1. Обоснование выбора темы
Мастерство Анны Андреевны Ахматовой было признано почти сразу же после выхода ее первого поэтического сборника. Ее исключительное лирическое дарование не только передавало душевные состояния человека, но и чутко откликалось на большие события народной жизни. Она связана с эпохой, сформировавшей ее как поэта, — с так называемым «серебряным веком» русской художественной культуры. Литературный путь Анны Ахматовой, начавшийся еще в дореволюционные годы и завершившийся в советское время был длительным и нелегким. С самого начала поэзия ее отличалась правдивостью поэтического слова. В стихах Анны Андреевны отразилась жизнь ее сердца и ума.
В начале века в России существовало немалое количество поэтических школ и течений. Впервые появлявшиеся в печати поэты стремились перещеголять соперников изысканностью речи. Их стихи отличались намеренной изощренностью. Непосредственное выражение чувств представлялось слишком элементарным. А. Блок в своей известной статье «Без божества и вдохновенья», подвергнув критике акмеизм, последователи которого, по его мнению, не внесли в литературу ничего нового, а их сборники никогда не отличались особыми достоинствами, сделал исключение лишь для А. Ахматовой, ибо ее поэтический мир развивался по несравненно более высоким, не предусмотренным акмеистическими манифестами душевным координатам.
Поэзия Анны Ахматовой заняла особое место уравновешенностью тона и четкостью мыслевыражения. Было ясно, что у молодого поэта свой голос и своя интонация.
Удивляет только одно: как могли такого поэта так долго не печатать! За три века русской поэзии в ней мало женских имен, и ни одно из них, на мой взгляд, не может сравнится по силе чувства, глубине мысли и таланту с А. Ахматовой. Именно о ней мне хочется рассказать, об ее поэтическом мире, особенностях ее лирики и мастерстве.
И все-таки узнают голос мой,
И все-таки ему опять поверят.
(«Надпись на книге», 1959.)
2. Романность в лирике Ахматовой
Лирика Ахматовой периода ее первых книг («Вечер», «Четки», «Белая стая») — почти исключительно лирика любви. Ее новаторство как художника проявилось первоначально именно в этой традиционно вечной, многократно и, казалось бы, до конца разыгранной теме.
Две вышедшие в 20-х годах книги об Ахматовой, одна из которых принадлежала В. Виноградову, а другая Б. Эйхенбауму, почти не раскрывали читателю ахматовскую поэзию как явление искусства, то есть воплотившегося в слове человеческого содержания. Книга Эйхенбаума, по сравнению с работой Виноградова, конечно, давала несравненно больше возможностей составить себе представление об Ахматовой, как о художнике и человеке. Ее важнейшей и, может быть, наиболее интересной мыслью было соображение о «романности» ахматовской поэзии, о том, что каждая книга ее стихов представляет собой как бы лирический роман, имеющий к тому же в своем генеалогическом древе русскую реалистическую прозу. Доказывая это, Эйхенбаум писал в одной из своих рецензий: «Поэзия Ахматовой — сложный лирический роман. Мы можем проследить разработку образующих его повествовательных линий, можем говорить об его композиции, вплоть до соотношения отдельных персонажей. При переходе от одного сборника к другому мы испытывали характерное чувство интереса к сюжету — к тому, как разовьется этот роман».
Поэта, поэзии и своего осознанно обособленного места в ней. 2. ...
... и др. Наиболее крупным явлением поэзии Цветаевой этих лет стали стихотворные циклы - «Стихи о Москве», «Стихи к Блоку» и «Ахматовой». ... отношение к поэтам и поэзии, пронесенное ... Анне - всея Руси / Искупительному глаголу», «Ты солнце в выси мне застишь». Цветаева слишком любила поэзию и ... Цветаевой не воспроизводилась. Зато уже с середины 1910-х годов появляются стихи, в которых слышится поэтический голос ...
О «романности» лирики Ахматовой интересно писал и В. Гиппиус. Объективное значение ее любовной лирики в том, что эта лирика пришла на смену умершей или задремавшей в то время форме романа. И действительно, рядовой читатель может недооценить звукового и ритмического богатства таких, например, строк: «и столетие мы лелеем еле слышный шорох шагов», — но он не может не плениться своеобразием этих повестей миниатюр, где в немногих строках рассказана драма. Роман стал необходимым элементом жизни, как лучший сок, извлекаемый, говоря словами Лермонтова, из каждой ее радости. В нем увековечивались сердца с непреходящими особенностями, и круговорот идей, и неуловимый фон милого быта. Ясно, что роман помогает жить. Но роман в прежних формах, роман, как плавная и многоводная река, стал встречаться все реже, стал сменяться сначала стремительными ручейками («новелла»), а там и мгновенными «гейзерами». Примеры можно найти, пожалуй, у всех поэтов: так, особенно близок ахматовской современности лермонтовский роман «Ребенку», с его загадками, намеками и недомолвками. В этом роде искусства, в лирическом романе — миниатюре, в поэзии «гейзеров» Анна Ахматова достигла большого мастерства. Вот один из таких романов:
Как велит простая учтивость,
Подошел ко мне, улыбнулся.
Полуласково, полулениво
| Развертка статьи: |
|
Ахматова предпочитала создавать поэтические миниатюры, которые оставались незавершенными, придавая читателю возможность додумать происходящее между персонажами. Стихотворение «Хочешь знать, как все это было?..» является примером характерной черты поэтической манеры Ахматовой. Она предпочитала фрагментарность связному повествованию, что придавало ее произведениям острый психологизм и документальность. Часто ее стихи напоминали беглые записи в дневнике, что усиливало впечатление случайно увиденной или услышанной драмы.
|
Особенности любовной лирики Ахматовой
Любовная лирика Анны Ахматовой занимает особое место в ее поэтическом творчестве. Она отличается от других жанров своей глубиной, эмоциональностью и фрагментарностью. Одним из интересных аспектов ее стихов о любви является использование третьего лица, что придает им повествовательный характер. Однако, несмотря на это, Ахматова предпочитала сохранять лирическую фрагментарность, размытость и недоговоренность.
Роль деталей в стихах о любви
В стихах Ахматовой о любви особую роль играют детали. Они служат не просто украшением, но отражают глубину и интимность чувств. Любовная лирика Ахматовой характеризуется тем, что страсть и любовь выражаются всего лишь двумя-тремя словами, наподобие зарниц, которые вспыхивают за потемневшим горизонтом. Это вызывает недоуменное восхищение у читателя.
Однако, если страдание, которое переживает любящая душа, настолько неимоверно, что приводит к молчанию и потере речи, то почему окружающий мир вокруг так огромен, прекрасен и пленителен? Ответ на этот вопрос заключается в том, что любовный роман Ахматовой, который развивается в стихах, простирается за пределы конкретных ситуаций и становится более глобальным и многозначным.
Любовь в поэзии Анны Ахматовой
Тема любви занимает центральное место в поэзии Анны Ахматовой. Ее искренность и гармония позволяют сравнивать ее с русской Сафо. Ранняя любовная лирика Ахматовой была воспринята как своеобразный лирический дневник. Она говорит о простом человеческом счастье и земных горестях, которые близки каждому.
Ахматова изображает любовь как «поединок роковой». Она редко изображается безмятежно, идиллически, а, наоборот, в моменты разрыва, разлуки и утраты чувства. Стихи Ахматовой часто являются началом драмы или ее кульминацией. Лирическая героиня Ахматовой платит «мукой живой души» за свою любовь.
Стихи Ахматовой сближаются с жанрами романа, новеллы, драмы и лирического дневника. Она умела выразить самое интимное в себе и окружающем мире. В ее стихах поражает струнная напряженность переживаний и безошибочная меткость их выражения.
Оригинальность поэтического голоса
Ахматова обладает оригинальным поэтическим голосом, который передает самые сокровенные мысли и чувства лирической героини. Ее стихи наполнены глубочайшим психологизмом и вызывают восхищение. Она умела раскрывать самые потаенные глубины внутреннего мира человека, его переживания и настроение. Поразительная психологическая убедительность достигается использованием емких и лаконичных деталей.
Идея любви
Ахматова сохраняет высокое значение идеи любви, связанное с символизмом, но возвращает ей живой и реальный характер. Любовь оживает «не для страсти, не для забавы, для земной великой любви».
Любовь в стихах Ахматовой
Анна Ахматова — выдающаяся русская поэтесса XX века. Ее стихи обладают необычайной остротой взгляда и мысли.
Она пишет о любви не как о простом счастье, а как о страдании, пытке, мучительном изломе души. В ее стихах любовь редко предстает в спокойном пребывании, чувство получает дополнительную остроту и необычность, проявляясь в предельно кризисном выражении взлета или падения, первой пробуждающей встречи или совершившегося разрыва, смертельной опасности или тоски. Стихи Ахматовой часто грустны: они несут особую стихию любви — жалости.
Уже в самых первых стихах Ахматовой живет не только любовь любовников. Она часто переходит в другую, любовь — жалость, или даже ей противопоставляется, вытесняется ею: «О нет, я не тебя любила…». Это просто уникальная трансформация любви во что-то большее, где любовь означает жалость и сострадание.
Любовь у Ахматовой в самой себе несет возможность саморазвития, обогащения и расширения беспредельного, глобального, чуть ли не космического. Она помогает постичь самого себя, погрузиться в собственную душу, и, возможно, даже достичь духовной гармонии.
Особенности стихотворений об любви в творчестве Ахматовой
Одной из особенностей стихотворений об любви в творчестве Ахматовой является использование библейских образов, которые придают произведениям почти религиозную окраску, раскрывая в них не только человеческую любовь, но и божественное творение.
Кроме того, Ахматова нередко использует прием обращения к читателю, словно приглашая его взглянуть на свои стихи глазами настоящего любовника. Этот прием делает произведение более живым и автентичным.
Заключение
Таким образом, стихи Ахматовой о любви — это не просто красивые зарисовки, это глубокое осознание того, что любовь это не только чувство счастья, но и переживания боли и страдания, а также способ самообороны души от жизненных потрясений.
Любовная лирика Ахматовой: особенности и примеры
В поэзии Анны Ахматовой неизменно присутствует особый философский подтекст, который напрямую связан с ее лирическими темами. Одной из самых ярких тем в творчестве поэтессы является любовь. Стихи, посвященные чувствам, полны недоговоренностей и намеков, которые раскрываются только на уровне подтекста, придавая таким произведениям особую своеобразность.
Интимность и откровенность
Чаще всего героиня стихов Ахматовой выражает свои чувства в состоянии полубреда или порыва, и от ее лексики зависит, какой результат будет иметь ее творчество.
Очевидно, что поэтесса не считала нужным в многих случаях расшифровывать все происходящее в стихах – передаются только сигналы чувств, без дополнительных комментариев. Однако это создает впечатление крайней интимности между поэтессой и читателем. Подобная закодированность, несомненно, придает уникальность произведению и позволяет глубже ощутить эмоциональную составляющую литературы.
Синкретические эпитеты
Любовные стихи Ахматовой отличаются также наличием множества синкретических эпитетов. Они возникают из целостного, нераздельного и слитного восприятия мира поэтессой, когда глаз видит мир во всей его красоте, а чувства опредмечиваются. Благодаря эпитетам, в стихотворежении оживает окружающий мир и предметы одухотворяются.
Реалистичность в жанре любовной лирики
Однако не только синкретические эпитеты делают поэзию Ахматовой уникальной. Возможно, что главное ее достоинство – это реалистичность. Поэтесса отличается способностью увидеть поэзию в обычной жизни. В ее стихах можно встретить общие предметы быта, как, например, позеленевший рукомойник, на котором играет бледный вечерний луч.
Как отмечает сама Ахматова, стихи творятся из жизни, они растут из сора. Источником поэтического воодушевления может стать пятно плесени на сырой стене, одуванчик или сырой забор. Эта способность увидеть прекрасное в повседневной жизни делает стихи Ахматовой уникальными и реалистичными.
Анализ лирики Анны Ахматовой
Говоря об Ахматовой, о ее любовной лирике, критики замечали, что ее любовные драмы, развертывающиеся в стихах, происходят как бы в молчании. Ее любовный стих, в том числе и самый ранний, еще несовершенный, почти отроческий по интонации, произрастал из непосредственных жизненных впечатлений, хотя эти впечатления и ограничивались заботами и интересами «своего круга». Поэтическое слово молодой Ахматовой было очень зорким и внимательным по отношению ко всему, что попадало в поле ее зрения. Конкретная плоть мира, его четкие материальные контуры, цвета, запахи, штрихи, обыденно обрывочная речь — все это не только бережно переносилось в стихи, но и составляло их собственное существование, давало им дыхание и жизненную силу. Уже современники Ахматовой заметили, какую необычно большую роль играла в стихах юной поэтессы строгая, обдуманно локализованная житейская деталь.
Мне очи застит туман,
Сливаются вещи и лица,
И только красный тюльпан,
Тюльпан у тебя в петлице.
(«Смятение», 1913.)
Не правда ли, стоит этот тюльпан «вынуть» из стихотворения, и оно немедленно померкнет!.. Почему? Не потому ли, что весь этот молчаливый взрыв страсти, отчаяния, ревности и поистине смертельной обиды — все сосредоточилось именно в тюльпане. Он один высокомерно торжествует в пустынном и застланном пеленою слез, безнадежно обесцветившемся мире. Ситуация стихотворения такова, что героине кажется, будто тюльпан не «деталь» и уж, конечно, не «штрих», а что он живое существо, истинный, полноправный герой произведения.
Ахматова не только вобрала в себя изощренную культуру многосмысленных значений, развитую ее предшественниками символистами, в частности их умение придавать жизненным реалиям безгранично расширяющийся смысл, но и, судя по всему, не осталась чуждой и великолепной школе русской психологической прозы, в особенности романа. Ее так называемые вещные детали, скупо поданные, но отчетливые бытовые интерьеры, смело введенные прозаизмы — та внутренняя связь, какая всегда просвечивает у нее между внешней средой и потаенно бурной жизнью сердца. Все живо напоминает русскую классику, не только романную, но и новеллистическую, не только прозаическую, но и стихотворную.
4. Тема поэта и поэзии
Любовная лирика, безусловно, является основной в творчестве А. Ахматовой, но она не могла обойти вниманием такую важную тему в русской поэзии, как тема поэта и поэзии.
Своим творчеством на протяжении всей жизни Ахматовой приходилось опровергать мысль о том, «что быть поэтом женщине нелепость». Она хотела быть не просто женщиной, чье существование ограничено лишь любовными переживаниями:
Нет, царевич, я не та,
Кем меня ты видеть хочешь,
И давно мои уста
Не целуют, а пророчат.
(«Нет, царевич, я не та…», 1915)
«Однажды поздним летом» героиня встречает свою Музу, и с тех пор они неразлучны. Муза Ахматовой — смуглая иностранка; этот образ, вероятно, восходит к «смуглой леди» шекспировских сонетов. При этом Муза не только подруга, но и соперница; любовь и поэзия властвуют над душой героини поочередно: то Муза отнимает «золотое кольцо» — подарок возлюбленного, то любовь мешает проявлению поэтического дара:
И — я не могу взлететь,
А с детства была крылатой.
Отношения героини и ее Музы
Отношения героини и ее Музы составляют сложную динамику. Ахматова описывает, что Муза уходит, оставляя героиню одинокой и лишенной вдохновения. Земной мир кажется ей убогим и душным, словно могилой, где невозможно дышать. Иногда Муза теряет свою силу и радость. В ожидании небесной гостьи, жизнь героини кажется подвешенной на волоске, и она забывает о почестях, свободе и юности. Муза — это и бессонница, и голос совести, которые героиня вынуждена нести всю жизнь. Это мучительная лихорадка и обуза, но, к сожалению, являющаяся редким явлением:
Как и жить мне с этой обузой,
А еще называют Музой,
Говорят: «Ты с ней на лугу…»
Говорят: «Божественный лепет…»
(«Тайны ремесла. Муза», 1936-1960.)
Ахматова считает, что поэзия создана для того, чтобы обжигать сердца людей, сеять в них добро и правду. Она подхватывает идеи великих предшественников, Пушкина и Некрасова, в своем понимании высокого предназначения поэзии. Жизнь и любовь коротки, а искусство — вечно.
Для Ахматовой поэзия — не только радостный дар, но и страдание, пытка, от которой она иногда хочет отречься. Но освобождение невозможно, так как «жажда песнопений» является неотъемлемой частью ее существования. Дар поэта — его богатство, данное Богом, но поэт обречен не копить его, а расточать. Задача поэта неблагодарна, но благородна. Подобно Христу, поэт идет по миру один, чтобы творить свое благое дело. И он обречен узнать «учеников злорадное глумление и равнодушие толпы».
Слава представляется героине неизбежным спутником таланта, «увядшим листом» у него под ногой или назойливой гостьей.
Забудут? — вот чем удивили!
Меня забывали сто раз…
(«Забудут? — вот чем удивили!..», 1957.)
Муза — птица Феникс, восстающая из пепла, чтобы жить и творить, и ей не грозит забвение.
Иногда поэтесса воспринимает свой дар как трагическую отметку судьбы, предрекающую катастрофы и гибель близким:
Я гибель накликала милым…
(«Я гибель накликала милым…», 1921.)
5. Особенности стихов о Родине
С течением времени — времени бурь и потрясений в судьбе России — лирика Ахматовой, поначалу камерная, интимно-исповедальная, обрела высокое гражданское звучание. Это произошло, потому что поэтесса не могла не думать о своей Родине, которую охватили страшные события, не переживать за своих соотечественников, оказавшихся в тяжелом положении. Уже в годы первой мировой войны, которую поэтесса восприняла как национальную трагедию, в ее творчество вошли мотивы самопожертвования и любви к Родине. В стихах сборника «Белая стая», где Ахматова впервые обратилась к теме Родины, ощущается близость неотвратимой катастрофы, предчувствие трагедии в жизни России. Поэтесса сразу определила для себя главное — быть вместе со своей страной на всех ее путях и перепутьях. Программными в этом отношении следует считать строки:
Мне голос был. Он звал утешно,
Он говорил: «Иди сюда,
Оставь свой край, глухой и грешный,
Оставь Россию навсегда…»
Но равнодушно и спокойно
Введение
Анна Ахматова — выдающаяся русская поэтесса, которая всегда оставалась верной своей Родине. В стихотворениях Ахматовой отчетливо прослеживается ее любовь и самопожертвование в отношении России. Ахматова переживала все бедствия, выпавшие на долю своей страны, и готова была принять любые трудности, лишь бы Россия смогла преодолеть их.
Тело
Стихотворение «Молитва», написанное Ахматовой в 1915 году, ярко отражает ее стремление слиться с народом и желание, чтобы Россия преодолела все трудности:
Дай мне горькие годы недуга,
Задыханья, бессонницу, жар…
Чтобы туча над темной Россией
Стала облаком в славе лучей.
В сборнике «Подорожник», в отличие от историческо-философского осмысления войны и революции, Ахматова обращается к личностно-поэтическому плану. Гражданские стихи в этой книге связаны с проблемой нравственного и жизненного выбора, и хотя Ахматова не принимает революцию, в ее стихах отсутствует политическая ненависть.
Ахматова не считает изгнание из Родины достойной участью и предпочитает остаться на Родине, принимая удары судьбы вместе с ней. Она хранит веру в светлые дни России, даже в тяжелые времена: «В года мытарств, во времена немыслимого быта», когда «все расхищено, предано, продано». Ахматова чувствует связь со всеми патриотами, оставшимися на Родине, и образ героини ее стихов становится все более цельным и гармоничным.
В стихах Ахматовой, написанных во время Второй мировой войны, прослеживается гневный и воинственный патриотизм. Она считает свою жизнь частью народного бытия и отображает в своих произведениях силу, волю и мужество русского народа, а также непоколебимую веру в победу.
Заключение
Анна Ахматова — поэтесса, которая всегда оставалась верной России и переживала все ее бедствия. Ее стихи отражают любовь и самопожертвование в отношении Родины, а также гневный и воинственный патриотизм во время войны. Ахматова хранит веру в светлые дни России и чувствует связь со всеми патриотами, оставшимися на Родине.
Развитие русской литературной традиции в поэзии Анны Ахматовой
Анна Ахматова, одна из выдающихся российских поэтесс XX века, находила в творчестве Александра Пушкина источник вдохновения и влияние, которое сказалось на ее лирике. Не только обстоятельства, но и глубокая любовь к Пушкину делали его творчество особенно значимым для Ахматовой.
Ахматова была не только почитательницей Пушкина, но и активно изучала его произведения. Она обращалась к ним в своих стихах, а также в своих публичных выступлениях и лекциях. В ее поэзии присутствуют отголоски пушкинской метафорики, ритмики и стилистики.
Одним из ярких примеров влияния Пушкина на лирику Ахматовой является использование мотивов и образов из его произведений. В стихотворении «Меня, как реку…» Ахматова сравнивает свою судьбу с рекой, которую повернуло суровое время. Этот образ напоминает о поэтической традиции Пушкина, который также часто использовал образы природы для выражения своих чувств и переживаний.
Ахматова также подхватывает пушкинский мотив оплакивания умерших и сохранения их памяти. В стихотворении «Чтоб вас оплакивать, мне жизнь сохранена» она говорит о своей задаче сохранить память о погибших и оплакивать их. Этот мотив прямо связан с поэтической традицией Пушкина, который также посвящал свои стихи умершим и восхищался силой их памяти.
Таким образом, влияние Пушкина на поэзию Анны Ахматовой проявляется не только в использовании образов и мотивов из его произведений, но и в общей поэтической традиции. Ахматова продолжает и развивает русскую литературную традицию, передавая в своих стихах глубину чувств и мыслей, а также сохраняя память о прошлом и оплакивая умерших, подобно Пушкину.
Обстоятельства детства Анны Ахматовой в Царском Селе
Каковы же были названные выше обстоятельства? Дело в том, что Анна Ахматова — царскоселка. Ее отроческие, гимназические годы прошли в Царском Селе, нынешнем Пушкине, где и сейчас каждый невольно ощущает неисчезающий дух великого поэта. Те же Лицей и небо, и так же грустит девушка над разбитым кувшином, шелестит парк, и мерцают пруды… Анна Ахматова с самого детства впитала воздух русской поэзии и культуры. В Царском Селе написаны многие стихи ее первого сборника «Вечер». Вот одно из них, посвященное Пушкину:
Пушкин в творчестве Анны Ахматовой
Смуглый отрок бродил по аллеям,
У озерных грустил берегов,
И столетие мы лелеем
Еле слышный шелест шагов.
Иглы сосен густо и колко
Устилают низкие пни…
Здесь лежала его треуголка
И растрепанный том Парни.
(«В Царском Селе», 1911.)
Влюбленность в Царское Село и Пушкина
Мы ощущаем, что ее стихи, посвященные Царскому Селу и Пушкину, проникнуты неким особенным чувством, которое можно даже назвать влюбленностью. Не случайно лирическая героиня ахматовской «Царскосельской статуи» относится к воспетой великим поэтом красавице с кувшином как к сопернице. Сам Пушкин подарил бессмертие этой девушке:
Урну с водой уронив, об утес ее дева разбила.
Дева печально сидит, праздный держа черепок.
Чудо! Не сякнет вода, изливаясь из урны разбитой;
Итак, исследование жизни и творчества Анны Ахматовой в контексте ее отношения к поэзии Александра Пушкина представляет собой увлекательную тему, которая позволяет более глубоко понять влияние пушкинского наследия на развитие поэтического стиля и мироощущения поэтессы. Понимая, что Ахматова рассматривала Пушкина как идеал, необходимо изучить какие именно аспекты пушкинского творчества оказали влияние на ее собственную поэзию.
Ахматова высказывала свою любовь к Пушкину через собственное творчество, в своих стихах утверждая благоговение перед пушкинскими высотами и сиянием. Кроме того, она была активной исследовательницей пушкинского творчества, написав множество литературоведческих статей о различных аспектах его произведений. Интересно изучить, какие именно произведения Пушкина оказали наибольшее влияние на Ахматову и в каких аспектах их творчество взаимодействовало.
Далее необходимо рассмотреть, какие традиции пушкинской поэзии возвысили творчество Ахматовой и в каких аспектах она придерживалась пушкинских идей в своих собственных произведениях. Особый интерес представляет влияние пушкинского стиля на лирическое начало в поэзии Ахматовой и в чем именно заключается их схожесть или различие.
Таким образом, изучение взаимоотношений между поэзией Ахматовой и ее отношением к творчеству Пушкина позволит не только глубже понять эволюцию ее собственного стиля, но и оценить вклад поэта в современную литературу в контексте пушкинской традиции.
В поэзии Ахматовой заглавия книг являются метатекстом, отражающим движение исторического и личного времени поэтессы, выражающим ее жизненную позицию. Одной из таких книг является «Вечер».
Контекст и символика названия
Книга «Вечер» содержит стихотворения, написанные между 1909 и 1912 годами. Они отражают и исследуют внутреннюю жизнь Ахматовой, ее личный опыт и состояние души. Опыт, описываемый в этих стихах, скорее является личным и психологическим, нежели национальным или культурным. Трагедии, с которыми Ахматова столкнулась, основаны на ее собственном характере, а не на внешних факторах или исторических событиях. Для Ахматовой важнее борьба и хаос внутри себя, чем общественный, политический и культурный мир.
«Вечер» — название первой книги Ахматовой, которое на первый взгляд кажется не подходящим, так как вечер символизирует завершенность, конец. Однако рассмотрев этот заголовок в контексте творческого пути автора, можно сказать, что вечер здесь понимается как начало, точка отсчета. Как и в православной религии, где служение Богу в храме начинается вечером, этот заголовок символизирует начало творческого пути Ахматовой.
Ассоциативно заглавие «Вечер» также связано с концом жизни перед вечностью. Физическая смерть, по словам поэта, не является концом всего, а лишь переходом в вечную жизнь. Для земной жизни, для людей, Ахматова будет жива памятью о себе, завоеванной при помощи ее творчества. Начало и конец, вечность и хрупкость, все это выражается в названии «Вечер».
Эпиграф и его значение
Эпиграф к книге «Вечер» взят из стихотворения французского поэта Андре Терье (1833 — 1907), «Виноградник в цвету». В нем говорится: «Распускается цветок винограда, А мне сегодня вечером двадцать лет». Этот эпиграф также относится к символике «вечера» как начала. Слова «цветок винограда» символизируют начало жизни, особенно в контексте молодости и творчества. А фраза «мне сегодня вечером двадцать лет» олицетворяет начало взрослой жизни, начало возможностей для творчества.
Таким образом, эпиграф подчеркивает символику заглавия и укрепляет его значение как начала творческого пути, жизни и возможностей для самовыражения.
Анализ книги «Четки»
«Четки», книга Анны Ахматовой, вышедшая в 1914 году, стала самой популярной и знаменитой книгой автора. В книге перенесены мотивы и образы из «Вечера», но литературное произведение воплощает в себе не только индивидуальный опыт, но и общие проблемы существования.
Можно предположить, что символ «четок» используется как для выражения линейности (последовательность событий, эволюция внутреннего мира), так и круга (возвращение к начальной точке, замкнутость времени).
Оба смысла знака проявились в книге.
Основные нити наполнения литературного произведения связаны с темой любви, временем и памятью. В эпиграфе к произведению звучат строки Е. Баратынского, которые вводят рассказ о двух людях через то, что рассказ не сводится к частным переживаниям автора.
Последнее стихотворение «Четок» является переходным мостом к «Белой стае», потому что выражает предчувствие значительных изменений и трансформаций в жизни
Весь книжный произведение подразделяется на 4 части, которые отражают линейность и рост внутреннего мира героини. В противовес этому символу присутствует «круг» времени, который исходит от заглавия произведения и представляет из себя прошлое рассказчицы, а также ее взгляд на прошлое, вероятно уже сложившийся и более объективный.
Часть два: «Белая стая» в творчестве Анны Ахматовой
Все бытовые проблемы, напряженность действительности для Ахматовой — лишь сиюминутные явления. Перебирая бусины четок, поэт сверху, с внешним безразличием, смотрит на бренное человеческое бытие, внутренне готовясь к встрече с некой наивысшей Силой. Мы встречаемся с еще одним значением символа «четки». Четки — напоминание о статичности, конечности внешней стороны жизни.
Третьей книгой, вышедшей из-под пера Ахматовой в сентябре 1917 года, стала «Белая стая». Обращаясь к смыслу ее заглавия, можно увидеть, что основополагающими составными частями его будут слова «белый» и «стая».
Всем известно, что цвета влияют на наше мышление и чувства. Они становятся символами, служат сигналами, предостерегающими нас, радуют, печалят, формируют наш менталитет и влияют на нашу речь. Белый — это цвет невинности и чистоты. Он символизирует чистоту помыслов, искренность, юность, неиспорченность, неискушенность. Белый цвет — символ творческой, жизнелюбивой натуры. Слово «белый» находит свое непосредственное отражение в стихах книги. Во-первых, белый у Ахматовой — цвет любви, олицетворение тихой семейной жизни в «белом доме». Когда же любовь изживает себя, героиня оставляет «белый дом и тихий сад».
«Белый», как олицетворение вдохновения, творчества, находит отражение в строках стихотворения «Муза ушла по дороге» (1915):
Я голубку ей дать хотела,
Ту, что всех в голубятне белей,
Но птица сама полетела
За стройной гостьей моей.
Белая голубка — символ вдохновения — улетает вслед за Музой, посвящая себя творчеству.
«Белый» — это и цвет воспоминаний, памяти:
Как белый камень в глубине колодца,
Лежит во мне одно воспоминанье.
(«Как белый камень в глубине колодца», 1916.)
Образ птицы (например, голубя, ласточки, кукушки, лебедя, ворона) глубоко символичен. В творчестве Ахматовой «птица» обозначает многое: стихи, состояние души, Божьего посланника. Птица — это всегда олицетворение свободной жизни; в клетках мы видим жалкое подобие птиц, не лицезрея их парения в небе. Так же и в судьбе поэта: подлинный внутренний мир отражается в стихах, созданных свободным творцом. Но именно свободы в жизни всегда не хватает. Птицы редко живут по одиночке, в основном стаями, а стая есть нечто единое, сплоченное, многоликое и многоголосое.
Взглянув на символику заглавия третьей книги стихов Ахматовой можно увидеть, что здесь временной и пространственный пласты не ограничены ничем. Происходит выход из круга, отрыв от начальной точки и намеченной линии.
Таким образом, «белая стая» — образ, свидетельствующий об изменении пространственно — временного континуума, оценок, воззрений. Он (образ) заявляет о позиции над всем и вся, с высоты птичьего полета. В «Белой стае» Ахматова поднимается над действительностью и, уподобляясь птице, пытается охватить своим взглядом огромное пространство и большую часть истории своей страны, она вырывается из-под властных оков земных переживаний.
Эпиграф к «Белой стае» взят из стихотворения И. Анненского «Милая»:
Горю и ночью дорога светла.
Открывается книга стихотворением гражданской тематики, в котором чувствуются трагические ноты (перекличка с эпиграфом, но в более укрупненном масштабе):
Думали: нищие мы, нету у нас ничего,
А как стали одно за другим терять,
Так, что сделался каждый день
Поминальным днем, —
Начали песни слагать
О великой щедрости Божьей
Да о нашем бывшем богатстве.
(«Думали: нищие мы, нету у нас ничего», 1915.)
Ахматова в данной книге не отходила от традиционной трактовки образа белой птицы как Божьего посланника, ангела с белыми крыльями.
Итак, в третьей книге «Белая стая» Ахматова употребляла значения слов «белая», «стая», «птица» как в традиционном понимании, так и в значении, присущем только ей.
«Белая стая» — это ее поэзия, ее стихи, чувства, настроения, вылитые на бумагу; а также это знак содружества, соединения с другими; высота, полет над бренной землей, тяга к Божественному.
Сборник «Подорожник», вышедший в свет в апреле 1921 года, содержал всего 38 стихотворений, в основном написанных в 1917 — 1918 годы или даже относящихся к более раннему периоду. В «Подорожнике» Ахматова завершила отдельные лирические сюжеты «Белой стаи». Темы, связанные с общественной жизнью (революция, гражданская война), в «Подорожнике» заявлены отдельными значительными стихотворениями.
Она пыталась озаглавить данную книгу «Лихолетье», но потом отказалась. Наверное, это связано с тем, что символ «подорожник» более объемен по своему содержанию, так как слово «лихолетье» заключает в себе лишь временное значение.
Подорожник — «сорная луговая, обычно придорожная, трава с мелкими цветками, собранными в колос». Употребление в качестве заглавия слова с таким значением не лишено смысла. Трава, выросшая на руинах любимой страны, в контексте стихов Ахматовой приобрела двоякую символику. С одной стороны, запустение таково, что «культурные» цветы не растут, и подорожник — символ гибели культурного уклада. С другой стороны, подорожник — символ нетленных сил земли. Он, несмотря ни на что, пробивается сквозь толщу руин и завалов. Жизнь — вечна. А жизнь для поэта — это его творчество, которое не прекращается, не взирая на смерть, разлуку, потери, предательство, переворошенный быт, безысходное ощущение катастрофы — все то, что только может выпасть на долю человека, застигнутого сменой эпох.
Подорожник — это трава-лекарь, так как листья именно этого растения прикладывают к кровоточащей ране, если под рукой нет медикаментов. Возможно, давая такое имя книге, Ахматова пыталась любыми доступными ей средствами приостановить течение крови из ран, душевных и телесных, нанесенных временем ее поколению.
Со словом «подорожник» ассоциируются такие символы, как «дорога», «путь», «странствие». Здесь же, помня о важности религиозного начала в поэзии Ахматовой, можно говорить о таких священнодействах как молитва и покаяние. Ведь не случайно истинно верующие люди преодолевают огромные расстояния для того, чтобы вознести молитву и обрести милость Бога через покаяние. Они стремятся к священным местам.
Эпиграфом к книге «Подорожник» является отрывок из «Посвящения» к поэме «Полтава» А.С. Пушкина. Тема «Подорожника», а именно: человеческая судьба в контексте истории — тесно переплетается с одной из тем поэмы «Полтава» (темой частного человека, раздавленного колесом истории).
Основные темы, которые заявлены в эпиграфе, — это тема поколения, тема памяти, тема творчества и тема судьбы. Все они действительно нашли свое отражение на страницах «Подорожника». Эпиграф также связан с темой разлуки. Все первые стихи книги посвящены теме разлуки с Б. Анрепом, русским художником — мозаичистом, художественным критиком, поэтом. Они образуют своеобразный мини-цикл.
Заглавие «Подорожник» несет в себе обширную символику. Во-первых, подорожник — это символ гибели культуры. Во-вторых, подорожник объединяет все нетленные силы земли, способные преодолеть это разрушение. В-третьих, подорожник — это трава, лечащая раны, нанесенные эпохой. В-четвертых, подорожник, соотносясь с образом дороги, символизирует тот крестный путь, который должна пройти Россия, преодолев страх и смерть.
В контексте стихов Ахматовой «подорожник» — олицетворение стойкости, твердости духа, веры. Она знала, что его творчество — лекарь, сила, которую нельзя уничтожить.
«Anno Domini» — пятая книга стихов Ахматовой. Она завершила первый период творчества поэта (1907 — 1925 годы) и некоторым образом предопределила стихотворения, которые Анна Андреевна собиралась написать во второй половине своей жизни. Почему же «В лето Господне» (так переводится название книги), а не «В лето Господне 1921» (первоначальное название)? Наверное, потому, что не только 1921 год, но и другие тяжкие времена достойны внимания, оплакивания, памяти. Любая несправедливость не может предаваться забвению. «Лето» можно определить как год. Здесь это прямое значение слова («В год Господень»).
Таким образом, уже в заглавии заявлена главенствующая тема всей книги — тема времени. Во всех трех частях героиня, не удовлетворенная настоящим, посредством памяти погружается в прошлое, которое, по ее мнению, более достойно человеческой жизни. Повернуть время вспять (хотя бы на уровне сознания) — для нее единственный выход из сложившегося тупика. Чтобы наиболее точно определить символику заглавия необходимо найти внетекстовые ассоциации к его словам.
Для начала я рассмотрю слово «лето». Его значение можно толковать по-разному. Во-первых, это время года, символизирующее полноту и богатство жизни. Также это пора трудов, за которые осенью будет наградой обильный урожай. Для Ахматовой такая трактовка «лета» — это, видимо, олицетворение ее творчества, вдохновения, поэтического труда, за который она получит народное почитание, людскую память на века.
Во-вторых, имя Лето — это имя греческой титаниды, жены Зевса, матери Аполлона и Артемиды. Жизнь скитающейся, бездомной богини напоминает жизнь самой Ахматовой, у которой на протяжении многих лет не было собственного угла. Она меняла комнаты, квартиры, жила у друзей. Ахматова была стеснена материально, жила скромно: мебели в ее комнате — минимум, одевалась просто, но всегда, входя в комнату, где собирались близкие ей люди, она привносила туда некий дух аристократизма, элегантности и очарования. Лета, река забвения и Лето, выступают памятником страданию и терпению, отразившимся непосредственно в стихах этой книги. Само имя Анна выступает в качестве зеркала, которое говорит об отражении судьбы России, жизни самой Ахматовой в ее творчестве.
Поэт убрал из первоначального заглавия прямое указание на 1921 год, и теперь мы видим в нем огромное пространство и непомерный по своей величине отрезок времени, охваченный великой трагедией.
Мир Ахматовой, конечно, не мир улыбок и цветов. Но и не безнадежный мир скорби. Поэзия Ахматовой — это поэзия противостояния. Противостояния обстоятельствам, враждебностям судьбы. Всем испытаниям, опасностям, ударам извне противостоит высокая и сильная душа. Олицетворением этой стойкости явилась шестая книга стихов Анны Ахматовой «Тростник».
Стихотворения здесь размещены вразброс, не соблюдается даже хронологическая последовательность. Отсюда следует, что книга не имеет внутреннего лирического сюжета. Несмотря на то, что в книге отсутствуют тематические разделы, все же можно выделить несколько групп тем. Доминирующей является тема памяти, тема прошлого, воспоминания о нем. В «Тростнике» множество стихотворений-воспоминаний о жизни, чувствах, друзьях. Например, в стихотворении «От себя я сердце скрыла» Ахматова вспоминает о своих чувствах и нелегкой жизни с Н. Пуниным. В книге имеет место и тема рушащегося мира. Она заявлена в самом первом стихотворении — «Надпись на книге», в котором непосредственно нашел свое отражение образ тростника.
Итак, что же такое тростник? Тростник — образ многозначный, занимающий одно из важных мест в философии, мифологии, литературе. Это символ творчества и высочайшей цены за него.
Заглавный образ книги Анны Ахматовой связан и с библейским уподоблением слабого, неверующего человека хрупкому и ломкому тростнику.
В имени книги Ахматовой звучит мотив «отчаянного протеста» «мыслящего тростника», нарушающего «невозмутимый строй» гармонии природы из стихов Ф. Тютчева «Певучесть есть в морских волнах…».
Культурологическая насыщенность этого символа — не цель, а средство для Ахматовой. Поэт подключает всю энергию традиции, энергию чужого слова для того, чтобы отчетливее сказать свое. Практически все стихотворения книги «Тростник» связаны с прошлым, с воспоминаниями, с поминовением усопших. Таким образом, символика заглавия «Тростника» говорит нам о стойкой, непреклонной, сильной позиции автора в данной книге.
На протяжении всего творческого пути Ахматовой видно ее «упрямое мужество» и глубокая вера в грядущее «восстание из пепла». С этим стремлением в 40 — 60-е годы связано для поэта создание «Седьмой книги», введенной, в частности, в план двухтомного собрания сочинений 1962 года.
Почему же Ахматова не дала книге какого-либо иного заглавия, а так и оставила — «Седьмая книга»? Число 7 не раз возникала в позднем творчестве поэта. «Седьмая книга», как мы видим, — это завершающий этап творческой эволюции А. Ахматовой, в ходе которого произошло расширение, углубление символики значений, тематики стихотворений, заданных в предыдущих книгах. В стихах ее уже не было никакого сора. Ничего лишнего, постороннего, случайного. Они прозрачны, соразмерны, при всем своем лаконизме — просторны. В них всегда чувствуется и глубина, и высота, за которой есть неразгаданная тайна. Тайна происхождения, тайна подпочвенных связей частного сюжета, частной судьбы с судьбой народа, с жизнью всеобщей.
Таким образом, «Седьмая книга» — это весь бесконечный, всеобъемлющий, всепонимающий и всепрощающий мир жизни, творчества и души А. Ахматовой.
Книги, заглавия которых связаны с темой времени, содержат в себе указание на направление движения как жизни Ахматовой, так и ее творчества.
«Вечер» знаменует собой начало, «Лихолетье», «Anno Domini» — тяжелое время испытаний, выпавших на середину жизни, «Седьмая книга» символизирует итог, некий апогей движения.
Религия, занимающая одно из центральных мест в поэтике Ахматовой, ее образы и символы с большой яркостью перевоплотились в символику таких книг как «Вечер», «Четки», «Белая стая», «Седьмая книга». Образы времени, памяти, судьбы, поколения стали основополагающими, доминирующими, жизнеутверждающими в книгах с заглавиями «Подорожник», «Anno Domini», «Тростник», которые прозвучали гимном человеческой воле, сознанию, силе духа, столь необходимым человеку для поддержания внутри себя «искры жизни». Стремление достигнуть Мировой Гармонии Ахматова в полной мере высказала при помощи стихов «Седьмой книги», к созданию которой она пришла на последнем этапе своего «поэтического странствия».
Книги стихов тесно связаны между собой на содержательно-структурном уровне. Эта взаимосвязь находит свое закономерное отражение в последовательности заглавий. Общность их осуществляется на всех ярусах языковой и поэтической иерархий: фонетическом, графическом, морфемном, синтаксическом, семантическом.
8.Вывод
На мой взгляд, творчество Анны Ахматовой в группе акмеистов и в русской поэзии в целом можно определить как трагический лиризм. Если ее коллеги по литературному течению использовали принцип художественного преображения внешней реальности в объективном аспекте, в энергии действия, в непосредственном переживании культуры как памяти и как одной из целей жизни, то она остановила свое художественное внимание на внутренней, эмоциональной сфере, на становлении личности, на внутренних конфликтах. Стихи Ахматовой открывают нам глубину характера, чуткую восприимчивость, строгую красоту женского облика, достоинство человеческой души. Ни в одной из ее книг, несмотря на тяжелую и даже трагическую жизнь, на весь ужас и унижения, пережитые ею, не было отчаяния и растерянности. Никто никогда не видел ее с поникшей головой. Всегда прямая и строгая, она была человеком, отличавшимся воистину великим мужеством.
Анна Ахматова вошла в круг классиков русской литературы как автор замечательной любовной лирики, повествующей о великом таинстве любви, ее трагедиях и преодолении этих трагедий, вошла как поэт-гражданин, потрясенный в судьбе Родины участью своих сограждан, их страданиями и болью.
