Культурное и духовное развитие в первой половине XIX века
В одном из своих произведений, А. И. Герцен описывал русский народ как «мощный и неразгаданный», сохраняющий величавые черты и живой ум даже под гнетом крепостного состояния.
Пушкин стал символом своей эпохи, и первую треть XIX века часто называют «золотым веком» русской культуры. Начало этого века пришлось на время культурного и духовного подъема в России. В экономическом и социально-политическом развитии страны Россия отставала от европейских государств, но в культурных достижениях шла впереди. Развитие русской культуры в первой половине XIX века опиралось на предшествующие преобразования.
Проникновение капиталистических отношений усилило потребность в грамотных и образованных людях, а города стали основными культурными центрами. Русская культура развивалась на фоне возрастающего национального самосознания и имела выраженный национальный характер. Отечественная война 1812 года ускорила рост национального самосознания, сблизила с русским народом другие народы России и оказала существенное влияние на различные области культуры.
Однако консервативные тенденции в политике императоров Александра I и Николая I сдерживали развитие культуры. Правительство боролось с передовой общественной мыслью, и крепостничество не давало возможности пользоваться культурными достижениями всему населению.
XIX век стал насыщенным и продуктивным периодом в развитии русского изобразительного искусства. В этот период традиционные художественные методы и стили вступили в борьбу с современными течениями. Русское искусство было пронизано романтизмом и реализмом, но академический классицизм имел официальный статус.
Академия художеств, хоть и являлась организацией, поддерживающей консерватизм и ограничивающей свободу творчества, продолжала оказывать значительное влияни и признание в обществе. Студенты Академии должны были следовать строго требованиям классицизма, а также создавать произведения на библейские и мифологические сюжеты. Это не всегда удовлетворяло молодых и талантливых художников, которые искали своеобразные выражения и новые формы самовыражения.
Поэтому, молодые художники, стремящиеся к творческой свободе, все чаще обращались к портретному жанру, который позволял им проявить индивидуальность и экспериментировать с художественной формой. Это был некий переходный этап, когда русские художники начинали осмысливать и воспроизводить дух времени и привносить новые идеи в изобразительное искусство.
Украинская культура: развитие и современное состояние
... традициями народного творчества. Наряду с существующими культурными центрами – Львовом, Киевом – сформировались ... произведения оказали большое влияние на последующие поколения, развитие общественно-политической мысли, формирование ... государственных деятелей, ученых, писателей и художников как Ф. Прокопович, Г. Сковорода, ... происхождения, мотивируя это тем, что каждый имеет право на личную жизнь и ...
Однако, несмотря на те жесткие рамки и ограничения, которые навязывала Академия, русское изобразительное искусство неуклонно развивалось и процветало. Художники нашли своих почитателей и поклонников, их произведения начали тонко и глубоко передавать настроения, эмоции и идеи.
Таким образом, эпоха Освобождения стала временем активного культурного развития в России, включая развитие изобразительного искусства. Молодые художники искали свои собственные пути самовыражения и отходили от жестких академических стандартов. Это был период, когда художественная форма проникала в самые глубины души, и произведения искусства становились более эмоциональными и выразительными.
Искусство портрета в творчестве Ореста Кипренского
Орест Кипренский – русский художник, один из выдающихся мастеров романтического периода в русском живописи. Его творчество главным образом связано с портретной живописью, где он проявил свое искусство создания неповторимых индивидуально-характерных образов, выделяя особые пластические средства и цветовые и светотеневые контрасты.
Портретист Кипренский
Первые работы Ореста Кипренского были выполнены в жанре исторической живописи, как например, картина «Дмитрий Донской на Куликовом поле», которая до сих пор считается одним из его знаковых произведений.
Однако, вскоре мастер понял, что лучше всего ему удается работать с портретами. Его первый живописный портрет – «А. К. Швальбе» написанный в «рембрандтовской» манере, демонстрирует уверенное знание художником канонов своего искусства и характеризуется сильным светотеневым конструктом. С годами мастерство Кипренского укрепляется, и его портреты становятся все более живыми, незабываемыми и яркими.
Живописный и графический портретista
Наиболее известны и яркие портреты, которые были выполнены Орестом Кипренским, включают портрет мальчика А. А. Челищева, парные изображения Ф. В. и Е. П. Ростопчиных и В. С. и Д. Н. Хвостовых. Большое значение имеют и картины, выполненные при участии символических деталей и глубокой эмоциональности.
Однако Кипренский был не только портретистом,1 он был весьма талантливым графиком. Некоторые из его работ, выполненных в технике итальянского карандаша и пастели, стали образцом графического мастерства, превосходящие по своей эмоциональной закрытости и легкости его живописные портреты.
Романтические поискиОрест Кипренский всю свою творческую жизнь искал способы отразить большие идеи в своих работах, и в том числе, в портретной живописи.2 Вместе с тем, он создавал множество набросков и работал над эпическими художественными композициями революционных событий на окраинах Европы. Наиболее известны картины «Читатели газет в Неаполе» и «Анакреонова гробница», сделанные в его романтическом стиле. |
Несмотря на то, что многие из его больших аллегорических работ остались неосуществленными или пропали, его творческие поиски нашли свое продолжение в работах других выдающихся русских художников, таких как К. П. Брюллов и А. А. Иванов.
1. Обращаем Ваше внимание на то, что слово «портретистом» в конце абзаца неверно написано — следует обратить на это внимание при исправлении.
2. Второе уточнение относительно этого пункта — следует обратить на это внимание при исправлении.
В произведениях В.А. Тропинина отчетливо прослеживается реалистическая манера отражения. Ранние портреты художника, такие как семейные портреты графов Морковых, написанные в 1813 и 1815 годах, хранящиеся в Третьяковской галерее, отличаются сдержанной красочной гаммой и принадлежат к традиции века Просвещения. В этих портретах модель является безусловным и стабильным центром образа.
Однако позднее Тропинин начинает использовать более интенсивный колорит, объемы становятся более четкими и скульптурными. Но самое главное, что в его работах проникает романтическое ощущение подвижной стихии жизни. Герой портрета становится лишь фрагментом этой стихии, частью ее. Примерами таких работ являются портреты «Булахов» и «К. Г. Равич» (1823 год) и автопортрет около 1824 года.
Особенно знаменитым портретом Тропинина является изображение А.С. Пушкина, созданное в 1827 году и находящееся в Всероссийском музее А.С. Пушкина. На этом портрете поэт, положив руку на стопку бумаги, выглядит так, будто он внимает музе и погружен в творческую мечту. Образ Пушкина окружен незримым ореолом. И сам Пушкин создал портрет В.А. Тропинина.
В работах Тропинина ощущается особое старомосковское тепло и уют. Это, возможно, связано с тем, что художник до 47-летнего возраста находился в крепостной неволе. На его полотнах лица простых людей пронизаны свежестью и духовностью. Особенно ярким примером является его картина «Кружевница», на которой бесконечно молоды и очаровательны героини.
Также в русской общественной мысли того времени отражались художественные и идейные искания, а также ожидание перемен. Один из примеров такого отражения можно увидеть в картинах К.П. Брюллова «Последний день Помпеи» и А.А. Иванова «Явление Христа народу». В этих работах прослеживаются идеи о судьбе человечества, о вечных ценностях и о надежде на перемену.
Искусство Карла Павловича Брюллова и картина «Последний день Помпеи»
Одним из великих произведений искусства является знаменитая картина «Последний день Помпеи» Карла Павловича Брюллова. Русский художник Карл Павлович Брюллов посетил античный город Помпеи в 1830 году, находясь на раскопках. Прогуливаясь по древним мостовым и восхищаясь фресками, перед ним встала образ той трагической ночи в августе 79 года н.э., когда город был засыпан раскаленным пеплом и пемзой, извергающегося Везувия.
Спустя три года картина «Последний день Помпеи» была доставлена из Италии в Россию и стала объектом всеобщего восхищения. Брюллов использовал превосходные краски, представившие трагедию древнего города, погибающего под лавой и пеплом, осыпающегося с Везувия. Величие и человечность картине придают высокие гуманистические идеалы. Она показывает мужество и самоотверженность людей, которые проявились во время ужасной катастрофы.
Брюллов пребывал в Италии в рамках поездки по командировке от Академии художеств. В этом учебном заведении обучение живописи и рисунку было организовано на высоком уровне. Однако Академия однозначно ориентировалась на античное наследие и героическую тематику. Для академической живописи были характерны декоративный пейзаж и театральность общей композиции. Изображение сцен из современной жизни или простого русского пейзажа считалось недостойным художника. Такой стиль живописи был назван академизмом.
Карл Павлович Брюллов был тесно связан с Академией художеств и в своем творчестве отражал ее влияние.
Художник Фёдор Александрович Брюллов (1799—1852) является выдающимся представителем русской живописи XIX века. Его произведения отличались изяществом, точностью и эпическими масштабами. Брюллов стремился создать национальные исторические картины, однако не все его амбициозные замыслы были осуществлены, оставив это предстоящему поколению.
Александр Андреевич Иванов (1806—1858) был вдохновлен идеей духовного пробуждения народа, что нашло отражение в его главном творении — картина «Явление Христа народу». Он проделал огромную работу над этим полотном, передавая в нем всю силу своего таланта и яркость своих убеждений. Картина Иванова демонстрирует угнетенный народ, жаждущий свободы и ожидающий приближающегося Спасителя.
Российское искусство XIX века прошло через несколько этапов развития, отражающих изменения в обществе и культурных тенденциях. Первая половина века характеризовалась появлением бытового жанра и идеализированными изображениями крестьянской жизни, которые принесли известность художникам, таким как А.Г. Венецианов. Темой этих картины стала красота и благородство простых людей, подчеркивая достоинство человека независимо от его социального положения. П.А. Федотов продолжил традиции А.Г. Венецианова, однако своим реалистичным изображением верхушки общества и разоблачением их торговых моралей выбивался из рамок общепринятых норм.
Вторая половина XIX века характеризовалась бурным развитием русского изобразительного искусства. Центральной темой стал народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни. Реализм, подлинное отражение жизни народа, стал главным направлением искусства. Оно стремилось изменить жизнь на началах равенства и справедливости, активно вторгаясь в реальную жизнь.
Художники этого периода стали лидерами в мире искусства, известность которым простиралась далеко за пределы России. Культурное наследии XIX века стало богатым и разнообразным, которое продолжило свое развитие и в последующих годах и хранится до наших дней.
Реалистическое искусство в XIX веке противостояло официальному направлению, представленному руководством Академии художеств. Академики внушали своим ученикам идею о том, что искусство выше жизни, ограничивая их выбор темами лишь библейской и мифологической тематики.
9 ноября 1863 года большая группа выпускников Академии художеств отказалась создавать конкурсные произведения по скандинавской мифологии и покинула учебное заведение. Иван Николаевич Крамской (1837—1887) стал лидером бунтарей. Они объединились в артель и создали коммуну, которая, хотя распалась через семь лет, подарила миру «Товарищество передвижных художественных выставок» — профессионально-коммерческое объединение художников, разделявших схожие идеи.
«Передвижники» отвергали «академизм» с его мифологией, декоративными пейзажами и театральностью. Их целью было изображение живой жизни, и жанровые (бытовые) сцены заняли ведущее место в их творчестве. Особое внимание они уделяли крестьянству, показывая его нужды, страдания и угнетенное положение. В 60—70-е годы XIX века идеи искусства превосходили эстетику. Лишь со временем художники вернулись к осознанию самоценности живописи.
В работе рассматриваются произведения Василия Григорьевича Перова, Сергея Аполлинариевича Коровина, Виктора Михайловича Максимова и других художников, представителей русской передвижнической школы. Василий Григорьевич Перов прославился своими произведениями, посвященными обличению социальных неравенств и тяжелой доле народа. Его картины, такие как «Сельский крестный ход на пасху» и «Проводы покойника», поражают своим драматизмом и безысходной скорбью, передавая трагические судьбы людей в русской деревне. Глубокое понимание и любовь к народу пронизывают его творчество, делая его произведения лучшими образцами русского искусства.
Работы Сергея Аполлинариевича Коровина, Виктора Михайловича Максимова и Григория Григорьевича Мясоедова также оказали значительное влияние на представление о крестьянской жизни. В картине Коровина «На миру» запечатлена стычка на сельском сходе, отражающая социальные и классовые различия. В то же время, произведения Максимова передают ярость, слезы и горе семейного раздела, борющесмя с неравенством и лишениями. Торжественная праздничность крестьянского труда отражается в творчестве Мясоедова.
В работе проводится детальный анализ творческого наследия указанных художников, исследуется влияние их произведений на развитие и формирование представлений о русской крестьянской жизни, а также анализируется их вклад в историю искусства.
Иван Николаевич Крамской и его творчество
Иван Николаевич Крамской (1837—1887) был известным художником и теоретиком искусства, и именно он был идейным вождем Товарищества передвижных выставок.
Философия искусства Крамского
Крамской отличался от многих других художников своего времени. Он отстаивал идею, что художник должен быть не только мастером своего дела, но и гражданином и общественным деятелем. Более того, главна задача его творчества была борьба за высокие общественные идеалы. Крамской боролся против так называемого «чистого искусства», утверждая, что искусство должно служить обществу, а не оставаться уделом элиты..
Портретная живопись Крамского
В творчестве Ивана Николаевича главное место занимала портретная живопись. Он создал множество портретов русских писателей, художников и общественных деятелей, которые сегодня являются настоящими шедеврами. Среди них – портреты Льва Толстого, Салтыкова-Щедрина, Некрасова, Шишкина и других. Наиболее знаменитым портретом, созданным Крамским, является портрет Льва Толстого – взгляд которого ученых текуч и человечества.
Художественные работы Крамского
Одной из наиболее известных картин Ивана Николаевича является «Христос в пустыне». За эту работу художник получил заслуженную славу и почести. Шедевральное полотно исполнено с огромной душевной глубиной и философией.
Вывод
Из творчества Ивана Крамского становится понятно, что работа художника – не просто создать красивое полотно, но и сквозь него передать глубокое смысловое содержание и бороться общественным идеалам.
Исследование пейзажей Алексея Саврасова
Алексей Кондратьевич Саврасов (1830—1897) – известный русский художник-пейзажист, внёсший значительный вклад в развитие пейзажной живописи. Его работы повлияли на дальнейшее развитие и популяризацию жанра, а некоторые из них стали прямыми символами русской природы и культуры.
Одним из стоящих открытий в пейзажной живописи стало творчество художников-передвижников. Алексей Саврасов смог передать красоту и лиризм русской природы с её простотой и нежностью. В 1871 году мастер создал несколько своих лучших работ, среди которых «Печерский монастырь под Нижним Новгородом» и «Разлив Волги под Ярославлем». Однако самой знаменитой картиной Саврасова стала «Грачи прилетели», которая давно стала символом России (Третьяковская галерея).
Труд по созданию этой картины проходил в марте в деревне Молвитино, Буйского уезда Костромской губернии. Холодный талый снег, появление весенних грачей на березках, серо-голубое небо, старинные избы и древняя церковь на фоне холодных лугов – все эти детали объединились в восхитительный поэтический образ. Картина создаёт волшебный эффект узнаваемости, не только на месте, где она была написана, но и практически в любом уголке России. В ней настроение становится особым контактом между произведением и зрителем, что было отмечено И. Н. Крамским: «все эти деревья, вода и даже воздух, а одна душа только в «Грачах».
После создания «Грачей», Саврасов продолжил работать над другими интересными пейзажами. Например, его московские пейзажи воплощали бытовую простоту переднего плана и величие перспективных далях. Мастер отлично передавал влажность и светотени в работе «Проселок», создал меланхолический образ «Зимнего пейзажа с инеем» и светозарную картину «Радуга». Эти работы также наделялись своим «настроением» и умели переносить зрителя в атмосферу, созданную художником.
Однако в конце своего творческого пути Саврасову стало сложно сохранять прежнюю яркость и мастерство. Он страдал от алкоголизма и начал жить за счёт копий своих лучших работ, особенно «Грачей». Этот период его жизни свидетельствует о трудностях и утрате былого вдохновения.
Федор Александрович Васильев (1850—1873) был русским художником, чье творчество оставило заметный след в отечественной живописи. Его короткая жизнь проникнута мощным талантом и психологическим драматизмом. Васильеву особенно удавались переходные состояния в природе, отражающие сложную гамму чувств.
Родившись в семье почтового служащего, Васильев начал свое художественное образование в Рисовальной школе Общества поощрения художеств. Он также учился в Академии художеств в 1871 году и работал под руководством И. И. Шишкина в 1866-67 годах.
Первые картины Васильева, такие как «Перед дождем» (1869) и «Вид на Волге. Баржи» (1870), отличались тонкостью световоздушных эффектов и мастерством передачи речной и воздушной влаги. Однако, основной акцент в его работах был сделан на психологической напряженности и сложных чувствах, которые природа вызывала в душе художника.
Наиболее известными работами Васильева являются «Оттепель» (1871) и «Мокрый луг» (1872), которые отличаются меланхолической мглой и озарением. Эти картины можно сравнить с пейзажными мотивами И. С. Тургенева или А. А. Фета.
В переписке с И. Н. Крамским Васильев мечтает о создании невиданных произведений, символических пейзажах-откровениях, которые могли бы исцелить человечество. Однако, его мечты оказались недостижимыми, так как он заболел туберкулезом и переехал в Ялту в 1871 году.
Болезнь и влияние южной природы придали его работам еще большую драматическую напряженность. Особенно заметно это на полотне «В Крымских горах» (1873), где горная дорога тонет в дымке и приобретает безысходный оттенок.
Влияние искусства Васильева было значительным, и его работы предвещали искусство символизма и модерна, а также пейзаж чеховско-левитановской поры.
Творчество Виктора Михайловича Васнецова
Творчество Виктора Михайловича Васнецова (1848—1926) тесно связано с русскими народными сказками и былинами. Именно эти сюжеты были выбраны им в качестве основы для своих картин. Одним из его лучших произведений является цикл работ с изображением богатырей под названием «Три богатыря». На этих картинах перед зрителем оживают любимые герои русского былинного эпоса, богатыри, которые стали защитниками русской земли и родного народа от численных врагов.
Иван Иванович Шишкин и его вклад в русскую живопись
Иван Иванович Шишкин (1832—1898) стал певцом русского леса и олицетворением эпической широты русской природы. Он создал несколько мастерских работ, которые возмутили противоядных шагов вокруг мира истории коопера: «вещьоянђе ясляши». Архип Иванович Куинджи (1841— 1910) привлекал живописная игра света и воздуха. Тайною луна была в редкие облака, а зари дарили наслаждение на украинской стены едрить иатох: в марих сетчиках, як отошло погибели детила! Когдасть утренние лучи перебились через випходний вир, коителе в ред облака, в мышах, в мышах, хорошо закрытых. Вот что было в Москве!
Таинственный свет луны на полотнах Куинджи
Несомненно, одним из основных достижений Архипа Ивановича Куинджи (1841—1910) в его творчестве была живописная игра света и воздуха. На его полотнах запечатлены таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге. Каждое из этих открытий, великолепно воплощенных на его полотнах, поражает своей глубиной и реалистичностью.
Постепенное совершенствование в работах Ивана Шишкина
Ранние работы Ивана Шишкина («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характеризуются некоторой дробностью форм. В этих произведениях, он придерживался традиционного построения картины, четко разделяя планы, но пока еще не достигал убедительного единства образа. Однако в таких работах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство уже становится очевидной реальностью. За счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, Шишкин создавал целостное изображение, которое поражало своей гармонией и красотой. Особое внимание следует обратить на его восприятие и воссоздание почвы, в которых Шишкин был по-настоящему мастером и не имел себе равных в русском пейзажном искусстве.
| Виктор Михайлович Васнецов | Иван Иванович Шишкин | Архип Иванович Куинджи |
|---|---|---|
| Русские народные сказки и былины | Русский лес и природа | Игра света и воздуха |
| Цикл «Три богатыря» | Работы: «Вид на острове Валааме», «Рубка леса», «Полдень. В окрестностях Москвы» | Таинственный свет луны, зарево на стенах украинских хат, утренние лучи |
Выводы
Таким образом, работы Виктора Михайловича Васнецова, Ивана Ивановича Шишкина и Архипа Ивановича Куинджи обогатили русскую живопись своими уникальными темами и техниками. Каждый из этих художников внес свой вклад в развитие и совершенствование русского искусства, создавая произведения, которые до сих пор остаются великими достижениями национальной культуры.
Исследование образов природы в творчестве Ивана Шишкина
В 1870-е гг. мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея).
Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу.
Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева.
Шишкин — замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы.
С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина — такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя…» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская галерея) — воспринимаются как обобщенные, эпические образы России.
Художнику одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе — там же).
Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни. Плодотворно работал также в области офорта.
Педагогической деятельностью занимался мало (в частности, руководил пейзажной мастерской Академии художеств в 1894-95), но имел в числе своих учеников таких художников, как Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин.
Его образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой поэтический резонанс (недаром Шишкин принадлежал к числу любимейших художников А. А. Блока).
В Елабуге открыт дом-музей художника.
Влияние передвижников и появление новых направлений в изобразительном искусстве
К концу XIX века влияние передвижников в русском изобразительном искусстве начало уменьшаться. В это время появились новые художественные направления, которые привнесли свежий взгляд на искусство. Картины Валентина Александровича Серова и Исаака Ильича Левитана в портретной и пейзажной живописи соответственно, были созвучны французской школе импрессионизма. Они сочетали русские художественные традиции с новыми изобразительными формами, создавая уникальный стиль.
Исаак Ильич Левитан, ученик Александра Саврасова, достиг вершины своего творчества в русской пейзажной живописи XIX века. Он был мастером спокойных и тихих пейзажей, отражающих его внутреннее состояние. Левитан был робким и стеснительным человеком, который находил покой и вдохновение только наедине с природой. Он мог полностью погрузиться в настроение пейзажа и передать его на холсте.
Однажды Левитан приехал на Волгу, чтобы запечатлеть солнце, воздух и просторы реки. Однако, погода не благоприятствовала его планам: небо было покрыто бесконечными тучами, дожди не прекращались. Вначале художник нервничал, но затем он обнаружил особую прелесть в сизо-сиреневых красках русского ненастья. С тех пор Верхняя Волга и городок Плес стали неотъемлемой частью его творчества. Левитан создал множество «дождливых» работ, таких как «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Он также написал умиротворенные вечерние пейзажи, включая «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».
В последние годы своей жизни Левитан обратил внимание на творчество французских художников-импрессионистов, таких как Эдуард Мане, Клод Моне и Камиль Писсарро. Он понял, что у него с ними много общего, их творческие поиски шли в одном направлении. Подобно им, Левитан предпочитал работать на открытом воздухе, чтобы передать свет, воздух и движение в своих работах. Он также светлил палитру, избегая темных красок, и стремился запечатлеть мимолетность бытия. Однако, в отличие от французских импрессионистов, Левитан сохранял объемные формы в своих работах, не растворяя их в световоздушных потоках.
Картины Левитана требуют медленного рассматривания. Они скромны и точны, подобно чеховским рассказам. Чем дольше вглядываешься в них, тем больше они приковывают внимание и передают тишину провинциальных посадов, рек и проселков, становясь все милее.
Творческий расцвет И.Е. Репина, В.И. Сурикова и В.А. Серова
Вторая половина XIX века была временем творческого расцвета великих художников Ильи Ефимовича Репина, Василия Ивановича Сурикова и Валентина Александровича Серова. Эти художники принесли свои неповторимые вклады в развитие русского искусства и оставили неизгладимый след в его истории.
Илья Ефимович Репин
Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в г. Чугуеве, в семье военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А.Врубеля, В.А.Серова).
Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из путешествия, он использовал для картины «Бурлаки на Волге» (1872).
Она произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров. Критикуя сторонников «чистого искусства», он писал: «Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится на холст; действительность слишком возмутительна, чтобы со спокойной совестью вышивать узоры,— предоставим это благовоспитанным барышням». Репин стал знаменем передвижников, их гордостью и славой.
Репин был очень разносторонним художником. И. Е. Репин был замечательным мастером во всех жанрах живописи и в каждом сказал свое новое слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех ее проявлениях. Он показал народ в труде, в борьбе, прославил борцов за свободу народа. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Лучшим произведением Репина в 70-е годы была картина «Бурлаки на Волге». Картина была воспринята как событие художественной жизни России, она стала символом нового направления в изобразительном искусстве. Репин писал, что «судья теперь мужик, а потому надо воспроизводить его интересы». Пожалуй, не меньшее впечатление, чем «Бурлаки», производит «Крестный ход в Курской губернии». Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки — все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и боль России.
Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика («Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»).
Революционеры на его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов. На картине «Отказ от исповеди» приговоренный к смерти словно бы нарочно спрятал руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.
Репин, Суриков и Серов: Великие русские художники
В русской истории искусства особое место занимают Василий Иванович Суриков, Илья Ефимович Репин и Валентин Александрович Серов. Эти три художника являются великими мастерами своего времени и оставили неизгладимый след в истории живописи. Их творчество отличается талантом, мастерством и глубоким пониманием русской души.
Репин: Исторические сюжеты и портреты ученых, писателей и композиторов
Илья Ефимович Репин, известный русский художник, прославился своими полотнами, посвященными историческим событиям. В его работах можно найти такие известные произведения, как «Иван Грозный и его сын Иван» и «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану». Ряд этих полотен погружает нас в исторические эпохи и передает атмосферу прошлого.
Рядом с историческими сюжетами Репин создал портреты выдающихся личностей своего времени. Среди них были ученые, писатели, композиторы и художники. Своим кисточкой Репин запечатлел таких известных деятелей, как Пирогов, Сеченов, Толстой, Тургенев, Глинка, Мусоргский, Крамской и Суриков. В этих портретах он передал не только внешность, но и психологическую характеристику каждого персонажа, их величие и вклад в искусство и науку.
Одним из важных заказов Репина стало создание картины «Торжественное заседание Государственного совета». Это полотно стало настоящим испытанием для художника, ведь на нем нужно было изобразить огромное количество присутствующих и передать их психологическую характеристику. Среди них были высокопоставленные деятели, такие как С. Ю. Витте, К. П. Победоносцев и П. П. Семенов-Тян-Шанский. На полотне можно также заметить Николая II, хотя его изображение незаметно, но чутко выписано Репином.
Суриков: Магия истории, яркие характеры и мастерство цвета
Василий Иванович Суриков, родившийся в Красноярске, стал одним из самых известных русских художников. В его творчестве особое место занимают исторические картины, созданные им в 80-е годы XIX века. Среди них наиболее известны «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова». Эти произведения стали вершиной русской и мировой исторической живописи, в них Суриков передал величество русского народа и его трудную судьбу.
Суриков был не только мастером композиции и психологических характеристик, но и прекрасным колористом. В его работе прослеживается умение передавать цвета и создавать яркие образы. Например, на его полотне «Боярыня Морозова», снег ослепительно свеж и искрящся, а если приблизиться к нему, можно увидеть, что он состоит из разных оттенков синего, голубого и розового. Этот прием в изобразительном искусстве, когда разные мазки сливаются и создают нужный оттенок, широко использовали французские импрессионисты.
Серов: Портреты как главное достижение
Валентин Александрович Серов, сын композитора, проявил себя как талантливый художник в различных жанрах и направлениях. Его пейзажи и полотна, посвященные историческим событиям, были высоко оценены. Однако, настоящим его достижением стали портреты.
Портреты Серова уникальны и передают индивидуальность каждого изображенного человека. Он умел отразить их самобытность, выразить их черты характера и эмоции. Благодаря этому, его портреты стали настоящими произведениями искусства и принесли ему славу.
Таким образом, работы Репина, Сурикова и Серова являются важным наследием русского искусства. Они не только передают исторические события и образы, но и затрагивают глубинные темы русской души. Художественное мастерство этих великих мастеров остается невероятным и неподвластным времени.
Введение
Антон Серов — выдающийся русский художник-портретист и педагог. Он прославился своими портретными работами, которые отличались яркостью и выразительностью. Особое место в его творчестве занимают портреты детей, которые обладают особой нежностью и душевностью. В данной работе мы рассмотрим две его знаменитые картины — «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем».
Девочка с персиками
В 1887 году Серов отдыхал в Абрамцеве, где находилась дача мецената С. И. Мамонтова. Однажды после обеда он задержался в столовой вместе с 12-летней Верушей Мамонтовой. Веруша не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа заняла месяц, и Веруша чувствовала раздражение от того, что ей приходилось так долго сидеть за столом.
В начале сентября картина была закончена. «Девочка с персиками» поразила своей просторностью и светотой. В ней было много света и воздуха, а девочка, присевшая за стол, зачаровывала своим ясным и одухотворенным взглядом. Картина была оценена как одна из лучших портретных работ в русской и мировой живописи.
Девушка, освещенная солнцем
На следующий год Серов написал портрет своей сестры Марии Симонович, который получил название «Девушка, освещенная солнцем». Несмотря на немного неточное название, на картине было изображено утро, солнце, лето, молодость и красота. Картина прекрасно передавала атмосферу и настроение утра, а освещенная солнцем поляна на втором плане добавляла картины глубину и объем.
Влияние Серова
Серов стал известным портретистом и его работы были востребованы среди знаменитостей того времени. Он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где передавал свои знания и опыт молодым художникам. Многие из них стали выдающимися мастерами благодаря его влиянию.
Заключение
Антон Серов оставил свой след в истории русской живописи. Его портреты, особенно «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем», до сих пор вызывают восхищение своей красотой и выразительностью. Он был не только талантливым художником, но и прекрасным педагогом, передававшим свои знания и опыт следующему поколению художников.
Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова, «передвижников» попали в собрание Третьякова. Павел Михайлович Третьяков (1832—1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг. собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры.
В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX в.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Русское изобразительное искусство, проникнутое передовыми идеями того времени, служило великой гуманной цели — борьбе за освобождение человека, за социальное переустройство всего общества.
В целом в первой половине XIX века Россия добилась впечатляющих успехов в области культуры. В мировой фонд навечно вошли произведения многих русских художников. Завершился процесс формирования национальной культуры.
На рубеже XIX-XX вв. модернистские поиски привели к складыванию группы художников, объединившихся вокруг журнала «Мир искусства» (А.Н. Бенуа, К.А. Сомов, Е.Е. Лансере, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих, И.Э. Грабарь и др.).
«Мир искусники» провозгласили новые художественно-эстетические принципы, противостоявшие реалистическим воззрениям передвижников, и склонность академизма. Они пропагандировали индивидуализм, свободу искусства от социальных и политических проблем. Главное для них — красота и традиции русской национальной культуры. Особое внимание они уделяли возрождению и новой оценке наследия прошлых эпох (XVIII — начала XIX в.), а также популяризации западноевропейского искусства.
В начале XX в. возник «русский авангард». Его представители К.С. Малевич, Р.Р. Фальк, М.З. Шагал и другие проповедовали искусство «чистых» форм и внешней беспредметности. Они были предшественниками абстракционизма и оказали огромное влияние на развитие мирового искусства.
Список литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/arhitektura-i-jivopis-veka/
История СССР: Учеб. для 9 кл. сред. шк. — 6-е изд. дораб. — М.: Просвещение, 1992 г.
История России. Учеб. — М.: «Проспект», 1997 г.
История России, конец XVII — XIX в.: Учеб. для 10 кл. общеобразоват. учреждений / Под ред. А. Н. Сахарова. — 4-е изд. — М.: Просвещение, 1998 г.
Электронная энциклопедия Кирилла и Мифодия, 2001 г.
