ранние сезаннистские, фовистские тенденции, и зарождение абстрактного искусства в «лучизме» М. Ларионова, и продвинутые системы беспредметного творчества: кубофутуризм, супрематизм К. Малевича и его школы, конструктивизм во главе с А. Родченко и В. Татлиным, русско-немецкий экспрессионизм В. Кандинского.
Второе десятилетие нашего века поставило Малевича и Кандинского вровень с Пикассо, Браком или Клее. 1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет — героическое пятилетие 1917-1922 — еще оставляли почву для надежд. Но вскоре иллюзии рассеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, созданного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно известных мастеров.
К рубежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были запрещены полностью; некоторые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый союз художников. До тех пор сохранялись еще некоторые различия между направлениями и эстетическими системами. С момента запрета группировок социалистический реализм был объявлен обязательным методом отражения реальности.
Теперь на расстоянии десятилетий мы воспринимаем культовые картины социалистического реализма сквозь призму современности. С другой стороны, давно уже открыв завесу над умышленно скрытыми сторонами художественной истории, мы узнали, как параллельно официальной теплилась почти никому из современников не ведомая «вторая культура» — скромный прообраз андеграунда 1960-1980-х годов, не смевший открыто противостоять деспотическому режиму, но сохранивший для новых поколений так до конца и не сломленную творческую свободу Художника.
ЛИТЕРАТУРА:
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/jivopis-pervoy-polovinyi-veka/
Алпатов М., Борисова Е.А, Стернин Г.Ю.
3. История русского и советского искусства — М.: Высшая школа, 1989.
Крусанов А.В
5. Культурология: Учеб. для Вузов /Под ред. Н.Г. Багдасарьяна. — М.: Высшая школа, 1998.
6. Манин В. Шедевры русской живописи — М.: Изд-во Белый Город, 2000.
Мислер Н., Боулт Дж.
8. Наков А. Русский авангард: Пер. с франц. М., 1991.
9. Неизвестный русский авангард в музеях и частных собраниях /Сост. А.Д. Сарабьянов — М., 1992.
Неклюдова М.Г., Поликарпов В.С.
12. Русские художники — Самара: Изд-во АГНИ, 1997.
13. Русские художники XII-XX веков: Энциклопедия — М.: Изд-во Азбука, 1999.
