Полгода назад я даже представить не могла, что буду часами сидеть, глядя на картины великих художников в Интернете… И получать от этого огромное удовольствие. Я человек без какого-либо художественного образования, у меня даже в школе рисования не было, с физическим недугом (ласково именуемым у наших врачей ДЦП), всеми правдами и не правдами пыталась уговорить маму отказаться от этой идеи сводить меня на художественный Мастер класс к Максу Скоблинскому, но меня таки уговорили. Когда я впервые пришел и оказался перед чистым холстом, я понятия не имел, что будет дальше, к моему большому удивлению, под чутким руководством нашего мастера каждый придумывает удивительный и неповторимый образ.
Не могу сказать, что моя первая картина — шедевр, но к удивлению мастера Скоблинского она оказалась в стиле Ван Гога.
Сейчас у меня уже около тринадцати картин, я еще не выбрала свой стиль в живописи, но склоняюсь к импрессионизму и постимпрессионизму…
В этой манере у меня есть около семи работ, пока мы учимся писать с картин великих художников, фактически мы учимся писать репродукции, стараясь максимально приблизиться к стилистике картины, но не копировать, так как мы должны в каждой нашей работе оставить частичку себя!
В этом курсе я хочу рассказать вам об импрессионизме и постимпрессионизме, а также о некоторых художниках прошлого и наших современниках.
1. Импрессионизм
Импрессионизм (от фр. impressionnisme от impression — «впечатление») — направление живописи, возникшее во Франции в середине 19 века. Традиционными для художника в то время считались кропотливая студийная работа, доводка живописи, темами которой были люди, пейзажи или исторические события.
Художники-импрессионисты использовали новые подходы и методы живописи. В первую очередь это были работа на открытом воздухе и точная фиксация момента перехода света и цвета («писать только то, что видишь»).
Одним из важнейших сюжетов их работы было отражение изменения тона и цвета объекта в меняющейся среде.
Кроме того, в отличие от художников традиционного стиля, художники-импрессионисты начали рисовать картины на повседневные и повседневные темы, чтобы работать реалистично.
Нельзя не отметить, что определенный толчок к возникновению импрессионизма был продиктован такими научными открытиями того времени, как изобретение фотографии, теории «цветового круга» (теории о наличии трех базовых цветов — красном, желтом и синем, а остальных цветах как результата смешения базовых), а также изобретение тюбиков для красок, предоставивших художникам мобильность.
Биография и картины художника И. Шишкина
... и Москвы. шишкин картина художник Раннее творчество Для ранних работ мастера («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, ... картины художника. реферат [35,8 K], добавлен 31.01.2010 Биография Левитана Исаака Ильича (1860 - 1900) - художника-живописца, пейзажиста, мастера лирического пейзажа. Импрессионистическая трактовка видимого мира в живописи художника. ...
Самые знаменитые художники импрессионисты и постимпрессионисты: Эдуард Мане, Эдгар Дега, Поль Сезанн, Огюст Ренуар, Клод Моне, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Пьер Боннар, Камиль Писарро, Гюстав Кайботт, Анри Руссо, Жорж Сёра, Альфред Сислей.
2. Постимпрессионизм
Постимпрессионизм — (фр. postimpressionisme, от лат. post — после, т.е. после импрессионизма) — собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX в., возникших вслед за импрессионизмом. Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.
Постимпрессионизм — явление неоднородное. К этому направлению исследователи относят творчество неоимпрессионистов (Ж. Сёра, П. Синьяк, М. Люс, А-Э. Кросс и др.), художников группы Наби (П. Боннара, Э. Вюйара, М. Дени, Ф. Валлотона и др.), художников понт-авенской школы, объединившихся вокруг П. Гогена (Э. Бернара, П. Серюзье, Я. Веркаде и др.) а также творения гениальных одиночек (В. Ван Гога, А. Тулуз-Лотрека, П. Сезанна, А. Руссо).
Единственное, что объединяет всех художников — постимпрессионистов, — это определенное отталкивание от импрессионизма как от некоего фундамента, на основе которого начались их собственные художественно-эстетические искания, выражавшиеся в стремлении передать на полотне не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материального, так и духовного происхождения. Эти поиски шли разными путями: и «синтетический» символизм Гогена и «набидов», и «декоративная стихия» модерна Тулуз-Лотрека, и конструктивистское видение мира Сезанна, и сверхчувствительная выразительность формы и цвета Ван Гога, — и явились связующим звеном между искусством XIX и XX вв., дав развитие многим ведущим художественным тенденциям последующего времени.
Мастера постимпрессионизма: Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри Руссо, Анри де Тулуз-Лотрек, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Пьер Боннар, Эдуард Вюйар, Поль Серюзье, Морис Дени, Эмиль Бернар.
3. Амедео Модильяни
Когда я смогу увидеть твою душу,
Тогда, я напишу твои глаза….
А. Модильяни
Модильяни Амедео (Modigliani Amedeo) (1884—1920), итальянский живописец, скульптор, график, рисовальщик; принадлежал к «Парижской школе». Родился Модильяни в Ливорно 12 июля 1884 года. Искусство живописи начал изучать в 1898 году в мастерской скульптора Габриэле Микели. С 1902 года он учился в Свободной школе обнаженной натуры Академии художеств во Флоренции, в основном у художника Джованни Фаттори, имя которого в итальянской живописи связано с движением Маккьяйоли, родственным французскому ташизму».
Анна Ахматова. «Амадео Модильяни»
... Над "аполлоновской" живописью ("Мир искусства") Модильяни откровенно смеялся. Mеня поразило, как Модильяни нашел красивым одного заведомо некрасивого ... Бодлера. Данте он мне никогда не читал. Быть может, потому, что я тогда ... тоже не осталась прикованной к десятым годам, что творчество его стало высшим музыкальным ... Больше всего мы говорили с ним о стихах. Мы оба знали очень много французских ...
В 1903 году, после переезда в Венецию, Модильяни учился в «Свободной школе обнаженной натуры» Института изящных искусств в Венеции. С 1906 года поселился в Париже, где брал уроки в Академии живописи Коларосси. В 1907 году Модильяни впервые выставил свои работы в Осеннем салоне, с 1908 года он выставлялся в Салоне «дельи индипенденти».
В кафе «Ротонда» на бульваре Монпарнас, где собирались писатели и художники, Модильяни был среди друзей, которые, как и он, жили проблемами искусства. В последние годы художник находится в поисках своей «линии души», как называл творческие поиски Модильяни его друг поэт Жан Кокто. Если первые произведения парижского периода исполнены в манере, близкой графике Тулуз-Лотрека, то уже в 1907 художник открыл для себя живопись Сезанна, познакомился с Пабло Пикассо и некоторое время находился под влиянием этих мастеров, о чем свидетельствуют Девочка в голубом, 1918.
Особенно важную роль в формировании индивидуального стиля Модильяни сыграло также его увлечение африканской скульптурой, ее грубовато-простыми, но выразительными формами и чистой линией силуэта; вместе с тем искусство родной Италии и прежде всего рисунки Боттичелли, живопись треченто и виртуозно сложная графика маньеристов — источники вдохновения мастера. Наиболее полно раскрылся сложный талант Модильяни в портретном жанре. «Человек — вот, что меня интересует. Человеческое лицо — наивысшее создание природы. Для меня это неисчерпаемый источник», — пишет Модильяни. Никогда не создавая портретов на заказ, художник рисовал только людей, судьбу которых он хорошо знал, Модильяни словно воссоздал собственный образ модели.
Девочка в голубом, 1918
В портрете А. Зборовского (1918, Музей искусства, Сан-Паулу) подчеркнуто поэтическое начало, присущее этому человеку романтического склада, поклонявшегося таланту Модильяни и бескорыстно занимавшегося продажей картин художника. В образах невинной Алисы (1915, Государственный художественный музей, Копенгаген), эксцентричной Берты Хэстингс (1918, частное собрание, Нью-Йорк), утонченной Луни Чековской (1919, частное собрание, Милан), мечтательной Жоан Эбютерн (1919, частное собрание, Лос-Анджелес) звучит тема человеческой красоты, трепетной одухотворенности, любви. Портреты Модильяни наполнены особым изяществом, иногда угловатым, иногда плавным, выразительным и резким — с их полным бездействием и отсутствием мимики. Психологически портретны даже его знаменитые «ню», обнаженная натура. В 1911 году художник создал 16 рисунков — портретов Анны Ахматовой. Столь же портретны ню Модильяни («Лежащая ню с бусами», 1917, Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Ню сидящая», 1912, Институт Курто, Лондон).
В них, как и в карандашных рисунках художника или в исполненных в технике пастели и акварели «Кариатидах» (1909, Национальный Музей современного искусства, Париж), можно почувствовать руку скульптора. За свою жизнь Амедео Модильяни провел только одну выставку в декабре 1917 года и умер в возрасте тридцати шести лет в парижской клинике Шарите, изгой, на грани своего признания. Модильяни скончался 24 января 1920 года. Мировое признание получил посмертно.
Живопись амедео модильяни
... живописи. Своей «портретностью» удивляют даже его полотна в стиле «ню». Портрет для Амедео Модильяни, как некое «чудо улавливания, претворения и продления жизни модели», имел особый, поэтический смысл. Художник ... с моделью поразительно. «Когда в начале 20-х годов я приехала в Париж, – говорила она, – то при первом знакомстве оказалось, что я уже знала и ...
4. Франсуаз Нилли
Она наша современница, постимпрессионизм в ней — некое гипертрофическое чувство цвета и реальности, граничащее с фантазией.
Если вы относитесь к той категории людей, которые не считают себя поклонниками масляной живописи, ваше мнение, возможно, смогут изменить ошеломляющие работы французской художницы Франсуазы Нилли (Francoise Nielly).
Возможно, сначала они покажутся вам несколько неправдоподобными, но вы вряд ли сможете устоять перед буйством красок и необычайной энергетикой этих портретов.
Массивные разноцветные портреты Франсуазы Нилли просто восхитительны. Но еще удивительнее наблюдать за тем, как она их создает. Вместо кисти художник использует специальный нож в форме миниатюрного садового мастихина, а диапазон оттенков масляных красок намного шире, чем можно было бы ожидать от портрета. Франсуаза создает свои яркие, страстные полотна — некоторые из них достигают размера 195 на 62 сантиметров — беря за основу черно-белые фотографии и ориентируясь в дальнейшем на свое безошибочное умение интерпретировать свет, тень, тона и оттенки с помощью ярких красок и дерзких мазков.
Франсуаза Нилли живет в мире изображений. Он исследовал различные грани «образов» на протяжении всей своей жизни с помощью картин, фотографий, эскизов, иллюстраций и виртуальной анимированной графики. Совершенно очевидно, что рисование — ее призвание и ее страсть.
На сайте художника его работы описываются как «сексуальные, свободные, неудержимые, удивительные и даже взрывные». Франсуаза, кажется, стремится запечатлеть космополитизм французского общества, изображая на своих портретах самые различные типы лиц.
Художник родился в Марселе, вырос между Каннами и Сен-Тропе, а сейчас живет в Париже. Он чувствует себя как дома среди ярких контрастов и ярких красок. Франсуаза Нилли — страстная женщина, которая любит жизнь, природу, суши, голубые лагуны, Интернет, юмор, книги, Париж, Нью-Йорк и Ванкувер. Она является настоящим мастером своего дела; 20 лет художественного опыта объясняют зрелость ее работ, совершенное владение техникой и непревзойденное мастерство.
ь 2010 — Персональная выставка — Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte), Барселона; Галерея Опера, Сингапур; Галерея Менуар (Menouar), Париж; Международная Художественная ярмарка в Майями; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Художественная выставка в Палм Бич; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Художественная ярмарка в Глазго; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Художественная ярмарка в Чикаго; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte).
ь 2009 — Персональная выставка — Галерея Менуар (Menouar), Париж; Галерея Энн Крос, Пезенас; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Барселона. Галерея Клод Петит Жан, Сен-Тропе.
ь 2008 — Галерея Клод Петит Жан, Aix en Provence; Галерея Опера, Монако; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Барселона. Художественная ярмарка в Ньюкасле; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); AAF Лондон; Галерея Вилла дель Арте (Villa del Arte); Артэнимис (Artenimes), Галерея Энн Крос; Галерея Энн Крос, Пезенас.
Художник счастья
... Огюста Ренуара был еще один воспитатель - Париж. Органическое, почти физическое ощущение себя частью города уже тогда, в детстве, формировало будущую живопись художника. ... счастья творчества, его дух, наверное, угас бы раньше времени, находясь в беспомощном и недвижимом теле. Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года ... профессии художника. Так случилось, что наши родители отдали его к живописцу по ...
ь 2007 — Les ELYSEES de l’ ART, Париж; Персона Грата, Париж; Галерея Менуар (Menouar), Париж; Галерея Европы, Париж
ь 2006 — Галерея Менуар (Menouar), Париж (Артиколор. Жаванши); Галерея Mensirioux, Монреаль; Fort Lauderdale; Галерея Лозберг (Lausberg), Торонто; Галерея Энн Крос, Пезенас.
ь 2005 — Галерея Менуар (Menouar), Париж; Галерея Энн Крос, Пезенас.
ь 2004 — Галерея Сибман (Sibman), Париж; Галерея Менуар (Menouar), Париж.; Галерея Кинко (Cinko), Париж
ь 2003 — Галерея Стефана Оливье, Сент-Уан
ь 2002 — Галерея Bdv. Сент-Уан, Сент-Уан; Галерея Гегно (Gagnon), Монреаль.
ь 2001 — Галерея Энн Крос, Пезенас
ь 2000 — Галерея де Бивре (de Biиvre), Париж
ь 1999 — Галерея Мишеля Блейза, Ванкувер; Галерея Артитьюде (Artitude), Париж
ь 1998 — Галерея Инфлюенсез (Influences), Париж; Галерея Стели, Сен-Тропе
ь 1997 — Галерея Стьежле (Steglй), Сен-Максим
5. Клод Оскар Моне
Клод Оскар Моне — родился в Париже 14 ноября 1840 года. Когда будущему художнику было пять лет, его семья переехала в портовый город Гавр на побережье Нормандии, где Моне провел детство и раннюю юность. Его отец, Адольф, работал на своего зятя, который занимался оптовой торговлей продуктами питания.
Талант к рисованию — в школе Моне очень плохо учился по всем предметам, кроме одного — рисования, где Клод проявил врожденный талант художника, и в основном карикатуриста. К 15 годам он уже продавал свои мультфильмы и даже приобрел известность на местном уровне. Отец Клода не одобрял это увлечение сына, надеясь видеть в нем преемника и наследника своего дела и прекрасно понимая, насколько ненадежна карьера художника. Однако Моне нашел союзника в лице своей тети, Мари Жанны Лекадр, художника-любителя, которая взяла на себя большую часть забот за будущее Клода после смерти ее матери в 1857 году.
Приблизительно в то же время (точная дата не известна) Моне познакомился с художником Эженом Буденом, который убедил Клода потренироваться на ландшафтах, и юный Моне, которому тогда было около шестнадцати, обнаружил, что именно в этом и состоит его призвание. Буден (что не было типично для того времени) любил писать на природе, поскольку считал, что только таким способом можно запечатлеть увиденное художником во всей чистоте и свежести. Моне увлекся этой идеей, и впоследствии она стала одним из краеугольных камней как для творчества самого художника, так и для всего импрессионизма в целом. Много лет спустя он писал Будену: «Я не забыл, что именно вы впервые научили меня видеть и понимать».
1859-1860 годы Моне — отцу все-таки пришлось его отпустить — проводит в Париже, где изучает искусство. Его студенческая жизнь, как и первые годы его карьеры художника, часто была омрачена финансовыми трудностями, поскольку Клод оставался полностью зависимым от своего отца. Однако в 1861-1862 годах в жизни художника произошли значительные перемены. Он отправляется на военную службу в Алжир. Как художник Моне был очарован пейзажами Северной Африки, но вскоре заболел анемией и был демобилизован. Вернувшись на поправку в Гавре, Моне встретил там голландского пейзажиста Йохана Бартольда Йонкинда. Как и Буден, Йонкинд смог вдохновить Моне и оказал неоценимую помощь, дав уроки искусства.
Реферат творчество э мане
... Глава 1. Начало творческого пути 1.1. Юношеские годы Э. Мане Эдуард Мане родился 23 января 1832 года в Париже, в доме N5 по улице Малых ... и боролись против общей оппозиции. Темой для моего рефератаявляется творчество Эдуарда Мане, поскольку он оказался в самом центре французской живописи второй ... Эта группа включала: Моне, Ренуарa, Писсаро, Сислея, Дега, Сезанна и Берту Моризо. Члены ее обладали ...
Парижская мастерская Глера — осенью 1862 года Моне вернулся в Париж и стал учеником Шарля Глейра, известного живописца того времени. Занятия в мастерской Глейра мало что дали Моне, но здесь он познакомился с молодыми художниками, некоторые из которых стали не только его друзьями, но и присоединились к группе импрессионистов.
В мастерской Глейра Моне оставался до 1864 года. В следующем году Парижский салон отобрал две его картины для своей ежегодной выставки, и это была чуть ли не единственная возможность для художника заявить о себе широкой публике.
Однако Моне не удалось удержаться на гребне первоначального успеха. В 1867 году безденежье вынудило его вернуться в Гавр. В этот момент у него была возлюбленная Камилла Донсьё, с которой он познакомился в 1865 году, которая родила ему сына в Париже, в то время как сам Моне был в доме своего отца. Вероятно, этот период в жизни Моне был наихудшим в его жизни. У артиста начались проблемы со зрением, хотя, слава богу, они оказались временными.
В 1870 году Моне женился на Камилле. Вскоре разразилась Франко- прусская война. С целью избежать призыва в армию художник перебрался в Англию. Моне пробыл в Лондоне около года и там познакомился с арт-дилером Полем Дюран-Рюэлем. Он стал другом Моне, начал серьезно поддерживать его. В конце 1871 года Моне вернулся в Париж и снял дом в Аржантёе, небольшом городке на берегу Сены.
Счастливые дни в Аржантее — Моне был полностью очарован лодками, мостами, рекой и природой вокруг Аржантёя, и его картины и рисунки того периода по праву можно назвать самыми солнечными в его жизни. Аржантёй оставался для Моне домом до 1878 года. Здесь его часто навещали друзья, в том числе Мане, Ренуар и Сислей, и их работы также несут на себе отпечаток веселой и безмятежной атмосферы этого места.
В 1874 году импрессионисты организовали коллективную выставку своих работ в Париже. Правда, тогда их еще называли «Акционерное общество художников-живописцев», вскоре после этого один из наблюдателей ухватился за название одной из картин Моне — «Впечатление. Восход солнца», в результате чего и родилось название — импрессионизм. Сами художники начали официально называть себя импрессионистами в 1877 году, когда их работы составляли треть от общего количества картин, представленных на групповой выставке. Подобные выставки помогли импрессионистам постепенно укрепить свою репутацию, поскольку зрители начали привыкать к ярким цветам и небрежным мазкам их полотен.
Эта работа была фактически самой сложной для меня, она была выполнена на 99% пальцами, Клод Моне «Впечатление» 1872 г. Холст, масло, 48×63 см. Музей Мармоттан, Париж.
Переезд в Ветей — На короткое время Моне доверил управление своими финансовыми делами Эрнесту Гошеде, бизнесмену, который купил картины художника. К несчастью, в 1878 году Гошеде обанкротился. В следующем году семьи Моне и Гошеде объединили оставшиеся деньги и переехали в Ветёй, деревню на берегу Сены, в 65 км к северо-западу от Парижа.
Вскоре после переезда рождается второй сын Моне, Мишель. Однако здоровье Камиллы быстро ухудшалось, и в сентябре 1879 года она умерла. Вероятно, какое-то время между Моне и Алисой Гошеде зародилась история любви, ее муж Эрнест уходит, оставив Клода и Алису с восемью детьми на руках. В конце концов, Моне женится на Алисе, но это происходит только в 1892 году, после смерти ее первого мужа. В 1881 году семья Моне покинула Ветёй, а в 1883 году переехала в Живерни, еще одну деревню на берегу Сены. Именно здесь Моне и провел остаток своей долгой жизни.
Чехов был несравненный художник — художник жизни
... сколько их еще будет!”. «Величайшая ошибка, которую можно сделать в жизни -постоянно бояться совершить ошибку.» - говорил Элберт Хаббард. И на примере Беликова, Чехов предупреждает своих читателей ... что жил неправильно, что зря обижал еврея Ротшильда, что «пятьдесят два года, пока они жили в одной избе с Марфой, тянулись долго-долго, ... Чехов, художник жизни, не мог не понять трагизм её мелочей, не мог ...
Годы в Живерни — К этому моменту карьера Моне пошла вверх, и это дало ему возможность купить дом, в котором его семья жила в 1890 году. К 50 годам Моне стал вполне обеспеченным человеком. Этот успех позволил ему расширить сад в Живерни, который стал теперь самой большой его любовью, и едва ли не единственным объектом, который Моне изображал на своих поздних полотнах («Сад художника в Живерни»).
Несмотря на ухудшение зрения, Моне продолжал работать до последних дней своей жизни. Когда он умер в Живерни 6 декабря 1926 года в возрасте 86 лет, он был признанным и почитаемым патриархом французской живописи. Его дом и сады были открыты для публики в 1981 году, и с тех пор поток туристов не прекращается, подтверждая любовь и признательность одному из величайших художников всех времен.
6. Музей импрессионизма
Чтобы из Лувра попасть в Музей импрессионизма, надо выйти через подъезд Денон, пройти мимо арки Карусель Персье и Фонтена и пересечь сад Тюильри, в котором можно полюбоваться статуями Куазевокса, Кусту и других известных мастеров. Справа от площади Согласия стоит скромное двухэтажное здание — бывший бальный зал, ныне Музей импрессионизма. Слева — музей Оранжери.
В Музее импрессионизма в Париже
Здание было построено в годы Второй империи. В то время среди французской буржуазии получили широкое распространение аристократические обычаи и в их числе старинная игра в мяч. В конце 19 века, когда на смену игре в мяч пришел теннис, здесь стали устраивать временные выставки. Во время Второй мировой войны в зале располагался нацистский кабинет, куда принимали захваченные нацистами произведения искусства, после войны — услуги по возврату сокровищ. Музей импрессионизма был открыт только в 1947 году. В 50-е годы он был переоборудован, отремонтирован. И сегодня нельзя не поблагодарить его организаторов, которые создали лучшие выставочные условия для камерной живописи импрессионистов. Даже то, что музей находится в скромном здании, которое тоже находится в саду, как-то очень соответствует живописи импрессионистов.
Из всех художников, произведения которых находятся в первом этаже, наибольшее впечатление оставляет Эдуард Мане (1832-1883).
В собраниях Советского Союза, богатых полотнами импрессионистов, живопись Мане вообще не представлена. импрессионизм искусство портрет модильяни
Чудесны натюрморты Мане, предельно простые и непритязательные: розовые и белые пионы на столе, желто-зеленый лимон на серебряном блюдце, персики и сливы в корзине, спаржа, написанная мазками белого, желтого, синего, малинового, зеленоватого, угорь и краснобородка около кухонного ножа… Какой бы мотив ни выбрал художник, везде он видит неповторимую красоту и поэзию. В цветках — нежность и свежесть, в плодах — бархатистая, яркая, сочная, будто впитанная живительными соками земли, в рыбе — холодная скользкость.
Импрессионизм. Поиск ускользающей красоты
... импрессионизм возник во Франции. У его истоков стояли художники Мане и Дега. Эдуард Мане (1832--1883) происходил из богатой семьи, с детства познав радости беззаботной и безбедной жизни. ... на красоту классики. Картина наполнена сложными ассоциациями и полунамеками, цвет становится одним из главных средств выразительности. моне импрессионизм композитор Эдгар Дега (1834--1917) был сверстником Мане, но ...
Э. Мане. Олимпия. 1863 г.
Портреты Мане говорят о умении передать не только сходство, но и характер человека несколькими мазками, мазками. Горда, чуть снисходительна испанка Лола де Валенс; по- домашнему уютна и проста музицирующая госпожа Мане; бледно, сосредоточенно лицо Эмиля Золя, сидящего в своем кабинете в окружении книг и репродукций любимых произведений искусств; весь подобрался, словно готовый к возражениям невидимому противнику, Жорж Клемансо. Цвет играет огромную роль в портретах. Взять хотя бы Лолу де Валенс (1862), названную Бодлером «сокровищем в розово-черном мерцании». Не только композиционно, но и колористически Мане обращает внимание на испанского танцора. Белое марево кружев, сквозь которые просвечивают черные волосы, голубой платок и розовые рукава кофты, пышная юбка с разбросанными по черному фону красными, желтыми цветами и зелеными листьями, серо-розовые чулки и балетные туфли — весь этот наряд, написанный то мажорно, то мягко, удивительно красив. Он не отвлекает от образа, но помогает раскрыть его яркость и темперамент.
Иногда Мане почти совсем отказывается от тонких переходов цвета. Таково колористическое решение «Флейтиста» (1866).
На сером фоне выделяются два цветных пятна в одежде мальчика: черный пиджак и брюки в кирпично-красную полоску. Но, приковав внимание зрителя к фигуре, художник доставляет радость не только глазу. Он тонко передает детскую непосредственность маленького флейтиста, серьезного, старательного и робкого. Мане ломает традиционные рамки жанров. Глядя на его произведения, порою бывает трудно определить, портрет ли это или бытовая сцена. То в композицию вводится интерьер («Лола де Валенс»), предметы обстановки («Портрет Золя»), то на полотне остается лишь фигура человека («Клемансо»).
И в каждом случае композиционное и колористическое решения диктуются характером образа, желанием раскрыть его по-новому, минуя искусственность и шаблон.
В Музее импрессионизма находятся две прославленные работы Мане: «Завтрак на траве» (1863) и «Олимпия» (1863), когда-то вызвавшие целую бурю негодования публики и официальной критики. Теперь перед ними почтительно стоят люди. Слова Золя, сказанные сто лет тому назад: «Судьба уготовила в Лувре будущее место для «Олимпии» и «Завтрака на траве», — оказались пророческими. Обе картины — на одной изображено небольшое общество на лоне природы, на другой — лежащая на белых покрывалах обнаженная натурщица-навсегда врезаются в память. Но, зная об острой борьбе, которая разгорелась вокруг них, о том, что их отказывались принять в салоны и называли лубочными картинками, ожидаешь увидеть более новаторскую живопись. В действительности же и «Олимпия» и «Завтрак на траве» традиционнее, чем натюрморты и портреты, особенно те, которые относятся к 70-м годам. «Олимпия» продолжает определенную линию в развитии искусства, связанную с изображением обнаженного тела. В Лувре мы останавливались перед «Антиопой» Тициана и Корреджо, «Венерой» Кранаха. Однако «Олимпия» — это Венера XIX века, не богиня, а современная девушка, которую, по выражению Золя, художник «бросил на полотно во всей ее юной и уже поблекшей наготе».
Импрессионизм во французском искусстве второй половины XIX века
... предысторию импрессионизма; определить роль импрессионизма в изобразительном искусстве; изучить творчество импрессионистов: Эдгара Дега, Эдуарда Мане, Клод Моне 1. Импрессионизм. ... путем [5. С.9.]. Художники того времени определили поступательное развитие французского искусства в середине столетия. ... ценой огромных жертв. Никогда еще художественная жизнь не была столь драматичной, столь насыщенной ...
Э. Мане. Лола де Валенс. 1861 г.
Эдуард Мане был провозглашен молодыми живописцами главой нового направления — импрессионизма. Ренуар, Моне, Писсарро, Сислей и другие образовали в 70-80-е годы сплоченную группу, к которой присоединился и Дега. Молодежь возмущалась косностью и слащавостью салонного искусства, ратовала за художественную правду. Серьезное внимание уделяла она совершенствованию технических средств и приемов живописи. Но, обогатив искусство новыми завоеваниями, импрессионисты утратили во многом интерес к общественно-политической жизни, присущий предшествующему поколению. Социальная тематика не привлекала их, ведущими жанрами творчества стали пейзаж, натюрморт, интимные жанровые сцены. Как говорил Золя, импрессионисты «обливали презрением все, что не имело отношения к искусству: презирали деньги, презирали общество и в особенности презирали политику. К чему вся эта грязь?» Но если одни художники полностью отходили от социально-критической тенденции, то у других она все же существовала. Это прежде всего относится к Эдгару Дега (1834-1917).
По сюжетам его картины разделяют обычно на четыре группы: балет, скачки, обнаженная натура и прачки. Художник был фактически первым европейским мастером, который увидел балет по-новому. В «Танцевальном классе» (1874) или «Голубых танцовщицах» (около 1890) изображены балерины, но не на сцене, а за кулисами, во время репетиции. На лицах написано утомление или напряженное внимание; исчезли традиционные улыбки, показное изящество. Повороты фигур часто некрасивы, движения угловаты. Взгляд скользит по худым спинам, острым локтям, жилистым шеям. И вместе с тем зрелище, созданное Дега, прекрасно, прекрасно истинной красотой большого искусства. Мерцают и переливаются газовые юбки, сверкают в волосах и на корсажах зеленые, голубые и красные ленты, легко касаются пола ноги в розовых балетных туфлях. Небольшой кусок действительности увиден во всей его сложности. Дега, как никто среди современников, умел подмечать теневые стороны жизни. Глубоко волнует полотно «Любители абсента» (1876).
Живописцу позировали друзья: художник и актриса, но меньше всего думал Дега о портретном сходстве. Он тонко воссоздал уголок заброшенного кафе, где за бокалом вина коротают время духовно опустошенные люди. Особенно запоминается образ женщины. Повисли, как плети, руки, ссутулилась спина, опустились плечи, безразличие и пресыщенность читаются на лице, глаза, прикрытые полуопущенными веками, устало смотрят в одну точку. Люди ничего не ждут от жизни, ни во что не верят и ни на что не надеются.
О. Ренуар. Качели. 1876 г.
Дега был блестящим рисовальщиком. В отличие от прочих импрессионистов, превыше всего ставивших цвет, он по-настоящему понимал выразительность линии. В Лувре хранится замечательная коллекция его рисунков. Почти на всех-изображения движущихся человеческих фигур. Дега смотрит на людей в тот момент, когда они не ждут постороннего взгляда. Отсюда естественность и неожиданность поз.
Кроме рисунка и живописи, Дега увлекался скульптурой. В специальных витринах Музея импрессионизма стоят небольшие фигурки прачек, танцовщиц, обнаженных натурщиц, лошадей.
Близок Дега его младший современник, Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901), снискавший известность афишами для кабаре, мюзик-холлов, танцевальных залов. В музее выставлены его живописные произведения, написанные не на холсте, а на картоне. Как и в графических листах, художник изображает танцовщиц и женщин, занятых туалетом. Во всех вещах чувствуется острый глаз и смелый, точный рисунок. Однако воссозданный Тулуз-Лотреком, казалось бы, веселый мир не производит радостного впечатления. Внешняя мишура костюмов, заученные улыбки и жесты не могут скрыть маленького, изломанного жизнью человека.
В отличие от заостренного искусства Дега и Тулуз-Лотрека, живопись Огюста Ренуара (1841-1919) можно назвать гимном радости бытия, не омраченного переживаниями и сомнениями. «В нем какая-то бездна молодости, — писал о Ренуаре А.В. Луначарский. — Он любит солнце, которое может все озолотить, и его художественное сердце — само такое солнце. У него нет глаз для скорбного и уродливого: он видит цветы, лучи солнца, детей, прелестных женщин, и все это играет, просто радуясь жизни и воздуху… Смотрите картины Ренуара и учитесь у этого милого человека хоть изредка смотреть на жизнь под его счастливым углом зрения!» В этих словах раскрыта суть ренуаровского искусства. Пишет ли он природу («Дорога в траве», 1876-1878), обнаженную натуру («Натурщица на солнце», 1875-1876), жанровые сценки на открытом воздухе («Мулен де ла Галетт», 1876, «Качели», 1876), цветы («Розы», около 1890),- везде он остается солнечным поэтом, «окунающим» натуру в лучезарные потоки света.
Молоденькие модистки, продавщицы, собравшиеся повеселиться в саду монмартрского кабачка «Мулен де ла Галетт», превратились под кистью Ренуара в прелестные создания, женственные и непосредственные. Картина напоена воздухом. Свет играет на розовых и голубых женских платьях, на темных костюмах и соломенных шляпах мужчин, переливается на стеклянных стаканах, ложится синими и желтыми бликами на песчаную площадку. Черный цвет, который встречался во всех картинах доимпрессионистического периода, изгнан Ренуаром. Самый «низкий» тон его красочной гаммы-синий.
Трепетны и жизненны полотна 70-х годов: «Мулен де ла Галетт», «Обнаженная натурщица», «Качели». А более поздние «Купальщицы» кажутся уже «зализанными», гладкими. В их розовой наготе есть что-то холодное, фарфоровое!
Обратившись к «живописцу радости», мы перешли уже во второй этаж музея. Здесь кроме картин Ренуара можно увидеть полотна Моне, Писсарро, Сезанна, Ван Гога, Гогена и других. Клод Моне (1840-1926) — безусловно, самый типичный представитель импрессионизма. Именно его пейзаж «Впечатление. Восход солнца» дал название всему направлению (впечатление по французски impression).
Художник с наибольшей последовательностью разрабатывал принципы импрессионистической живописи: писал отдельными мазками чистого цвета, пытался передать изменчивое освещение в разное время дня и года. Эти поиски хорошо видны в серии «Руанский собор» (1894), хотя в музее находится лишь пять из двадцати композиций. Моне пишет портал знаменитого памятника поздней готики. Свет играет на каменном кружеве, скульптурах, отбрасывает тени, растворяет очертания здания в свето-воздушном мареве. Этюды не повторяют друг друга. На одном собор написан в серых тонах, характерных для пасмурного дня, на другом кажется нежно-розовым в лучах восходящего солнца, на третьем переливается звучным золотом, особенно ярким на фоне голубого неба. .. Кто здесь главный герой? Причудливая фантазия зодчего, создавшего каменную симфонию? Но камень утратил свою предметную осязаемость, и на его поверхности торжествует и ликует свет.
К. Моне. Паруса в Аржантейле. 1872 г.
Картины Моне в Музее импрессионизма не имеют обычных рам, а «вставлены» в стену. Отсутствует и принятый издавна порядок развески, преобладают динамика и асимметрия. Такой принцип экспозиции, вначале поражающий, оправдан. Ведь Моне хотел «поймать мгновение», вызвать у зрителя иллюзию быстрой смены освещения, изменяющего видимый мир.
Моне открыл для искусства новые мотивы, казалось бы, лишенные всякой поэтичности: вокзал Сен-Лазар, насыщенный клубами голубовато-белого пара (1877), железнодорожный мост в Аржантейле с идущим поездом (1873).
Моне, Писсарро и Сислей (в музее можно полюбоваться картинами «Дилижанс в Лувенсьенне», «Жатва в Монтфуко», «Весна в Понтуазе» — Писсарро, «Мост в Аржантейле», «Пароходы в Буживале», «Дорога в Севр» — Сислея) стали настоящими певцами Парижа и его пригородов. Деревушки и маленькие города по берегам Сены нашли, наконец, своих художников. Сегодня пейзаж окрестностей столицы во многом изменился — разрастающийся Париж постепенно поглощает пригороды. Но Сена, в которую были так влюблены импрессионисты, осталась той же, зеленоватой, неторопливой, петляющей среди лесов Сен- Жермена и Мальмезона. Глядя на ее берега, нельзя не воскликнуть: какой Моне или Сислей! Так верно передали художники особый мягкий свет Иль-де-Франса, почувствовали близость большого города.
Начиная с 80-х годов Моне постоянно жил в Живерни, между Парижем и Руаном. Сейчас его дом закрыт для посетителей. Но за дорогой по-прежнему тихо дремлют заболоченные пруды, изгибается легкий мостик. Тут художник писал во время первой мировой войны этюды «Кувшинки», подаренные им в 1922 году государству. «Кувшинки» выставлены теперь в Оранжери рядом с Музеем импрессионизма. Вместе с Ж. Клемансо Моне участвовал в устройстве экспозиции. К сожалению, он не дожил всего лишь несколько месяцев до ее открытия, в мае 1927 года. По стенам двух круглых залов, в центре которых стоят диваны, протянулась чудесная панорама: гибкие ветки плакучей ивы и белые кувшинки, покачивающиеся на сине-зеленой воде. Цвет в поздних работах приобрел плотность, освободившись в значительной мере от власти света. В «Кувшинках» нет свежести пейзажей 70-80-х годов, зато появилась декоративность.
Полотен Поля Сезанна (1839-1906) в музее сравнительно немного, и почти все относятся к 70-80-м годам. Это пейзажи окрестностей Парижа (Овер), натюрморты (цветы, яблоки, апельсины, лук), а также фигурные композиции: «Игроки в карты» (1885-1890) и «Женщина с кофейником» (около 1890).
Выступив одновременно с импрессионистами, Сезанн вскоре отошел от них. Он хотел передать не световые эффекты или изменчивость воздушной среды, а устойчивость, определенность окружающего мира. На холст ложились плотные, уверенные мазки, предметы и фигуры приобретали весомость, материальность. Более того, Сезанн сознательно схематизировал формы, придавая им простейшие, геометрически правильные очертания. В этом нетрудно убедиться, внимательно посмотрев на «Игроков в карты» или «Женщину с кофейником». Особенно запоминаются натюрморты. Художник любил изображать предметы, которые могли подолгу оставаться на столе и в сочетании друг с другом создавали насыщенное по цвету и четкое по композиции целое («Натюрморт с супницей», 1883-1885, «Натюрморт с корзиной», 1880-1890).
В ателье Сезанна в Эксе на полке расставлены, например, провансальские сосуды, черепа, бутылки, стаканы, которые часто фигурировали в натюрмортах.
К. Писсарро. Дилижанс в Лувенсьенне. 1870 г.
Два слова об ателье в Эксе, построенном в 1902 году. В это время художник окончательно вернулся в родной город. «Здесь я родился, — говорил он, — здесь и умру». Ателье представляет собой большую комнату с огромным окном. В стене -п роем: через него большие холсты передавались прямо на улицу. Оригиналов почти нет: акварель «Цветы» да два маленьких рисунка. Зато можно увидеть репродукции картин любимых художников Сезанна: Пуссена, Рубенса, Делакруа. Но самое интересное в мастерской: походный этюдник с маленькой палитрой, мольберт, кисти, соломенная шляпа, берет, замазанное красками пальто. Надев пальто и нахлобучив на голову соломенную шляпу или берет, Сезанн отправлялся по дороге Толоне к горе святой Виктории. В последние годы жизни эта гора стала почти единственным мотивом его пейзажей. Дорога и сейчас извивается по склонам холма: то справа, то прямо виднеется синий силуэт святой Виктории, красные черепичные крыши да раскидистые кроны сосен; земля, как и на картинах Сезанна, кажется красноватой.
Музей-ателье Сезанна был открыт в 1954 году американским обществом друзей художника и подарен университету Экса.
К сожалению, во Франции до сих пор нет специальных музеев двух больших живописцев — Винсента Ван Гога (1853-1890) и Поля Гогена (1848-1903).
Как и Сезанна, их называют обычно постимпрессионистами. Это условное определение говорит лишь о том, что мастера выступили после основоположников импрессионизма. Многое, взяв от предшественников, постимпрессионисты не создали уже единой группы, единого метода. Они были творчески разобщены.
Ван Гог и Гоген провели несколько недель вместе на юге Франции, в Арле, но ничто так ясно не раскрывает различие их видения мира, как сравнение полотен, исполненных в одном месте и в одно время: «Алисканты в Арле» (1888) Гогена и «Комнаты в Арле» (1889) Ван Гога.
Древнее кладбище — Алисканты — приобретает у Гогена характер фантастической декорации. Среди золотых и зелено-синих деревьев то тут, то там вспыхивают ярко-красные кустарники, холодно поблескивает голубая вода. Несколько фигурок людей кажутся затерянными, подавленными на фоне необычного сказочного пейзажа.
Ван Гог, наоборот, одухотворяет неживые предметы. Вот как Ван Гог описывал свое небольшое полотно: «Это просто моя спальня… Стены — бледно-фиолетового цвета; пол — красными квадратами. Деревянная кровать и стулья цвета свежего коровьего масла; одеяло и подушки — лимонно-желтые и зеленые, очень светлые; ярко-красное покрывало и зеленое окно… Размером мебели я хотел особо подчеркнуть несокрушимый покой…» Однако картина, написанная корпусными, темпераментными мазками-штрихами, не вызывает впечатления покоя; спинка кровати изгибается подобно тетиве лука, ярко горит синий таз на оранжевом туалетном столике. Все говорит о простом, непритязательном человеке и нервном, порывистом художнике.
Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г.
Таким предстает перед нами Ван Гог на «Автопортрете». Тщательно вылепленная цветом голова с рыжей колючей бородой вырисовывается на светло-голубом фоне. «Танцующие», извивающиеся мазки усиливают динамику характера, оттеняют странную неподвижность взгляда.
П. Сезанн. Женщина с кофейником. 1890 г.
Последние месяцы жизни Ван Гог провел в Овере под Парижем. Нервное расстройство, которым он заболел в Арле, казалось, оставило его, но это была лишь временная передышка. В конце июля 1890 года в припадке душевной депрессии художник кончает жизнь самоубийством. На сельском кладбище Овера находится скромная плита с надписью: «Здесь покоится Винсент Ван Гог». Чтобы попасть на кладбище, надо пройти мимо церкви Нотр-Дам, которую изобразил художник на одной из своих картин. Он писал церковь с востока, чуть спустившись с холма.
Пожалуй, трудно найти в истории искусств более яркий пример творческой интерпретации. Тяжеловесная каменная церковь «оживает»: линии становятся извилистыми, контуры с трудом сдерживают подвижную массу стен. Краски горят: интенсивно синее небо, красная кровля, зелено-желтая трава. По дороге вокруг церкви бегут друг за другом и рассыпаются в стороны отрывочные мазки. Они охватывают собор подвижным кольцом, уводят взгляд зрителя вдаль. В это же время был написан и портрет доктора Гаше. Те же резкие сочетания синих и красных тонов, та же подвижная манера письма.
И в портретах и в пейзажах Ван Гога удивительно сочеталась любовь к жизни в ее изменчивости, красочности с драматической, неразрешимой напряженностью, отражавшей смятенное состояние художника.
Трагедия в Овере была далеко не случайным явлением в искусстве Франции на рубеже XIX-XX веков. Не у всех, конечно, она заканчивалась столь драматично, как у Ван Гога. Но для многих художников той поры характерна неудовлетворенность существующим, мучительные поиски выхода и неумение его найти. Художники мечтают о гармоничном человеке, красоте и чистоте людских отношений, а видят вокруг себя кричащие противоречия современного капиталистического мира. Они покидают страну и отправляются по свету в надежде открыть «обетованную землю», где не властны порок и преступление.
Одни впадают в мистику, другие хотят уверовать в сказку, третьи ищут у первобытных народов чистоту, утраченную цивилизованным миром. Все эти черты есть и у Поля Гогена. Бретань, острова Таити, Доминик, Маркизские острова вначале казались Гогену убежищем, о котором он мечтал. Но каждый раз приходилось убеждаться в несбыточности мечты, попытки уйти от буржуазного общества. Несмотря на внешнюю безмятежность, сложным и противоречивым оставалось искусство Гогена. Вот «Прекрасная Анжель» (1889), портрет бретонки в национальном костюме. Но как мало напоминает эта картина обычный портрет! Почему женщина с грубоватым лицом и маленькими глазками заключена в круг? Почему слева от нее видна статуэтка Будды? По-видимому, Гогену хотелось уподобить современницу какому-то древнему идолу, неподвижному, загадочному, как Будда.
П. Гоген. Белая лошадь. 1893 г.
В творчестве художника легенды становились явью, а между людьми и вещами возникала непонятная, таинственная связь. Гоген уходил в сказку, в символику.
В начале 30-х годов луврское собрание пополнила картина «Белая лошадь». В неглубоком ручье, нагнув тяжелую голову к воде, стоит лошадь. Она написана в зеленовато-голубых и серых тонах, вобравших в себя синеву неба и зелень травы. На переднем плане вверх тянутся листья и цветы болотных растений, а в глубине, за извивающимися ветками деревьев, медленно движутся рыжие кони с обнаженными таитянками. Быть может, Гоген воплотил какую-то местную легенду, а может быть, просто создал декоративное панно, в котором хотел показать гармоническое единство человека, природы и животных?
Сказочность и загадочность есть и у Анри Руссо (1844-1910).
Он стремился вернуть искусству наивность и непосредственность, но его подражание детскому рисунку оставалось не более как подделкой. Естественная потребность ребенка передать свои представления о реальности заменялась попыткой взрослого человека «поиграть в детство». Но никакая стилизация не могла скрыть душу художника конца XIX столетия, его сомнений, нервозности, его переходов от наивности к символике. Такова картина «Волшебница со змеей» (1907).
На фоне фантастической природы вырисовывается темный силуэт обнаженной женщины. Послушные звуку магической дудочки, со всех сторон сползаются зелено-коричневые змеи. В тщательности и узорчатости, с которой нарисованы листья и трава, в параллельности линий, передающих переливы воды, в гладкости, зализанности письма чувствуется «рука» основоположника французского примитивизма.
В период, когда героическое время импрессионизма кончилось, выступил и Жорж Сера (1859-1891).
Ему казалось, что предшественники были недостаточно последовательны в своих исканиях, и он хотел обновить искусство на основе подлинно научной теории. Художник умер молодым, но то, что он успел сделать, стало рассматриваться современниками, как начало второй фазы импрессионизма: неоимпрессионизм, или пуантилизм. На картинах «Натурщица в профиль» и «Натурщица в фас» (1887) тела женщин и фон состоят из множества мелких желтых, синих, фиолетовых мазков. Сера окончательно отказался от смешения красок на палитре, писал отдельными отрывочными точками, которые на расстоянии оптически сливались в глазу зрителя. «Литераторы и критики, говорил он, — видят поэзию в том, что я делаю. Но я лишь применяю свой метод, и это все». Однако в полотнах Сера, вопреки рационализму и схематизму его научных теорий, жило еще непосредственное восприятие жизни.
Интересна картина «Цирк» (1891).
Она решена в блеклой желто- оранжевой гамме; объемность, «сферичность» фигур передана то более частыми, то резкими сочетаниями синих мазков. Движения скачущей лошади, наездницы, прыгающего акробата, клоуна подчеркиваются статикой сидящей публики.
Музей импрессионизма подводит итоги развитию искусства в XIX веке. Французская живопись прошла за это время большой и трудный путь. Давид и Энгр, Жерико и Делакруа, Домье и Курбе, Мане и Дега, Сезанн и Ван Гог, передавая друг другу эстафету художественной правды, донесли ее до XX века. Новое столетие приняло ее не безоговорочно и неполностью. В этом нетрудно убедиться, посетив Музей современного искусства. Однако, прежде чем войти в него, остановимся еще на двух музеях — ателье. На этот раз речь пойдет о скульптуре нового времени, о которой до сих пор мы почти ничего не говорили.
Заключение
Мой путь в живописи сейчас у самых истоков, я уверенна что он будет долог и прекрасен…
Импрессионизм и постимпрессионизм пока для меня самый интересный путь в живописи но остановлюсь ли я на нем или нет, я еще не знаю.
Импрессионисты стремятся запечатлеть отдельные моменты бытия человека и природы, они стремятся, не выходя за рамки крошечных отрезков времени, уловить, раскрыть во всем жизнь. Они бросаются за правду, но само понимание правды несколько обедняют. Они не хотят ничего знать заранее о том, что пишут, они хотят только видеть, только наблюдать. Если для реалистов правда — это опыт народа, это знания, добытые на протяжении долгого времени, то для импрессионистов правда — это опыт самого художника, это впечатление, полученные им от созерцания окружающего.
Они отказываются от сложных типичных образов, основанных на глубоком знании отдельных явлений и их связи между собой, но вместе с тем они приходят к пониманию жизни как непрекращающегося движения, изменения, они находят живописные средства для того, чтобы уловить и показать в картине самый трепет жизни.
Довольствуясь только непосредственными впечатлениями, импрессионисты ограничивали, обедняли свое творчество. Они жили лишь одним днем и не хотели вспомнить героическое прошлое Парижа и Франции, думать о ее будущем, замечать вокруг все обострявшиеся социальные противоречия. Некоторые из импрессионистов смутно чувствовали эту ограниченность и тосковали о больших социальных и героических темах. Ренуар говорил об упадке современного искусства и главной причиной этого считал отсутствие идеала.
Уже к концу 1870-х годов импрессионизм исчерпал себя, оказался бесперспективным, и это сыграло свою роль в том, что многие младшие современники импрессионистов, последовавшие, было, за ними, стали видеть цели искусства лишь в изобретении новых живописных приемов, в работе над формой самой по себе, то есть пошли по пути формализма.
Список используемой литературы
[Электронный ресурс]//URL: https://liarte.ru/kursovaya/po-mhk-na-temu-impressionizm-i-postimpressionizm-v-rossii/
1. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. — Тверь, 1993.
2. Денвир Б. Импрессионизм. Художники и картины. — М.: 2008.
3. Живопись импрессионистов и постимпрессионистов: Альбом. — Л.: 1986.
4. Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мировая художественная культура. Учебное пособие для старших классов школ, гимназий, лицеев, а также для студентов высших учебных заведений. — М.: 2008.
5. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. — М.: Высшая школа, 1993.
6. Калитина Н.Н. Французское изобразительное искусство конца XVI-XX веков. — Л.: 1990.
7. Мэннеринг Д. Жизнь и творчество Дега. Б. м.: Спика, 2003.
8. Популярная художественная энциклопедия. В 2-х т. — М.: Советская энциклопедия, 1986.
9. Ревалд Д. История импрессионизма. — М.: 2003.
10. Террасс А. Дега Эдгар: Кат. картин — Берлин: Кн. 1, 2 2001.
11. Энциклопедический словарь юного художника. — М.: Педагогика, 1983.
