Композиция в дизайне

метки: Композиция, Цветовой, Дизайн, Сочетание, Голубоватый, Беловатый, Коричневый, Предмет

Оптическое смешение

В цветоведении изложены три закона оптического смешения цветов, знание которых необходимо для художников в иx практической работе. Мелкие точки, штрихи или полоски различных цветов, нанесенные на поверхность, с определенного расстояния кажутся однотонными, а различные цвета сливаются в один цвет. Первый закон оптического смещения заключается в следующем: ко всякому хроматическому цвету можно подобрать такой хроматический цвет, который при оптическом смешении с первым в определенном количественном отношении дает ахроматический цвет. Цвета, которые в оптических смесях могут давать ахроматический цвет, называют взаимно дополнительными цветами. Это могут быть лишь строго определенные цвета.

К ультрамариновому дополнительным является лимонно-желтый цвет, к карминно-красному — голубовато-зеленый (цвет изумрудной зелени), к лимонно-желтому — ультрамариновый и к голубовато-зеленому — карминно-красный цвет. Второй закон оптического смешения заключается в том, что при оптическом смешении недополнительных цветов получаются цвета по своему цветовому тону промежуточные между смешиваемыми цветами. При смешении желтого с красным получается оранжевый цвет, при смешении желтого с зеленым синий цвет и т.д. Третий закон оптического смешения заключается в том, что цвета, которые выглядят одинаково, в оптических смесях дают одни и те же результаты независимо от того, каков физический состав световых потоков, вызывающих ощущение этих цветов. «Например, одинаковые по цвету монохроматический оранжевый, длина волны которого 610 мкм. и того же тона оранжевый, составленный из волн 590 и 630 мкм. в оптических смесях с другими цветами дают совершенно одинаковые результаты, хотя в одном случае цвет монохроматический, а в другом сложный» [10].

Таблица 1. Результаты оптического смешения цветов

Фиолетовый	Индиго синий	Голубой	Голубовато-зеленый	Зеленый	Зеленовато-желтый	Желтый
Красный	Пурпурный	Темно-розовый	Беловато-розовый	Белый	Беловато-желтый	Золотисто-желтый	Оранжевый
Оранжевый	Темно-розовый	Беловато-розовый	Белый	Беловато-желтый	Желтый	Желтый
Желтый	Белый	Беловато-розовый	Беловато-зеленый	Беловато-зеленый	Зеленовато-желтый
Зеленовато-желтый	Белый	Беловато-зеленый	Беловато-зеленый	Зеленый
Зеленый	Беловато-синий	Аквамариновый	Голубовато-зеленый
Голубовато-зеленый	Аквамариновый	Аквамариновый
Голубой	Индиго синий

Таблица 2. Результаты смешения красок

Краплак	Киноварь красная	Сиена жженая	Кадмий оран. средний	Охра желтая	Кадмий желтый	Зеленая изумрудная	Ультрамарин	Лазурь	Черная
черная	Темный красновато-коричневый, с легким фиолетовым оттенком	Бордо	Темный коричневый	Темный желто-коричневый, слегка зеленоватый	Темный серовато-коричневый, слегка зел.	Темный желтый зеленовато-мутный	Темный серовато-голубовато-зеленый	Почти черный с синеватым оттенком	Темный синий зеленоватого оттенка	Черный
Лазурь	Темный лиловый	Темный красновато-кор. с фиолетовым оттенком	Очень темный коричневый c оливковым оттенком	Бутылочный	Серовато-зеленый	Зеленый	Голубовато-зеленый бирюзовый	Синий	Синий небесного опенка, слегка зеленоватый
Ультрамарин синий	Фиолетовый	Коричневато-красно-фиолетовый	Темный корич. с виш. оттенком	Серо-желтый коричневатый	Серовато-желтовато-зеленый	Мутный желтовато зеленый	Несколько мутный бирюзовый	Синий, слегка фиол. опенка
Зеленая изумрудная	Почти серый темный	Почти серый темный	Коричневато-серовато-зеленоватый	Мутный зеленоватый	Желто-зеленый	Зеленый голубоватого оттенка
Кадмий желтый средний	Розовато-кор. розовато-желтого оттенка	Оранжевый	Желто-коричневый	Желто-оранжевый	Желтый	Желтый, слегка лим. оттенка
Охра желтая	Розовато -коричневатый	Коричневато-оранжевый	Желто-коричневый	Желто-оранжевый коричневатый	Песочно-желтый
Кадмий оранжевый	Красновато оранжевый	Оранжевый	Оранжевато- коричневый	Желтовато-оранжевый
Сиена жженая	Красно-коричневый	Краснокирпичный	Кор. красн. оттенка
Киноварь красная	Красный	Красный алый
Краплак	Крас. пур. оттенка

Цветные штрихи по локальному пятну цвета фресок Феофани Грека и его учеников свидетельствуют о знании законов пространственного смешения цветов, оживляющего цвет в иконах русской школы. В живописи использовались и будут использоваться приемы оптического смешения цветов, но рассматривать их можно только как один из возможных приемов построения цветового строя или колорита картины.

Однако результаты оптического смешения цветов отличаются от результатов смешения красок, которыми в практике живописи пользуются художники. Результаты оптического смешения цветов приведены в табл.1, результаты смешения красок — в табл.2.

Художники часто применяют в живописи законы оптического смешения цветов. Известно, что в основе творчества постимпрессионистов Поля Синьяка, Жоржа Сера лежат законы оптического суммирования цветов и законы контраста. Ссылаясь на законы оптическою смешения цветов, изложенные в книге Шевреля, Поль Синьяк настаивал на преимуществах оптического смешения цветов в живописи по сравнению с обычным смешением красок. В программной книге постимпрессионизма Поль Синьяк писал: «Всякая материальная смесь ведет не только к затемнению, но и к обесцвечиванию, всякая оптическая смесь, наоборот, ведет к ясности и блеску» [10].

Но, как видно из табл.1, при оптическом смешении дополнительных цветов и близких к ним также происходит обесцвечивание цвета. Законы оптического смешения в практике искусства знали не только постимпрессионисты, но и мастера древней фаюмской живописи, создатели помпейских росписей, мастера венецианской школы живописи Высокого Возрождения, Диего Веласкес и многие другие художники.

Цветовая гармония

Цветовая гармония — важнейшее средство художественной выразительности в живописи наряду с композицией, рисунком, перспективой, светотенью, фактурой и т.д. Термин «гармония» происходит от греческого слова hamionia, что означает созвучие, согласие, противоположность хаосу и является философско-эстетической категорией, означающей «высокий уровень упорядоченного многообразия, оптимальное взаимосоответствие различного в составе целого, отвечающее эстетическим критериям совершенства, красоты» [8].

Цветовая гармония в живописи это согласованность цветов между собой в результате найденной пропорциональности площадей цветов, их равновесия и созвучия, основанном на нахождении неповторимого оттенка каждого цвета. Между различными цветами картины существует очевидная взаимосвязь, каждый цвет уравновешивает или выявляет другой и два цвета вместе влияют на третий. Изменение одного цвета приводит к разрушению колористической, цветовой гармонии художественного произведения и вызывает необходимость изменять все остальные цвета.

Цветовая гармония в структуре живописного произведения имеет также содержательную обоснованность, выявляет творческий замысел автора. Например, Ван Гог писал: «В моей картине «Ночное кафе» я пытался показать, что кафе это место, где можно погибнуть, сойти с ума или совершить преступление. Словом, я пытался, сталкивая контрасты нежно-розового с кроваво-красным и винно-красным, нежно-зеленого и веронеза с желто-зеленым и жестким сине-зеленым, воспроизвести атмосферу адского пекла, цвет бледной серы, передать демоническую мощь кабака — западни» [2].

Проблемами цветовой гармонии занимались различные исследователи — Ньютон, Адаме, Менселл, Брюккс, Бецольд, Оствальд, В.Шугаев и др. Нормативные теории цветовой гармонии в непосредственном виде не применяются в живописи, но художникам, работающим в живописи, дизайне, декоративно-прикладном искусстве, необходимо знать круг научных проблем теории цветовых гармоний, что может способствовать более обдуманному и рациональному подходу к решению практических задач цветовой гармонии. Физики и художники всегда стремились привести все многообразие цветов видимого мира в систему и благодаря систематизации определить закономерности гармонических сочетаний цветовых тонов. Первая попытка принести цвета в систему принадлежала Исааку Ньютону.

Цветовая система Ньютона — это цветовой круг, составленный из семи цветов — красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего, фиолетового. Позднее к спектральным цветам добавили пурпурные цвета, которых нет в спектре, получив их смешением двух крайних цветов спектра — красного и фиолетового. Цвета красно-желтой части круга назвали теплыми, а голубовато-синей части круга — холодными. В этом заключалась первая попытка «гармонизации цветов». В 1865 году художник Рудольф Адамс изобрел «аппарат для определения гармонических цветовых сочетаний» — «хроматический аккордеон». Цветовой аккордеон Адамса состоял из цветового круга, разделенного на 24 сектора, а каждый из секторов был разделен на 6 степеней по светлоте. К цветовому кругу были изготовлены пять шаблонов, в которых были симметрично вырезаны 2, 3, 4, 6 и 8 отверстий по размерам секторов. Передвигая шаблоны с отверстиями, можно было получать различные цветовые комбинации, которые Адамс назвал «симметричными аккордами». При этом Адамс считал, что эти «аккорды» не обязательно могут получиться гармоничными, однако являются основанием для выбора различных гармонических сочетаний цветовых тонов (ил. 1).

Основные принципы цветовой гармонии Адамс сформулировал следующим образом:

1. В гармонии должны быть заметными по крайней мере первоначальные элементы многообразия цветовой области; красный, желтый и синий. Будь они неразличимы, как это было бы в черном, сером или белом цвете, то было бы единство без многообразия, то есть количественное отношение красок.

2. Многообразие тонов должно достигаться также через разнообразие светлого и темного и через изменения в цвете.

3. Тона должны находиться в равновесии таким образом, чтобы ни один из них не выделялся. Этот момент охватывает качественные отношения и составляет цветовой ритм.

4. В больших комбинациях, цвета должны по порядку следовать друг за другом так, чтобы естественная связь по степени их родства имела место, как в спектре или радуге. В следовании тонов выражается движение мелодии цветового единства.

5. Чистые краски следует применять экономно из-за их яркости и лишь в тех частях, на которые глаз в первую очередь должен быть направлен» [10].

Рис. 1

Теория гармонических цветовых сочетаний Адамса имела ценность для практики живописи. Теория цветовой гармонии Альберта Генри Менселла была также непосредственно связана с практикой живописи. Менселл определил три типа гармонических сочетаний цветовых тонов: однотонные гармонии — построенные на одном цветовом тоне различной светлоты, или насыщенности; гармония двух соседних цветов цветового круга, построенные на сближенности, родстве цветов; гармонии, построенные но принципу контраста между цветами, лежащими друг против друга в цветовом круге. Менселл считал, что цветовая гармония будет более совершенной, если художник примет во внимание отношения цветов по насыщенности и соотношение площадей цветовых плоскостей. Немецкий физиолог Брюкке также считал цвета, лежащие в пределах малых интервалов цветового круга, гармоничными из-за их сближенности по цветовому тону. В теории гармонических сочетаний цветовых тонов Брюкке впервые наряду с парными сочетаниями различных цветов выделил триады цветов, которые он считал гармоническими. Гармоническими триадами цветов Брюкке считал красный, синий и желтый, а также красный, зеленый и желтый цвета. По его мнению, к этим трем цветам можно присоединять цвета малых интервалов. Бецольд, так же как Брюкке, строил теорию цветовых гармоний на различиях цветов в пределах малых и больших интервалов цветового круга. Он считал, что гармоничная комбинация цветовых тонов получается лишь в том случае, когда, например, в двенадцати членном круге цвета отстают друг от друга на четыре тона, т.е. между ними должен быть интервал в три тона. Негармонические цветовые сочетания, по мнению Брюкке, получаются в том случае, когда интервал между цветами составляет лишь один цветовой тон. Бецольд впервые указал на необходимость видеть разницу в использовании цвета и гармонических сочетании цветов в живописи и декоративно — прикладном искусстве. Популярной в XIX в. была теория цветовой гармонии В. Оствальда, который пытался найти математические закономерности цветовой гармонии от геометрических отношений расположения цветов внутри цветового круга. Оствальд считал, что все цвета, содержащие равную подмесь белого или черного цвета, являются гармоничными, а из не содержащих такой подмеси наиболее гармоничны те, которые стоят друг от друга в цветовом круге через равное количество интервалов. Представляет интерес его учение об ахроматической гармонии, в котором автор нашел математическую зависимость между изменением светлоты ахроматического цвета и пороговой чувствительностью глаза. Оствальд доказал, что при изменении светлоты пороговая чувствительность глаза изменяется по закону среднегеометрической величины. Большой интерес для художников, работающих в области декоративно — прикладного искусства и дизайна, представляет теория гармонических сочетаний цветовых тонов, разработанная В. М. Шугаевым. Теория гармонических сочетаний цветовых тонов В. М. Шугаева базируется на теориях Менселла и Бецольда и основана на комбинациях цветов цветового круга. По мнению автора, основу кpyгa составляют четыре цвета: желтый, красный, синий и зеленый по принципу родства и контраста. В. М. Шугаев систематизировал различные виды гармонических сочетаний цветовых тонов и привел их к основным четырем видам:

1. сочетания родственных цветов;

2. сочетания родственно — контрастных цветов;

3. сочетания контрастных цветов;

4. сочетания нейтральных в отношении родства и контраста цветов.

Автор подсчитал 120 возможных гармонических цветовых сочетаний для 16-членного круга при трех промежуточных цветах, трех интервалах между главными цветами. В. М. Шугаев считал, что гармонические цветовые сочетания можно получить в трех случаях: 1) если в гармонируемых цветах присутствует равное количество главных цветов; 2) если цвета имеют одинаковую светлоту; 3) если цвета имеют одинаковую насыщенность. Два последних фактора играют существенную роль в гармонизации цветов, но не являются основными, а лишь усиливают взаимовлияние цветов, обеспечивая более тесную гармоничную связь между ними. И наоборот, чем больше различные цвета отличаются один от другого по светлоте, насыщенности и цветовому тону, тем труднее они гармонируются. Исключение составляют дополнительные цвета. Гармоничность дополнительных цветов подтверждается многочисленными примерами в живописи и декоративно-прикладном искусстве. В. М. Шугаев следующим образом определял цветовую гармонию: «Цветовая гармония есть цветовое равновесие, цветовая уравновешенность. Здесь под цветовым равновесием (в первую очередь двух цветов) понимается такое соотношение и такие качества их, при которых они не кажутся чуждыми один другому и ни один из них не преобладает излишне». «К гармоническим относятся сочетания, производящие впечатление колористической цельности, взаимосвязи между цветами, цветовой уравновешенности, цветового единства».

«Цвета, взаимовлияя друг на друга, обусловдасвая друг друга, превращаются в некое единство, именуемое колоритом и выражаемое гармонией», — писал И. Иттен.

Контраст — при сравнении между собой двух или более цветов, находятся чётко выраженные различия. Когда эти различия достигают своего предела, говорится о диаметральном или полярном контрасте. Так, например, противопоставления большой-маленький, белый-чёрный, холодный-тёплый в своих крайних проявлениях представляют собой полярные контрасты10.

Контраст цветовых тонов

Контраст цветовых тонов — это контраст цветов, основанный на различие цветовых нюансов, например, красный, синий и желтый. Максимального эффекта можно достичь, добавляя между оттенками ахроматические цвета, например, черный.

К гармоничным сочетаниям цвета относятся: сочетания, производящие впечатление колористической цельности, цветовой уравновешенности, цветового единства. Под цветовым равновесием понимается такое соотношение и такие качества цветов, при которых они не кажутся чуждыми один другому и ни один из них не преобладает над другим.

Можно выделить три основных правила цветовой гармонии.

1. Любой цвет на фоне контрастного воспринимается более насыщенным, а сочетание контрастных цветов позволяет повысить общую насыщенность окраски.

2. При сочетании некоторых цветов уменьшается ощущение их насыщенности, причем тем больше, чем ближе цвета располагаются в даетовом круге.

3. Контраст тем сильнее, чем больше различия в светлоте и насыщенности.

Для создания гармоничных цветовых сочетаний используются еще два критерия: их контрастное воздействие и количественное соотношение цветов, определяющее, насколько велика доля того или иного цвета в интерьере (например, большое количество зеленого цвета и немного желтого, или зеленый и желтый, присутствующие в одинаковых количествах).

Строго говоря, количественное соотношение цветов также может быть отнесено к контрасту. Это так называемый контраст цветового распространения, в основе которого, как уже было сказано, лежит противопоставление «большого» и «малого». При использовании такого контраста эффект гармонии достигается противопоставлением цветовых пятен. На силу воздействия цветов при этом влияет яркость цветового пятна и его размер.

Проблеме цветового воздействия на психику человека в разные времена было посвящено много исследований. Однако такое понятие как «цветопсихология рекламы» пока не получило большого развития. К сожалению, изготовители рекламных сообщений, так же как и их заказчики, в большинстве случаев не очень внимательны и при составлении текстов, не говоря уже о цветовом решении. Очевидно, многие рекламисты не считают проблему соответствия цвета содержанию рекламы серьезной. Главными, по их мнению, являются яркость и выразительность сообщения, которые наиболее привлекают внимание получателя.

Считается, что у всех цветов есть дополнительные свойства, присущие им от природы либо приписываемые образом, в котором они используются. Приведем некоторые медицинские, физиологические и психологические характеристики цвета.

Красный — теплый и раздражающий, стимулирует мозг, символ опасности и запрета, показывает деятельный настрой. Зрительно уменьшает поверхность, окрашенную в этот цвет, и создает чрезмерную напряженность. Красный цвет выбирают люди эмоциональные, влюбчивые, сексуальные. На малых поверхностях может сочетаться с бирюзовым или серым.

Оранжевый — жизнерадостный, импульсивный, учащает пульс, создает чувство благополучия, свидетельствует о реализме. Его теплота, часто в сочетании с синим как дополнительным цветом, делает его приемлемым на небольших поверхностях, особенно для такой холодной по своей природе продукции, как инструменты, машинное оборудование и т. п.

Желтый — стимулирует мозг, привлекает внимание и сохраняется в памяти дольше, чем другие цвета. Желтый и оранжевый цвета выбирают жизнерадостные, импульсивные люди. Яркость этого цвета вызывает нарушение психического равновесия, поэтому его не рекомендуется использовать на больших поверхностях и лучше применять в сочетании с зеленым.

Зеленый — успокаивает, снимает боль, усталость, уравновешивает, олицетворяет свежесть и естественность. Зеленый цвет выбирают люди способные и уравновешенные. Зеленый цвет вызывает ощущение обделенности и создает вялую атмосферу, поэтому должен использоваться в сочетании с белым или синим.

Голубой — антисептичен, эффективен при невралгических болях.

Синий — создает внутреннюю силу и гармонию. Синий цвет выбирают люди меланхоличные и разочарованные. Свежесть этого цвета в сочетании с его успокоительным влиянием помещает его в ряд желательных цветов, поскольку он разряжает стресс.

Фиолетовый — действует на сердце, легкие, кровеносные сосуды, увеличивает выносливость ткани, «примиряет» чувства между собой. Фиолетовый цвет выбирают люди, в жизни которых наблюдается период неустойчивости.

Белый — символизирует чистоту. Для него характерно «самоустранение» его собственной силы, поэтому белый цвет лучше использовать в сочетании с синим, красным или зеленым.

Коричневый — вызывает ощущение стабильности и реалистическое настроение. Коричневый цвет выбирают консервативные люди, находящиеся в периоде стабильности, но не желающие ничего менять.

Черный — символизирует изящество.

Розовый — выражает ощущение слабости, пустоты, а часто и слащавости.

Светло зеленый — придает холодность окружающей среде.

Специфика высококачественных товаров и предметов роскоши лучше подчеркивается сочетанием черного с красным или золотистым цветом. Свежесть — холодными цветами (желтым, синим или зеленым).

Не случаен выбор, например, цвета зелени для молочной продукции, голубого — для продуктов моря, коричневого — для керамики, «смелых» цветов (например, оранжевого) — для промышленных товаров, ярко синего или глубоких оттенков красного — для ювелирных изделий.

Обычно рекомендуется применять в рекламных целях не более двух разных цветов, которые, однако, можно разнообразить за счет родственных им оттенков, поскольку такое родство создает ощущение цветовой последовательности и не раздражает глаз.

Человек, обладая совершеннейшей системой цветовосприятия, разработал различные способы использования цветов для личных и профессиональных нужд, а также в целях развлечения. Реклама будет более успешной при правильном использовании цветовой гаммы, которая со временем становится фирменной цветовой гаммой.

Дизайн (англ. design замысел, план, намерение, цель и от лат. designare отмерять, намечать) — творческая деятельность, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий. Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя. Дизайн стремится охватить все аспекты окружающей человека среды, которая обусловлена промышленным производством.

Цель дизайна — создание мира прекрасных форм, вещей, которые раскрывали бы истинный характер нашей цивилизации. Так считает известный итальянский архитектор и дизайнер Д. Понти . Всякий предмет, в отличие от произведения искусства, имеет какое-либо жизненно важное предназначение, другими словами, функцию. Но почти у каждого человека есть потребность в том, чтобы окружать себя красивыми предметами. Поэтому ценность вещи охватывает два начала — пользу и красоту. В каждом предмете заложено техническое и эстетическое начало, всегда непостоянное и исторически сменяемое.

Наши оценки эстетических качеств предметов в основном субъективны, а главное, не аргументированы. Что мы можем сказать о предмете, кроме красиво или некрасиво. Да почти ничего. Чтобы уяснить, что обуславливает эстетические качества вещи , нужно разложить общее понятие о красоте на составляющие. А так как о красоте судят по внешней форме предмета, то прежде всего нужно знать, какие признаки внешней формы вообще существуют. Многое делается понятнее, когда постигаются основные закономерности человеческого восприятия. Мы узнаем, как человек подходит к предмету, как им пользуется, оценивает, отличает, сопоставляет. Только изучив механизм восприятия, мы поймём, почему нам кажется, что этот предмет красив .

Форма в искусстве дизайна определятся как выражение внешнего вида изделия. Она в большинстве случаев связана с его внутренним содержанием и предназначением. Как большие так и малые формы имеют общие закономерности. Это — устойчивость, легкость, динамичность. Три вида формы являются основой дизайна: функциональная, конструктивная, эстетическая.

1. Функциональная или утилитарная — Определяется предназначением предмета или утилитарными потребностями человека;

2. Конструктивная — требует знания физических, механических, химических, электрических и других свойств материала;

3. Эстетическая — отвечающая высокому художественному вкусу дизайна.

Форма определяется свойствами материи, геометрическим строением конечного результата творения, а так же характером его расположения в пространстве.

Внешняя форма предмета

смешение цвет живопись дизайн

Самые простые — это известные нам основные геометрические формы: параллелепипед, призма, цилиндр, конус. Возможны и соединения этих геометрических тел, врезка и пересечение их в разных комбинациях. Огромное число предметов имеет ещё более сложную форму: с очертаниями двоякой кривизны, вхождением внешнего пространства в пределы этого предмета и т. п.

Для того чтобы просто описать форму предмета, дать словесный эквивалент увиденного, его объективный портрет, нужны какие-то дополнительные признаки, уточняющие это наше общее описание. Форма предмета может быть симметричной и асимметричной. Симметрия — известный нам термин. Напомним, что симметрия может быть свойственна не только элементарному предмету, но и предмету, состоящему из нескольких частей. Известно два основных вида симметрии — зеркальная и осевая.

Фигура человека — типичный пример зеркальной симметрии. Подобного рода симметрия называется зеркальной потому, что относительно средней линии обе половины человеческого тела находятся как бы в зеркальном отражении. Это случай симметрии относительно плоскости, называемой плоскостью симметрии. Осевая симметрия характерна равно удаленностью точек относительно оси (а не плоскости, как в первом случае).

Симметричная фигура как бы вращается вокруг оси, оставаясь в пределах описывающей её кривой. Пример подобной симметрии можно найти в органическом мире, но ещё больше в предметном, искусственном. В органическом мире — это сосновая шишка, яблоко или орех. Среди искусственных предметов симметричных тел бесконечное множество — это и посуда, и токарные изделия, и архитектурные детали, и т. п.

Композиция — построение целостности произведения все элементы которого находятся во взаимном и гармоничном единстве. Важнейшими категориями композиции является объемно пространственная структура и тектоника, масштаб, пропорции, ритм и метр, контраст и нюанс, симметрия и асимметрия, колорит. Задачей композиции является соединение разрозненных деталей в единое гармоничное единство.

Взаимосвязь внутреннего строения с формой предмета должна быть эстетически осмысленной. Хотя и тут «креативщики» диктуют свои условия, обходя каноны и общепринятые стандарты. Цветовой и пластической гармонии предмета можно достичь лишь используя физические свойства поверхностей, фактуры и текстуры.

Композиция подразделяется на два вида — плоскостная (фронтальная), и объемно-пространственная. Дизайнер не должен рассматривать какой-либо предмет композиции в отдельности. Его подсознание должно учитывать весь мотив, смотря на предметы вскользь. Создание композиции это глубоко творческий процесс. В ней все должно иметь свое место и нести определенный смысл. Залогом успеха в творчестве часто является эксперимент. Нельзя забывать о свете. Правильное освещение представит предметы дизайна более выразительными. Это правило действует для любого вида дизайнерского искусства.

При изобретении формы и построения композиции важно соблюдать меру. Мера должна быть как в количестве выбранных цветов, так и предметов. Для этого нужно пользоваться законом ограничения, хотя и он уместен не всегда, ведь выражение дизайнерской мысли сложно ограничить рамками правил. Выбор формы и построения композиции в дизайне не ограничивается какими то его областями. Общие правила применимы в любом из проявлений и направлений дизайнерского искусства.

Рис. 2

Тема трансформации и стилизации в художественном образовании — одна из важнейших и интереснейших. В практическом курсе формальной композиции она играет одну из ключевых ролей, поскольку в ней с наибольшей отчетливостью выражаются художественные принципы композиционной организации изобразительного материала.

В современном мире широко представлены средства обработки изображений в компьютерной графике: графические редакторы для работы с растровой и векторной графикой. Наличие инструментов трансформации рисунка позволяет выполнять вращение, масштабирование, искривление и зеркальное отображение, также можно пользоваться различными фильтрами. Дизайнеры нередко прибегают к помощи механических электронных средств. Но на стадии обучения трансформированию более приемлемым методом является рисунок «от руки».

Трансформация (от позднелат. transformatio — превращение) — это преобразование формы, вида и существенных свойств объекта.

В дизайне и декоративно-прикладном искусстве трансформацию определяют как изменение, преобразование, переработку природных форм. Это один из приемов визуальной организации образного выражения, абстрагирования, при котором выявляются наиболее характерные черты предмета, а несущественные детали мысленно отбрасываются. При трансформировании формы используют гиперболизацию, увеличение или уменьшение в размере отдельных частей, элементов, вытягивание, округление, подчеркивание угловатости и т.д.

Декоративная переработка может заключаться в изменении абриса предмета, превращении объемной формы в плоскостную, добавлении деталей, насыщении формы орнаментом, упрощение либо усложнение конструкции, выделении силуэта, представлении формы в необычном контексте, изменении реального цвета и т.п. В результате изобразительный мотив может приобрести символичность, орнаментальность.

Художественная трансформация не должна сводиться к простому украшательству, форма должна быть связана со средой, подчеркиваться, выявляя назначение предмета, отвечать принципу тектоничности, выстраивания системы связей отдельных частей и элементов в единую целостность произведения.

Следует учитывать закономерности визуального восприятия формы, пропорций, плоскостности или объемности, контрастности, фона и др. Более простая по силуэту форма, к примеру, читается быстрее; более характерным является изображение головы в профиль, а руки — в таком ракурсе, чтобы были видны все пальцы.

Обычно при работе над формой одновременно применяют и трансформацию и стилизацию, поскольку один прием дополняет другой и работает на развитие основной пластической идеи, темы. Иногда эти два понятия отождествляют. Стилизация представляет собой декоративное обобщение изображаемых объектов с помощью ряда условных приемов изменения формы, объемных и цветовых отношений. Трансформация же означает большую степень преобразования формы в изображения, утрирование, как, например, в шаржах.

Следует сказать, что термин «стилизация» также применяют, определяя подражание какому-либо стилю, направлению, использование его черт. В этом случае стилизацию можно назвать внешней, поверхностной, не имеющей индивидуального характера.

Стилизовать, преобразовывать форму можно по собственному признаку (длинношеий жираф) и по привнесенному свойству (мудрая сова).

В первом случае используется, как правило, «изобразительный» путь обобщения, а во втором — «неизобразительный»: ассоциативный, основанный на наблюдении и жизненном опыте.

В качестве объекта для трансформации могут выступать не только натурные зарисовки, но и, также, детские рисунки или фотографии.

Для практической проработки формально-композиционных принципов трансформации и стилизации необходимо брать не какой-либо конкретный предмет, а общее понятие: дерево, птица, растение, животное и т.п. Так, если, например, темой работы является «дерево», то подразумевается не какое-нибудь конкретное дерево: ель, береза, дуб, а дерево как понятие, которое требуется проанализировать во всей полноте его содержания.

Опираясь на вышеизложенное, можно выделить условно этапы выполнения задания на творческую переработку для студентов.

1 этап. Подготовительный. Анализ предметного содержания и теоретическое осмысление объекта. Выявление системно-структурной характеристики анализируемого понятия. Выделив необходимые элементы, их системообразующие связи, следует описать более подробно свойства и характеристики объекта в целом и каждый элемент в частности (по собственному или заданному свойству).

Можно изначально сделать это описание в устной или письменной форме, сформировать замысел.

2 этап. Стилизация. Абстрагирование, уход от внешнего подражания, от стереотипа, связанного с этим понятием. Выявление наиболее типичных черт объекта; отказ от всего случайного, поверхностного, от стереотипа формы за счет раскрытия содержания общего понятия, анализ смысловых частей, необходимых для творческого обобщения. Выбор основного системообразующего начала. Выявление главных конструктивных частей: крона, ствол, корни. Далее, в зависимости от замысла, возможен отказ от одной из этих частей, например, корней.

Процесс, стилизации должен осуществляться не только на основе внешне воспринимаемого признака, но и по внутреннему свойству, который может даже не наблюдаться визуально. Такие свойства дерева как стройность, гибкость, колючесть воспринимаются непосредственно и, в процессе стилизации, не представят трудной задачи для студента. В случае же создания образа на основе «внутренних» свойств, таких как высокомерность, колкость, болезненность, стилизация приобретает большую сложность.

Выбрав для работы определенные признаки и свойства, обучающийся определяет необходимый комплекс выразительных средств для формально-образного изображения.

3 этап. Трансформация. Дальнейшее выявление образа через заострение наиболее характерных черт, привнесение необходимых элементов. Трактовка природных мотивов может производиться в линеарном решении, пятновом, в том числе точечном, линеарно-пятновом. Линия может быть ломанной, жесткой, а может быть и плавной, округлой. Пятно может всецело или частично заполнять форму.

Можно использовать разнообразные стили работы — фольклорные, фантазийные.

На основании выделенного свойства объекта производится графическая трансформация важнейших структурных элементов, с одним формообразующим началом, для дерева это — корневая система, ствол, ветви, крона. Этот прием должен привести к целостности композиционного образа на основе доминирующего признака.

Общее формообразующее начало способно подчинить в итоговой композиции масштаб, пластику, ритм, пространство и другие характеристики изображаемого объекта. Только при этом условии достигается необходимый уровень художественной выразительности.

Практика использования принципа стилизации в разнообразных областях художественной деятельности, таких как живопись, графика, скульптура, архитектура, декоративно-прикладное искусство показывает, что в его основе может лежать не только определенное свойство или признак. Стилизация может осуществляться и на базе одного элемента. Такой процесс стилизации будет более лаконичным, приведет к созданию почти условного образа, когда предмет еще прочитывается, или когда практически не прочитывается, трансформируясь в формальный знак.

Именно для образов сильной трансформации требуется тонкое чувство меры, чтобы образная структура воспринималась естественно и органично, не утрачивая выразительности и различимости.

Литература

[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/referat/rol-kompozitsii-v-dizayne/

1. Даглдиян К.Т. Декоративная композиция: учеб. пособие для вузов. -3-е изд. — Ростов н/Д: Феникс, 2011. — 312 с.

2. Крючкова К.К. Композиция в дизайне. Организация плоскости. Формирование знаков: учеб.-метод. пособие. — К-н-А.: Жук, 2009. — 425 с.

3. Стародуб К.И., Евдокимова Н.А. Рисунок и живопись: от реалистического изображения к условно-стилизованному: учеб. пособие. — Ростов н/Д: Феникс, 2009. — 190 с.

4. О.Л. Голубева .Основы композиции: учеб. пособие. — М.: Изобразительное искусство, 2008. — 143 с.