Введение
«…Послан был Ангел Гавриил от Бога в город Галилейский, называемый Назарет, к Деве, обрученной мужу, именем Иосифу, из дома Давидова; имя же Деве: Мария.»,- именно так в 1 главе Евангелия от Луки говорится о Богоматери. Ее имя всегда неразрывно связывается с чистотой, праведностью и кротостью. А образ Марии- Мадонны- это образ Матери- доброй, всепонимающей и всепрощающей. К ней во все времена обращали свои молитвы верующие, надеясь на помощь и сострадание. Именно поэтому сохранилось множество изображений Мадонны на иконах, картинах и фресках. Каждый живописец вкладывал в ее образ что-то свое, сообразно своим мыслям и чувствам. И, конечно, огромное значение имела эпоха, в которую творили мастера.
II. Основная часть
1. «Образ женщины в искусстве Возрождения».
Леонардо да Винчи.
Леонардо да Винчи родился в 1452 г. в селении Анкиано, около городка Винчи, у подножия Альбанских гор, на полпути между Флоренцией и Пизой.
Величественен пейзаж в тех местах, где протекало его детство: темные уступы гор, буйная зелень виноградников и туманные дали. Далеко за горами — море, которого не видно из Анкиано. Затерянное местечко. Но рядом и просторы, и высь.
Леонардо был внебрачным сыном нотариуса Пьеро да Винчи, который сам был внуком и правнуком нотариусов. Отец, по-видимому, позаботился о его воспитании.
Исключительная одаренность будущего великого мастера проявилась очень рано. По словам Вазари, он уже в детстве настолько преуспел в арифметике, что своими вопросами ставил в затруднительное положение преподавателей. Одновременно Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и “божественно пел импровизации”. Однако рисование и лепка больше всего волновали его воображение. Отец отнес его рисунки своему давнишнему другу Андреа Верроккьо. Тот изумился и сказал, что юный Леонардо должен всецело посвятить себя живописи. В 1466 г. Леонардо поступил в качестве ученика во флорентийскую мастерскую Верроккьо.
Изучая ранние работы Леонардо да Винчи, можно заметить, что они обладают такими качествами, которых не было в художественном искусстве XV века. Например, картина «Мадонна Бенуа» на первый взгляд кажется маленькой, но она несет в себе глубокий смысл. Представления о Мадонне с младенцем-Иисусом эволюционировали в произведениях художников XV века. Мария уже не изображается сидя на троне, без короны, с лишь намеками на нимбы. Понятие о богородице и богочеловеке теряет свою божественность, превращаясь в образ человеческой матери с ребенком. Однако даже в этих произведениях сохраняется репрезентативность, Мария представляет своего сына людям, а также позирует перед ними. Таков образ «Мадонны» у величайших художников XV века, таких как Андреа Мантенья, Пьетро Перуджино, Джованни Беллини.
Леонардо да винчи «мадонна литта» описание картины, анализ,
... Эрмитажа. LiveInternetLiveInternet История одной картины. «Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)». Леонардо да Винчи Леонардо да Винчи «Мадонна Бенуа», 1478—1480, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург Леонардо да Винчи (1452 — 1519) Небольшой тосканский городок Винчи стал некогда родиной для ...
В произведениях Леонардо да Винчи все по-другому. Ни мать, ни младенец не обращены к зрителю, они не смотрят на него. Они преданы своим делам, и перед нами открывается живая сцена игры молодой матери, обычной девушки, почти еще девочки, с ее первенцем. Игра полностью поглощает их обоих. Мать весело улыбается, даже смеется, восхищаясь своим малышом; в этой игре отражается ее бесхитростная душа, ее внутренняя свобода, ее юная материнская любовь. Священный смысл тут практически полностью устранен.
Никогда прежде художник не останавливался на столь сложной части человеческой натуры — на его внутренней жизни, на его душевных движениях. И это стало одним из важнейших новшеств, которое привнесено Леонардо в искусство Возрождения. «Задача художника, — писал Леонардо, — изобразить то, что граничит почти с недостижимым: показать внутренний, духовный мир человека». Это ключевое требование к новому этапу гуманистического искусства, одна из определяющих черт Возрождения.
«Дама с горностаем»
Портрет «Дама с горностаем», который Леонардо рисовал с любовницы Лодовика Цецими Галлерани, был написан, очевидно, в 1484 году. «Дама с горностаем» превосходно отражает те качества, которыми эта женщина, по свидетельствам современников, обладала: выражение её интеллигентного лица проницательное и сосредоточенное, пальцы у неё длинные и чувствительные – такие бывают у музыкантов. Задний фон переписан, возможно, не слишком опытным миланским художником Аиброджо да Предисан, с которым Леонардо сотрудничал; в результате лицо резко контрастирует с чёрным фоном без всякого сфумато или светотени Леонардо. Однако моделировка лица и особенно горностая выдают авторство: сложный поворот головы дамы, змеевидная поза зверька могли быть изображены только Леонардо. Величина горностая и близость его острой , недоброй мордочки к шее дамы вызывают чувство тревоги. Возможно, Леонардо проводит параллель между характерами дамы и жевотного – лицо дамы и мордочки горностая и их одинокие холодные глаза обращены в одну сторону. Не вызывает сомнений, почему он изобразил именно это животное на картине. В одной старинной книге горностай описан как невероятно чистоплотное животное. Сфорца сделал горностая своим символом.
«Дама с горностаем»- это бессмертная семнадцатилетняя Чечилия
Галлерани. Дочь xv века. Лукавая чаровница. Фаворитка миланского дворца. Нежная и мудрая, стыдливая и фривольная, предстает она перед нами. Простая и сложная. Таинственно-привлекательная, с лицом почти статичным, она все же обладает магнетизмом необычайного, скрытого движения. Но что придает облику молодой дамы эту колдовскую живость? Улыбка. Она еле тронула уголки целомудренных губ. Притаилась в чуть-чуть припухлых девичьих ямочках у рта и, подобно зарнице, ответно блеснула в темных, расширенных зрачках, при крытых округлыми лукообразными веками.
Вглядитесь пристальней в тонкие, одухотворенные черты «Дамы с горностаем», в её осанку, полную достоинства, в её строгую, но изящную одежду и перед вами мгновенно предстанет Ренессанс с его великолепными творениями гениальных мастеров искусств.
Леонардо да Винчи — художник и ученый
... математике. И, конечно же, гений не переставал заниматься искусством. Одной из известных живописных работ этого времени является портрет любовницы герцога Цицелии Галлерани - «Дама с горностаем». Лицо ... обзавестись собственной мастерской. Леонардо задержался у мастера и после поступления в гильдию. Биограф художника Вазари описывает следующий факт из этого периода жизни Леонардо: «Леонардо, как я ...
Чечилия Галлерани. Она, как маленькая планета, отразила сияние жестокого, уродливого и прекрасного, неповторимого xv века.
«Мадонна Литта»
Немного раньше этой работы Леонардо начал писать ещё одну картину – “Мадонну Литта” (1478-1784гг).
Введение
Искусство всегда было одним из способов выражения человеческой души. Живопись, в частности, позволяет художнику передать свои мысли, эмоции и впечатления на холсте. Одним из наиболее известных произведений мирового искусства является картина «Джоконда», написанная Леонардо да Винчи. Это произведение искусства вызывает сильное впечатление на зрителя и до сих пор остается источником вдохновения для многих людей.
Описание произведения
На картинах видно молодую женщину, сидящую на фоне стены с двумя окнами. Она держит на коленях младенца и кормит его грудью. Лицо женщины пленяет своей удивительной красотой, и оно моделировано с особой светотенью, которая была характерна для Леонардо. На губах у женщины играет таинственная полуусмешка, которая становится все более подчеркнутой и горькой. Этот образ является лирическим и волнующим представлением материнства.
Однако, при более пристальном рассмотрении, можно заметить необычную деталь — обгрызенные ногти у женщины. Это деталь, которую художник воспроизвел, вероятно, по причине того, что она была присутствующей у натурщицы, позировавшей для мадонны. Таким образом, художник даже в своем творчестве остается связанным с объективной реальностью.
Психологический портрет Человека
Леонардо считал, что хороший художник должен писать не только человека, но и представление его души. В картинах «Джоконда» он создал неповторимый по сложности и тонкости психологический портрет Человека. Это произведение искусства уже почти пять веков восхищает миллионы людей по всему миру.
Главной особенностью «Джоконды» является ее живость. Лик Джоконды сияет и выглядит объемным, а отражения зрителей, проходящих мимо, создают яркие и призрачные отражения на картине. За улыбкой Джоконды скрывается трепетная, глубокая и остроумная душа. Ее эмоции и мысли практически невозможно описать словами — они зашифрованы в трепетных движениях ее души.
Мы не можем предсказать, что произойдет с Джокондой через миг — она может рассмеяться, заплакать, разгневаться или продолжать улыбаться. Это неуловимое и загадочное состояние, которое передал Леонардо, делает «Джоконду» таким уникальным и неповторимым произведением искусства.
Флорентийская Джоконда, такая простая и скромная в своем наряде, открывает перед нами непостижимый образ. Ее одежда символизирует доступность и простоту, но в то же время она удивляет своей открытостью. Этот портрет в значительной степени воплощает нравственный и эстетический идеал эпохи Возрождения. В образе этой женщины мы видим одухотворенное «лицо» эпохи, озаренное чувством собственного достоинства, богатством интеллекта и глубиной душевных переживаний.
Лицо Моны Лизы отражает богатство оттенков ее духовной жизни. Ее улыбка лишь слегка касается губ, но особенность этой улыбки заключается в том, что она показана не как статичный факт, а как процесс: едва заметные движения, приподнимающие уголки губ и изменяющие мимику лица. Образ, созданный Леонардо, олицетворяет одухотворенность и удивительно сочетается с поэтичным пейзажем, затерянным в голубой дали. Женщина, изображенная на портрете, становится частью этой природы, что полностью соответствует взглядам эпохи Возрождения: «Человек — часть природы».
Творчество Рафаэля: «Сикстинская мадонна»
... человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия. Одной из самых известных работ Рафаэля является "Сикстинская мадонна". ... силой проявилось дарование Рафаэля - мастера светотени, находятся фрески на историко-легендарные темы ("Изгнание Элиодора", " ... идеалы красоты, характерные для эпохи Высокого Возрождения. Рафаэль родился в семье живописца ...
Множество научных трудов посвящено этому портрету, однако история его до сих пор не полностью разгадана. Остается загадкой, кто был моделью для художника: была ли это молодая жена богатого флорентийского купца дель Джокондо или соседка Леонардо да Винчи, имя которой до сих пор неизвестно. Возможно, образ, который мы видим на портрете, — собирательный, идеальный образ молодой женщины той эпохи. Однако, одно неоспоримо — для нас она навсегда останется «Джокондой», так как это имя уже несколько веков носит этот портрет.
Несмотря на все размышления о «Джоконде», несомненно, что перед нами исключительная женщина, женщина прекрасная. Она не привлекает внимание своей внешностью или яркой красотой (Леонардо предпочитал избегать изображения таких лиц и поручал эту работу своим ученикам), и она не юная. Однако, она прекрасна и содержательна внутренне! Ее гордая осанка говорит о высоком самосознании, а ее светлое высокое лоб и глубокие глаза полны разума и понимания. Ее взгляд исходит свободой и внутренней уверенностью. Завершающий образ создает ощущение идеальной гармонии, заключенной в кольцо прекрасных рук. Во всем предшествующем искусстве Ренессанса невозможно найти более проникновенное воплощение гуманистического идеала человека — прекрасного, возвышенного и духовно богатого.
Магнетическая привлекательность “Джоконды” — доказательство ее глубины и, очевидно, ее верности жизни. Значит, тайна этого портрета — не надуманная, а какая-то жизненная, нужная людям — историческая и человеческая. Бесспорно, в “Джоконде” — высочайшее воплощение ренессансного идеала умного, гордого, совершенного человека. Но не только. Ее странная улыбка, одновременно и пленительная и горькая, говорит еще и о каком-то ином замысле художника, да — и об особом психологическом состоянии натуры.
Рафаэль.
Сын художника, поэта-гуманиста, о котором мы знаем немного, Рафаэль Санти рано достиг высших почестей. Римский папа хотел увенчать его небывалой для живописца наградой, и лишь преждевременная смерть помешала Рафаэлю стать кардиналом.
Первую по времени характеристику Рафаэля мы находим в письме сестры герцога Урбинского, которая называет художника — ему тогда был двадцать один год (1504)—“скромным и милым юношей”. Описание же его личности по Вазари я приведу почти полностью, так оно близко к тому, что просвещенный вельможа, воин и прелат Кастильоне говорил в своей книге о совершенном человеке.
Рафаэль был учеником Перуджино, славного умбрийского мастера, выразившего наиболее полно тот сладостный и лирический идеал красоты, которым озарена умбрийская школа живописи. Таким кажется нам и сейчас мягкий пейзаж Умбрии, таким, вероятно, были и грезы Перуджино. Грезы, но не окружавшая его действительность. Ибо, как мы видели, идеалы этой эпохи выражались лучшими ее представителями в искусстве и в философии, но далеко не всегда претворялись в жизнь — так что своими талантами они как бы старались поправить действительность. Когда Перуджино создавал свои хрупкие, ласковые и несколько наивные образы, радуясь той певучести, которую он умел придавать всему ритму своих композиций, в самой умбрийской столице шла беспощадная борьба между феодалами, и, по свидетельству современника, кровь там лилась рекой: “ее пили собаки и ручной медведь, бродивший по улицам”.
Образ художника в романе М.Булгакова Мастер и Маргарита
... показать, какой вклад внес писатель в русскую и мировую литературу. Слово «мастер» не случайно вынесено Булгаковым в заглавие его знаменитого романа «Мастер и Маргарита». Он действительно является одной из ... ждет тебя!» На примере судьбы Мастера Булгаков в своем романе помещает важнейшие для него мысли, суждения и размышления о месте художника, творческой личности в обществе, в мире, о его ...
Юный Рафаэль был похож на своего учителя. Однако даже в самых ранних его произведениях нам явственны зачатки какого-то нового идеала.
Раннее творчество Рафаэля
Рафаэль, итальянский художник эпохи Возрождения, известен своими прекрасными произведениями и гармоничным стилем. В начальных годах его творчества он уже проявил свой талант и неповторимую эстетику.
Картина «Сон рыцаря»
Одной из самых очаровательных картин Рафаэля является «Сон рыцаря», написанная им в 1500 году, когда ему было всего семнадцать лет. На этой картины изображен мечтательный юноша-рыцарь, заснувший перед прекрасным пейзажем. Его особенно отличают грация и внутреннее равновесие, сочетающееся с еще недостаточно развитым мужеством. Но уже в его душе присутствует душевное спокойствие и гармония.
Картина «Мадонна Конестабиле»
«Мадонна Конестабиле» — еще одна знаменитая картина Рафаэля, озаренная внутренним равновесием и законченностью. В ней нет ничего случайного, гармония присутствует в каждой детали и в целом композиции. Особенно впечатляет гармоничный взгляд мадонны, наклон ее головы и даже каждое деревце пейзажа. Фигуры матери и младенца на руках также переполнены жизнью и эмоциями. Все на этой картине выглядит значительно и ясно.
Переезд во Флоренцию
Флоренция стала следующим этапом в творчестве Рафаэля. Он переехал туда и начал влиять на его стиль. В этот период он создал автопортрет, написанный в 1506 году, когда ему было уже двадцать три года. На портрете четко вырисовываются голова и плечи художника на гладком фоне. Тонкий контур, легкая волнистость картинки, говорят о влиянии живописи Леонардо да Винчи. Взгляд Рафаэля задумчив и мечтателен, он улавливает гармонию мира. В то же время, художник еще неуверен и юн, его лицо отражает кротость и ласковость. Но уже прослеживается нарождающееся душевное равновесие. Выразительные черты, такие как резко выступающая нижняя губа, красиво изогнутая линия рта и подбородок, говорят о его решимости и властности.
Введение
Рафаэль Санти, итальянский художник эпохи Возрождения, считается одним из величайших мастеров живописи. Его творчество отличается гармонией, внутренним миром и высоким разумом, объединенными с человеколюбием и душевной чистотой. Рафаэль создавал радостные и счастливые произведения искусства, которые выражали нравственную удовлетворенность и примирение человека со своей судьбой.
В отличие от Леонардо да Винчи и Микеланджело, Рафаэль не стремился открывать новые миры и не смущал своих современников дерзостью своих исканий. Он стремился к синтезу и увенчанию всего, что было достигнуто до него. И Рафаэль смог найти этот синтез и воплотить его в своих произведениях.
Образ взыскательного художника в лирике а с пушкина
... непонимание окружающих – не самые тяжкие потери из жизни художников, рисовавших Пушкина. После революции, когда часть живописцев уехала в эмиграцию, образ поэта оставался связующим по обе стороны границы. Как ... естеству. Обобщая все вышеизложенное, нужно обратить внимание на то, что фигура лирика у А.С. Пушкина изменяется с годами. Если сначала мы сталкиваемся с независимым мечтателем, то ...
Роспись покоев Папы Юлия II
Папа Юлий II поручил Рафаэлю роспись своих личных покоев, или станц, в Ватикане. Эти фрески, созданные в Риме, производят сильное и неотразимое впечатление на зрителей. При входе в станцу делла Синьятура, человек испытывает особое чувство – радостное освобождение от мелкого и суетного, а также приобщение к чему-то очень большому и светлому.
Мадонны Рафаэля
Флорентийские мадонны Рафаэля – это изящные, миловидные, трогательные и очаровательные юные матери. Однако мадонны, созданные им в Риме, приобретают иные черты. Они становятся владычицами, богинями добра и красоты, властными своей женственностью. Эти мадонны облагораживают мир, смягчают сердца людей и приносят миру одухотворенную гармонию.
Примерами таких мадонн являются «Мадонна в кресле» (Флоренция, галерея Питти), «Мадонна с рыбой» (Мадрид, музей Прадо), «Мадонна дель Фолиньо» (Рим, Ватиканская пинакотека) и другие всемирно известные произведения. Они либо вписаны в круг, либо царствуют над остальными фигурами в больших алтарных композициях, и являются выражением новых исканий Рафаэля в создании идеального образа мадонны.
Влияние архитектуры и скульптуры
Рафаэль не ограничивался только живописью, ему были близки и зодчество, и ваяние. Его работы отличаются гармоничным сочетанием всех этих искусств, что делает его творчество уникальным и неповторимым.
Заключение
Рафаэль Санти – великий художник, чье искусство выражает гармонию, красоту и добро. Он не только достиг совершенства в создании образов мадонны, но и объединил различные виды искусства в своих работах. Его творчество остается великим вкладом в историю искусства и продолжает вдохновлять и восхищать людей по всему миру.
Описание Рафаеля и его творчества
Рафаэль Санти (1483-1520) — великий итальянский художник, один из основоположников итальянского искусства Высокого Возрождения. Его работы заполнили эпоху своей красотой и гармонией, став легендарными шедеврами мировой живописи.
После смерти архитектора Браманте, Рафаэль стал возглавлять строительство знаменитого римского собора святого Петра. Хотя он успел заложить лишь фундамент, его планы были одобрены и воплощены в итальянской архитектуре.
Среди учеников Рафаэля был талантливый ваятель Лоренцо Лоренцетто. Под руководством своего великого учителя, он создал несколько скульптур, однако до наших дней дошла только одна из них — «Мертвый мальчик на дельфине». Это произведение воплощает идеал красоты, ритм и гармонию, характерные для рафаэлевского стиля. В нем нет ужаса смерти, будто ребенок мирно заснул. «Мертвый мальчик на дельфине» – это единственный пример гениальности Рафаэля в сфере скульптуры, который хранится в Эрмитаже.
Флорентийские мадонны Рафаэля — это изысканные, миловидные и трогательные изображения юных матерей. Период жизни художника в Риме отразился на его стиле, и мадонны, созданные им в это время, приобрели новые черты. Они стали владычицами, богинями добра и красоты, способными облагораживать мир и смягчать сердца людей. Эти мадонны, такие как «Мадонна в кресле», «Мадонна с рыбой» и «Мадонна дель Фолиньо», всемирно известны. Они являются идеальным воплощением Рафаэлевских исканий в образе Мадонны. Они либо вписаны в круг, либо царствуют в славе в словах, каждая из них приносит в мир восхищение своей одухотворенной гармонией.
Рафаэль «мадонна конестабиле» описание картины, анализ,
... полотно. Масло. Картинная галерея, Дрезден. Рафаэль Санти (1483-1520) – выдающийся художник эпохи Высокого Возрождения. Рафаэль пишет свою непревзойдённую «Сикстинскую мадонну», давно уже вошедшую в наше ... сознание как символ жертвенной любви во имя спасения человечества. Смотря на ...
Необычайная сходность между некоторыми изображениями женских образов Рафаэля породила предположение, что художник многократно использовал одну и ту же модель – женщину, известную как «Форнарина», что означает «булочница». Благородные черты ее лица и статус возлюбленной Рафаэля уже внушали восхищение окружающих. Возможно, образ «Форнарины» вдохновлял Рафаэля на создание его произведений, однако, вероятно, это не была единственная его модель.
Сравнительный анализ образов «Форнарины» и «Сикстинской мадонны» в творчестве Рафаэля
Общность типов некоторых рафаэлевских женских образов римского периода породила предположение, что художнику служила моделью одна и та же женщина, его возлюбленная, прозванная “Форнарина”, что значит булочница. Эта римлянка с ясными благородными чертами лица, удостоившаяся любви великого живописца, была дочерью пекаря. Быть может, образ ее и вдохновлял Рафаэля, однако он, по-видимому, все же не был единственным. Ибо вот что мы читаем в письме Рафаэля: “Я скажу вам, что, для того чтобы написать красавицу, мне надо видеть многих красавиц… Но ввиду недостатка как в хороших судьях, так и в красивых женщинах я пользуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на ум. Я не знаю, имеет ли она какое-либо совершенство, но я очень стараюсь этого достигнуть”.
«Сикстинская мадонна».
Важное место в искусстве великого художника по-прежнему занимает образ мадонны, который приобретает черты большей монументальности и уверенности. Такова «Сикстинская мадонна».
Этот образ более глубокий, чем ранние мадонны. Мария идёт по облакам, неся своего ребёнка. Серьезный и тревожный взгляд матери нам говорит о том, что она уже знает, какие испытания выпадут на долю ее сына. Слава ее ничем не подчеркнута. Ноги босы. Но как повелительницу встречает ее, преклонив колени, папа Сикст, облаченный в парчу; святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка, чуя ее поступь, устремляют вверх мечтательно – задумчивый взор. Колено преклонный, покорный Сикст не отрывает восторженного взора от богоматери. Она идет к людям, юная и величавая, что–то тревожное затаив в своей душе. Мадонна не только красива, она еще и бесконечно мудра.
Ее взор, кажется, проникает самую глубь явлений. О ней можно сказать словами стихов Сервантеса, посвященных поэзии:
Она умеет видеть суть явлений
и там, где для мудрейшего темно…
«Сикстинская мадонна»! Величавая, простая. После всего хаоса, разрушений, которые прошли перед нами, особенно ярко поражали гармония, красота этого величайшего шедевра мировой живописи.
Зрелище, преображающее реальность в ее величии, вещей мудрости и красоте, зрелище, возвышающее душу своей абсолютной гармонией.
Выводы
Исследование эволюции образов женщин в творчестве Рафаэля позволяет увидеть различия и сходства в трактовке красоты, мудрости и внутренней силы. Образ «Форнарины» может отражать индивидуальность и нежность, в то время как образ «Сикстинской мадонны» претерпел изменения в сторону уверенности и мудрости. Разнообразие представлений о женской красоте и силе в творчестве Рафаэля отражает его многогранный взгляд на жизнь и художественное творчество.
Жизнь и творчество художника И.Н. Крамского
... тему «Жизнь и творчество художника И.Н. Крамского» Задачи курсовой работы: Собрать в библиотеке литературу про художника И.Н. Крамского, прочитать ее и проанализировать. Найти в интернете теоретический и иллюстративный материал по жизни и творчеству художника И.Н. Крамского. Прочитать и проанализировать ...
Развитие образа Мадонны в искусстве Возрождения
Образ Мадонны является одним из наиболее значимых и восхищающих образов в искусстве Возрождения. Он символизирует идеал красоты, добра и материнства, которые занимали особое место в народном сознании века Рафаэля. Рафаэль, великий художник эпохи Возрождения, воплотил этот идеал в своих произведениях, показав его всему миру.
Одной из наиболее известных картин, воплощающих образ Мадонны, является «Мадонна Конестабиле». В этой картинах нет случайных деталей, каждая деталь и композиция в целом пропитаны гармонией. Взгляд Мадонны, наклон ее головы и даже каждое деревце пейзажа создают единое целое. Фигуры матери и младенца на руках Мадонны оживают перед нами, передавая нежность и задумчивость. Резко выступающая нижняя губа, изящная линия рта и овальный подбородок добавляют образу решимости и властности.
В немецкой и нидерландской живописи Возрождения также существует множество произведений, посвященных образу Мадонны. Особую ценность представляют произведения Лукаса Кранаха Старшего. Этот художник был известен своими эффектными и декоративными работами. Великолепное произведение Кранаха — «Мадонна с младенцем под яблоней». Здесь Мадонна символизирует вторую Еву, искупившую грех прародительницы рода человеческого. Картина также отличается прекрасным пейзажем, который является одним из основных элементов творчества Кранаха.
Еще одним из известных художников, работавших над образом Мадонны, был Антонис ван Дейк. Одной из его знаменитых картин является «Мадонна с куропатками». Ван Дейк также использовал символику в своей работе, изображая младенца Христа с яблоком и хлебом, символизирующими искупление греха. Он также отличался своим колористическим дарованием, используя яркие и насыщенные цвета в своих произведениях.
Таким образом, образ Мадонны занимал важное место в искусстве Возрождения. Художники такие как Рафаэль, Лукас Кранах Старший и Антонис ван Дейк создали прекрасные произведения, в которых воплотили идеал красоты, добра и материнства.
Робер Кампен
“Мадонна с младенцем у камина”
Рогир ван дер Вейден
РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (Rogier van der Weyden) (ок. 1400–1464), один из крупнейших мастеров нидерландской живописи 15 в., родился в Турнэ. Его картина Снятие с креста (1438, Мадрид, Прадо) считается одним из величайших произведений мирового искусства. Этот алтарный образ был написан для капеллы гильдии стрелков в Лувене.
Снятие с креста – единственное произведение, о котором известно, что оно принадлежит Рогиру ван дер Вейдену. Вокруг этой работы современные искусствоведы сгруппировали несколько сходных по стилю…получить перечень работ Рогира ван дер Вейдена, с которым согласились бы все ученые. Среди приписываемых ему произведений: Св. Лука, рисующий Мадонну (С.-Петербург, Эрмитаж), полиптих Страшный Суд (Бон (Бургундия), капелля Госпиталя, 1446–1451), Алтарь Бладелена …
Некоторые исследователи выделяют группу произведений, относящихся к раннему периоду творчества Рогира ван дер Вейдена (Алтарь Мероде из музея Метрополитен и др.).
Однако большинство ученых считают, что они принадлежат Мастеру из Флемаля.
Жизнь и творчество Рогира ван дер Вейдена
Рогир ван дер Вейден, художник XV века, родился около 1399 года. Его мастерство сформировалось в мастерской Робера Кампена, где он также получил обучение у Яна ван Эйка. Однако, Рогир ван дер Вейден отличался от своих учителей, стремясь к постижению индивидуальности личности и передаче человеческих чувств в своих произведениях.
После обучения в Турнэ у Робера Кампена, Рогир ван дер Вейден переехал в Брюссель, где в 1430 году он вступил в брак с девушкой из этого города. Вскоре после свадьбы, он начал работать по заказам городского совета. Одним из таких заказов было создание четырех аллегорических композиций на тему Правосудия для украшения Золотой залы городской ратуши.
Среди заказчиков Рогира ван дер Вейдена были влиятельные люди, такие как канцлер Никола Ролен и казначей Питер Бладелен. Это свидетельствует о признании и авторитете художника в своем времени.
В 1459 году одиннадцать картин Рогира ван дер Вейдена, написанных по заказу аббата монастыря Сент Обер в Камбрэ, были переданы туда женой и слугами художника. Это указывает на популярность и востребованность его творчества.
В 1463 году Рогир ван дер Вейден получил письмо от Бьянки Сфорца, герцогини Милана, в котором она выразила ему благодарность за то, что он принял ее протеже к себе в ученики. Это свидетельствует о признании его таланта и значимости его искусства.
Рогир ван дер Вейден скончался в 1464 году в Брюсселе. Его творчество было отлично принято в своей эпохе, и он оставил после себя значительное наследие в искусстве. Он был глубоким психологом и превосходным портретистом, стремившимся передать человеческие эмоции и индивидуальность в своих произведениях.
Произведение «Св. Лука, рисующий Мадонну»
Одной из известных работ Рогира ван дер Вейдена является произведение «Св. Лука, рисующий Мадонну». В отличие от его предшественников, художник изображает персонажей картин в состоянии взволнованности и передает их эмоции.
Лицо Луки на картине отражает его поглощенность процессом творчества и взволнованность. Это лицо, которое, возможно, является автопортретом самого художника и было увидено им в жизни.
Таким образом, Рогир ван дер Вейден был выдающимся художником своего времени, чье творчество отличалось от произведений его учителей. Он преуспел в передаче человеческих эмоций и индивидуальности, что сделало его глубоким психологом и превосходным портретистом.
В прошлом, картина Мадонны была разделена на две части, которые находились в разных странах — в Испании и Голландии. В 1850 году одна из частей, изображение Луки, была приобретена в Голландии и стала самостоятельным произведением, которое попало в Эрмитаж. В 1884 году в Петербург была доставлена другая часть, изображение Мадонны. Когда было обнаружено, что это две части одной композиции, их объединили в одну картину, переведя с досок на холст. Несмотря на то, что картина потеряла свою яркость из-за времени и процесса объединения, она до сих пор восхищает нас своими звучными красками. Мы наслаждаемся красотой ткани и шитья платья Мадонны, драгоценными камнями ее украшений и деталями одежды, которые были написаны с любовью и вниманием к мелочам.
Сравнивая работы нидерландских и немецких мастеров, которые изображают Мадонну, можно заметить мягкость и теплоту работ нидерландских художников. Немецкие композиции, напротив, более схематичны и напоминают иконы. В каждой детали изображения Мадонны заключен некий аллегорический и религиозный смысл. Например, «Мадонна с куропатками» Ван Дейка имеет театральное воплощение.
Лично для меня ближе полотна нидерландских мастеров, их прекрасное знание пропорций человеческого тела, мягкость и округлость линий, а также четкая обрисовка деталей. Этими работами невозможно остаться равнодушным.
Несмотря на различное восприятие образа Мадонны художниками, во всех картинах можно ощутить любовь и нежность, которые художники пытались передать через свои работы. Даже спустя много лет мы по-прежнему чувствуем ту нежность, с которой был изображен образ Мадонны — образ Матери.
3. Образ Мадонны в современной живописи.
Алексей Кузьмич
В современной живописи можно назвать множество произведений на тему Мадонны, однако особенно выделяются работы Алексея Кузьмича. Невозможно быть не знакомым ни хотя бы с одной из его мадонн. Всего Алексей написал около тысячи картин на эту тему. Выставка его работ, включая не только мадонны, но и другие произведения, открылась в «Дворце искусств» на улице Козлова при поддержке главы Минска Михаила Павлова.
Алексей Кузьмич — художник, чьи работы отличаются узнаваемым стилем и изображением Мадонны. На его картинах можно увидеть женщину, которую некоторые принимают за его жену, а детей, окружающих ее, — за их собственных. Однако на самом деле на его работах изображена именно Мадонна. Это достижение Кузьмича как художника.
Кузьмич с пронзительной страстью говорит, спорит и превозносит своих Мадонн. Он может каяться, смеяться и плакать над ними, выражая свои эмоции искренне. Как всякий большой художник, он также является артистом в душе. Он стал первым и самым последовательным пропагандистом своих работ в республике. О нем написано тысячи журналистских статей, снято множество телесюжетов и документальных фильмов. Его работы тиражируются на различных продуктах, таких как книги, календари и плакаты, что приносит ему колоссальную популярность и узнаваемость. Поэты и музыканты посвящают ему и его Мадоннам стихи и песни.
Говорят, что коллеги по ремеслу не очень-то жалуют Кузьмича из-за его немыслимой популярности и напористости. Закупочные комиссии при Министерстве культуры также не спешат приобретать его работы. Это уже стало явлением, о котором сегодня мало кто сомневается.
Алексей Кузьмич стал известным и получил славу на втором десятке лет своей творческой жизни, когда начал проясняться общий замысел его работ, который изначально был неведом самому художнику.
Становление и развитие художника
Творческая жизнь художника раскрывается перед нами, словно страницы в книге, где каждая картина воплощает новый мир. В начальном периоде его творчества, Алексей Кузьмич был привлечен портретом и тематической живописью. Его произведения, такие как «У окна» (1974), «Воскресный день» и «Девушка и цветы» (обе 1976) а также «В мастерской художника» (1977), отражают непосредственные впечатления от его встреч с родными местами и людьми.
Художник стремится выразить не только внешнюю форму человека или объекта, но и их пластическую сущность. Он ощущает энергию, материал и дух вещей через непосредственный чувственный опыт. Каждая его картина — результат простых наблюдений и начал размышления о жизни и ее смысле. В то время работы Алексея Кузьмича отражают подражание великим мастерам эпохи, таким как Тициан, Эль Греко и Ван Гог.
Однако, это только первые шаги художника на пути к величию. Через подражание мастерам, Алексей Кузьмич стремится развить свой собственный уникальный стиль. Его работы со временем приобретают глубокий пластический мотив художника. Like all startups, возникают подражания и дальнейшие переходы на собственный индивидуальный стиль.
Духовное вдохновение в творчестве
Высшей целью искусства для Алексея Кузьмича является утверждение красоты, Божественного в человеке. Современное общество испытывает острую потребность в восстановлении духовных ценностей. Искусство может стать источником света и любви для людей, стремящихся к ним в хаотическом и бесцветном мире сегодня.
Алексей Кузьмич возвращается и возвращается к теме Мадонны с удивительной постоянностью. Он сравнивается с великими мастерами эпохи Возрождения, также практиковавшими эту тему, потому что он считает, что только высокое искусство способно прославить, очистить и оберегать и этот идеал воплощает Алексей Кузьмич в своих произведениях. Таким образом, он отвечает на вызовы нашего времени и предлагает решение, воплощенное через красоту и духовность.
Заключение
Таким образом, творчество Алексея Кузьмича прошло свой путь развития от простых наблюдений и подражания великим мастерам к собственному индивидуальному искусству. Художник стремится через свои картины передать пластическую сущность мира, выразить энергию, материал и дух вещей. Возвращаясь к теме Мадонны, Алексей Кузьмич поддерживает вязь с великими художниками эпохи Возрождения и утверждает, что искусство способно прославить и облагораживать, являясь источником духовного вдохновения и красоты в современном мире.
Введение
В данной исследовательской работе рассматривается творчество художника Алексея Васильевича Кузьмича и его связь с природой и культурой. Автором считается, что природная стойкость и чувство сопротивления представляют собой ключевые элементы, которые влияют на тематику его работ и связь с природой и Космосом. Это проявляется в образе Мадонны, который является важным и дорогим для художника.
В соответствии с творческим кредо художника, в произведениях искусства должны присутствовать триединство: мир, язык и художник. Отсутствие одного из этих компонентов делает произведение неполноценным и немощным. В связи с этим, Алексей Кузьмич придавал особое значение сохранению связи с его родной землей.
Художник и его история
Алексей Васильевич Кузьмич родился в 1945 году в Мохро, большой и красивой полесьской деревне на Брестчине. Из-за потери отца, который умер вскоре после возвращения с фронта, его мать Александра Максимовна одиночестве заботилась о его воспитании. Из раннего детства Алексей проявлял интерес к искусству, а помощью и поддержкой в его творческом развитии стали его двоюродный брат Степан, художник-самоучка, а также учитель рисования в местной школе Анатолий Павлович Рубанович и пять сестер.
Сохранение крепкой связи с природой
Алексей Кузьмич в своем творчестве всегда подчеркивал важность сохранения кровной связи с землей и природой. Он верил, что потеря этой связи разрушительно влияет на творческую энергию художника. Сознательно или интуитивно, он удержался от влияния различных авангардных течений, сохраняя в своем изобразительном языке исключительную чистоту и поэзию.
Заключение
Творчество художника — это его храм, воспитанный эволюцией культуры и мысли. Работа Алексея Васильевича Кузьмича отражает его глубокую связь с природой и утерянными связями между человеком и природой, человеком и Космосом. Во всей его работе прослеживается троичность: мир, язык и художник, которые образуют важный компонент творческого процесса.
По мнению исследователя, Алексей Васильевич Кузьмич имеет значительные достижения в поддержании своих корней и экспрессии их в искусстве. Как художник, он продолжит свое творческое путешествие со своими источниками вдохновения и изобразительным языком, который он развивал на протяжении многих лет.
Анализ творчества Алексея Кузьмича
Творчество Алексея Кузьмича можно разделить на несколько этапов, которые отражают его эволюцию как художника и его постепенное открытие новых тем и идей.
Первый этап: противопоставление женщины-труженицы и мадонны
На первом этапе своего творчества, Алексей Кузьмич противопоставляет женщину-труженицу, осужденную революцией и социалистическим образом жизни, мадонне. В своих работах он изображает женщину-труженицу как ударницу, которая борется за свои права и достоинство в трудных условиях существования. Он рисует ее смело и романтически, возвышая ее образ и воскрешая утраченную духовность народа.
Второй этап: таинственность и красота женского тела
На следующем этапе своего творчества, Алексей Кузьмич смело приоткрывает таинства красоты женского тела. Он изображает женскую красоту вместе с высокой духовностью и одухотворенностью. Его картины отражают не только внешнюю привлекательность женщины, но и ее внутреннюю красоту и глубину. Этот этап его творчества был принят с большим недоверием и не признавался в течение 15 лет.
Третий этап: признание и успех
В 1989 году состоялась первая выставка работ Алексея Кузьмича, которая имела огромный успех. После этого его работы были представлены в разных городах республики и в Москве. Алексей Кузьмич получил признание и понял, насколько его творчество нужно людям. Он продолжал создавать и выставлять свои работы, делая акцент на красоте женского тела и его духовной составляющей.
Таким образом, творчество Алексея Кузьмича прошло несколько этапов развития, начиная с противопоставления женщины-труженицы и мадонны до открытия таинственности и красоты женского тела. Его работы были признаны и получили широкое признание среди публики.
На другом этапе творчества Алексея Кузьмича мадонна более реальная, земная, исторически конкретная. Он чувствует в себе потребность показать трагизм событий на определенных исторических сломах.
Впечатляет, если не сказать потрясает, картина «Красная мадонна». На голове женщины, доброй, искренней, повязан красный платок. Он плотно облегает плечи героини до пояса, создавая искаженной, деформированной формы идеологический круг-ореол. Никак не вырваться мадонне из этого порочного круга, он ее душит, угнетает и унижает. В отчаяньи, утратив веру стать свободной и независимой, мадонна плачет. Планетарная печаль на ее красивом лице.
В картине «Рогнеда» полоцкая княжна также плачет. И этот плач также исторически оправданный. Рогнеда как бы поднимается над временем и пространством. В ее широко открытых глазах и печаль, и ужас, и упрек, и мольба. Волосы локонами, веероподобно рвутся в небо. Оттуда женщина спустилась, чтобы посмотреть, что поменялось на земле за ее отсутствие, что люди собой представляют. Принесла из глубины веков свои обиду, боль, протест нам, людям.
Впервые во всемирной истории искусств плачущие мадонны появились на полотнах Кузьмича. Белорусский художник нарушает устоявшиеся каноны, идет от противоположного. Плач мадонн — это плач его собственной души, которая неистово ищет выхода, израненная и доведенная до высшей степени протеста в бесчисленных столкновениях с противоречиями развития нашего общества. Нужно быть очень благодарным художнику за его великую гражданственность, патриотизм, непоколебимое желание видеть свой народ свободным и счастливым.
Детство Алексея Кузьмича прошло в большом селе Мохро на Брестчине в многодетной крестьянской семье. День его рождения — 1 июня 1945 года запомнился сельчанам большими пожарами, случившимися от удара молнии. Рассказывали, что его мать Александра Максимовна восприняла их как знамение, сулившее сыну большое будущее. Василий Феодосьевич Кузьмич, отец Алексея — потомок старинного шляхетскою рода. Когда мальчику было полтора года, отец умер, сказались ранения, полученные на фронтах Великой Отечественной войны.
Александра Максимовна одна воспитала семерых детей, уповая на труд, Бога и добрых людей. Сестры увлекались рукоделием. Несмотря на трудности жизни, в доме часто звучала песня.
Пожалуй, наиболее яркие воспоминания детства Алексея связаны с весьма почитаемым в селе человеком Рубановичем Анатолием Павловичем, художником, другом отца. Это был действительно интересный, широкой культуры, высокообразованный человек (учился в Варшаве, Париже, Вене).
Мальчика связывала с ним трогательная дружба. Тогда-то и состоялось первое приобщение к искусству. Алексей впервые услышал имена: Тициан, Веласкес, Ван Гог, увидел репродукции их картин. Развитию природных способностей мальчика способствовал и двоюродный брат Алексея, Степан Кузьмич, одарённый самодеятельный художник.
Старшие дети входили в самостоятельную жизнь. Дороги странствий влекли и Алексея. В 1962 году шестнадцатилетний юноша едет в Красноярск, где живут ею дальние родственники. Работает, посещает классы художественной студии. После службы в армии в 1968 году возвращается на Беларусь, живет и работает в Минске. Здесь началось систематическое художественное образование Алексея Кузьмича. Вначале в студии изобразительного искусства под руководством замечательного педагога и художника А. В. Барановского, затем — в Белорусском государственном театрально — художественном институте, где преподавали В. Суховерхов, П.Крохолев, Н.Воронов. У П.Воронова Алексей Кузьмич перенял свободную манеру письма, владение цветом. Уроки же главного учителя, коим считает Алексей А.Барановского, оставили в формировании молодого художника не только профессиональный, но и нравственный след.
С окончанием института наступает время активной самостоятельной творческой деятельности. С 1975 года Кузьмич — участник художественных выставок. В 1981 году народный художник Республики Беларусь Л.Щемелев, заслуженные деятели искусств П.Крохолев и П.Стасевич рекомендуют Кузьмича в Союз художников. В этом же году состоялась первая персональная выставка произведений художника.
Картины Алексея Кузьмича приобретаются Государственными музеями республики, многими отечественными и зарубежными коллекционерами. Коллекция данной выставки сложилась из картин написанных на протяжении всего творческого пути, она достаточно полно позволяет оценить индивидуальные особенности и потенциал художника.
Михаил Савицкий
Думая о создании синтетического, обобщающего образа республики-партизанки, Савицкий исходил из конкретного и не имеющего себе подобного в истории войн факта—две трети территории оккупированной Белоруссии контролировались партизанскими соединениями. В этих зонах (в глубоком тылу врага!) была Советская власть — работали сельсоветы, школы, люди трудились и выходили на боевые задания. Сам факт говорит о могучих жизненных силах народа, который нельзя ни покорить ни уничтожить. Его осмысление художником и вызвало образ, извечно олицетворяющий продолжение и торжество жизни, — мадонну.
,,Партизанская мадонна»
В „Партизанской мадонне» слышится песенное звучание величавого народно! о эпоса о преданности и мужестве, о родной земле и ее защитниках.
«Партизанскую мадонну»
Государственный художественный музей Белоруссии заказал Михаилу Андреевичу копию или вариант первой картины, Но, как говорит художник, повторять себя у него нет времени. Каждая работа должна быть движением вперед. И он написал на ту же тему совершенно другую картину, которая не только не уступает художественным достоинствам первой, но и несет новое содержание.
Здесь молодая мать представляет в вертикальном формате полотна. (Первое — почти квадрат.) Она как бы приближается к нам. Два взгляда ~ матери, взволнованной, и сына, полного недетской серьезности, — устремлены на зрителя. Такой двуединый образ более эмоционально-динамичен, взывает к открытому и доверительному контакту. Словно преодолен барьер самоуглубленности, ощутимый в первой картине, в которой величавая эпичность сплавлялась с чертами жанровой сцены. В новой преобладают торжественность идеала и патетическое чувство преддверия нового.
Воспевая духовную красоту народа в годы военных испытаний, художник говорит о чувствах, которыми вечно живо человечество. Непреходящий смысл первого образа прочитывается в преломлении традиций древнерусской живописи. Он связан с „Петроградской мадонной» К. Петрова-Водкина В этом — созвучие времен…
Вторая картина обращена к традициям итальянскою Возрождения. Они сказались в стилистических признаках: развито вглубь пространство, активнее стала пластическая лепка. В композиционной схеме н силуэтном решении, в интерпретации мотива жертвенного несения ребенка — символа новой жизни и новой надежды — ясно прочитывается аналогия с рафаэлевской «Сикстинской мадонной».
В современной творческой практике все чаще встречаются прямое обращение к классическим аналогом. И это не предосудительно. Если первооснова всякого искусства — бытие и его идеалы, то во второй его исток — накопленный человечеством художественный опыт. Использование его в творчестве современного художника так же правомерно, как применение ученым предшествующих открытий. Весь вопрос в том, сколь талантливо проецировано на современность классическое произведение, сколь оправдано замыслом автора.
III. ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Сколько мадонн создано живописцами с древности до наших дней! У каждого времени – своя мадонна. Своя она и у каждого художника. Ведь слово «мадонна» означает «моя женщина» …. С этим значением соединился образ материнства как неотъемлемый от представления о прекрасной женщине, исполняющей главную жизненную миссию. Уже в формах культовой живописи этот образ стал воплощением гуманных, общечеловеческих понятий. Поэтому он органично перешел в светскую живопись. С течением времени его гуманное содержание освобождалось от религиозной оболочки. Изображая мадонну с младенцем, художники редко отказывают себе в удовольствии добавить птичку, или вазочку с цветами, или какой-нибудь искрящийся стеклянный шар на подлокотнике кресла.
Художники эпохи Возрождения изображали в своих картинах не просто женщину, а мадонну. Великие живописцы создавали себе свой образ женщины, который являлся перед нами в образе святой.
IV. ПРИЛОЖЕНИЕ
Леонардо да Винчи «Дама с горностаем» (1484 г.)
Рис. 1
Леонардо да Винчи “Мадонна Литта” (1478-1784гг).
Рис. 2
Леонардо да Винчи “Джоконда”
Рис. 3
Рафаэль «Флорентийские мадонны»
Рис. 4
Рафаэль «Мадонна Конестабиле».
 |
Рис. 5
Лукас Кранах Старший “Мадонна с младенцем
под яблоней”
Рис. 6
Антонис ван Дейк “Мадонна с куропатками”.
 |
Рис. 7
Робер Кампен “Мадонна с младенцем у камина”
 |
Рис. 8
 |
Рогир ван дер Вейден “Св. Лука, рисующий Мадонну”
Рис. 9
Алексей Кузьмич «Юная Даная» (1986 г.)
 |
Рис. 10
Алексей Кузьмич «Мадонна с младенцем» (1995 г.)
 |
Рис. 11
V. Список иллюстраций.
1. Леонардо да Винчи «Дама с горностаем» (1484 г.)
2. Леонардо да Винчи “Мадонна Литта” (1478-1784гг).
3.Леонардо да Винчи “Джоконда”
4.Рафаэль «Флорентийские мадонны»
5.Рафаэль «Мадонна Конестабиле».
6.Лукас Кранах Старший “Мадонна с младенцем под яблоней”
7.Антониса ван Дейк “Мадонна с куропатками”.
8.Робер Кампен “Мадонна с младенцем у камина»
9.Рогир ван дер Вейден “Св. Лука, рисующий Мадонну”
10.Алексей Кузьмич «Юная Даная» (1986 г.)
11.Алексей Кузьмич «Мадонна с младенцем» (1995 г.)
12. Михаил Савицкий «Партизанская Мадонна»
13. Михаил Савицкий «Партизанская Мадонна» «Минская»
14. Рафаэль «Сикстинская Мадонна»
VI. Список использованной
1. Любимов Л.Л. “Небо не слишком высоко”- М: “Просвещение”, 1989 г.
2. Муранов П.П. “Образы Италии”- Москва: “Республика”, 1994 г.
3. Персианова О.М. “Эрмитаж. Путеводитель по залам музея”- Ленинград: “Аврора”, 1985 г.
4.Шапиро Ю.Г. “Эрмитаж. По выставкам и залам”- Л: “Искусство”, 1983 г.
5. Энциклопедия искусства. том 7.//ред. М.Д. Аксенова, Москва: “Авента+”, 1997 г.
6. Белова О.Ю. «История искусств»: М., Издательство «Аквариум», 1997 г.
7. Долгополов И.В. «Рассказы о художниках»: 1,2 тома.- М., Изобразительной искусство, 1982 г.
8. М.Савицкий, Минск, 1982 г.
9. Б.А. Лазука «Гiсторыя Мастацтва» — Мiнск, 1996 г.
