Исследование педагогического творчества в свете научной подготовки и духовного развития
Уровень научной подготовки и духовное развитие играют важную роль в определении творческой профессиональной деятельности педагогов. Это мнение является общепризнанным среди ученых, занимающихся проблемами педагогического творчества.
Степень научной подготовки оказывает существенное влияние на творческую деятельность педагога. Чем выше уровень научной подготовки, тем глубже педагог понимает методы и технологии обучения, развития и воспитания. Научная подготовка предоставляет педагогу инструменты для целенаправленного и эффективного взаимодействия с обучающимися. Это позволяет педагогу осуществлять творческие подходы в образовательном процессе и повышать качество образования.
Духовное развитие является неотъемлемой частью творческой профессиональной деятельности педагога. Оно включает в себя опыт, ценности, нормы и традиции, которые формируются и развиваются в процессе жизни и работы педагога. Духовное развитие педагога способствует его способности видеть и понимать потребности обучающихся, создавать атмосферу взаимопонимания и поддержки, применять инновационные подходы и технологии, поощрять креативность и саморазвитие учеников. Оно также помогает педагогу развивать эмоциональную устойчивость и этические принципы, необходимые для профессиональной работы.
Опыт прошлого играет значительную роль в процессе формирования духовной культуры. Он представляет собой синтезированное содержание опыта конкретного народа, который в прошлом уже был усвоен. Однако, новые знания и опыт частично трансформируют старый опыт, при этом сохраняя его как ценный инструмент для педагогического творчества.
Роль живописи в развитии творческих способностей и мастерства
Живопись является высшим искусством, способствующим развитию творческих способностей и мастерства. Она также выступает как наука, обучающая мыслить формой и цветом, изучать технику и технологию взаимодействия различных красок на практике, а также изображать пластическую структуру предмета в трехмерном пространстве.
Программа по живописи основана на использовании лучших традиций и опыта мировой и Казахской реалистической школы. Она направлена на углубленное изучение натуры человека и окружающих предметов. Постепенно усложняющаяся последовательность в процессе обучения позволяет сочетать изучение многообразия натуры с ее художественно-образной трактовкой на плоскости холста.
Основная цель курса живописи
Изучение свойств взаимодействия разных цветов, а также цветово-колористического и тонового сочетания. Курс также основывается на овладении мастерством работы кистью и красками разных размеров и сложностей. Он направлен на развитие художественного видения студентов, овладение знаниями и закономерностями живописи при изображении окружающего нас мира. Программа также стремится развить образно-ассоциативное мышление и творческие способности, необходимые для создания больших произведений монументального искусства в будущем.
Развитие живописи в России конца XIX — начала XX века
... ённым шрифтам и орнаментам в графике. Цель нашей работы – показать в тесной связи с историко-социальной проблематикой времени процессы развития живописи конца XIX – нач. XX вв. Для достижения ... круг предметов культа и стала рассматриваться как предмет искусства. Первым научным собирателем и толкователем русской иконы по праву надо назвать попечителя переданной Москве Третьяковской галереи ...
Развитие навыков и творческого мышления через этюды и поиски компоновки
Изучение живописи начинается с выполнения этюдов головы человека (мужской и женской).
На более поздних курсах, при переходе к фигурам, предварительные поиски компоновки на холсте приобретают большое значение. Перед выполнением каждого задания предлагается создать небольшой этюд, в котором необходимо решить проблемы композиции и компоновки.
Таким образом, исследование педагогического творчества показывает, что научная подготовка и духовное развитие являются важными аспектами в определении уровня профессиональной творческой деятельности педагогов. Живопись, как самостоятельное искусство, играет существенную роль в развитии творческих способностей и мастерства у студентов. Программа по живописи включает в себя не только изучение техники и технологии обработки красок, но и развитие образно-ассоциативного мышления и навыков композиции. Все это способствует формированию качественного образования и подготовке учеников к созданию монументальных произведений искусства в будущем.
ГЛАВА I. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЖИВОПИСИ
- 1.1 История развития мировой живописи
Искусство старо, как мир — начало его теряется в глубокой древности. Лишь только люди объединились в общества, создали религию, образовалось и искусство, одним из первых проявлений которого была живопись.
Живопись: искусство воплощения действительности
Среди всех видов изобразительного искусства живопись пользуется у зрителей наибольшей популярностью. Если произведения скульптуры представляют собой объёмные тела, а графики – большей частью чёрно-белые рисунки на листах бумаги, то живопись воплощает образы действительности в их красочном богатстве и блеске с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность.
Образы живописи очень наглядны и убедительны для воспринимающего их зрителя. Ей доступно воспроизведение на плоскости объёма предметов, их материальной плоти, глубины изображаемого пространства, окружающей предметы световоздушной среды, впечатляющих эффектов освещения.
1.2 Основные задания на пятом курсе
На пятом курсе, завершающем курс живописи, студенты должны выполнить несколько сложных постановок. Практическое изучение законов живописи продолжается работа над групповыми постановками. Большое значение приобретает передача пространства цветом и тоном, влияние света, особое внимание уделяется связи двух и нескольких фигур, цельному решению в пластике, цвета и тона.
Каждое задание должно начинаться с разъяснения цели и задачи постановки, а также пути их преодоления. Практическая работа студентов над заданием начинается с выполнения композиционных эскизов в карандаше, для нахождения наиболее грамотного решения поставленной задачи эскиза постановки в цвете, подготовительного рисунка на бумаге (картон) и самого этюда в заданном размере. Задание выполняется поэтапно в присутствии руководителя курса.
Доклад (на педагогический совет школы) «Что такое гравюра?» ...
... трудовому люду его быт, украшали жильё. Развитие гравюры шло параллельно развитию живописи, но своим особым путём. Не ... торцовая гравюра исправно служила пропаганде изобразительного искусства, являясь основным способом репродукцирования, развитию книжного искусства и искусства графики. ... бумаги и проглаживают его косточкой – фальцовкой. Рисунок переходит на бумагу. Ксилография сразу получила большое ...
Основные задачи композиции и колорита выполняют важную роль в подготовительном картона для живописи, необходимом для специализации Станковая живопись. На четвертом курсе основным заданием является фигура человека одетая и обнаженная, углубляются общие живописные задачи цвета и тона фигуры.
Введение
Живопись — это один из первых искусств, появившихся ещё в период позднего палеолита. Все виды изобразительного искусства нашли своё начало в предысторические времена, когда первобытные художники начали оставлять рисунки на камнях и стенах пещер. За тысячи лет живопись совершила огромный путь и на сегодняшний день остается одним из самых значимых искусств, воплощающим в себе богатейшее многовековое наследие.
Сюжет и образы в живописи
Идейное содержание произведения живописи обычно конкретизируется в сюжете. Иногда сюжет представляет собой развёрнутое повествование, часто заимствованное из какого-либо мифологического, легендарного или литературного источника. Живописец претворяет сюжет живописными пластическими средствами (композиция, рисунок, цвет, ритм и т.д.) и дает изображаемому событию свою оценку.
Время и динамика в живописи
Принято считать, что живописец может запечатлеть лишь определённый момент, как бы остановившееся мгновение. Однако живопись способна передать и ощущение временного развития. Это достигается особой ритмической организацией изображения, композиционными построениями, динамикой цвета, распределением светлых и тёмных пятен на плоскости картины, характером линий, способом наложения мазков и т.д.
Полнота охватываемых живописью явлений действительности проявляется также в обилии присущих ей жанров. По своему практическому назначению живопись разделяется на монументальную.
Существует множество разновидностей живописи, каждая из которых имеет свои отличительные особенности, специфику воплощения художественных образов и ситуацию применения. Среди наиболее известных разновидностей живописи можно выделить пейзажную, портретную, историческую, натюрмортную, баталистическую, станковую, театрально-декоративную, декоративную роспись предметов домашнего обихода, иконопись, миниатюру, диораму, панораму, стиль плоскостного рисования.
Первобытный человек, прежде всего — охотник, вдохновлялся окружающей средой, природой, богатым животным миром и охотой. Рисунки первобытного искусства были схематичными и статичными. В течение тысячелетий, благодаря усовершенствованию техники исполнения, рисунки становились более выразительными, а живые образы начали получать динамику.
Период высшего расцвета первобытного искусства наступил в эпоху мадлен (15-8 тысячелетия до н. э.).
Мамонты, северные олени, бизоны, кабаны — живые образы животных стали объемными, находятся в характерных позах и передают движение. В более поздние этапы развития первобытной культуры (мезолит, неолит и эпоха распространения первых металлических орудий ) живопись всё больше развивается — в рисунках сохраняются черты схематизации и увеличивается количество изображений людей в событийной обстановке, рисунки становятся более динамичными и выразительными.
Об искусстве и художниках
... их из виду. С другой стороны, художники лишь изредка обращались к тем категориям красоты и выразительности, которыми определяется отношение к искусству наших современников. Конечно, так было не ... фильмы, забыв о предрассудках, но почему-то тащат их за собой на выставку современного искусства. иллюстрация 11 Он хотел показать ее вздорную агрессивность, наглую дурь. Иначе ...
За тысячи лет своего существования живопись прошла большой путь от начальных стадий в интерпретации первобытного человека к современным формам и стилям. Несмотря на разнообразие разновидностей живописи, каждая из них отличается высоким уровнем мастерства и уникальной спецификой исполнения. Искусство первобытной эпохи послужило основой для дальнейшего развития мирового искусства. На протяжении столетий живопись в своем развитии претерпевала множество изменений. Еще древние египтяне изображали на стенах храмов и дворцов различные бытовые сценки, животных, растения. Это были первые шаги бытового жанра.
Искусство Древнего мира
В I веке до н.э. — IV веке н.э. на территории Египта на лица умерших стали класть не маски, как раньше, а портреты, написанные на досках или холстах красками, растертыми на воске (такая техника живописи называется энкаустикой).
Энкаустика – это живопись красками, где главным связующим звеном был воск. Так в живописи возник портретный жанр. Эти портреты стали называть фаюмскими — от Фаюмского оазиса в Египте, где они впервые были найдены. Изображения выполняли ритуально-магические функции.
Вазопись — искусство украшать росписями поверхность ваз — была развита в Греции с незапамятных времен. Именно тогда родился мифологический жанр. Такие вазы назывались чернофигурными. С конца VI в. до н.э. распространился новый прием росписи ваз: фигуры стали светлыми, так как фон между ними покрывался черным лаком. На краснофигурных вазах образы мифологии в значительной мере уступили место жанровым и бытовым сценам, точно схваченным и запечатленным художником.
Искусство Древнего Рима
Созданные в Древней Греции замечательные произведения искусства являлись высочайшим достижением человеческого гения и оказали огромное влияние на искусство народов всех последующих веков. Такое же грандиозное впечатление оставляет и искусство Древнего Рима. Художники Древнего Рима любили создавать живописные портреты (в технике восковых красок).
Яркого расцвета в Риме достигла и фресковая живопись. Многие стены жилых домов и общественных зданий в Риме внутри были сплошь покрыты фресками. Нередко фрески представляют собой выразительные, полные красоты и очарования орнаменты из стеблей, цветов, фигурок людей, сюжетные картинки на темы греческих и римских мифов, на темы произведений античных поэтов.
Мозаика и искусство в Древнем Риме
Широко применялись в искусстве Древнего Рима мозаика и прикладное искусство. Римские мозаичисты, используя мелкие кубики, вырезанные из разноцветных камней или отлитые из стеклянной массы, создавали не только сложные орнаменты, но и целые картины, такие же яркие и красочные, как и живописные.
Культура средневековья
Период развития культуры и искусства Западной Европы со времени падения Западной Римской империи (V в.) до начала эпохи Возрождения (XV в.) впервые был назван средним веком итальянскими писателями-гуманистами. Они считали это время диким и варварским в противоположность античности и культуре их времени.
Культура средневековья
Культура средневековья полностью находилась под властью церкви, она формировалась под воздействием церковных христианских представлений о мире. Располагая огромными богатствами, церковь в средние века была главным заказчиком художественных произведений и направляла развитие культуры и искусства в своих интересах. Так, уже в раннем средневековье стали складываться строгие правила, каноны в изображении священных сюжетов, которыми должны были руководствоваться все художники.
Художественно-графический факультет Кафедра живописи «Передача ...
... искусства, а также любовь, интерес и потребность в общении с ним. Он может дать школьникам начальный опыт полноценного художественного творчества. Тема данной дипломной работы: ... задачи: Изучение искусствоведческой и специальной литературы по теме исследования. Раскрытие исторических основ пейзажной живописи. Изучение пейзажных работ художников-пейзажистов и выявление их особенностей и ...
Эпоха Возрождения
Возрождение — новый этап в истории мировой культуры, эпоха расцвета культуры стран Европы в период от средних веков до нового времени (XV-XVI вв.).
Стремление показать духовную и внешнюю, телесную, красоту человека вызывает в эту эпоху горячий интерес к античности, к ее культуре и искусству.
Развитие искусства в Западной Европе
Искусство в Западной Европе имеет богатую историю развития, начиная с эпохи Возрождения. Мастера этого периода, такие как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан Вечеллио и другие, нашли научное обоснование в физике, чтобы создать реалистические и яркие произведения искусства. Особое внимание уделялось выражению перспективы, светотени и передаче цвета. Это привело к созданию великолепного реалистического искусства в Италии.
Однако в XVII-XVIII веках, помимо основных направлений искусства, таких как барокко, классицизм и рококо, сохранялась тенденция к реализму. Реализм проникал во все стили и направления в искусстве и нашел свое высочайшее развитие в произведениях таких гениев, как Веласкес, Рембрандт, Рубенс, Хогарт и другие знаменитые художники.
Западная Европа также отличалась расцветом фламандской и голландской культуры. Фламандские художники, как Рубенс, Ван Дейк, Снайдерс и Иорданс, стремились запечатлеть жизнь во всех ее формах, передавая движение, борьбу и чувственные проявления личности.
Голландские художники, в свою очередь, с любовью искренне изображали жизнь своей маленькой страны, показывая интересы, вкусы и переживания ее жителей. Среди них были такие мастера, как Рембрандт, Хальс, Вермер, ван Рейсдал, Терборх и многие другие.
Живопись в искусстве Франции
Живописцы изучают и используют в своем искусстве перспективу, светотень, анатомию, начинают передавать объем в изображениях и писать масляными красками на холсте. Яркие представители — Эль Греко, Франсиско Сурбаран, Веласкес, Франсиско Гойя.
Во Франции царствование Людовика XIV (1643-1715) явилось торжеством неограниченной королевской власти. Для удобства управления художественным творчеством в это время создаются различные академии наук, живописи, скульптуры, музыки, танца и т.п. В это время начинает складываться французское просвещение. Искусство начинает выражать интересы более широких социальных групп общества. Это обусловливает переакцентировку жанров в живописи: на смену историческому жанру приходят портрет, пейзаж, бытовой жанр.
Изящным и поэтичным представляется творчество Антуана Ватто (1684-1721).
Произведения блестящего мастера живописи соединяют в себе черты придворного стиля, реалистического отображения действительности и поэтически-философского осмысления жизни.
Со смертью Людовика XIV наступает закат французского абсолютизма и его культуры. Показная роскошь, излишества и изнеженность придворной жизни находят выражение в искусстве стиля рококо. Ярким представителем этого стиля был Франсуа Буше (1703-1770), для которого характерны внешне красивые, но бездумные, игривые, празднично-декоративные живописные композиции.
Романтизм в живописи и литературе русских художников и поэтов ...
... романтиками тема в литературе, получила свое развитие и в творчестве художников, а так как я увлеклась живописью, мне захотелось соединить поэтов и художников, ... искусство «дает только намек, является лишь мостом между душою художника и душою зрителя». Известные художники - романтики Западной Европы первой половины XIX века: ... человеческой индивидуальности; взгляд на жизнь «сквозь призму сердца»; ...
На фоне произведений Буше резко выделяется правдивое, реалистическое искусство замечательного французского художника Жана Батиста Симеона Шардена (1699-1779).
Одним из самых знаменитых художников Франции конца XVIII — начала XIX в. был живописец Жак Луи Давид (1748-1825).
Проникнувшись глубокой любовью к античному искусству, художник становится приверженцем чёткого, реалистического рисунка, строгой, ярко выраженной композиции, гражданского пафоса искусства, революционной борьбой народных масс.
Художником, чье творчество воплотило в себе характерные черты академического классицизма, был один из лучших учеников Давида – Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867).
Выводы
Искусство живописи во Франции отражало исторические, социальные и культурные изменения. Начиная с интересов придворных кругов в эпоху Людовика XIV, оно перешло к более широкому выражению интересов общества. Разнообразие жанров и стилей, от стиля рококо до романтизма, позволяли художникам выразить самые разнообразные идеи и эмоции. Каждый художник внес свой вклад в развитие французской живописи, создавая произведения, которые стали наследием и вдохновением для многих поколений.
Теодор Жерико (1791-1824)
Это направление в европейском искусстве характеризуется образами сильных, ищущих героев, не удовлетворённых действительностью. Особенностью художников-романтиков является их повышенный интерес к колориту. Манера их письма значительно свободнее, смелее, непринуждённее, чем у представителей академизма.
Эжен Делакруа (1798-1863)
Делакруа писал картины на острые современные темы и на сюжеты, взятые из литературы, истории, мифологии; знаменитый мастер оставил ряд портретов, натюрмортов, пейзажей.
Пейзажная реалистическая школа
В 30 – 60-е годы ХIХ в. во Франции формируется пейзажная реалистическая школа. Теодор Руссо (1812-1867), Жюль Дюпре (1811-1889) и другие обратились к правдивому изображению родной природы. В основном живописцы писали в окрестностях небольшой деревушки Барбизон, неподалёку от Парижа, и потому получили название барбизонцы.
Камиль Коро (1796-1875)
С огромной любовью и тонким поэтическим чувством Коро пишет тихие часы восхода и заката солнца, туман, обволакивающий густым молоком всё вокруг, серые, быстро несущиеся облака на небе, порыв ветра.
Гюстав Курбе (1819-1877)
Герои произведений Курбе — простые люди из народа, труженики, друзья художника. Выбор персонажей, содержание сюжетов, художественная трактовка героев произведений, далеких от идеализации, парадности, романтического отрыва от реальности, вызвали резко негативную реакцию, открыто враждебное отношение правящей верхушки общества. Во Франции были запрещены его выставки.
Французское искусство в последней трети XIX в.
В последней трети XIX в. французское искусство развивалось в других условиях, чем в предыдущий период. В 1871 г. начинается полоса реакции, которая лишь в конце столетия сменилась новым подъемом рабочего и демократического движения. В период реакции искусство постепенно утратило свою критическую революционную направленность, пропал интерес к показу труда и жизни простых людей.
Импрессионизм в западноевропейском искусстве XIX века
Импрессионизм — это одно из крупных направлений в художественной живописи западной Европы XIX века. Основное стремление художников-импрессионистов заключалось в передаче первых зрительных впечатлений от реальности. Они внесли большой вклад в развитие художественных средств реалистической живописи, пытаясь передать все нюансы воздуха, освещенности, погоды.
Для этого импрессионисты изучали характер освещения в разное время суток и влияние света на цвет. Они также впервые начали писать на открытом воздухе, что стало известным как пленэр. В искусстве импрессионистов преобладает пейзаж, который наполняется солнечным светом и трепетом воздуха. Сцены городской и сельской жизни изображены яркими и праздничными красками.
Самыми яркими представителями импрессионизма являются Эдгар Дега и Огюст Ренуар. Четкая композиция, выразительный холодный колорит и динамичность характеризуют произведения Дега. Ренуара же привлекло любование безграничной и разнообразной красотой действительности, и его картины полны света, воздуха и тонких переливов цветовой гаммы.
Пейзажисты Клод Моне, Камиль Жакоб Писсарро и Альфред Сислей наиболее точно следовали традициям импрессионизма. Клод Моне выражал интерес к мгновенности, впечатлению атмосферы и света, который разливается в ней. В своей работе он использовал серийный метод, чтобы изучить один и тот же объект в разных условиях освещения.
Также существует направление в искусстве под названием постимпрессионизм, к которому относятся Винсент ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн и другие художники. Они критически подошли к принципам импрессионизма и привнесли в искусство свои собственные идеи и техники.
Модернизм в искусстве
Модернизм в искусстве охватил различные формальные течения, такие как живопись, скульптура и графика, в начале XX века. Эти новаторские эксперименты можно объединить под понятием модернизма, что означает современность и инновацию.
Влияние импрессионизма
Ван Гог и Сезанн были художниками, каждый из которых шел своим творческим путем, но их объединило влияние импрессионизма. Они стремились открыть новые пути в искусстве, делать его более монументальным и экспрессивным.
Ван Гог использовал извилистые мазки и захватывающие сгустки, делая поверхность картины неровной. В то время как Поль Гоген рисовал уверенно и спокойно, накладывая краску ровными, крупными пятнами.
Созан использовал сочные и яркие пастозные краски, которые придавали его произведениям особый характер.
Развитие портретного искусства в Англии
В XVIII веке в Англии появилось множество выдающихся художников, которые прославили английское искусство. Один из первых был Уильям Хогарт, чье искусство отличалось острой сатирой. Он также сделал большой вклад в жанр портретной живописи.
На протяжении своего творческого пути Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо стали известными английскими портретистами. Рейнольдс использовал теплый золотистый колорит, отличался крепким рисунком и плотной, красочной живописью. Гейнсборо же был изысканным и поэтичным художником, чьи полотна были характерными жемчужно-серыми и серебристо-голубыми тонами.
Оба художника смогли передать тонкие переживания человека, его нежность и утонченность через свои произведения. Живописная техника Гейнсборо с ее легкими, мерцающими мазками создавала атмосферу поэзии и гармонии.
Именно благодаря выдающимся английским художникам возникла широкая популярность жанра портретной живописи во всей Европе в XVIII веке.
Модернистское искусство представляет собой попытку передачи субъективных ощущений и эмоций через формы и цвета, уходя от реалистических изображений и социальных проблем современности. Одним из первых формалистических направлений был кубизм, в котором художники сводили богатство форм и явлений предметного мира к геометрическим объемам. Отказ от передачи реальности и социального содержания также присутствует в абстракционизме, в произведениях художников которого отсутствует предметная действительность.
Тем не менее, в модернистском искусстве ХХ века были художники, стремившиеся к связи с реальной жизнью и решению социальных проблем. Так, Альберт Марке искал ясность и поэтичность в своем взгляде на мир, а Анри Матисс создавал жизнерадостные полотна, выражающие его восхищение красотой природы. Пабло Пикассо также уделял внимание социально-философским и эстетическим проблемам современности, постоянно ища новые средства художественной выразительности, отражающие противоречия общества.
XVIII век в России – это время взлета общественного самосознания русского народа, общественной и философской мысли, время расцвета градостроительства и искусства. Особенно бурно начало развиваться искусство в начале столетия, в Петровскую эпоху, когда культура стала утверждаться как светское, реалистическое искусство.
Характерной особенностью Петровской эпохи является пробуждение особого интереса к личности человека, веры в его силу и огромные возможности. Это определило бурный расцвет портретной и исторической живописи. Живопись второй половины XVIII века связана с именами таких известных портретистов, как Ф.С.Рокотов, создавший множество одухотворенных образов современников, Д.Г. Левицкий, автор прекрасных парадных и камерных портретов, передающих цельность натуры моделей (портреты воспитанниц Смольного института, 1773-1776), В.Л. Боровиковский, чьи удивительно лиричные женские портреты до сих пор восхищают зрителей.
Как и в европейском искусстве, главным героем в русской портретной живописи первой половины XIX века становится романтический герой, необыкновенная личность с многогранным характером. Ярким художником- романтиком был портретист О.А. Кипренский (1782-1836).
Герои Кипренского- люди с благородной душой, искренними чувствами.
Расцвету русского искусства XVIII в. способствовало создание в 1757 г. Академии художеств в Петербурге.
Развитие реализма в русской живописи
1860-1870-е годы — период, в котором происходило становление реализма в русской живописи, особенно это проявилось в творчестве художников передвижников. Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) было основано в 1870 году, а первая выставка прошла в 1871 году. Демократическое искусство стало широко обсуждаться общественностью к началу 1870-х годов, а заслуги в его поддержке принадлежат таким теоретикам и критикам, как И.Н. Крамской, В.В. Стасов, и благодаря материальной поддержке П.М. Третьякова, который в это время начал активно приобретать произведения новой реалистической школы.
Искусство передвижников: Народность и широта тематики
Искусство передвижников представляло собой важное культурное явление новой школы художников, отражавшее потребность в изображении актуальных тем и событий. Основная деятельность Товарищества передвижников (ТПХВ) охватила период с 1870-х по начало 1890-х годов.
Основная цель программы народности искусства, поставленная перед художниками передвижниками, заключалась в изучении различных аспектов народной жизни через художественное творчество. Они стремились отразить истинные черты и события, характерные для обычной жизни. Многие из их работ были выполнены с критической тенденцией, направленной на вызов и провокацию (например, «Земство обедает» Г.Г. Мясоедова, 1872 года; «Встреча иконы» К.А. Савицкого, 1878 года).
Предвижники отошли от характерного для искусства 1860-х годов критического пафоса и упора на представление социальных злей. Вместо этого они более полно раскрывали различные аспекты народной жизни, в том числе и положительные. Они показывали не только нищету, но и красоту быта обычных людей (например, «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» В.М. Максимова, 1875 года).
Они отображали не только страдания, но и силу духа и характера, которые поддерживают людей в дающихся ситуациях (например, «Бурлаки на Волге» И.Е. Репина, 1870-1873 гг.).
Они явно показывали богатство и величие родной природы (произведения А.К. Соврасова, А.И. Куинджи, И.И. Левитана, И.И. Шишкина), героические страницы национальной истории (творчество В.И. Сурикова) и революционного освободительного движения (например, «Арест пропагандиста», «Отказ от исповеди» И.Е. Репина).
Для передвижников характерна стремление охватить различные аспекты общественной жизни, выявить сложное переплетение положительных и негативных явлений действительности. Именно в этом стремлении заключается основополагающая их идея — синтез всех жанровых элементов, формирующих единую картину жизни. Портрет, пейзаж и историческая живопись играют в этом процессе ключевую роль. Таким образом, бытовая картина приобретает больше значение пейзажа, а портретная живопись обогащает его глубиной внутреннего содержания характеров. Также появляется оригинальное явление социально-бытового портрета, который на стыке между типичным портретом и бытовой картиной.
Передвижники разрабатывали отдельные жанры искусства, но в качестве идеала они видели единство и синтез всех жанров, сформированных в хоровую картину.
Искусство и социалистический реализм
Искусство социалистического реализма является творческим методом советского искусства, который подразумевает правдивое и исторически-конкретное отображение действительности в ее революционном развитии. Главная цель этого метода заключается в идейно-эстетическом воспитании трудящихся в духе социализма и коммунизма.
Основывающийся на идеях марксизма-ленинизма, социалистический реализм является реализмом, который служит развитию социалистического общества. Его эстетические принципы включают в себя правдивость, народность и партийность искусства.
Происхождение социалистического реализма
Действующими лицами в искусстве социалистического реализма выступают массы народа. Процесс синтеза, включающий в себя правдивость и историческую конкретность, был осуществлен уже в 1880-х годах художниками И.Е. Репиным и В.И. Суриковым. Их творчество представляет вершины передвижнического реализма.
В произведениях младших передвижников нашли отражение события и настроения, связанные с наступлением новой эпохи классовых битв в преддверии революции 1905 года. Примером такого произведения является фреска «Высота» Дмитрия Жилинского.
Тема труда из жизни рабочего класса была открыта в русской живописи Н.А. Касаткиным с его работой «Углекопы. Смена» (1895 год).
Развитие традиций передвижничества
Развитие традиций передвижничества происходит уже в советское время через деятельность художников Ассоциации художников революционной России (АХРР).
Последняя 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 году.
Революционная борьба народа, человек труда, строительство новой жизни стали основной темой внимания художников новой России и содержанием нового советского искусства.
Искусство социалистического реализма
Имеется многонациональное искусство социалистического реализма, которое воплощено в лучших произведениях советского искусства. Некоторые из них стали классикой живописи и включают работы А.А. Дейнеко, Б.В. Йогансона, А.А. Пластова, Ю.И. Пименова, П.Д. Корина, С.А. Чуйкова, Г.Н. Коржева, Е.Е. Моисеенко, А.А. Мыльникова и других художников.
Новый тип положительного героя
Для искусства социалистического реализма характерен новый тип положительного героя – созидателя, активного борца за совершенствование общественной жизни.
История развития казахстанской живописи
На протяжении жизни многих поколений Казахстан был благословен необыкновенно талантливыми людьми. Однако культура и традиции Казахстана были практически неизвестны за его пределами.
Если окинуть взором всю историю Казахстана станет ясно, почему живопись, очень долго, являлась чуждой материей для жителей этой страны.
Исследование живописцев Казахстана
Народ на территории Казахстана, являясь кочевым народом, не мог себе позволить станковое искусство. Оно зародилось лишь тогда, когда в силу различных обстоятельств осёдлость стала актуальной. Появились первые научные экспедиции на территории Казахстана. А с ними и первые художники станковисты.
Одним из первых в составе первого Хивинского похода побывал в казахских степях В.И. Штернберг (1801-1845г.г).
Впервые увиденные им природа степи, богатство и художественная яркость убранства юрты и национальной одежды, покорили и восхитили художника, оставившего свои впечатления в отчете экспедиции. Для знаменитого путешественника П.П. Семенова — Тяншанского, почетного члена Академии художеств России, коллекционера, творческий труд был неотъемлемой частью всех его многочисленных экспедиций. Он много рисовал с натуры, писал акварелью, пробовал писать маслом. Известна его работа «Укрепление Верное».
В конце XIX- начале XX века Казахстан в разное время посетили знаменитые русские художники: В. Верещагин, П. Кузнецов, Н. Рерих, В. Рождественский. Они создали замечательные полотна на казахстанскую тематику, вошедшие в сокровищницу евразийских памятников художественной культуры. Картина «У дверей мечети» В. Верещагина, «Мираж в степи» П. Кузнецова.
Трудно переоценить значение и роль творчества этих и других художников для становления и развития казахского изобразительного искусства. Используемые ими художественно-пластические и технологические приемы станкового искусства стали тем творческим инструментарием, который впервые применялся для воплощения образов степной культуры.
Одним из родоначальников портретного жанра в Казахстане стал Николай Хлудов, который приехал в Казахстан в конце 70-х годов 19 века, был
Участником этнографических экспедиций, Абылхан Кастеев (1904-1973г.г.) оставил большое количество рисунков и полотен с изображением здешней природы, жанровых сцен и местных лиц. С 1921 г. он руководил первой художественной студией в Алма-Ате.
Имя Абылхана Кастеева дорого каждому гражданину Казахстана. Его именем названы лучший художественный музей страны, художественное училище в г. Шымкенте, школы и улицы казахстанских городов.
Анализ портретов художников Мамбеева, Зальцмана и НурмухамедоваСабур Мамбеев является одним из ведущих живописцев Казахстана. Он отличается способностью передавать глубину и внутренний мир человека в своих портретах. Особенно примечательны портреты молодых красивых девушек, которые создаются с использованием пленэрной живописи и поэтического содержания. Важным аспектом его творчества является использование яркого цветового решения, подчеркивающего красоту моделей. Произведения Зальцмана также отличаются глубиной передачи духовного мира человека. Художник создал целую галерею реалистичных портретов современников, отличающихся натуральностью и выразительностью. Творчество Нурмухамедова представлено своеобразными циклами произведений. Художник стремится передать глубину и особенности индивидуального характера личности в своих портретах. Его поэтические женские образы отличаются особым вниманием к деталям и индивидуальным особенностям каждой модели. |
Исследование произведений художников Мамбеева, Зальцмана и Нурмухамедова показало, что их работы обладают красотой и гармонией, передавая глубину духовного мира человека и вызывая интерес к изучению индивидуальности каждого изображенного объекта.
Таким образом, произведения этих художников представляют значимую и интересную страницу в истории изобразительного искусства Казахстана. Анализ данных произведений позволяет лучше понять и оценить эстетические и эмоциональные аспекты их творчества.
Энергичность письма, материальная весомость произведений художников убедительно передают сильный и своеобразный характер, создавая жизнеутверждающий образ художника. Благодаря сочетанию холодных и горячих тонов, художники достигают неожиданной выразительности и цветовой остроты, что создает богатый смысловой и эмоциональный подтекст произведений, углубляя их психологические качества.
Искусство Казахстана трудно представить без имени Сергея Калмыкова. Его творчество, будучи сплавом поэзии и философии, оставило после себя неповторимый отпечаток, который можно воспринимать только особыми фибрами души. Калмыков не создал собственной стройной теории своего творчества, искусство было для него формой существования, способом освобождения от вулкана одолевавших чувств, мыслей, образов.
установок. Это параллельное и единое с пластическими образами вербальное
пространство, где отдельные строки – лишь стрелки, указывающие путь для
открывшего эту дверь.
Честь открытия Калмыкова принадлежит композитору Е. Брусиловскому. По
заданию наркома просвещения Казахстана Т. Жургенова он поехал в Актюбинск,
чтобы пригласить Алма-Ату гастролировавший там Верхнее-Волжский театр, в
котором работал Калмыков. Брусиловского поразили афиши, автор которых …был
опасным соперником Тулуз-Лотрека, а также двусторонние мягкие портативные
декорации. Так, вместе с театром, в Алма-Ату приехал Калмыков.
Художник прожил здесь тридцать лет. Видимо, он любил этот город – в
его работах много алматинских тем. Но в узнаваемых городских пейзажах, в
пульсации многоцветной живописной массы, особой калмыковской нервности
силуэтов и абрисов, как некий иноязычный акцент живёт отблеск другого мира.
Калмыков не оставил учеников и последователей. Настоящий, серьёзный
интерес к его искусству начал просыпаться только в последнее десятилетие
ушедшего столетья.
С уверенностью можно сказать, что именно с обретением независимости
Республики Казахстан, сокровища казахстанского изобразительного искусства
стали достойной частью культурных достижений человечества.
В произведениях современного искусства Центральной Азии оживает и ищет
возможности адекватного воплощения вековой потенциал духовного опыта её
народов. Внося в технологическое сознание человека конца ХХ века живую
связь тюркской культуры с природой, её выверенные представления о балансе
мира и человека, динамики и статики бытия, о взаимосвязи духовного и
материального существования, художники создают в полотнах свою
“национальную картину”, ”национальную модель мира”.
Тяга к универсальным категориям и свободная планетарность мышления,
свойственная казаху-жителю беспредельных степных просторов, бережная
чуткость к звучанию реальной красоты и прозрение сквозь неё духовной истины
и сакрального смысла земного мира, присущее узбеку, суровая прямота и
верность древнему духу чести киргизского характера, святое сохранение
традиций семьи и социума, уважение к иерархическим ценностям общества
туркмена. Эти и многие другие, качества и нюансы духовной жизни народов
Центральной Азии входят, благодаря искусству, в современные процессы
мировой культурной интеграции. Входят, добавляя к бесконечному многообразию
точек зрения на человечество и его место в мире, свой ракурс, свой вариант
истории и свою версию будущего.
Возможно, духовный опыт этих народов, выраженный в формах
изобразительного искусства, особенно ценен. Не только потребностью
воссоздать и, если возможно, возродить утерянную гармонию человека и
природы. Но и выражением духовной зрелости этносов, обретенной сквозь
череду невосполнимых утрат. Ценен пластическим воплощением сложных путей
национального самосознания, пришедшего через горечь понимания трагедии
родной природы и драмы социальных экспериментов. Живопись не просто
ассимилировала и претворила в творческую практику непростой процесс
динамики национального сознания века, но смогла выразить его особенности с
собой, присущей искусству обостренной силой.
Периоду развития казахской живописи 80-90-х годов присущ интенсивный
характер восстановления “национального космоса”, стремительно нарастающий
поворот к культурной памяти. Содержание художественных исканий во многом
составляет кропотливый, вдумчивый, аналитичный и в то же время страстный
процесс самопознания. Этот процесс возник не только на спонтанном уровне
новых свобод и возможностей искусства, появившихся благодаря политике
перестройки. Усиление национальной идеи в искусстве произошло в результате
обретения государственной независимости, но стало возможным, скорее, в силу
достижения нацией нового этапа духовной зрелости. Адекватно воплотилось в
искусстве благодаря тому, что достигнутый уровень национального
самосознания удачно соединился с ситуацией и возможностями самой живописи,
имевшей за плечами профессиональные качества, наработанные в течение
нескольких десятилетий ускоренного развития.
Этнокультурная самоидентификация продолжает осуществляться посредством
интерпретации устойчивых концептов сознания. Освоение художниками комплекса
традиционных ценностей отмечено в эти годы рядом характерных особенностей,
одна из которых – максимальное углубление в древнейшие истоки, корни,
архаику, попытка найти начало начал национального миропонимания; а другая
связана с предельным расширением сфер претворения и трансформации в
искусстве традиционных понятий и представлений. Увлечение архетипами,
первоначалами и первофеноменами становиться объединяющим признаком живописи
Казахстана.
Специфику и механизм взаимосвязи живописи и традиционной духовности
определяет принципиальность отношения к наследию как к неизменному
внутреннему ядру культуры. Транслируя в творческую практику традиционные
мотивы, понятия, темы, сюжеты, художники подчёркивают концептуальность
своего подхода к реализации национальной идеи как жизненно важного условия
развития национальной духовности на новом этапе самоопределения
