Итальянское Возрождение: между гуманизмом, искусством и античностью
Италия — удивительная страна, в которой культура, искусство и наука слились в мощный и неповторимый поток. Самая яркая и значимая эпоха этой творческой мощи известна как Возрождение, или Ренессанс. Это был период, в котором человек вновь стал центром искусства, а ученые стали переосмысливать научные открытия античных ученых.
Процесс Возрождения начался в XIV веке и длился до конца XVI века. Но именно в Италии этот процесс прошел наиболее ярко и эффектно. Эта страна стала колыбелью не только гуманизма, но и культуры и науки Ренессанса. Это был чудесный период сильных и преумножающихся личностей, которые открыли новые двери в мире науки, искусства и культуры.
Несмотря на то, что Ренессанс был эпохой светской культуры, общество тех времен еще не было готово для отделения науки и искусства от религии. Однако, именно с появлением гуманизма, ученые стали искать новые подходы к выражению теологических принципов, что привело к появлению новых научных исследований и новых художественных техник.
Гуманизм и Ренессансное искусство
Гуманизм считается основой Ренессансной культуры. Он учил, что для всякого разумного существа человек является самым ценным и важным, и что только развитие личности может привести к полной и истинной жизни в стиле Ренессанса. Этот подход стал стимулом для искусства, которое, в свою очередь, уделило большое внимание изображению человеческого тела. Художники снова стали внимательно изучать анатомию и создавали полотна, на которых можно было увидеть обнаженные фигуры — прекрасных идеалов красоты.
Представители Ренессансного искусства считали, что человек мог сам создавать свою судьбу, а не просто подчиняться водевилю судьбы, которую предписал Бог. Искусство стало не просто декорацией жизни, а средством саморазвития и духовного преобразования.
Флорентийская школа живописи
Флоренция была особенно активным центром, где создавались новые направления в искусстве. Большую роль в формировании Ренессансной культуры сыграла флорентийская школа живописи, в которой трудились такие выдающиеся мастера, как Сандро Боттичелли, Джотто ди Бондоне, Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонаротти.
Развитие ренессансной культуры в Италии
Художники флорентийской школы играли важную роль в развитии ренессансной культуры. Они делали ставку на реалистичность и создавали иллюзию пространства, что помогало более глубоко погрузиться в опыт того времени. Флорентийская школа не только поддерживала интерес к античной культуре, но и создавала новый, уникальный для того времени, стиль, который мы знаем как Ренессансное искусство.
О культуре, искусстве, науке
... прожившего и живущего На грани двух столетий, На переломе двух миров. (По В. Гиляровскому) «Москва уже на пути к тому, чтобы сделаться первым городом мира». Сочинение рассуждение В. Гиляровский считает, ... что столица нашей Родины скоро станет одним из первых городов мира. Чтобы подтвердить ...
Влияние Ренессансного искусства
Ренессансное искусство оказало значительное влияние на общество и культуру на протяжении длительного времени. Эпоха Возрождения привнесла новые идеалы, установки, принципы, открытия и возможности. Многие духовные и культурные ценности, а также авангардные идеи эпохи Ренессанса остаются актуальными и интересными в наше время.
Предвозрождение и раннее Возрождение
Ренессанс не просто возврат к античности, а создание новой культуры, направлявшей события в сторону Нового времени. Хотя отсчет Нового времени обычно связывается с революциями XVII века, Ренессанс в искусстве и культуре был отправной точкой для изменений. Хронологические рамки Итальянского Возрождения охватывают период с XIII по XVI столетие, включая проторенессанс, раннее Возрождение и высокий Ренессанс.
Развитие итальянской ренессансной культуры было разнообразным, обусловленным различным уровнем экономического и политического развития городов Италии, а также их связью с феодальными традициями. Это создало пеструю картину развития ренессанса в Италии.
2. Флоренция — начало эпохи Возрождения
Раннее развитие коммуны и формирование городской культуры в Флоренции, возникновение гражданского общества и демократизация системы управления, а также интерес к античным традициям привели к складыванию гуманистического мировоззрения в XIII веке, с его ориентацией на человека и общество.
Для Флоренции было особенно характерно раннее возникновение идеи о свободе как великой ценности государства и сильное уважение за его республиканский порядок. Именно Флоренция стала первым лидером в итальянском гуманистическом движении. В числе крупнейших фигур нарождающегося гуманизма был флорентиец Данте Алигьери (1265—1321), который заложил основы итальянского литературного языка и создал новое, гуманистическое направление в литературе. Его последователи Франческо Петрарка (1304—1374) и Джованни Боккаччо (1313—1375), происходящие также из Флоренции, стали создателями лирической поэзии и жанра новеллы соответственно.
Проблемы взаимоотношений человека и общества, проблемы равенства и патриотизма нашли своё отражение в произведениях Леонардо Бруни (1375—1444) и в высококачественной исторической литературе Дино Компаньи (1255—1324) и Джованни Виллани (1275—1348).
Город Флоренция как центр Проторенессанса и Раннего Возрождения
Гуманистическое мировоззрение играло важную роль в формировании Флоренции как одного из главных центров европейского искусства. Этот город стал сердцем Проторенессанса и Раннего Возрождения в Италии, привлекая множество талантливых художников и мастеров.
Флоренцийская художественная школа была одной из ведущих школ итальянского Возрождения. Её родоначальником был Джотто ди Бондоне (1276—1337), который отошел от канонических принципов средневекового искусства, заложив основы искусства Ренессанса. Он был великим итальянским художником Раннего Возрождения, и его работы оставили значительное влияние на последователей, включая Мазаччо (1401—1428).
В начале XV века началось расцвет флорентийской скульптуры и архитектуры. Творчество Лоренцо Гиберти (1381—1455), Филиппо Брунеллески (1377—1446) и Донателло (1386—1466) достигло небывалых высот по выразительности и реализму. Они создали здания и монументы, которые стали главным украшением Флоренции и принесли городу мировую славу. Главной темой их искусства стала героизация идеала человеческой личности.
Эпоха Возрождения и методы преподавания изо искусства
... к живописной работе. Если позднее, в академиях, рисунок как отдельный предмет преподавания стал самоцелью, то в эпоху Возрождения учитель, удостоверившись, что ученик ... рисования по памяти (Леонардо да Винчи). Особенно большую ценность для обучения рисунка представляет метод обобщения формы(Дюрер) Художники Возрождения умело использовали данные своих научных наблюдений в практике изо искусства. ...
Развитие традиций Возрождения в эпоху Синьории Медичи
Великие флорентийцы конца XIV и начала XV веков заложили традиции, которые были развиты в эпоху Синьории Медичи во Флоренции. Мастера Высокого Возрождения достигли новых высот и продолжили развивать искусство в городе. Одним из величайших мастеров того времени был Филиппо Брунеллески (1377-1446).
Брунеллески был флорентийским архитектором, скульптором, ученым и инженером, работавшим в первой половине XV века, в период Раннего Возрождения. Он считается одним из величайших итальянских зодчих XV столетия.
Одной из знаменитых сооружений, созданных Брунеллески, является собор Санта-Мария-дель-Фьоре. Это величественное сооружение является одним из символов Флоренции и одним из наиболее значимых архитектурных достижений Раннего Возрождения.
Возведение купола Флорентийского собора
После приезда во Флоренцию, Брунеллески увлекся сложной инженерной задачей — возведением купола над кафедральным собором города (1420—1436 гг.), его сооружение началось почти одновременно с постройкой Сан Лоренцо. Идея купола — восьмигранного стрельчатого свода — готическая, и была уже намечена строителем собора Арнольфо ди Камбио, кампанилу собора строил, как обычно считается, великий Джотто.
Сложность самой постройки заключалась не только в возведении купола, но и в сооружении специальных приспособлений, которые позволили бы работать на большой высоте, что казалось тогда невозможным. Совету города Брунеллески предложил сделать легкий 8-гранный купол из камня и кирпича, который собирался бы из граней-«долей» и скреплялся вверху архитектурным фонарем, кроме того, он вызвался создать целый ряд машин для подъема наверх и работы на высоте. В конце 1418 г. четыре каменщика изготовили модель в масштабе 1:12, которая демонстрировала проект купола и инновационный способ его возведения без сплошной опалубки. Восьмигранный купол диаметром 42 м был построен без опирающихся на землю лесов; он состоит из двух оболочек, связанных 24 ребрами и 6 горизонтальными кольцами.
Возвышаясь над городом, купол, с его устремленностью ввысь и гибким упругим контуром, определил характерный силуэт Флоренции, и самими современниками он мыслился символом новой эпохи — Возрождения. Славе архитектора и города способствовало и то, что купол освятил сам папа Евгений IV.
Величие флорентийского купола
Купол Флорентийского собора — одно из самых грандиозных архитектурных свершений эпохи Возрождения. В средневековой Европе совершенно не умели возводить большие купола, поэтому итальянцы той поры взирали на древнеримский Пантеон с восхищением и завистью.
И вот как оценивает Вазари воздвигнутый Брунеллески купол флорентийского собора Санта Мария дель Фьоре: «Можно определенно утверждать, что древние не достигали в своих постройках такой высоты и не решались на такой риск, который бы заставил их соперничать с самим небом, как с ним, кажется, действительно соперничает флорентийский купол, ибо он так высок, что горы, окружающие Флоренцию, кажутся равными ему. И действительно, можно подумать, что само небо завидует ему, ибо постоянно и часто целыми днями поражает его молниями».
Искусство Возрождения в Италии
... Проторенессанс ПРОТОРЕНЕССАНС В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — будущего искусства Возрождения. Потому этот период ... Камбио хотел увенчать алтарь собора огромным куполом. Однако после смерти зодчего в 1310 г. строительство затянулось, его завершили только в период раннего Возрождения. В 1334 г по ...
Введение
Ренессанс является одним из самых впечатляющих периодов в истории искусства и архитектуры. Он отличается своими инновационными идеями, величественными сооружениями и восхитительными деталями. Одним из наиболее впечатляющих архитектурных достижений Ренессанса является купол Флорентийского собора, построенный Брунеллески. Этот купол не только выделяется своей высотой и величавостью, но и создает ощущение простора внутри собора.
Купол Брунеллески
Купол Брунеллески, впечатляющий своей стройной громадой, стал символом торжества человеческой воли и гордой Флорентийской республики. Он не просто вписывается в небо, но органически вырастает из собора, символизируя победу и власть. Без этого купола, построенного в период Ренессанса, не было бы возможно создание аналогичных куполов, которые в последующие века украшали соборы по всей Европе.
Воспитательный дом
В 1419 году Брунеллески получил задание от цеха Арте делла Сета построить Воспитательный дом для младенцев, оставшихся без родителей. Этот приют, известный как Оспедале дельи Инноченти, стал первым знаковым сооружением эпохи Возрождения в Италии. Он функционировал до 1875 года и оставил незабываемый след в истории архитектуры.
Заключение
Купол Брунеллески является гордостью Ренессанса и символом торжества нового искусства. Его величественная конструкция и воздействие на последующие архитектурные достижения делают его непревзойденным шедевром. Купол Брунеллески и Воспитательный дом стали важными символами истории искусства и архитектуры, оставив свой след в истории и впечатляющие наследие для будущих поколений.
Воспитательный дом
Воспитательный дом организован просто: аркады его лоджии раскрыты в сторону Пьяцца Сантиссима Аннунциата — здание фактически является её ажурной «стеной». Все архитектурные элементы ясно читаются, масштаб постройки не превышает человеческую меру, но согласован с ней. Открытая лестница в 9 ступеней ведет во всю ширину здания к нижнему этажу, раскинувшемуся галереей из 9 полуциркульных арок, которые покоятся на высоких колоннах композитного ордера. От капителей к задней стене галереи перекинуты подпружные арки, которые подхватываются консолями, украшенными капителями. По углам ряд колонн имеет по пилястре, над каждой из них покоится архитрав, который тянется над всеми арками. Между арками и архитравом которых укреплены майоликовые медальоны работы Делла Роббиа с изображением спеленатых младенцев (своей простой окраской — синим и белым — они делают ритм колонн мернее, спокойнее).
Прямоугольный формат окон, их рамы и фронтоны окон скопированы Брунеллески с римских образцов, так же, как и колонны, архивольты арок, пилястры и профиль карниза. Но античные формы трактованы необычайно свободно, вся композиция оригинальна и вовсе не может быть названа копией античных образцов. Благодаря какому-то особому чувству меры, Брунеллески в контексте всей архитектуры Возрождения кажется самым «греческим», а не римским мастером, при том что ни одной греческой постройки он видеть не мог.
Анализ скульптуры Давида Микеланджело
... особенности, пространство и их взаимодействие в контексте статуи Давида, созданной Микеланджело.Мраморная скульптура "Давид" Микеланджело - одно из выдающихся произведений искусства Возрождения. Однако, ... процесс создания этого шедевра был долгим и трудным, с множеством препятствий и изменений по ...
Донателло
Донателло (Donatello, полное имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди, итал. Donato di Niccolo di Betto Bardi, ок. 1386 — 13 декабря 1466, Флоренция) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета.
Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.
Традиции северо-итальянского надгробного конного монумента
Скульптура Эразма Гаттамелаты отчетливо отражает связи с традициями северо-итальянского надгробного конного монумента. Важно отметить, что место установки статуи, площадь перед собором Св. Антония, изначально служило кладбищем. Монумент словно сливается с историческим окружением, сохраняя свою значимость исторического памятника. Важность этой связи заключается в том, что это сочетание памятника и его окружения передает не только историческое значение, но и чувство автентичности и сохранения наследия.
Гуманистическая идея и прославление героических деяний
Изучение статуи Гаттамелаты позволяет обозначить связь с гуманистической идеей и прославлением героических деяний. Художник Донателло использовал античные образцы для создания этого произведения и передал воплощенную в нем идею силы, доблести и героизма. Образ Гаттамелаты, изображенного в доспехах римского императора, является ярким примером памятника, который не только отображает идеал сильного человека, но и служит прославлением его доблестных поступков, заслуживших признание и уважение.
Развертывание исследования памятника Гаттамелаты
Согласно предоставленным данным, статуя Гаттамелаты, созданная Донателло, обладает непревзойденным художественным значением. Ее ясные и компактные формы, завершенный силуэт всадника и спокойная посадка выражают волевую собранность и готовность к подвигу. Находясь на высоком постаменте, статуя выглядит как символ силы и гордости, увенчание всего, что окружает ее.
Донателло воплощает в скульптуре образ Гаттамелаты как выдающееся произведение искусства Возрождения, отражающее традиции северо-итальянского надгробного конного монумента и гуманистическую идею прославления героических деяний. Художественное значение статуи заключается в выразительности и величественности образа, являющегося гордым увенчанием всего, что находится вокруг нее.
Из предоставленных данных также следует, что Донателло сумел придать облику Гаттамелаты как индивидуальные черты, так и общие черты, свойственные людям его эпохи. Это обобщенный образ мужественного, уверенного в себе человека Возрождения.
Автор исследования отмечает, что в конных монументах особенно трудной задачей является композиционное объединение горизонтали коня и вертикали всадника, и Донателло успешно справился с этим, используя различные методы для превосходного объединения всадника с лошадью.
Фреска «Чудо со статиром» Мазаччо
Фреска «Чудо со статиром» является одной из значимых работ Мазаччо, известного итальянского художника эпохи кватроченто. Эта фреска находится в капелле Бранкаччи и изображает событие из евангелия от Матфея.
Исторический контекст
Статуя, на которую Мазаччо ссылается на фреске, была вылита и установлена на постамент в 1450 году. Это событие оказало влияние на художника и, возможно, послужило источником вдохновения для творчества.
Микеланджело Буонарроти
... сам учился у великого скульптора XV века Донателло. Таким образом, Микеланджело получил основательную подготовку в области рисунка ... раннем этапе его творчества.Развитие творчества Микеланджело Недаром же Кондиви свидетельствует о том, что Микеланджело в старости, глядя ... Адама» находятся в Sixtine Chapel. В своих работах Микеланджело придерживался подхода, когда скульптура должна выражать эмоции, ...
Интерпретация фрески
На фреске изображено собирание подати на храм в Капернауме, как описано в Библии. Христос обращается к апостолу Петру, и учит его уплате подати, демонстрируя чудо со статиром. Изображение показывает напряженность и эмоции персонажей, что свидетельствует о мастерстве Мазаччо.
Таким образом, фреска «Чудо со статиром» является ярким примером того, как художник воплотил религиозные темы и события в искусстве своего времени.
Мазаччо также проявляет свое мастерство в передаче глубины пространства и объема фигур. Он заполняет не только первый план композиции образами, но также использует несколько планов, создавая различные группы фигур и пейзажно-архитектурных фонов. В своей работе он также учитывает типы лиц и фигур, а также одежду персонажей, вдохновляясь римским и этрусским скульптурным портретом.
Фрески в капелле Бранкаччи были подвергнуты масштабной реставрации, завершенной в 2004 году.
Микеланджело де Франчемско де Нерим де Миниамто…
Микеланджело де Франчемско де Нерим де Миниамто демль Семра и Лодомвико ди Леонамрдо ди Буонарромти Симомни (итал. Michelangelo di Francesci di Neri di Miniato del Sera i Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni); 6 марта 1475 — 18 февраля1564) — великий итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт и мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса. Творчество Микеланджело не знало границ и пределов, для него не существовало определенных правил и канонов. Художник имел свой собственный сложный и трагический мир и творил по его законам. Как никто другой он умел сопротивляться натиску жизни. Трудности и неудачи лишь вливали новую энергию в его творчество.
Давид. Символ свободного города
Самая знаменитая скульптура Микеланджело «Давид» . Это воплощение мужской силы, одновременно духовной и физической. Если до Микеланджело в ХV в. Давида обычно изображали юным, противопоставляя мощному зрелому Геркулесу, то Микеланджело в каком-то смысле соединяет эти два образа. Микеланджеловский «Давид» — беспрецедентное сочетание героического мужского начала с человеческой открытостью и ранимостью.
Анализ монументального произведения Микеланджело «Давид»
Великий мастер избрал для своего Давида совсем другую ситуацию: вместо исхода борьбы — ее начало. Герой только готовится нанести решительный удар; еще неизвестно, чем закончится неравный бой юноши с великаном, но, скорее всего, Давид победит. Об этом говорит его прекрасное и грозное лицо. Поза спокойна, устойчива и свободна, но в повороте головы, движении руки, держащей пращу, уже заложена динамика. Давид совершенно обнажен. В этом скульптор наследует традиции античной пластики, когда героев изображали обнаженными, подчеркивая их телесную красоту. Но здесь добавляются еще и веяния Ренессанса — это победа христианской добродетели над языческими верованиями, то есть моральное превосходство Давида, его личное мужество и стойкость духа. Давид Микеланджело — это, прежде всего герой.
Героический образ
Монументальное произведение Микеланджело «Давид» — это непревзойденный образ человека, обладающего героическими качествами. В данной работе рассматривается предельная героизация личности, мощь и безграничные возможности человека.
Микеланджело Буонаротти
... сведений относительно творчества Микеланджело Буонаротти. Для более полного освещения деятельности Микеланджело – архитектора ... -Кроче во Флоренции. Микеланджело – архитектор. Первым опытом Микеланджело Буонаротти в ... в садах Медичи на площади Сан-Марко. Его сразу ... услуги его Доменико и Давид платят ему сумму в ... Микеланджело поддерживал сердечную связь до своей кончины. Умирая, Микеланджело оставил краткое ...
Напряженность момента перед боем
Монументальная скульптура Давида не изображает победу, а момент максимального напряжения перед боем. Молодой юноша представлен обнаженным. Фронтально развернутая фигура напряжена, левая рука сжимает пращу, голова резко повернута, грозный взгляд устремлен на врага. Образ Давида символизирует атлета, который должен победить только самого себя.
Символ борьбы за независимость Флоренции
Монументальный проект Микеланджело «Давид» был создан и воспринят как явление общественной жизни, символ борьбы за независимость Флоренции. В 1504 году открытие монумента стало народным торжеством. Герой стоит спокойно, уверенный в своей правоте и грядущей победе. Могучий торс и моделированные руки и ноги не только выражают физическую мощь, но и подчеркивают силу духа.
Исследование статуи Давида Микеланджело
Монументальное произведение Микеланджело «Давид» является примером героического образа человека, предельного напряжения перед боем и символом борьбы за свободу. Это великолепное произведение искусства Высокого Ренессанса, которое продолжает вдохновлять и вызывать восхищение у искусствоведов и просто любителей искусства.
Изначально статуя Давида должна была стать одной из статуй для украшения Флорентийского собора, и должна была изображать одного из библейских пророков. Но фигура обнаженного Давида вместо собора стала украшением главной площади Флоренции, и стала символом защиты гражданских свобод флорентинцев, создавших независимую республику в своем городе, окруженную со всех сторон врагами, пытавшимися ее захватить.
Фигура Давида
На площади статую Давида установили в 1504 году, и она занимала свое место в центре главной площади Флоренции до 1873 года, когда на площади установили точную копию Давида, а оригинал был помещен в галерею Академия. Эта работа Микеланджело также несет в себе новое представление Давида, который ранее представляли обычно с головей уже убитого Голиафа в руках. В данном случае Давид изображен до сражения с Голиафом, его лицо серьезное, он смотрит пристальным взглядом вперед, брови нахмурены, он готов к бою с заведомо более сильным противником. Вся его фигура напряжена, мускулы на теле напряжены и выпуклы, особенно выделяется выпуклость вен на опущенной правой руке, но в тоже время поза тела Давида довольно расслаблена.
Интерпретация древнегреческой темы
Эта скульптура Микеланджело является интерпретацией древнегреческой темы скульптурных работ, когда мужчина изображался обнаженным и с героическим видом. В эпоху Возрождения типичные древнегреческие классические формы стали немного изменять, хотя основа оставалась именно классической, что прослеживается в очень многих скульптурах этого времени. Данная статуя также стала символом мужской, человеческой красоты, став самой известной работой Ренессанса.
